柿沢謙二ブログ

映画「エターナルズ」2021年アメリカ

エターナルズ　2021年アメリカ

 

ディズニープラスで、「見放題」になったばかりの作品を見ました。

2021年公開という映画は、本作が初めてですね。

まあまあ、すごい映画でした。

マーベルのスーパー・ヒーロー映画ですが、もちろんのこと、子供騙しの特撮などワンカットもなく、老若男女全ての人が、お金を払っても見に行きたいと思うような作品になっています。

どう逆立ちしても、今の我が国では作れないレベルの映画です。

本気になった、ハリウッド映画のポテンシャルを感じさせてくれます。

特殊能力を持ったスーパーヒーローたちが、それぞれの能力を駆使して、一致団結して、地球を悪の手から守るというのは、昔から子供向けSF冒険活劇の定番でした。

SFではありませんが、おそらくはこのスタイルの原型を作ったのは、黒澤明監督の不朽の名作「七人の侍」であったかもしれません。

一癖も二癖もある侍が集まって、農民と協力しながら、野盗の集団と戦って勝利を収めるという、この映画に、血湧き肉踊った人は、日本だけでなく、世界中にいるはずです。

やがて、このスタイルは、西部劇に翻案されたり、宇宙を舞台にしたりと、いろいろな設定に脚色されて、冒険活劇には欠かせないテンプレートになっています。

僕の世代で、一番最初にこのスタイルを見せられたのは、石ノ森章太郎の「サイボーグ009」だったかもしれません。

当然、「七人の侍」よりも先に見たのはこちらです。

世界中から集められた若者に、特殊能力を与えたサイボーグにして、地球を悪の手から守るというのがこのアニメの基本ストーリーでした。

地球を守るチームは、「ウルトラマン」「ウルトラセブン」にも登場しましたが、なぜか全員日本人。

もちろん、テレビにかじりついて見ていた時には、それになんの疑問も感じませんでしたが、「サイボーグ009」はちょっと違いました。

主人公こそ、日本人でしたが、集められたメンバーは、アメリカ人、ドイツ人、中国人、黒人、インディアン、もちろん女性もいましたし、赤ちゃんまでいましたね。

日本のアニメではありましたが、ちゃんと地球規模の多様性を踏まえたキャスティングになっていたのは、今から思えば見事でした。

最近のアメリカ映画を見るにつけ、よく思うことが、この多様性に配慮した作品が、多く作られるようになり、また評価もされるようになつてきたということです。

アカデミー賞で、初めて韓国映画の「パラサイト半地下の家族」が、作品賞を受賞したのは記憶に新しいところ。

また、オール黒人キャストによる「ムーンライト」も、作品賞を取っています。

確かに、それまでのハリウッド映画には、白人至上主義みたいなところがありました。

何せ、アカデミー賞を選出する、アカデミー会員たちのほとんどが、高齢の白人男性であったわけですから当然といえば当然の話。

そして、映画を作るキャストも、演じる俳優も、中心となるのは当然白人です。

アメリカの映画史に名を残す傑作は、これまでにも数多く作られてきていますが、そのほとんどは、多様性に対する配慮はなく、見ているこちらは、映画とはそういうものだというように刷り込まれてしまっているところがあります。

しかし、アメリカの観客の方はどうかといえば、年を追うごとに、このバランスは変化してきています。

1990年代には7割近かった白人の割合は、移民などの増加により、次第に減っていき、2020年には、全体の半分近くにまで減少しています。

もちろん増加しているのは、ヒスパニック系や、アジア系、もちろん黒人も増えています。

そこの傾向を反映して、アカデミー賞にも、その傾向は反映するべきだという、問題提起が社会運動となり、前述の作品に賞が与えられるようになり、また来年からは、アカデミー賞の選考基準にも、多様性に配慮されたものという項目が正式に、追加されることにるようです。

本作が、このアメリカ映画のムーブメントに配慮して作られていることは一目瞭然。

なんといっても、監督に抜擢されたのが、アジア系の女性としては初めてアカデミー監督賞を受賞したクロエ・ジャオという中国人監督でした。

もちろん、「ノマドランド」でもわかるように、実力もある監督なのですが、ハリウッドのすごいところは、こういう大胆な起用を躊躇せずにやってくるあたりですね。

そして、出演者で言えば、アンジェリーナ・ジョリーというビッグ・ネームもキャスティングