柿沢謙二ブログ

映画「M:I-２」2000年アメリカ

2作目の冒頭は、普通に考えれば、ちょっとスパイ映画とは思えないようなシーンからスタートします。

トム・クルーズ演じるイーサン・ハントが、1人で黙々とロッククライミングをしているんですね。

これは、アメリカのユタ州にあるデッドホースポイントという場所で、ロケーションされました。

このシーンを撮るために、トムクルーズは、ロッククライミングの大特訓をして臨んだそうです。

オレンジ色に輝く断崖絶壁を素手で登っていくのですが、彼の命を守るものは安全ロープ1本だけ。

これは後でCGで消しています。しかし安全ネットはありません。

ジョン・ウー監督は、もちろんスタントマンを用意していたようですが、結局彼は自分でこのシーンをやり遂げてしまいました。

このシーンだけで撮影に2週間もかけたそうです。彼の意気込みが伝わります。

しかし、よくよく考えると、トムと一緒に崖に張り付きながら、このシーンを撮影したカメラマンがすごいですね。

 

登り終えたイーサンに、追いかけてきたヘリコプターから小型のミサイルが発射されます。

イーサンがその小型ミサイルの中に入れられていたメガネをつけると、IMFからの指令が…

 

というわけで、IMFからの指示を受けるためだけなら、わざわざこんなシーンから始めることもないのにと思ってしまうところですが、これはおそらくトム・クルーズがやりたかったんでしょうね。

彼にとっては、ストーリーよりも、まずは観客の目を引くアクション・シーンを撮ることの方が優先。

話は後から繋げればいい。

これは、ジョン・ウー監督のスタイルでもあったようですが、後に続いていくこのシリーズの基本的スタイルにもなっていきます。

映画館の観客を喜ばせるには、理屈よりも、まずは目を見張るアクションありきというわけです。

そしてそれを、自分が吹き替えなしで演じていくぞと宣言しているようなシーンでもありました。

 

ジョン・ウー監督と言えば、個人的には80年代の香港ノワール「男たちの挽歌」シリーズのチョウ・ユンファの顔が自動的に思い浮かんでしまいます。

サム・ペキンパーばりのスローモーションを駆使した華麗な暴力描写。

メキシカン・スタンドオフなどを効果的に取り入れたスタイリッシュな演出。

暴力シーンに平和の象徴である鳩を飛ばすなど、独特の作家性も作品に盛り込んで、アクション映画の新感覚派として名をあげ、ハリウッドに進出してきた人です。

 

シリーズ2作目は、前作に比べ、より「生身の体」を強調したアクション演出になっていました。

これは、スパイ映画の大傑作007シリーズの２作目である「ロシアより愛をこめて」を大いに参考したのではないかという気がしています。

「ロシアより愛をこめて」は007シリーズの中でも最高傑作の誉れ高い作品です。

かなり荒唐無稽感が否めなかった一作目の「ドクター・ノー」を軌道修正して、この２作目はアクション映画の原点ともなるフィジカルが全面に押し出された手堅い演出になっていました。

オリエント急行の中での格闘シーンは、鮮烈に印象が残っています。

現在まで全25作が作られている007シリーズですが、個人的には今でも、この第二作目が一番好きですね。

そんなわけで、スパイ映画の先駆者として、トム・クルーズも、この作品は相当に意識したのではないかと思うわけです。

人間の生身のアクションのインパクトは、派手な爆破シーンやCG合成による特撮にも勝る。

トムクルーズは、あまたある過去のアクション映画を十分に研究した上で、この境地に達しているのだと思われます。

 

生身の体と体が一対一でぶつかりあうラストのビーチ・ファイトを、本作のクライマックスにもってくるあたり、この信念は、本作において見事にビジュアル化されています。

このシーンのために、ジョン・ウー監督が起用されたと言っても過言ではないのかもしれません。

もちろん、ワイヤーアクションで撮影したものを、CG処理で、後からワイヤーを消すという処理はしているでしょう。

しかし、同じ手法のアクション映画でよくあるような、役者がいかにも不自然に飛び上がったり、クローズアップにして空中アクションをカット割りで誤魔化すような子供騙しは、本作には見当たりません。

むしろ、アクションシーンを役者自身が演じていることを強調するように、スローモーションが多用されていました。

対決の中で、トム・クルーズは相手に対して、見事に延髄切りを決めているカットがあるのですが、これも明らかにトム・クルーズ自身が編集なしのワンカット撮影で決めています。

格闘技の試合以外で、生の延髄切りを見たのは、これが初めてでした。

但し、個人的には、それにこだわりすぎて、逆に違和感を持ってしまったようなシーンもありました。

やはりラストのビーチ・ファイトのシーンです。

敵が振り下ろしたナイフの切っ先が、トム・クルーズの眼球から数センチのところで止まるというシーン。

これは、トム・クルーズ自身が提案したシーンだと言います。

撮影は万が一の事故も起きないような、ミリ単位の精密な設定をして行われたと言いますが、もちろんこれも彼は吹き替えなし演じています。

もちろんトムの映画に対する気合はヒシヒシと感じます。

しかしこのシーンは、リアリズムよりもインパクトを優先し過ぎたかもしれません。

 

バイクアクションも本作にはふんだんに盛り込まれています。

スタントマンが吹き変えているシーンかどうか、カット割にはかなり注意を払って見ていましたが、やはりほとんどのシーンは彼が自身が演じているように見えました。

バイクの訓練も半端ではない時間を費やしていたと思われます。

 

肉体派アクション俳優というと、すぐにシルベスター・スタローンや、アーノルド・シュワルツネッガーを思い浮かべてしまいます。

トム・クルーズは、彼らのようなマッチョではありませんが、身体能力で比べれば、間違いなく彼らの遥か上の水準かもしれません。

それは、シリーズではお決まりのように描かれる、彼の全力疾走シーンを見れば一目瞭然。

どれだけ、CG技術が向上しようとも、これは誤魔化せるものではありません。

 

さて、本作を語るにあたっては、スパイ映画において、主人公は、相方となる女性と恋愛関係になるべきか問題を無視出来ません。

イーサン・ハントは、IMFの指令通りに、今回敵方にまわる元IMF諜報員の昔の恋人であるナイア・ホールに接近します。

演じるのは、タンディ・ニュートン。

イギリス人の父親とジンバブエのショナ族出身の母親のハーフです。

イーサンは、本業が泥棒であるナイアに接近し、危機一髪のところで彼女を守り二人は急接近。

アクション映画の鉄板の法則として、生死を共にした後で、二人は恋に落ちるというわけです。

心理学における「吊り橋効果」ですね。

これは、それなりに説得力があるので、アクション映画における、恋愛のプロットにおいてはしばしば見られる展開です。

しかし、スパイ映画となると、この法則はやや怪しくなります。

ジェームズ・ボンドにしても、ナポレオン・ソロにしても、マット・ヘルムにしても、この効果により、美女に惚れられることはあっても、自分は決して惚れないわけです。

スパイ映画やドラマの全盛期は、1960年代だったと思いますが、僕の知る限り主人公たちはもみんなこの暗黙のルールを守っていたと思います。

そして、観客側は、このクールさに勝手に痺れていました。「カッケー!」というわけです。

 

もちろん、この暗黙のルールを作ったのは、スパイ映画の元祖とも言える007シリーズでしょう。

第6作目の「女王陛下の007」のラストで、ジェームズ・ボンドが、ボンドガールと恋に落ち結婚をするという例もあるのですが、正直これにはかなり違和感がありました。

初期のスパイ映画のヒーローは、けっして女性に優しくありませんでした。

ジェームズ・ボンドは、女性に平手打ちをしたり、投げ飛ばしたり、女性を盾にして敵の銃撃をかわしたりしていました。

今なら、完全にNGですね。

女性にヤニ下がるスパイは、カッコよくない。イケてない。

いわんや、恋に落ちるスパイなど言語道断。

60年代のスパイ映画を浴びるように見てきた僕ら世代には、明らかにこの法則が刷り込まれているようです。

 

本作において、イーサン・ハントは、明らかにナイア・ホールに対して恋愛感情を抱き、ベッドも共にしています。

そして、その彼女を囮として、元恋人の元へ潜入させることに苦悩します。

このナイアに対する恋愛感情がベースになっているからこそ、ラストの怒涛のアクション・シーンにそれなりの説得力が与えられているのは間違いのないところ。

このあたりのエモーショナルなテイストは、もちろんオリジナルの「スパイ大作戦」には有りません。

オリジナル・ドラマのメンバーたちは、恋愛を演じることはあっても、自身が恋に落ちることはありませんでした。

スパイたるもの、一時的な感情に溺れてはいけない。

少なくとも60年代のスパイたちは、みんなクールでした。

 

しかし、今日の映画で描かれるスパイは、それではシンパシーが得られないということなのでしょう。

トム・クルーズ演じるイーサン・ハントは、過去のスパイたちとは、明らかに一味もふた味も違いました。

諜報員も、当たり前に恋愛をし、そして愛する者のためには命をかけるわけです。

結果、本作は、記録的には前作を上回る興行成績を上げているのですから、文句は言いません。

 

映画は、2000年に公開されていますが、この映画を支持した多くの観客は、すでにオリジナル・ドラマを知らない世代かもしれません。

彼がもし、ピーター・グレイブスが演じた冷静沈着で頭脳明晰なジム・フェルプスのキャラをそのまま演じたらどうなるか。

個人的見解としては、ジム・フェルプスを演じるには、トム・クルーズはまだ若すぎます。

この時すでに38歳になっているとはいえ、まだまだ現役バリバリ感のある溌剌としたトム・クルーズが、ジム・フェルプスを演じるのではいかにももったいない。

普通に考えて、トム・クルーズの役者としての魅力は半分も活かせないでしょう。

ジム・フェルプスは、間違っても休暇中にロッククライミングはしないでしょうし、バイクを乗り回して片手で拳銃をぶっ放したりしません。

もちろん、恋愛もしません。

やはり、本シリーズは、旧作のテイストも十分に活かした上で、トム・クルーズが上書きしたアクション映画としての魅力が加わって成功していると考えるべきでしょう。

 

スパイ映画のヒーローは、恋愛をするべきか、しないべきか。

とはいっても、僕のような頭が硬いクラシック映画ファンは、60年代スパイ映画にはコテコテに影響されているので、正直このあたりは少々悩ましいところ。

単発のスパイ映画であれば、その要素はある程度あってもいいのかもしれません。

しかし、シリーズ物ということになれば、登場する美しい女性キャラに、毎回恋愛するヒーローというのも、如何なものかという気はします。

寅さんのように、毎回登場するマドンナたちに、失恋してしまうという展開であれば、観客の支持はそれなりに得られそうですが、それが毎回ラブラブになったとしたら、はたしてシリーズが成り立つか。

恋多きスパイでは、いい仕事はできそうもありませんし、観客のシンパシーが得られそうもありませんね。

仕事仲間として、前回に引き続き登場し、以後不動のチームメンバーとなる天才ハッカーのルーサーは、イーサンにこう言いますね。

 

「この仕事をしていると、女と付き合うのは難しい。」

 

あるべきスパイ映画のヒーロー像は、やはり時代と共に変わっていくのでしょう。

 

ところで、ルパン三世と峰不二子のキスシーンて、ありましたっけ?

 

 

 

 

 

 

 

読書「殺戮にいたる病」我孫子武丸

 

またしても秀逸な叙述トリックにやられました。

特に選んでいるわけでもないのですが、評判のミステリーを読んでみると、圧倒的に叙述トリックを使っている作品が多いんですね。

最近読んだものでは「十角館の殺人」「イニシエーション・ラブ」「葉桜の季節に君を想うということ」「ジェリーフィッシュは凍らない」「シャドウ」などなど。

ことごとくこのトリックを巧みに使って、あっと驚く大どんでん返しを仕掛けた傑作でした。

 

このトリックは、犯人が仕掛けるトリックではありません。

作者が読者に、直接仕掛けてくるトリックですので、全く予期していなかった角度からハンマーで殴られたような衝撃があります。

ですから、これをやられた時のインパクトは強烈。

筆に自信のある小説家だったら、トライしてみたくなるのも理解できます。

但し、このトリックを仕掛けたミステリーの難点が一つ。

それは、うかつに感想文が書けなくなってしまうことですね。

 

ちょっとあらすじを書いただけでも、ネタバレになりかねないので、紹介にはどうしても慎重を要します。

この作品に仕掛けられているのが、叙述トリックであるというだけでも、勘のいいミステリーファンには、すでにネタバレになっている可能性だってあります。

拙いながらも、感想文を書く時には、これを読んだ人がこの小説を読みたくなることをモットーにして書いておりますので、ネタバレなしという縛りで、どうやってこの作品の面白さを伝えたものか。

「面白いですよ。あなたもどうぞ」だけでは、さすがに芸がありません。

 

本作を紹介しているどのYouTuberも、まず口をそろえていうのは、最後1ページに仕掛けられた大どんでん返しの切れ味の鋭さ。

ここにいたるまでの258頁(講談社ノベルス版)は、すべてこの1頁の衝撃のために引かれた導火線だと思ってもいいと思います。

よく出来た叙述トリック爆弾を食らうと、僕のようなぼんくら頭は一瞬思考停止になります。

 

「ん? 何が起きた? どういうことだ?」

 

最後の一頁を一言一句丁寧に追っても、作者が仕掛けたトリックがさく裂していることに気が付かないわけです。

 

こりゃいかん。

 

まずは、クライマックスに突入してからのラストの20頁くらいは遡って読み返すわけです。

これでじわじわと炸裂したトリックの輪郭が見えてきます。

 

「しかし、ほんとか? いや待て待て。」

 

その衝撃がなんとか理解できると、今度はそこにいたる叙述が気になってきます。

叙述トリックを使うにあたっては、当然嘘はご法度。

読者に差し出す情報は、最後までフェアでなければいけません。

唯一作者に許されるのは、都合の悪い情報は隠していてもいいということ。

これを念頭に置いて、読み終わったばかりの本を読み返してみると、これがまた一度目とはちょっと違った味わいになってくるんですね。

騙された身としては、なるほどうまく「書いていやがる」と唸ってしまうわけです。

 

「優れた叙述トリックのミステリーは、思わず続けて二度読んでしまう。」

 

誰かが言っていましたが確かにその通り。

自分がどこで作者の仕掛けたミスリードに引っ掛かったのかを確認しながら、作者の入念な文章ワークを辿ることになります。

 

さて、本書でまずびっくりしてしまうことは、冒頭にいきなりエピローグがくること。

これは、時間軸的には、本作の衝撃のラストの後に続く、犯人逮捕とその後を描いた文字通りのエピローグ。

抵抗せずに連行されていく蒲生稔。それを茫然と見送る蒲生雅子。そして、警察に通報した樋口武雄。

 

そうなんです。

本作はまず冒頭で、6人の女性たちを次々と殺してきたシリアル・キラーが蒲生稔であることを明らかにしてから物語がスタートするわけです。

冒頭から犯人が分かっているわけですから、本作は倒叙ミステリーでもあります。

この犯人のパートと、自分の息子が犯罪を犯しているのではないかと疑心暗鬼になる雅子パート、そして、蒲生稔に殺された女性と浅からぬ仲という立場から犯人を追いかける元警視庁警部の樋口武雄パート。

物語は、この三つのパートが、相互に交錯しながら、このエピローグに向かって進行していきます。

 

とにかく何といってもすさまじいのが蒲生稔パートです。

女性たちを言葉巧みに誘って、ラブホテルに連れていき、絞殺してから、死姦、はては乳房や性器を切り取って持ち帰るという、尋常ではないエログロ場面が、臨場感たっぷりに描かれていきます。

はては、これをビデオ撮影し、持ち帰った肉塊を愛撫しながら、自室でマスターベーションするところまで描かれるわけですから、文章を脳内シアターで映像に変換して小説を楽しむのを習慣としている僕としては、これはかなりハードでした。

 

ちょっと思い出してしまったのは、1984年にベストセラーになった「霧の中」という一冊です。

1981年、パリに留学していた日本人留学生佐川一政（当時32歳）が友人のオランダ人女性留学生（当時25歳）を自宅に呼び出し、背後からカービン銃で射殺。

衣服を脱がせ屍姦したあと遺体の一部を生のまま食べ、また遺体を解体し写真を撮影して遺体の一部をフライパンなどで調理して食べた。

この衝撃の事件を、佐川自身が本にしたものです。

これは実話でしたが、たとえフィクションであっても、その臨場感とエグさにおいては、本作の描写の方が確実に勝っていましたね。

 

ではどうして、ここまでのエログロに筆者がこだわったか。

 

これは、本作が執筆された1993年に大いに関係があると踏んでいます。

この年を遡ること4～5年前、日本中を震撼させた事件が起こりました。

東京都下から埼玉にかけて発生した幼女連続殺人事件です。

犯人は宮崎勤。

 

この犯人の残忍さと異常性は、佐川一政以上。まさに蒲生稔に匹敵するものでした。

 

AI にざっくりまとめてもらいました。

 

最初の事件: 1988年8月22日、埼玉県入間市で4歳の少女Aが行方不明になり、後に遺体が発見されました。宮崎は遺体にわいせつ行為を行い、その様子をビデオ撮影。

 

第二の事件: 1988年10月3日、埼玉県飯能市で7歳の少女Bが行方不明になり、同様に殺害。

 

第三の事件: 1988年12月9日、川越市で4歳の少女Cが誘拐され殺害。

 

第四の事件: 1989年6月6日、東京都江東区で5歳の少女Dが行方不明になり、遺体が発見。

 

宮崎は殺害後、遺体にわいせつ行為を行い、その様子をビデオ撮影していました。

犠牲者の遺骨を遺族に送りつけるなど、遺族をさらに苦しめる行動を取りました。

 

実は、この事件については、本作の中でも何度か触れられている箇所があります。

この事件の衝撃が、本作を執筆する上で、筆者にとってのモチベーションになっていたことは想像に難くありません。

 

どんな映像クリエイターでも作ることの出来ない、残酷でグロテスク極まる最悪の映像が、サイコキラーによって撮影されていたという事実に世間は驚愕しました。

 

この事件の発生によって世間は、残酷シーンの多い映画や、ロリータもの、ポルノ映像などを自主規制し始めます。

そして、僕も含めた日本中のオタクたちが、一斉に白い目で見られるのもこの事件がきっかけでした。

 

ちなみに、僕が務めていた会社は埼玉県の入間市にありますが、被害にあった幼女Bの父親が務めていました。

そして、現在僕が住んでいる川越の団地から、幼女Cが誘拐されています。

僕がこの団地に引っ越してきたのは、事件があってから数年後ですが、まだ団地のあちこちには「みんなで守ろう。小さな命。」といった立て看板がなまなましくたっていたのを覚えています。

そんな団地に、2000本近いビデオテープ(もちろんWOWOWで撮りためた映画です)をもった怪しい独身男が、何も知らずに引っ越してきたわけですから、ご近所さんたちには、怪しき変質者と思われていたかもしれません。

 

閑話休題。

 

そんな時代背景を頭に入れながら、なぜ、筆者がこれだけのエログロ描写にこだわったのかをちょっと考察してみます。

 

まずこの叙述トリックを思いついた時、筆者が何を思ったのか。

それは、こんなことではなかったでしょうか。

 

快心のトリックだけれど、これは叙述トリックであるがゆえに、映像化することは不可能。

おそらく、映画化やドラマ化の話はないだろう。

ならばいっそのこと、このシリアル・キラーの異常性をとことんつきつめてみよう。

犯罪描写も、映像化不可能なグロテスクなものにしてしまおう。

蒲生稔視点の、エログロ描写だけを描けばこの作品は単なるサイコホラー。

ホラーファンの評価しか受けないだろう。

しかし、作品の背骨にしっかりとこの叙述トリックが仕込まれていれば、エログロの味付けは、トリックのための必然として理解されるはず。

 

その大義名分が得られれば、エログロに耐性のある読者も世の中には相当数いるはずだから、小説の売り上げには貢献するはず。映像化不可能で上等。

ならばここはそれを逆手にとって、小説でしか表現できない最強のサイコ・ミステリーを極めてみよう。

 

作者が本当にそう思ったかどうかはわかりません

しかし、虫も殺せないようなかわいい顔をした女子YouTuber が、顔色一つ変えずに、「このミステリー最高」などと言っているのを聞くと、トリックの意外性だけでなく、過激すぎるエログロが、本作の評価をいかに押し上げているか。

それがわかるような気がするわけです。

秀逸な叙述トリックがあるからこそ、嫌悪すべきエログロに対しても安心して評価できると言う寸法です。

怖いもの見たさは、なんだかんだといって、人間の本能にインプットされているもの。

我が母親の寝床の枕元に、いつも楳図かずおの恐怖コミックが置いてあったのを思い出します。

 

酒鬼薔薇聖斗による神戸連続児童殺傷事件が起こるのは、本作が世に出た4年後のことです。

 

蒲生雅子は、息子の犯罪を疑って、息子が不在の隙に、何度も部屋に入り込みます。

実はこれ、学生の頃は、我が母親に頻繁にやられました。

主に押収されたものは、もちろんエロ本でした。

令状なき母親のガサ入れは、僕が学校に行っている間に行われ、帰ってくるとベッドの下に隠してあったはずのエロ本が、どんと机の上に積まれていました。

 

「うわ。見つかったか。」

 

しかし、我が母親が、蒲生雅子のように、年頃の息子のことを心配していたのかというと、実はそうでははありません。

我が家の場合、蒲生家と違うのは、家が書店であったこと。

つまり、僕が隠していたのはすべて店の売り物でした。

どれだけ読んでも構わないけど、ちゃんと店に返しておかないと、夕飯はなしというのが彼女流でしたね。

 

本作を読んでいて、結構リアルだったのは、ビデオカメラでした。

実は、僕がビデオ・カメラを購入したのは結構早く、1987年でした。

当時のボーナスを、そっくりはたいて買ったのを覚えています。

SHARPのビデオ・カメラで、その頃はまだカメラ自体も大きく、肩に担いで撮るタイプでした。

VHSのビデオ・テープをそのまま録画メディアとして使うタイプ。

 

しばらくはこれを使っていましたが、本作が世に出るころには、カメラは一回り小さくなりました。

それは、録画メディアが、VHSから8mmビデオに変わったからですね。

これで手持ち撮影が可能になったのを覚えています。

さすがに、宮崎勤や蒲生稔のような使用目的では使いませんでしたが、当時は8mmビデオをそのまま再生できるビデオデッキはまだありませんでしたので、本作の描写にあるように、ビデオ・カメラをそのまま、テレビにつないで、再生していたことはよく覚えています。

 

殺人鬼蒲生稔は、音楽にもこだわっています。

これが、筆者の趣味かどうかはわかりませんが、本作に殺戮シーンに頻繁に登場する曲が、あの当時ヒットしていた岡村孝子の「夢をあきらめないで」。

この曲は、当時男性よりも、女性人気が高かった曲だという認識です。

この歌詞が、残虐シーンには必ず登場します。

蒲生稔は、CDプレーヤーから、イヤホンを二つ引き、これから亡き者にしようという女性と二人で同じ曲を聴きながら行為に及びます。

こんなシーンに使われるこの曲も可哀そうだなと思ってしまいますが、自分の好きな曲を相手と共有したいという気持ちはわからなくもありません。

 

そんなわけで、読みながらも、だんだん気になってくるのが、自分と、この究極のサイコパス男との共通点が意外に多いなという点。

蒲生稔が、殺した女性のバストに異常に執着するあたりも、ドキリとしました。

 

極めつけは、蒲生稔が通っていた大学ですね。

本書の中では、東洋文化大学という架空の大学でしたが、僕が通っていたのは東洋大学。

大学の学食で、バストの大きい可愛い女の子をみつけると、その前に座って、カレーライスを食べながら、喫茶店に誘ったことも実はあるわけです。

彼女がこれから講義があるというと、確かにこういっていました。

 

「大丈夫。その教授の講義は、テストさえ受ければ、楽勝で単位とれるから。」

 

さて、本作にまつわるあれこれを長々と書いてまいりました。

一応この文章がネタバレにならないように注意して書いていたわけですが、気が付けば、この文章も叙述トリックになっておりますね。読んだ方なら、ニヤリとするかもしれません。

なるほど、トリックがばれないように、読者を意識してミスリードさせていくのは、書き手としては確かに楽しいということに気が付きました。

 

もしも、この拙文を読んで、我孫子武丸氏の「殺戮に至る病」を読んでみようと思った方は、読み終えたら(もしかしたら二度)、是非またこの拙い感想文を読んでみてください。

書いている僕が、ニンマリしているのが想像できると思います。

 

我孫子武丸氏は、京都大学文学部哲学科中退。

哲学者キェルケゴールの名著「死にいたる病」も、当然本書のヒントになっていると思います。

キェルケゴールはその著書の中で「死にいたる病は絶望」と書き残しています。

では「殺戮にいたる病」はとは何か。

作者はそんな事は本書のどこにも書いていませんが、とりあえず読了した勢いで言ってしまいましょう。

 

それは、もしかしたら愛かもしれません。

 

 

 

 

読書「百万ドルをとり返せ!」ジェフリー・アーチャー

「コン・ゲーム」（con game）は、信用詐欺や取り込み詐欺を指す言葉です。

「コン」は「コンフィデンシャル(信用)」の略語。

つまり、巧妙な罠をしかけて、相手を信用させて、金品を巻き上げる行為をいいます。

要するに人をだますわけですから、もちろん犯罪です。

ところが、これが小説や映画になるとやたらと面白いわけです。

 

コン・ゲームは犯罪ではあるのですが、この「ゲーム」という表現がクセモノ。

殺人や暴力などの凶悪犯罪は登場せずに、知的な頭脳犯罪が展開されていきますので、かなり面白いエンターテイメントになるわけです。

 

考えてみれば、ミステリーの醍醐味は、作者の仕掛けたトリックに、如何に心地よく騙されるか。

心地よく騙されれば騙されるほどその快感も大きいと言うわけです。

その意味では、コン・ゲーム作品は、非常にミステリーと相性がいいということになります。

詐欺は自分に降りかかるのはノーサンキューですが、小説や映画として楽しむのはウェルカム。

人間とは案外残酷な生き物で、他人が詐欺に会うのは、どこかで面白がってしまうもの。

人の不幸は蜜の味とはよく言ったものです。

 

さて、ちょっと驚いてしまうのは、本作の場合は、これが作者の身に起きた現実の詐欺事件をもとにしているということ。

その作者の名前は、ジェフリー・アーチャーです。

この人、元々はイギリスの政治家です。

1970年に、イギリスの庶民院に、最年少議員として当選しています。

その彼が、1973年に北海油田をめぐる投資詐欺に会い全財産を失うことになります。

彼はそのため、次期の総選挙への出馬は断念。

 

若くして彼の人生は終わってしまったかと思いきや、この人が常人と違うところは、この詐欺事件の顛末を、痛快なエンターテイメント小説にして、世に公表してしまったことです。

元々の彼の知名度も手伝って、この処女作はベストセラーに。

彼はこの印税収入で、借金をすべて返済し、再び政界に復帰するということになります。

なんともドラマチック。

 

成功のミソは、彼がこの作品を、破産ドキュメントにはせず、やられた金額を、その分だけ取り返すというゲーム性を付加したエンターテイメント作品に仕上げたこと。

とにかく本書には、復讐劇にありがちな、悲壮感は皆無です。

百万ドルを騙し取られたわけですから、そこに恨みつらみもあって当然でしょうが、主人公たちはいたってサバサバとしています。

 

主人公たちは、作者が騙されたのと同じように、北海油田にまつわる信用詐欺に会い、財産を失います。総額は4人合わせて100万ドル。

敵は裏社会からのし上がってきた大富豪で、これくらいの詐欺は日常的に行っている肥満の守銭奴。

自分は一切表に出ることなく、法律にも触れずに、彼らから大金を巻き上げてどこかの豪邸で高笑いをしているわけです。

 

しかし、4人は泣き寝入りはしませんでした。

彼らの決断は、警察に泣きつくことではなく、自分たちの手で、巻き上げられた100万ドルをそっくり取り戻すこと。

しかも、この100万ドルに、計画にかかる必要経費をしっかりと上乗せし、そこから1ペニーも多くは取らず、また1ペニーも少なくしない奪取計画をたてて、それを相手に気づかれることなく実行すること。

 

こと復讐劇というと、とかく「やり返しすぎ」が多くなってしまうもの。

その方が人間の本能には準拠しているのでしょう。

あの半沢直樹も「倍返し」だからこそ、面白くなるわけです。

悲しい人間の性ですね。

昔々のハムラビ法典にある「目には目を。歯には歯を」は、もともと「やり返しすぎるな」を戒めた訓戒でした。

原題の"Not a Penny More, Not a Penny Less" はまさに、そんな彼らの心意気とプライドを表しているわけです。

 

チームを組んだ4人は、天才数学教授、医師、画商、貴族の御曹司で役者という面々。

いずれも、それぞれの分野で才能を発揮しているインテリですが、経済センスだけは、詐欺師の富豪の足元にも及ばなかったという設定です。

 

詐欺に会った後、数学教授が、独自にこの富豪を調べ上げたうえで、3人に連絡を取ります。

そして、その資料を配ったうえで、集まった面々に向かってこういうわけです。

 

「それぞれが二週間以内に、あの男から、我々がとられた金を取り戻す計画を立案してくること。」

 

これがこの小説が俄然面白くなるポイントだと思っています。

4人で一気に100万ドルを奪い返す大作戦を決行するのではないところがこの小説のミソ。

 

4人が各自の得意分野の知見を活かした作戦を立案し、各メンバーに役割分担を振って、富豪から金を奪い返すこと。

しかも、巻き上げられていることは、本人には悟られないこと。

その金額が積み重なって、最後にピッタリ100万ドルに到達するという物語展開が、ドラマツルギーとしてなかはかよく出来ていました。

 

1960年代に「スパイ大作戦」という、アメリカの人気テレビドラマがありましたが、本作を読みながら、この懐かしいドラマを思い出してしまいました。

 

冒頭で、ミッションを言い渡されたリーダーが、作戦に必要なプロを選択し、立案した作戦をメンバーに説明して作戦がスタート。

そして、作戦通りにはいかない、いろいろなアクシデントにハラハラさせられながら、最後にはミッションを完遂。

 

めっぽう面白いドラマで、あのキャッチイなテーマ曲と一緒に「君もしくは、君のメンバーが捕らえられ、あるいは・・・」のお決まりのフレーズは、今でもしっかりと覚えていますね。

 

本作は、冒頭で詐欺に会った後は、4人のメンバーによる、4つの計画が、4人の手で実行されていくわけですが、この計画の一つ一つに、「スパイ大作戦」一話分に相当する面白さがあるわけです。

 

そして、それに加えて、冒頭の投資詐欺の顛末の緊迫感があり、ラストには「あっ」と驚くどんでん返しも用意されているときますから、まさにエンターテイメントとしてはてんこ盛りです。

 

コン・ゲーム映画というと、つい先日見た「テキサスの五人の仲間」という秀作がありました。

「キャッチ・ミー・イフ・ユー・キャン」「オーシャンズ11」「ソードフィッシュ」などが浮かびますが、映画でこの分野の白眉といえばやはり「スティング」にとどめを刺すでしょう。

 

本作が執筆されたのは1976年。

この年は、僕は高校生ですが、立派に映画マニアでした。

メンバーが、コンゲームの代表的映画である「スティング」をこき下ろしていたり、当時の代表的なポルノ映画「ディープ・スロート」の主演女優リンダ・ラヴレイスを実名で登場させていたり、僕の大好きなフランソワーズ・トリフォー監督の「アメリカの夜」の主演女優ジャクリーン・ビセットに触れていたりと、けっこうニンマリとさせてくれます。

 

冒頭では作者が、「本作に登場するすべての固有名詞はフィクションで、作者の創造の産物」という断り書きがありましたが、実在の場所、事件、人物の名は相当数あったと思われます。

小説に出てくる固有名詞は可能な限り、検索してみるのですが、本作ではちょっと追い切れませんでした。

 

本作には特に決まった主人公がいません。

リーダーシップをとるのは、それぞれの作戦ごとに変わっていきます。

ラグビーの精神をうたった謳い文句に「オール・フォー・ワン、ワン・フォー・オール」がありますが、まさにこの精神が、本作には宿っています。

そして、このあたりが、チームワークを重きを置く、日本人の精神にはマッチしているかもしれません。

 

とにかく、悲惨な詐欺事件に会いながらも、メンバーたちは一致団結して、奪還計画を実行していくうちに、次第にそれ自体を楽しんでいくようになり、目的が達成した後の別れを惜しむようにまでなっていくわけです。

 

コン・ゲームを扱った作品というと、比較的に多くなるのは、騙された側から描かれる視点ですね。

しかし本作の特徴は、騙す側の舞台裏と、騙される側の視点が程よくミックスされていること。

これが、ゲーム性を強調する上で効果的でした。

 

説明される計画で想像を膨らませ、それが実際に現場ではその通りに行かないスリルを楽しみ、最後は結果オーライのカタルシスを楽しむ。

 

ジェフリー・アーチャーは、本作がデビュー作ながら、読者の楽しませ方を心憎いほど心得ていて感心します。

詐欺で騙されるのは勘弁ですが、小説でなら是非とも気持ちよく騙されたいところです。

 

どなたかがいってましたね。

ミステリー作家は、読者を騙すトリックを日夜考えている商売だから、ある意味詐欺師のようなもの。

一流の詐欺師が、一流の物書きにはなれないかもしれませんが、一流のミステリー作家なら、案外一流の詐欺師になれるのかもしれません。

映画「バイオハザード」2002年アメリカ

 

Amazon プライムで鑑賞しました。

老後のためにと、撮りためたDVDが5000枚近くあるのに、なぜか実際に「老後」になってみると、引き出しのDVDを引っ張り出してくるよりも、Amazon プライムの映画を見てしまうのはなぜでしょうか。

鑑賞し終わってから、もしやと思い、Excelで作ったDVD在庫リストを確認したところ、なんと本作もきちんと録画してあるではありませんか。これでは、何のために録画してきたのかわかりませんね。とほほです。

 

サラリーマン現役時代は、さすがに忙しくて、学生の頃のようには映画を見れておりません。

それで、WOWOWに加入してからは、せっせと録画だけはしてきたわけです。

録画リストだけはマメに作っていきながら思っていたことは、定年退職をしたら、この映画を一本ずつじっくり鑑賞し、見た映画については、ブログに感想を書き残す。

映画オタクだった学生時代はマメにそうしていたわけですから、時間にゆとりが出来たらそれをまた再開しようと考えていたわけです。

意識していたのは、クラシックの傑作で見逃しているものはマメに追いかけようということ。

最新作も全く見ないというわけではありませんが、サラリーマンになってからは映画館で見た映画は数えるほどしかありません。

ちょっと待てば、WOWOWでやってくれるという貧乏根性が働きましたね。

但し、ホラー映画だけは、根が好きですので、比較的最近のものでもよく見ていました。

もちろん、「ゾンビ」映画も大好物です。

本作についても、近未来ゾンビ映画くらいの認識でいましたが、見るならまずはシリーズ1作目だろうということでチョイスした次第。

 

2002年に公開された映画「バイオハザード」（原題: Resident Evil）は、日本のゲーム会社カプコンが開発した同名のサバイバルホラーゲームを原作としています。

実は、前期高齢者世代としては、まずこの辺りでお手上げです。

自慢ではありませんが、ゲームという文化には、まるでかすらずに生きてまいりました。

インベーダーゲームの洗礼は受けましたが、ゲームに夢中だったのは、その後に来るギャラクシアンまでですね。

その後のビデオゲームはほとんどプレイした記憶がありません。

弟たちがファミコンは持っていましたが、何をやっても彼らに勝てなかったので、兄貴のプライドが邪魔をして、そんな子供の遊びなんてやってられるかと放棄して以来、ほぼ日本のゲーム文化には背を向けて生きてきました。

 

実は、1996年にカプコンから発売されたゲーム版「バイオハザード」は、映画的にはゾンビ映画の大ファンだったこともあり、一度だけプレイしたことはあります。

それがゲームセンターだったか、友人の家だったかは忘れました。

ただ、次々と襲ってくるゾンビたちに、なすすべなくやられて、ファースト・ステージ(?)をなかなかクリアできずに、すぐに放り投げた記憶だけが残っています。

 

学生時代はカードゲームには、そこそこの自信があったのですが、そんなスキルなど、まるで役に立たない時代になっているということに気が付くのが遅すぎましたね。

「明らかに人より劣るものには手を出さない」という主義でしたので、以降の人生では、「スーパーマリオ」にも「ドラゴンクエスト」にも「ファイナル・ファンタジー」にも一切ノータッチを貫き通してきました。

 

この世にはもっと面白いものがたくさんあるのに、部屋にこもってゲームなんてやってられるかというわけです。

ところが、これがどうやら大変面白いらしいということになってきました。

 

なんと、日本のビデオ・ゲームを原作にした、アメリカ映画が作られてしまったわけです。

「スーパーマリオ　魔界帝国の女神」「ストリート・ファイター」「トゥーム・レイダー」「モータル・コンバット」などなど。

これらの映画に、アンジェリーナ・ジョリーや、ジャン＝クロード・ヴァン・ダムといった、ハリウッドの一流どころを担ぎ出してしまうわけですから、映画を作る側から見ても、日本のビデオゲームの映画化には、それなりの勝算があったのでしょう。

日本のゲーム・クリエーター恐るべし。

平成の時代になってからは、映画的に面白いことは、どうやらゲーム画面の向こう側にあるぞということになってきました。

このブームに乗るのを拒んだ身としては、以降肩身の狭い人生を送ることになったことだけは申し上げておきましょう。

 

「バイオハザード」は、1996年にカプコンから発売されたゲームが原作です。

このゲームは、プレイヤーがゾンビやモンスターと戦いながら謎を解き、脱出を目指すサバイバルホラーとして大ヒットしました。

映画版は、このゲームの世界観を忠実に再現しつつ、独自のストーリー展開を加えています。映画の成功により、続編が次々と制作され、シリーズ化されました。

 

本作はその1作目です。

.

この映画は、ポール・W・S・アンダーソンが監督・脚本を務め、ミラ・ジョヴォヴィッチが主演を務めました。

映画は、巨大企業アンブレラ社が所有する地下研究施設で発生したウイルス漏洩事故を描いており、ウイルスによってゾンビ化した人々との戦いが繰り広げられます。

 

偉そうなことは言いません。

AI の知識の受け売りだけ述べておきます。

 

「バイオハザード」シリーズは、世界中で高い評価を受けています。

特に、ゲームの緻密なストーリー展開やリアルなグラフィック、恐怖感を煽る演出が評価され、サバイバルホラーというジャンルを確立しました。

 

主演のミラ・ジョヴォヴィッチは、映画「バイオハザード」シリーズでアリス役を演じ、その美しさと強さで多くのファンを魅了しました。

彼女は、ウクライナ生まれのアメリカ人女優で、モデルとしても活躍していました。

 

とまあ、こんなスーパー・モデルのような女優も、このゲームにどっぷりハマり、自らアリス役を熱望し、この役を勝ち取ったといいます。

ですからこの方も多くのこのゲームのファンと同様、その入り口で排除された僕のようなポンコツとは違い、数々のサバイバル戦を勝ち残り、その深淵な世界観をたっぷり堪能したのでしょう。

 

彼女は体中に生傷を作って、この映画の過酷な撮影をやり切ったといいますから、相当に気合は入っていたと思われます。

 

結局彼女は、この映画の監督と結婚して、3人の子供も設けているといいますから、もはや「バイオハザード」なくしてはありえない人生になっているということですね。

 

どうも個人的には、ゲーム・コンプレックスがあるせいか、ゲーム原作作品というだけで素直に楽しめないところがあります。

ミラ演じるアリスは、映画の最後には自分の格闘能力に覚醒して、ゾンビたちをバッタバッタとなぎ倒していきますが、なにせファースト・ステージで、ゾンビ達に食い殺された身としては、そんなアリスにただ嫉妬するのみ。

 

言っておきますが、あいつらとジン・ラミーをやれば勝てる自信はあります！

映画「ミーガン」2022年アメリカ

 

Amazon プライムの映画のサムネイルを見て、ちょっと気になったホラー映画があったので鑑賞しました。

やはり、猛暑の夜はホラー映画を見て、涼しい気分になりたいもの。

スタッフ・ロールを見たら、またしてもこの人の名前がありました。

プロデューサーを務めたのがジェームズ・ワン。

このジャンルの映画においては、この人は一時期のスティーブン・スピルバーグ髣髴させるがごとく、精力的にプロデュース業に勤しんでいるようです。

 

「ミーガン」（原題：M3GAN）は、コロナ騒動真っ只中の2022年に公開。

AI技術を駆使した人形が引き起こす恐怖を描いています。

この映画を語るにおいて、外せないのはまさに、この年にOpenAIによるChatGPTで世界的に大ブームとなった対話型AIの登場でしょう。

まさに、このムーヴメントの洗礼は、恥ずかしながらこの老人もしっかりと甘受しています。

様々な問題があるにせよ、一気に身近になったこのAI技術のブレイクスルーは、今後様々な分野に影響を与えるであろうことは、この素人にも想像がついています。

「2001年宇宙の旅」で、木星に向かう宇宙空間で人間に牙を剥いた人工知能を持つコンピューターHALが、いまや可愛い人形になって、子供部屋に並べられたわけです。

 

人形をテーマにしたホラー映画は、それなりに長い歴史を持っています。

代表的な作品としては、1988年の「チャイルド・プレイ」シリーズが挙げられます。

この映画では、殺人鬼の魂が宿った人形チャッキーが登場し、多くの観客を恐怖に陥れました。

「怖い」と「可愛い」は、実は、ホラー表現においては、紙一重だということを知らしめた映画ですね。

 

古い話をして恐縮ですが、「人形怖い」の洗礼は、個人的には小学生の時に経験しています。

それは、忘れもしないテレビドラマ「悪魔くん」の第3話「首人形」の回でした。

人形工場に並んでいるマネキン人形が、夜な夜な一つ目の口裂け女になって、人々を襲うという話です。

いやあ、とにかく、子供心にも、この人形が怖かったのなんの。

とにかく、このテレビ番組を見て以来、デパートのマネキン人形が怖くて、彼女たちとしばらくは目を合わせられませんでした。

それは、気が付けば大学時代まで続いていました。

デパートの夜警のアルバイトで、夜中の婦人服売り場のマネキンを懐中電灯で照らしたとき、声を上げてチビリそうになった記憶があります。

 

「サンダーバード」や「キャプテン・スカーレット」などのスーパー・マリオネーション番組も好きで見ていましたが、その表情がリアルであればあるほど、どこかで「不気味」さを感じることには気が付いていました。

これはずっと後に、リアルな人形などを見ると、人間の感覚には「不気味の谷」という現象が起こることがあると知るわけです。

「不気味の谷」現象は、人間に非常に似ているが、完全には人間ではない存在に対して、人々が強い不快感や恐怖感を抱くという現象。

人間の脳は、視覚的に「人間」として認識されるが、動きや表情が微妙に不自然な場合に、違和感を感じるように出来ているようです。

これを不気味と感じるメカニズムがあるわけですね。

この違和感を脳内で処理しきれずに、人間は、リアルな人形に不快感を感じることになるわけです。

 

人類の進化の過程で、理解しがたい異常な存在には警戒心を抱くことが生存に直結する重要な能力でした。

このため、不自然な存在に対して強い不快感や恐怖感を覚えることが、遺伝子に組み込まれた防衛メカニズムである可能性があるというわけです。

このように、「不気味の谷」現象は、視覚的な認知と進化的な防衛メカニズムが複雑に絡み合って発生するものです。

 

これを理解すると、僕が子供の頃に感じたマネキン人形に対する恐怖もストンと腑に落ちます。

そして、この人間の本能に根差した「不気味の谷」の存在を逆手に取れば、人形を駆使した怖いホラー映画も出来るということになるわけです。

AI に対して得体のしれない恐怖を感じる人はまだ少なくありません。

これも、よくよく考えてみれば、テクノロジーに疎い普通の人には、AI が手にした驚異の対話能力が、なにか「得体のしれない不気味さ」に感じられてしまうからに他ならないでしょう。

 

ジェームズ・ワンが手掛けたホラーに、「アナベル」という人形が登場するシリーズがあります。

このシリーズも有名で、呪われた人形が家族に災いをもたらすストーリーが展開されます。

但し、「ミーガン」は、これらの伝統的な人形ホラー映画の要素を取り入れつつも、AI技術を駆使した新しいアプローチを採用しています。

そこに、「悪魔」や「悪霊」の存在はありません。

ミーガンは、人間が科学で作り出し、子供の友達として設計されたAI人形であり、その高度な学習能力と自律性が恐怖の源となっていきます。

 

「ミーガン」には、ジャパニーズ・ホラー映画の影響も見られます。

特に「呪怨」や「リング」といった作品は、確実にこの作品にも影響を与えていますね。

特に顕著なのは、ミーガンの動きです。

あのかくかくとした不自然な動きは、貞子や加耶子に通じるものがあります。

 

どうやら、人間の恐怖を感じる本能は、「不自然であり得ない」動きに敏感に反応するようです。

これをよくよく理解できている監督は、ホラー映画の監督としてのセンスに長けているといえるでしょう。

日本のホラー映画監督のトップランナー清水崇や中田秀夫、「死霊のはらわた」のサム・ライミも、一流どころは皆これを心得ています。

 

「ミーガン」は、伝統的な人形ホラー映画の要素を取り入れつつ、AI技術や現代社会の問題を反映した新しいアプローチを採用しています。

ジェームズ・ワンの巧みな映画製作スタイルや、ジャパニーズ・ホラー映画の影響も感じられるこの本作は、観客に新たな恐怖体験を提供します。

AI技術の進化とともに、ホラー映画も新たな次元へと進化していることを示す一例と言えるでしょう。

 

さて、このAIという新しい技術と、人間は上手に付き合っていけるのか。

それがPC、スマホ、車、人形など、たとえどんな姿になろうとも、間違いのないことがふたつ。

敵は、これからも、日々学習して進化し続けるということ。

そして、彼らが学習していくことは、つまりは、清濁含めて我々がネット上に日々吐き出している情報そのものだということ。

 

果たして、これからのAI 技術を牛耳るのは、悪魔か天使か・・・

映画「キングコング対ゴジラ」1962年東宝

 

ゴジラの怪獣対決シリーズで、ゴジラの名前が後に来るのは本作だけです。

(訂正。「モスラ対ゴジラ」があるとのご指摘をいただきました。陳謝)

巨大怪獣としては、先輩格となるキングコングに敬意を表したというところでしょう。

キングコングの権利を所有するRKOとライセンス提携をして、鳴り物入りで製作されたのが本作。

僕がこの映画を初めてみたのは、大宮東宝白鳥座だったことは今でも覚えています。

東宝チャンピオン祭りでしたね。

Wiki によれば、本作は1970年と1977年に再上映されているとのことですが、僕が見たのは1970年です。

当時は11歳で小学校五年生。怪獣オタク真っ盛りの頃です。(もちろん当時オタクという言葉はありませんが)

併映だった「巨人の星」や「アタックNo.1」もうっすらと覚えています。

但し、この時の上映はWiki によれば、96分の本編を73分に縮めた短縮版。

なので、完全版を見たのは、今回が初めてかもしれません。

 

東宝30周年記念の娯楽大作なので、当時の東宝の人気スターがキャスティングされています。

高島忠夫、藤木悠、佐原健二などが男優陣。

いま改めて若い頃の高島忠夫を見ると、二人の息子(政宏、政伸)のDNA元であることが歴然。

似てるんだよなあ。

藤木悠とのコンビが、まるでハリウッドのコメディを見ているようで、本作のムードメーカーになっていました。

 

女優陣の方は、浜美枝と若林映子。

後の「007は二度死ぬ」のボンドガールに抜擢された二人ですから豪華です。

浜美枝は、東北に向かう特急でゴジラに襲われたり、キングコングに捕まって、国会議事堂へ連れていかれたりと、とにかく悲鳴を上げっぱなし。さんざんな目に合っていました。

モンスターの手の中で恐怖の悲鳴を上げるヒロインというわけですから、ここはスタイルのいい浮世離れした美女が映えるというわけで、浜美枝がキャスティングされたのでしょう。

電車の中でキングコングに襲われるシーンは、最新作の「ゴジラ-1.0」の浜辺美波に引き継がれていました。

浜美枝は、本家本元「キングコング」のスクリーム・ヒロインのフェイ・レイのオーバーアクトを、かなり意識した演技になっていましたね。

彼女の怪獣特撮作品の出演は、本作と「キングコングの逆襲」の2本しかありませんが、この作品の印象が強烈で、もっとたくさんの怪獣モノに出ていたような印象になっています。

もちろんボンド・ガールの彼女もよかったですが。

 

但し、個人的には、浜美枝よりもインパクトがあったのは、ファロ島の原住民で、チキロ少年の母親役だった根岸明美でした。

当時の日本では、なかなか珍しい肉体派女優で、黒澤明の「生きものの記録」「どん底」「赤ひげ」などにも出演していましたね。

セリフらしいセリフはほとんどない役なのですが、なかなかセクシーなダンスを披露してくれていました。

お色気では、浜美枝を凌いでいました。

 

重沢博士役は平田明彦。この人といえば、なんといっても「ゴジラ」の芹沢博士。

ゴジラ・シリーズでは「ゴジラ」以来、8年ぶりの出演となりましたが、以後怪獣特撮シリーズでは、知性派脇役として欠かせない存在になりました。

東部方面隊総監に田崎潤、第二新生丸船長に田島義文などのシリーズ常連役者が顔をそろえたのも本作からです。

以降、東宝のドル箱となっていった怪獣特撮シリーズのフォーマットが完成したのは、この作品かからだといえそうです。

 

本作の男性脇役で特筆すべきは有島一郎。

この人が怪獣特撮モノに出たのはこの一本ですが、本作のコメディ・リリーフとしては、完全に主役の高島・藤木コンビを食っていましたね。

加山雄三の「若大将シリーズ」では、若大将の父親役でその名を知られた人気喜劇役者です。

怪獣対決は、最初は熱線放射がない分だけキングコングが劣勢でしたが、電気ショックで帯電体質になってからはパワーアップ。

ゴジラといい勝負になっていきました。

とはいえ、東宝としては、どちらが勝っても負けても困ってしまうというお家事情があります。

というわけで、最後は熱海城を破壊しながら両者もつれ合って海に転落。

リングアウトの引き分けという苦肉のラストでした。

当時映画館で見たときは、子供心にもモヤモヤ感が残ったのは覚えています。

大人の事情は、当然ながら今なら理解できますね。

 

ちなみに、怪獣が取っ組み合うシーンは、通常は高速度撮影して重量感を出すのがミニチュア撮影が定番なのですが、本作では逆にカクカクとした不自然な早回し的カットが、何度か登場します。

これは、前作「ゴジラの逆襲」の際、スタッフが誤って、コマ落としの微速度撮影の設定をしてしまったのを、特技監督の円谷英二が面白がって採用したもので、本作でもその方法は意図的に採用されています。

この辺りが、天才ならではのセンスなのでしょう。

ビートルズのジョン・レノンが、"I FEEL FINE" のイントロで、アクシデントで起きたフィードバックの音を面白がって、そのまま採用したのによく似ています。

 

とにかく本作は大ヒットをして、邦画の興行成績を塗り替えることになります。

当時はこの映画に、子供も大人も楽しんだわけです。

しかし今や特撮はCGによるデジタルVFXが主流の時代です。

山崎貴監督版「ゴジラ-1.0」のアカデミー賞を獲得したVFX技術を見てしまうと、さすがに着ぐるみのミニチュア撮影は、どれだけお金をかけてセットを作ったものであっても、残念ながらチャチに見えてしまうのは致し方ないところ。

山崎監督は、インタビューで、もしもまたゴジラを作る機会を与えてもらえるのだったら、次作は怪獣対決ものにトライしたいとおっしゃっていました。

ゴジラの相手がキングコングになるかどうかはわかりませんが、何年か先に、最新VFXによる怪獣バトルの新作を見せられたら、本作の評価はどうなってしまうのか。

 

我々第一次怪獣ブーム世代はおそらくそれほど無下には評価を下げないと思います。

チャチだろうが、時代遅れだろうが、当時リアルタイムで胸をときめかせた記憶で、とにかくノスタルジックには浸れます。

なけなしの小遣いで、戦闘機や戦車のプラモデルを購入している世代ですから、ミニチュアのセットに対する思い入れはそう簡単には消し去れません。

温故知新。

この映画の大ヒットがあったればこそ、そのエモーションを再び現代の映画ファンに、現代の技術で伝えたいというモチベーションが生まれたことは間違いのないところ。

 

しかし、やや心配なのは、子供たちは正直だということ。

 

彼らにとっては、もはやVFXによる特撮映像が当たり前だということです。

超リアルで高解像度なRPGで、エイリアンとも、ゾンビともネッ上でバトルしているのが、今の子供たちです。

僕らは、イマイのプラモデルの稚拙な部分をイマジネーションで補完しながら遊んでいましたが、その補完した映像よりもさらにリアルで高解像度な映像の中で彼らは日夜バトルしているわけです。

もしかしたら、そんな彼らにとっては、ミニチュアは、仮想現実としては、もはやショボいだけの存在かもしれません。

「ジュラシック・パーク」を見て、もはやリアルに動くダイナソーたちが当たり前になった子供たちが、レイ・ハリーハウゼンのダイナメーション特撮でつくられた「アルゴ探検隊の冒険」を見て、同じようにハイテンションになれるかという話です。

 

昭和の怪獣映画には、郷愁も思い入れもない彼らが、はたして本作をどう評価するのか。

個人的には、それにはかなり興味があります。

昭和の30年代前半までは、怪獣特撮映画は、大人も子供も楽しんでいました。

それが次第に、子供を意識したエンターテイメントになりながら、観客数を減らしていった東宝怪獣映画。

しかし、山崎監督による最新のゴジラが、この令和の時代に、再び大人も子供もそれぞれの視点から楽しめる娯楽映画を復活させてくれました。

 

間違いなく、山崎版は、平成以降のゴジラ作品としては群を抜くクゥオリティでした。

個人的には1954年の第1作目のゴジラと肩を並べる傑作だと思っています。

では、ファースト・ゴジラ・ショックから、8年を隔てて復活したゴジラ映画には、どんなジャッジが下されるのか。

 

その判定は、20年後のゴジラファンにゆだねるべきだろうと思います。

もちろん、その頃の怪獣マニアたちの、特撮リテラシーは格段に上がっているはず。

本作と、現段階の最新ゴジラが、同じ特撮怪獣史のレールに乗っけられたときに、本作の立ち位置はどのようなものになるのか。

 

とにかく、リアルタイム世代にまともな評価は下せそうにありません。

「面白い」と「懐かしい」は、オールド映画ファンにとっては本当に紙一重です。

多感な頃に焼き付いた印象は、やはり毛穴から染み込んでいるようです。

 

 

 

 

 

 

 

 

読書「十角館の殺人」綾辻行人

 

ミステリー紹介の読書系YouTuberのチャンネルを見ていると、とにかく、とにかく誰の動画にも登場しまくるのが本作です。

皆さんもう大絶賛。ケチをつけようなどという人は皆無です。

作者は綾辻行人。本作がデビュー作です。

今の若い人たちの心をどれだけ掴んでいるんだと感心したのですが、本作が発表されたのはなんと1987年。

今からもう37年も前の作品なんですね。

驚きました。

そんな長きにわたって、ミステリー・ファンを魅了し続けてきた本作は、現在までの累計売上が670万部といいますから恐るべし。

今でもまだ、ファンを獲得し続けている作品だといえます。

 

貧乏年金生活者ですから、読む本は通常図書館で仕入れてくるのですが、この本だけは、図書館の在庫リストにはあるものの、棚に並んでいた試しなし。

予約しようと思ったらなんと62人の先約がいました。

こりゃ回ってこないとあきらめて、久しぶりにデジタル版を購入。

本作の累計売上に貢献させていただきました。

 

綾辻氏の「館シリーズ」は、現在までに10作品が発表されています。

中には、図書館で借りられるものもあったのですが、やはり最高傑作の誉れ高い1作目は、どうしても気になるところ。

購入したのは、昨夜でしたが、台風模様の本日一日で、ポテチを食べながら一気に読み切ってしまいました。

文庫本ですと、あとがきまで入れて480ページなのだそうですが、(ちなみに電子版では280ページ)、なんのなんの、読み終えてみればあっという間。

 

なるほどこれが、読んだもののミステリー心を掴んで離さない綾辻マジックの正体かと余韻に浸っています。

 

とにかく、どちら様もおっしゃるのが、ストーリーをすべて根底からひっくり返す衝撃の一行の存在。

もちろん、皆さまミステリーのルールにのっとって、ネタバレなしで、その驚き具合だけをアピールしてくれるので、こちらとしては、モヤモヤしっぱなしでした。

 

なんだよ。その衝撃の一行って。

 

さて、読了してみると、

その一行は確かにありましたね。

「これかあ」と唸ってしまいました。

いつくるかいつくるかと構えていたのですが、それでも、衝撃は変わらず。

 

「え？どういうこと」

 

一瞬頭が真っ白になった後は、おもわずはじめから読み直したい衝動にかられました。

密室トリックや、アリバイ・トリックとは違って、叙述トリックは、名探偵も犯人もすっ飛ばして、作者が直接読者に仕掛けてくるトリックです。

そして、映像では成立不可能な、小説に特化したかなり特殊なトリックです。

下手をやれば読者に見透かされて、鼻で笑われてしまうので、職業小説家としてはまさに腕の見せ所。

そのリスキーな「大仕掛け」を、当時まだ27歳という新人ミステリー作家が、そのデビュー作で堂々と披露してきたわけですから、当時のミステリー界は、上へ下への大騒ぎだったでしょう。

 

綾辻行人が、京都大学のミステリー研究会出身というのはもう有名な話です。

とにかく、作者が海外の古典ミステリーを読み込んでいることは、文章の端々からヒシヒシと伝わってきます。

過去にいわくつきの事件があったという孤島の館に、好奇心を触発された大学のミステリー研究会のメンバーが合宿に行くという設定が、まずもって本格ミステリーの王道中の王道。

 

特にアガサ・クリスティの「そして誰もいなくなった」へのリスペクトぶりは、ヒシヒシと感じました。

プロローグとエピローグは、完全に「アガサ・クリスティの大傑作に捧ぐ」とでもいっているようなエピソードになっています。

読んでいない方は、まずは先達の傑作を先に読んでから本作を読むことをお勧めします。

ミステリーの先達へのオマージュが、より染みわたるはずです。

 

もちろん「そして誰もいなくなった」だけではないでしょうね。

もしかしたら、僕が未読の古典傑作へのオマージュも、もっとふんだんに仕込まれていたかもしれません。

とにかく、ミス研のメンバーたちにつけられていたニックネームが、エラリイ、ポウ、ヴァン・ダイン、アガサ、カー(あれ?あともう一人誰だっけ?)とくれば、僕のようなクラシックなファンは、もうそれだけでニンマリです。

その他、江南君や、守須君も登場。もうネタ元は想像ついてしまいます。

しかし、これを単なるお遊びと受け取ってしまうと、もうすでに作者の術中にハマっているのでご用心。

これがちゃんと、どんでん返しの伏線になっているのですから、この作者は油断も隙もあったものではありません。

 

本作は、孤島に乗り込んだミス研メンバーが、殺人鬼によって一人一人殺されていくパートと、本土で、過去の謎を追いかける元ミス研メンバーたちのパートが、交互に描かれていきます。

双方には情報交換手段は一切なく、全く別々のパートとして描かれていきますが、この構成そのものが、これもまたどんでん返しの鮮やかな伏線になっています。

叙述トリックの伏線は、どこに何が仕掛けられてるかがわかりませんので、こちらも気が抜けません。

 

作者が本作の肝である「衝撃の一行」の衝撃を演出するために、どれだけ入念に伏線を張り巡らし、プロットを練っていたかは想像に難くありません。

 

面白かったのは、作者が、いわゆる「本格派」と呼ばれている、ミステリー黎明期の傑作に対する思い入れの深さを、冒頭のエラリイとカーのやりとりでさりげなく表現しているところ。

 

「一時期日本でもてはやされた『社会派”式のリアリズム云々は、もうまっぴらなわけさ。

ミステリにふさわしいのは、時代遅れと云われようが何だろうがやっぱりね、名探偵、大邸宅、怪しげな住人たち、血みどろ の惨劇、不可能犯罪、破天荒な大トリック･･････絵空事で大いにけっこう。要はその世界の中で楽しめればいいのさ。ただし、あくまで知的に、ね」

 

松本清張や鮎川哲也が聞いたら噴飯ものですが、これこそまさに古典ミステリーを愛してやまない作者の気概を代弁している気がします。

社会派ミステリーも、青年期には愛読してきた世代としては複雑な思いですが、ミステリーは魅力的な謎かすべてで、メッセージ性などは必要ないという筆者のスタンスもわからないでもありません。

 

綾辻行人の登場で、1990年代以降、いわゆる新本格派と呼ばれる新世代のミステリー作家が続々登場してくるようになった流れを考えると、本作の日本ミステリー界における作者の貢献度は計り知れないものがあります。

 

海外古典ミステリーも相変わらず好きで、今でも読んでいますが、総じて傑作といわれるミステリーには古さを感じさせない魅力があるものです。

本格派には特にそれが顕著。

有り得ないことを承知の上で、知的ゲームとして楽しむというマニアックさが、根強いファンの心を離さないのかもしれません。

 

本作が書かれた1987年といえば、まだインターネットは一般的ではありませんでしたし、携帯電話も浸透していません。

今時は、若者たちのコミュニケーションとして、携帯は当たり前すぎるくらい当たり前ですが、本ミステリーは、よほど設定をいじらない限り、みんなが携帯を持っている令和の時代にはそもそもミステリーとして成り立たないはずなのに、いまだに若い読者を獲得し続けているわけですから、魅力的なミステリーに時代は関係ないということなのでしょう。

 

1987年当時はまだノートパソコンもなく、本作に登場するのはワープロです。

僕も個人的には、早い時期から使っていいました。

これからはもう筆跡鑑定による捜査はなくなるなんて考えていた口ですね。

当時流行のオフロード・バイクだったヤマハTX250が本作には登場しますが、これも当時の友人で乗り回していたやつがいましたのでこれも懐かしい限り。

よくよく考えてみれば、本作は、自分の若かりし時代の物語なんだなぁと気づかされます。

 

本作においては、大学生たちが、女子も男子も平気で喫煙するような描写が当たり前に登場しますが、これも今のモノサシで考えたらアウトかもしれません。

あの頃は、女子大生も、大学の学食でメンソール系のタバコを当たり前に吸っていました。

今回購入したのは、「新装改訂版」で、細かい描写がかなり現代風にアレンジされているようなのですが、初版の頃は、けっこうグロい描写もあったそうで、正直当時の風俗や文化を知る世代としては、改訂前のバージョンも興味は湧くところです。

当時は、横溝正史などを読み漁っていましたから、あまり品の良い読書ではありませんでした。

 

本作は多くの海外ミステリーに敬意を込めた作品ではありますが、気が付けば本作に敬意を込めた後輩作家たちの傑作も目白押し。

先日読んだ市川憂人氏の「ジェリー・フィッシュは凍らない」の基本プロットには、本作の影響が感じられます。

テイストこそ違いますが、乾くるみの「イニシエーション・ラブ」も、歌野晶午の「葉桜の季節に君を想うということ」も、叙述トリックの傑作ミステリーでした。

 

新しい時代の新しい感覚のミステリーが、僕のような老人のミステリー心を心地よく刺激してくれるのはなんとも嬉しい限り。

 

本作は間違いなく日本ミステリー界の金字塔。

この金字塔はどうやら、内角が等しく144度の十角形をしているようです。

 

 

 

 

 

読書「ユダの窓」カーター・ディクソン

YouTubeの「海外古典ミステリー」ランキングで、これまでに読んだことのある数々の傑作ミステリーを抑えて、堂々一位に輝いていたのが本作でした。

カーター・ディクソンは、ジョン・ディクスン・カーの別名義です。

彼の名前は、ミステリー・ファンとしては「密室トリックの名手」としてもちろん知っていました。

ミステリー界の中では大御所です。

しかし、個人的には彼の作品を読むのは、恥ずかしながら今回が初めて。

この「ユダの窓」というタイトルもこのランキングで初めて知りました。

彼の作品としては、「三つの棺」「黒死荘の殺人」「死者はよみがえる」など、やや怪奇色の強い作品タイトルは覚えているので、日本でいえば横溝正史系の作家かなと思っていました。

個人的には、本格ミステリーにオカルトの味付けをするのは反則だろうという思いがありまして、敬遠しがちなのですが、本作はさにあらず。

読んでみれば、オカルト色皆無の堂々たる法廷ミステリーでした。

 

彼得意の密室トリックを駆使した不可能殺人が、法廷の論戦を通じて解き明かされていくという本格リーガル・ミステリーです。

 

さて、傑作ミステリーを成立させるには様々な要素が必要ですが、まずはこれ。

冒頭にドカーンと読者を唸らせる魅力的な謎を提示することです。

 

本作の場合は、完全なる密室殺人。

 

婚約者の父親に挨拶をするため、その屋敷を訪問する青年。

書斎に案内された青年は、そこで薬入りのウイスキー・ソーダを飲まされて意識を失ってしまいます。

気が付いた時、部屋の二つの窓にはシャッターが下りており、ドアには内側からカギが。

そして、目の前では婚約者の父親が、胸を矢で刺されて絶命していました。

外からは誰も入ってこれず、中からは誰も出ていけない部屋で、死体を前にした青年。

彼の訴えは聞き入れられず、駆け付けた警察官によって、青年は逮捕されてしまいます。

 

かなり魅力的な導入部です。

 

通常の殺人事件を扱ったミステリーであれば、まずは通報により警察が駆け付け、現場検証が始まり、担当警部による関係者の尋問。

そして事件が簡単には解決しそうになければ、名探偵に捜査依頼。

そんな手順になるのが相場ですが、本作においてはその辺りは、一気にすっ飛ばして、そこからいきなり法廷になってしまいます。

 

青年の婚約者が依頼した弁護士がヘンリー・メルヴィル卿。

事実上の本作品における探偵役です。

粗野で武骨で横柄な人物で、およそ弁護士の持つべき品性の欠如した人物として描かれますが、彼がカー作品に登場するのはこれが長編で７作目といいますから、読者の人気はそれなりにあったのでしょう。

 

本作を読みながら組み立てた脳内シアターにおける法廷場面のセットは、1957年のビリー・ワイルダーの傑作ミステリー「情婦」を大いに参考にしました。

ヘンリー卿のイメージは、「情婦」では事実上の主役といえるチャールズ・ロートン演じるウィルフリッド卿が完全に重なっていました。

1930年代のロンドンでは、法廷弁護士や裁判官が中世法廷のしきたりそのままに馬の毛のかつらを着用しています。

本文の中にも、その描写が出てきますが、これは、この映画を見ていたので、すぐにイメージ出来ました。

 

法廷モノというと、よくよく考えてみましたが、小説として読んだのは今回が初めてでした。

もちろん、テレビドラマや映画ならば数多く見ています。

「アラバマ物語」「ア・フュウ・グッド・メン」「評決」などはかなりシビれる映画でした。

大好きな「十二人の怒れる男」は、法廷ではなく陪審員室が舞台でしたが、やはり傑作法廷モノの一つでしょう。

 

そう考えると、日本映画には、本格的な法廷モノというのが案外浮かんできません。

野村芳太郎監督の「事件」くらいでしょうか。

 

どうしてかと考えてみます。

 

まず浮かぶのは、やはり陪審員制度ですね。

我が国ではこの制度が長らくありませんでした。

イギリスの陪審制度は、長い歴史を持ち、現代においても刑事裁判の重要な要素となっています。

一般市民から無作為に選ばれた12人の陪審員が、裁判官とともに、被告人が有罪か無罪かを判断する制度です。

陪審員は、主に事実の認定を行います。

つまり、被告人が犯罪を犯したかどうかを判断します。

陪審員の評決は、原則として全員一致でなければなりません。

その代わり、陪審員は、量刑には関与しません。

量刑を決めるのは裁判官の役目です。

 

では、陪審員制度のメリットは何か。

 

一般的には市民が司法に関与することで、司法への信頼を高め、より公正な裁判を実現できると考えられています。

そして、様々な背景を持つ市民が陪審員となることで、裁判に多様な視点が導入され、より客観的な判断が可能になるというところでしょうか。

 

もちろんデメリットも考えられます。

 

法律の専門知識を持たない市民が裁判に参加するため、誤った判断が下される可能性も否定できません。

そして、陪審員が個人的な感情や偏見に基づいて判断してしまう可能性もあります。

映画「12人の怒れる男」でも、この辺りの事情は描かれていました。

 

陪審員制度を前提にした海外の法廷ミステリーを楽しむには、この辺りは基礎知識として抑えておくべきでしょう。

 

我が国でも近年、欧米の陪審員制度を手本にした裁判院制度が始まっています。

陪審員性と違う点は、日本の裁判員は、有罪・無罪の判断だけでなく、量刑にも関与します。

そして、評決は全員一致でなくても成立する場合があります。

 

いずれにしても、これにより司法への関心が高まっていけば、いずれわが国でも、法廷モノの傑作映画が登場してくるようになるかもしれません。

本作に限らず、欧米の法廷モノをみていみていると、刑事事件の傍聴席には必ず新聞記者たちが陣取って取材しており、裁判結果は翌日の記事になり、事件によってはテレビ中継されるなんて光景がザラです。

 

その点日本の場合ですと、プライバシーに配慮するとかなんとかで、一般裁判が報道されるケースはほとんどお目にかかれません。

写真もNGで、イラストのみが許されているという状況。

いい悪いをここで論じるつもりはありませんが、裁判そのものへの関心が一般市民の間で高まらないのは当然といえば当然でしょう。

 

東京都知事選で旋風を巻き起こして話題になった石丸伸二元安芸高田市長が、市議会の模様をネット中継して、日本中の関心を集めた手法が話題を呼びましたが、もしもこれが、国民が関心を寄せる事件の裁判でも可能になるなら、国民の司法への関心も飛躍的に高まることは間違いなし。

 

松本人志の民事裁判の模様が、お昼のワイドショーでオンエアされたら、視聴率はグイっと上がりそうです。

裁判の傍聴は可能なわけですから、今後裁判系YouTuberなんかも世の中のニーズがあれば登場してくるかもしれません。

「小川泰平の事件考察室」というYouTubeチャンネルがあって、最近話題の凶悪事件について、元警視庁のOBが取材して解説をしてくれる番組があるのですが、これがなかなか面白いんですね。

大手テレビ局なら政治への忖度が働いて、絶対に触れない部分へも遠慮なしに突っ込んでくれているので、ネット番組ならでは。

ドラマで聞きなれた専門用語や隠語もバンバン出てきて、思わず引き込まれます。

基本はメディアがしっかりと報道すれば、国民はついてくるものです。

 

こんな番組が増えてくれば、政治がどんなに巧みにコントロールしようとしても、国民の関心は嫌でも高まり、日本特有の密室隠蔽性は薄まってゆくように思います。

 

閑話休題。

 

本作のストーリーに戻りましょう。

どう考えても青年以外の犯行はありえない。

現場の状況のすべてがそう物語っているわけです。

そんな絶望的な状況にもかかわらず、ヘンリー弁護士はいたってマイペース。

青年を取り巻く圧倒的な不利な状況をものともせず、どこからともなく召喚した証人の証言で、オセロのピースを一つずつ丁寧にひっくり返していくわけです。

 

さて、「ユダの窓」とはなにか?

 

この解答こそが、そのままこの密室トリックの真相になっているわけですが、この謎の開示の仕方が心憎いばかり。

この言葉がヘンリー卿の口から最初に発せられるたのは以下の通り。

 

「刑務所で何よりいやなのはユダの窓なんですって、とな。その一言でわしの前にさっと道が開けたんじゃ。」

 

「ユダの窓はお前さんの部屋にもある。この部屋にもあるし、中央刑事裁判所の法廷にも必ずある。ただし、気づくものはほとんどおらん。」

 

なんだか禅問答みたいで、これではちんぷんかんぷん。

一応個人的には予想してみました。

ユダというからには、裏切り者のイメージです。つまり、裏切るものには見えて、裏切られるものには見えない深層心理的な窓があるのではないか。

 

しばらく読み進むとこんなのも出てきます。

 

「ユダの窓ってどんな形をしているの?」

「真四角じゃよ。」

 

なに? それには形があるのかい。なんじゃそれは。

 

ヘンリー卿が、聞き手役夫婦を完全に翻弄させるように、読者としても作者の手の中で遊ばれている感じになっていきます。

そして、その真相が明かされれば「なるほど!」と膝をパシリ。

 

法廷モノですから、ヘンリー卿の役目は、殺人の嫌疑がかけられた青年の無罪を晴らすところまでです。

この不可能密室殺人の「ハウダニット」(どうやって殺したか)を解決すれば、青年の無罪は確定するのですが、残る問題があります。

それは「フーダニット」。つまり、青年でないとしたら誰が殺したのか。

決して多くはない登場人物たちですか、最後にその人物が明かされたときは、やはり衝撃でしたね。

すべての伏線は鮮やかに回収されて、ヘンリー卿の満足そうな品のない高笑いが響き渡るわけです。

これで、文句なく傑作本格ミステリーの完成。

 

人を裏切ったことはないつもりですが、「ユダの窓」はもちろん我が家にもありましたよ。

それを知った賊が、そこからこの老人を狙ったら、果たして首尾よく亡き者に出来るか否か。

 

その判断は、みなさんにユダねます。

映画「めぐり逢い」1957年アメリカ

 

そういえば、しばらく恋愛映画を見ていないなあと反省。

前期高齢者にもなってくると、このジャンルは敬遠しがちになってくるようです。

そこで、肩の凝らないラブコメはないかと、DVDの在庫をあたったら、これが目に留まりました。

1957年の作品ですから、ほとんどクラシック。

やはりこれも、「見ておきたい作品リスト」には入っていたのですが、ずっと引き出しの中で眠っていた作品です。

見たい理由というのは、やはり主演女優ですね。

 

「映画とは、日常ではお目にかかれない美女を楽しむエンターテイメント」

このスタンスは、若い頃から変わりません。

女優が魅力的に撮れていれば、多少質の落ちる作品でもそれなりに楽しめてしまいます。

ですから、お気に入りの女優が出来れば、基本的にその女優の出演作品を追っかけるというのが、若い頃の僕の映画鑑賞スタイルでした。

 

本作品のヒロインは、デボラ・カー。

1921年生まれの彼女は、この作品出演時36歳というわけですから、まさに「大人の女」真っ盛り。

ちょっとカトリーヌ・ドヌーヴを思わせるようなキリッと鼻筋の通った正統派美人です。

この人に一番最初にやられてしまったのはなんといっても「地上よりも永遠に」の将校の不倫人妻役。

中学生の頃から「大人の女」大好きなマセガキでしたから、バート・ランカスターとのあの浜辺でのラブ・シーンはかなり刺激的でした。

本作の前年に撮られた「王様と私」の家庭教師役もこの人ならではの味を出していました。

この人は、後にクラシックホラー映画の「回転」でも、家庭教師を演じていますが、個人的には、彼女ほど教師役が似合う女優はいないと思っています。

本作においても、クラブの歌姫だった彼女は、映画後半では、音楽教師にトラバーユしています。

 

本作の主題歌 "An Affair to Remember"を、デボラ・カーが歌うシーンがありますが、この声の吹替えをしたのが「ハリウッドの歌声」とも呼ばれたマー二・ニクソン。

この人は、ミュージカル映画だった「王様と私」でも、彼女の吹替えをしています。

それだけではありません。

「ウエストサイド物語」では、ナタリー・ウッドの歌声を、「マイ・フェア・レディ」では、オードリー・ヘップバーン」の歌声も吹き替えているんですね。

しかし、映画の興行に響くとして、彼女の名前は契約上映画のクレジットに記載されることはありませんでした。

その歌声で数々の映画の大ヒットに貢献したマー二・ニクソンの名前は、ハリウッドの映画史に埋もれてしまう運命だったわけです。

そのマー二・ニクソンの名前を公表したのがデボラ・カーでした。

「私の歌の吹替えをしたのは、彼女よ」とインタビューで答え、タブーを破ってしまったわけです。

マー二は、これをきっかけにその「影の貢献」を認められ、ついに「サウンド・オブ・ミュージック」の修道女役で、実名でスクリーンに登場。

その美声を聞かせてくれています。

ちみみに、この映画の主演だったジュリー・アンドリュースは、舞台版「マイ・フェア・レディ」の主演女優。

撮影現場では、彼女に最大限の敬意を払っていたようです。

 

修道女といえば、デボラ・カーは1947年の「黒水仙」のシスター役で注目されています。

修道女もかなり彼女のキャラクターに合った役だと思いますが、007のパロディ映画「カジノ・ロワイヤル」では、かなりブッ飛んだシスター役を怪演。

天下の美人女優が、ここまでやるんだなと感心したものです。

 

さて、彼女のお相手になるのは、ハリウッド屈指の二枚目俳優ケイリー・グランド。

イケメン俳優にはあまり興味がないので、解説はそこそこにしますが、とにかく洗練された所作で美人をエスコートする役をやらせて、これほど絵になる俳優はいないでしょう。

僕の年齢になってしまうと、それが役に立つ場面もありませんが、ソフィスティケイテッドを学習するには、もってこいのに俳優ですね。

 

監督はレオ・マッケリー。

この人は、マルクス兄弟や、ハロルド・ロイドのコメディを撮っていた人ですが、1939年に自らの脚本で「邂逅」という作品を撮っています。

本作はこの「邂逅」の、監督自身によるセルフ・リメイク作品となります。

この物語がよほど気に入っていたのでしょう。

セルフ・リメイクというと、市川崑監督の「ビルマの竪琴」「犬神家の人々」、ヒッチコックの「知りすぎた男」、稲垣浩監督の「無法松の一生」などが浮かびますが、基本的には、オリジナルの脚本はそのまま踏襲するという傾向にあるように思います。

 

さて物語です。

 

映画の冒頭、天下のプレイボーイ・ニッキー(ケイリー・グランド)が年貢を納めるというニュースが、世界を駆け回ります。

待て待て。

たかが「女たらし」というくらいで、映画俳優(職業は一応画家)でもないのに国際的有名人になれるやつなどいるものか。

たらしたくてもたらせない人生を送ってきたものとしては、そんなところに突っ込んでしまいたくなるのですが、まあいいでしょう。

ケイリー・グランドが演じるのなら、とりあえず説得力はあります。

この色男が、婚約者の待つニューヨークへと向かうために豪華客船に乗り込みます。

そして、もう一人この船に乗り込んでいたのが、同じくフィアンセがニューヨークで待っているクラブの歌姫テリー

(デボラ・カー)。

この二人が、船の中で出会い、お互いの状況はわかっていつつも、のっぴきならない仲になっていきます。

 

色男と美人歌手の恋愛というと、かなりエモーショナルなものになると思いきや、以外にも奥ゆかしい展開で、これは僕好み。

同じ船の中とはいえ、まあこれでもかと偶然バッタリと出会ってしまう二人。

おいおいと思ってしまいますが、これが後半の「すれ違い」とは対照的になっていて、演出としては納得です。

船旅の途中で寄ったニッキーの祖母の家で二人の距離は急接近。

この時すでに老人の域にあったケイリー・グランドが孫という設定にはいくらなんでも無理があるだろうと思いつつも、これはぐっと飲みことにいたします。

お互い婚約者はありつつも、惹かれ合う二人。

 

この二人の恋愛ならキス・シーンくらいはふんだんに出てきそうな展開ですが、そこは恋愛を知り尽くした大人の二人という設定。

当時のヘイズ・コードを意識して、恋の進展は、意外なくらい道徳的です。

船の乗客たちも、有名人のラブ・アフェアを直接見学できるチャンスに興味津々。

心は通じ合っていても、客たちの前でそうは振舞えない二人。

船のデッキの階段でキスを交わすシーンが出てはきますが、カメラが映すのは二人の下半身のみ。演出もかなり控えめです。

二人の恋の行方はなんとももどかしいまま、船の到着港ニューヨークはだんだんと近づいてきます。

ニューヨークの港では、何も知らずに、二人の婚約者がニッキーとテリーを待っているわけです。

 

意を決して、ニッキーは船のデッキで、テリーに告げます。

 

「半年後の7月1日の５時。すべての整理をつけて、あのエンパイヤステートビルの最上階で君を待っている。」

とにかくこの映画が、抜群に面白いのは、この状況で到着したニューヨーク港のシークエンスですね。

ラブコメの真髄ここにありです。

まずは、船が港に着岸します。

乗客たちの端と端にまるで、他人の風情で立っている二人の前には、それぞれの婚約者が手を振っています。

その向こうには、報道のカメラマンたち。

自分が愛してしまった相手の婚約者を見るときの複雑な感情を巧みにデフォルメした二人の顔芸がまずは秀逸でしたね。

報道カメラマンの前で、「とりあえず」は再会の喜びを分かち合うニッキーとフィアンセの後ろで、思わずパックで顔を隠すテリー。

そして、下船後、今度は「とりあえず」抱き合っているテリーと婚約者の隣を通りながら、婚約者にはわからないように、唇に当てた指を、テリーの指に押し当てるニッキー。

これはなかなかシビれました。

もっと若い頃にこの作品を見ていたら、この所作は絶対にどこかて使ってやろうとストックされていたはず。

さて、果たして半年後に二人は再会できるか。

 

ここから、映画は一変して、二人が愛し合うが故のすれ違いが続くことになります。

約束の7月1日に、エンパイヤ・ステイト・ビルで待つニッキーの前に、テリーはついに姿を現しませんでした。

なぜか・・

 

思い出してしまったのは、やはり「カサブランカ」でした。

約束の駅に現れなかったイルザからの手紙を、雨の中、動き出した列車のデッキから投げ捨てる苦虫をつぶしたようなボギーの顔と、最終のエレベータに乗り込むケイリー・グラントの顔が見事に重なりました。

 

若き日の個人的な恋愛経験で申しますと、ここで終わることが多いのですが、もちろんこれは映画です。

ここで終わってしまっては観客は納得しません。

 

最後は真実が明らかになって二人は・・・

 

ミステリーとは違って、恋愛映画ですから、もったいぶってネタバレを気にしなくてもよいのかもしれませんが、本ブログにおきましては、まずはここまでといたします。

 

本作はラブコメとしては非常に魅力的な題材のようで、後に、このストーリーをヒントにして作られたメグ・ライアンとトム・ハンクス主演の1993年作品「めぐり逢えたら」と、ウォーレン・ビーティとアネッアネット・ベニング主演で3度目のリメイクとなった「めぐり逢い」が作られています。

もちろん主演の二人とも美人女優ですが、個人的にはデボラ・カーの一本だけ見ておけば十分かなと思う次第。

 

いやいや、映画も今やVODの時代です。

DVDは持っていなくても、もしかしたらどこかで「めぐり逢い」・・・

 

 

読書「シャドウ」道尾秀介

道尾秀介は、2004年に長編小説『背の眼』で第5回ホラーサスペンス大賞特別賞を受賞しデビュー。

2007年に本作『シャドウ』で第7回本格ミステリ大賞を受賞。

その後も数々の賞を受賞し、人気作家としての地位を確立しています。

クラシック・ミステリーしか知らないロートル・ファンなので、最近のミステリーは、読書系YouTuber のおすすめ動画を参考にしているのですが、本作の著者・道尾秀介氏を激オシする方はかなり多い印象です。

 

彼ら(あるいは彼女ら)が、口をそろえて言うのは、緻密な構成と巧みな心理描写で読者を魅了する道尾氏の作家としての手腕。

縦横に張り巡らせた伏線を回収していく鮮やかさと、あっと驚くどんでん返しはこの作家の真骨頂ですね。

特に、少年時代のトラウマや家族の秘密といった日常性をテーマとして扱った作品が人気を集めているようです。

彼を一躍新時代のミステリーの旗手として飛躍させたのは、2005年発表の「向日葵の咲かない夏」でした。

本当は先にこちらを読みたかったのですが、図書館ではなかなか借りられず、先に借りられた本作にて道尾秀介デビューすることにしました。

作者の弁によれば、本作は前作「向日葵の咲かない夏」に対する読者たちからのコメントに応えるつもりで構想を練ったのだそうです。

そのあたりの、作者の意図を知る上でも、前作は近々に手に取るつもりです。

 

さて、本作「シャドウ」もなかなかの読み応え。

読了後、作者自身のインタビュー動画もチェックしました。

あまり推理作家らしくない若者然とした方でしたが、1975年生まれなので、この人は今年49歳。

Wiki で確認する限りは、精力的に作品を発表し続けています。

2011年には、「月と蟹」で直木賞も受賞しているので、純文学作家としても本格派。

小説家としてのポテンシャルは、かなりのものだと思われます。

 

動画でも言っていましたが、この方のミステリー作家としての真骨頂はなんといっても巧みな叙述トリック。

このトリックは、密室トリックや、アリバイ・トリックと違い、文章そのものがトリックになっているので、難度が非常に高いもの。作家の腕が問われます。

叙述トリックは、登場人物たちにではなく、読者に対して直接放たれるわけです。

ですからトリックに多少でもほころびが見つかれば、読者からのブーイングは必至。

作者対読者のバトルといってもいいでしょう。

小説というメディアの特性を最大限生かした手法が叙述トリックですので、これは作者自身が「自分は小説家である」という職業に対するアイデンティティを強く意識している結果だと思う次第。

映像化はされにくいことを承知で、このトリックにこだわるわけですから、小説というメディアに対する思い入れはかなりある方だと想像します。

 

本作にも、見事な叙述トリックが仕掛けられていました。

そこで、読者を「えーっ」といわせてからは、読者をグイグイとラストまで引っ張って行っての、あっと驚くどんでん返し。

読了してみれば、あれも伏線、これも伏線と気づかされて、最後は脱帽。

少年と少女が主人公ということもあり、老人読者としては、ジュブナイルになってしまいはしないかという不安もありましたが、読了してみれば、それも取り越し苦労。

本作は立派な本格ミステリーでした。

 

小学校5年生の我茂凰介は、進行性の癌の再発で大好きだった母を亡くします。

そして、その直後から、幼い頃に見た幻影に悩まされるようになる凰介。

そんな凰介を支えるのは、父洋一郎。

その後、父の同僚の妻が飛び降り自殺をし、同級生でもあるその娘亜紀が交通事故で怪我を負います。

不幸の連鎖の中で、父洋一郎の精神が徐々に軋み始めていきます。

 

物語の紹介はこれくらいにしておきましょうか。

叙述トリックありといってしまうと、うかつに物語を紹介できなくなってしまうのが悩ましいところです。

 

ちょっと角度を変えてみましょう。

 

本作の最後には、執筆にあたって参考にした文献リストがありましたが、これからもわかるように、本作において筆者がアプローチしたテーマは、精神医療だったことがわかります。

これが物語の骨格にしっかりと組み込まれているので、精神医療に関するなかなか興味深いエピソードが本作では展開されています。

 

こんなキーワードがありました。

 

カプグラ・シンドローム。

 

これは家族・恋人・親友などが瓜二つの替え玉に入れ替わっているという妄想を抱いてしまう精神疾患の一種。

これは、洋一郎のデスクに置かれていた研究論文なのですが、いかにもミステリーの伏線になりそうでニヤリとしてしまいます。

 

コタール・シンドローム。

.

こちらは、自分がすでに死亡している、存在しない、腐敗している、または血液や内臓を失っているという妄想的信念を抱く精神障害。

 

こんなのも出てきました。

 

確証バイアス。

 

仮説や信念を検証する際にそれを支持する情報ばかりを集め、反証する情報を無視または集めようとしない傾向のこと。つまり一度何かを思い込んでしまった脳は、偏ったエビデンスを集めがちだということです。

 

自分の幻想の中に出てきた人が死んでいくことに悩んだ鳳介が、それを父洋一郎に相談すると、父は小学校五年生の我が子に、これを諭すようにわかりやすく説明します。

読者はさすが、相模医科大学勤務のお父さんだと感心するのですが、これもまた見事にトリックの伏線でしたね。

 

そして、本作のタイトル「シャドウ」も、精神医療の文脈で使われる専門用語でした。

本作のクライマックスで出てくるワードで、これはがっつり真相に言及してくるので、ここでの説明は省きます。

 

この物語に個人的に引き込まれてしまった理由が三つあります。

 

ひとつめ。

 

実は、物語の少年と同じように、僕も子供の頃に、進行性の乳がんで母親を亡くしています。

本作の鳳介は10歳の設定ですが、僕の場合はその当時3歳。

母の記憶はおぼろげなのですが、少年期になにかの拍子に母親の映像が脳内でフラッシュバックされるという経験が何度かありました。

なにがきっかけでその現象が起きたのかはわからないままですが、フラッシュバックされる映像はいつも同じでした。

鳳介の母と、自分の母親の姿が、本作を読みながら見事にシンクロしてしまいました。

 

ふたつめ。

 

鳳介の母が愛読していたのが、宮沢賢治の「銀河鉄道の夜」に納められていたのが短編「よだかの星」だったという設定です。

この短編は10ページにも見満たない短編ですが、僕自身去年「あおぞら文庫」で読んで考えさせられた一遍でした。

拙い感想文は、本ブログにも掲載いたしました。

この短い寓話の中で、宮沢賢治の語りたかったことは何なのか。

この小説の中での愛読者である鳳介の母は、よだかは最後に鳳凰になったと信じ、その名前を我が子の名前にしています。

もちろん僕の考えたこととは違いましたが、小説の登場人物を通じて、宮沢賢治を共有した気がして、ちょっと嬉しくなってしまいました。

 

みっつめ。

 

これは全く個人的なことで、恐縮なのですが、鳳介の幼馴染で、本作のヒロインといってもいい水城亜紀に関してです。

彼女は小学五年生で、この物語の重要な局面で、初潮を迎えます。

もちろんその経験は僕にはありませんが、大学生の頃、ちょうど亜紀と同じ小学五年生の女の子の家庭教師をやったことがあるんですね。

ちょうどまるまる一年かけたアルバイトだったのですが、彼女の母親からある小冊子を渡されて、頼まれたことがあります。

その小冊子はなんと「初潮の手引き」。

学校から配布されたもののようでした。

これにはさすがにドキリとしました。

その母親にはこういわれました。

 

「説明しようとしても、あの娘はちゃんと聞こうとしないので、あなたから説明してみて。」

 

我が家は男三人の兄弟でしたので、この件に関する知識は当時の僕にはゼロです。

やむなく、その小冊子を熟読した上で、その子にとくとくと説明しました。

説明が彼女に伝わったかどうかは不明ですすが、その授業のあと、彼女がポツリと言ったことはよく覚えています。

彼女はこういいました。

 

「女って面倒くさいね。」

 

その時、小学校五年生の女の子が吐いた「女」という言葉の響きが、妙に生々しくてドキリとした記憶があります。

 

その教え子も、今はとっくに熟年女性になっているはずですが、本作の水城亜紀とイメージは、その彼女とがっつり被ってしまいました。

 

物語に、自分の経験がシンクロしてくると、どうしても引き込まれてしまいます。

その意味では、個人的にはとても貴重なミステリーと出会えたのかもしれません。

 

いずれにしても、特筆すべきは、この作者の少年少女の心情表現の巧みさです。

僕自身の10歳の頃の記憶を辿りながら、本作を読み進めましたが、いろいろと思い当るエピソードも多くて、グイグイと引き込まれていったのは間違いのないところ。

 

本作が書かれた2004年当時は、仕事で毎日パソコンと向き合っていましたので、本作に出てくるパソコンや周辺機器の描写はリアルに理解できます。

クラシック・ミステリーには、出てこない小道具なので、やはりこれは新鮮です。

パソコンやスマホなどの機能を活かしたトリックには興味があるところですが、こういったデジタル機器の進歩は日進月歩。

ですので、気の利いたトリックを思い付いても、すぐに陳腐化してしまうリスクはあるのかもしれません。

 

道尾秀介氏のミステリー作家としての実力を、まずは本作において確認することが出来ました。

次に何を読むか。

道尾氏の作品ラインナップを眺めているだけでも、なんだか楽しくなってきます。

 

シャドウする?

 

 

映画「質屋」1964年アメリカ

 

社会派シドニー・ルメット監督のなんとも重量感たっぷりの映画です。

ハリウッド映画のような快活なエンタメ性はほぼ皆無。

いかにもニューヨークでつくりましたと言わんばかりの知的で、自虐的で、辛辣なテイスト。

見終わっても爽快感はなく、ドローンとした鬱屈感が靄のようにかかり、得体のしれないデブリがクッキリと体内に残るのがわかりました。

 

それもそのはず。

本作は、第二次世界大戦のホロコーストを生き延びた中年男が、ニューヨークの裏町で質屋を経営しながら、その恐怖の体験をフラッシュバックさせながら生きていくという物語です。

その男ソル・ナザーマンは、ユダヤ人です。

アウシュビッツ強制収容所で、妻子を殺された彼は、一人生き延びてしまい、大学教授だった地位も捨て、ニューヨークに渡ります。

 

妻の妹一家と一緒に暮らすナザーマンですが、彼は完全に心を閉ざし、誰であろうと心を開くことはありません。

そんな彼が、世の中で唯一信頼を置くものはマネーのみ。

質屋という商売が、実に効果的にそんな彼の心情を浮き彫りにしていきます。

店には、日銭にも困る客たちが、まがい物を携えて換金に訪れます。

その客とナザーマンの間には、常に金網のネットが横たわります。

この金網が、彼がアウシュビッツで見た、彼と世の中を隔てる鉄条網にも見えるわけです。

 

ナザーマンを演じているのは、ロッド・スタイガー。

この人は、本作の3年後に、ノーマン・ジュイソン監督の「夜の大捜査線」で、アカデミー主演男優賞を獲得している名優です。

正直あの映画を見たときには、主演男優ならシドニー・ポワチエの方だろうと思ったものですが、この作品を見て納得しました。

 

本作での、彼の迫真の演技は、まさにアカデミー賞ものでした。

 

調べてみたら、彼はこの作品で、ベルリン国際映画賞で主演男優賞と、英国アカデミー賞の主演男優賞を獲得していますね。

おそらく、米国のアカデミー賞も、彼の本作での熱演は十分に認めていたのでしょうが、この映画の描くテーマが、あまりにセンセーショナル過ぎて、躊躇したのだという気がします。

1964年といえばまだアメリカ映画界自体が、ユダヤ人問題を正面から描けるほど成熟していなかった時代です。

ましてや、この映画には人種問題や、当時のニューヨークでは当たり前だったゲイの文化も微妙に描かれています。

極めつけは、ヌードですね。

 

本作は、僕のようなスケベにとってはエポックメイキングな作品でした。

当時はヘイズコードでガチガチに縛られていたアメリカ映画界において、当然のことながら、映画の中で女性のバストを露出ざることはタブーでした。

しかし、シドニー・ルメット監督は、本作におけるヌードは、僕らスケベを喜ばせるためのものではないと主張。

このシーンは、映画の演出上絶対に不可欠なものとしてヘイズコード規制を強行突破。

アメリカ映画史上で一番最初に女性の乳首を、スクリーン上に登場させたエポックメーキングな映画となりました。

(ちなみにヨーロッパ映画では、1950年代からヌードシーンは登場しています)

 

しかし、監督の言う通り、この作品でのヌードに、エロチック要素は皆無。

どうしても金の必要な黒人女性が、ナザーマンの前でヌードになるのですが、彼の脳裏にはそこからア突然アウシュビッツの光景がフラッシュバック。

そして、ナチの親衛隊の宿舎に裸で待たされるユダヤ人女性たちの中に、彼は自分の妻の姿を見つけてしまいます。

その妻はすでに正気を失って放心状態。

ナザーマンは、黒人女性に金を渡し、服を着させて帰らせます。

 

これはまさに監督のおっしゃる通り。

このヌードを見て、ニンマリするスケベはいないでしょう。

 

とまあ、本作は、このヌードも含めて、1964年当時のアメリカでは、あまりにも内容がセンセーショナル過ぎました。

故に、本作でのロッド・スタイガーの熱演はスルーされ、3年後に再びまな板に載せられたという気がするわけです。

「夜の大捜査線」も、人種問題を扱った社会派作品ではありましたが、「質屋」ほど辛口ではなく、映画的なエンターテイメントも溢れた娯楽作品になっていました。

わかります。

こう作らなければ、ハリウッドでは映画にさせてもらえないのでしょう。

これなら、シドニー・ポワチエには申し訳ないけれど、「質屋」の熱演も加味して、今回はロッド・スタイガーが主演男優賞でもいいだろうということになったのではと推測する次第。

 

いずれにしても、一本映画の中で、一人の男の変遷ぶりを、見事なメーキャプと、アクターズ・スタジオ仕込みの巧みな演技力で表現して見せたロッド・スタイガーは、やはり凄いと言わざるを得ません。

本作には、ニューヨークのロケシーンが多用されています。

これがモノクロ映像とよくマッチしていて、実にリアルで、ドキュメンタリー・タッチに仕上がっていました。

どこをどう切り取っても、煩雑で薄汚いナマのニューヨークが浮き彫りになっています。

ナザーマンの心象風景と見事に重なります。

質屋の内部のシーンも、いろいろなものが雑多に並べられていてカオス状態。

そして客と店を隔てるように仕切られた金網。

これらの風景が、時折挿入されるアウシュビッツのシーンと、違和感なくシンクロしていくんですね。

このあたりの計算された映像は、撮影のボリス・カウフマンの手腕といえます。

 

「夜と霧」という、ホロコーストのドキュメンタリー映画に衝撃を受けた記憶がありますが、あれを思い出していしまいました。

アウシュビッツのトラウマ映像を巧みな編集で、現在の映像のカットバックする手法も見事でした。

映画前半では、ほとんどサブリミナル効果くらいの短い挿入カットが、映画の後半に行くにつれて、次第にそれが何のシーンであるかが分かるようになっていく構成です。

広島原爆投下を題材にしたアラン・レネ監督の「二十四時間の情事」のカットバック手法も意識していたかもしれません。

 

Wiki には、「人間不信となって心を閉ざしていた男が絶望から立ち直っていく姿を描いている」と書かれていましたが、見終わってみればこれは完全に違うとわかります。

最後は、自分を師匠としてあがめるプエルトリカンの青年が、自分を撃とうとした不良仲間の銃弾により射殺されてしまうという展開。

その遠因が自分にあることを知ったナザーマンは、伝票受けの針で自分の手を貫こうとしますが、それも出来ずにニューヨークのスラムを彷徨。

申し訳ないですが、本作はどこまでも救いのない映画でした。

 

Wiki で知った情報がもうひとつあります。

あのモーガン・フリーマンが、スラム街の黒人役でエキストラ出演していたらしいんですね。

これは全然気が付きませんでした。

確認したいという気もしたのですが、さすがに本作を続けてもう一度見るのはシンドいのでやめました。

 

一度心に焼き付けられたトラウマは、そう簡単にはなくなるものではありません。

一生その人の人生には暗い影を落とすことになるのでしょう。

アメリカに渡って、質屋を開業するくらいではなかなか難しいでしょうね。

これでもし、きれいさっぱりトラウマが、なくなるのだとしたらそれはたぶん。

 

質流れ・・・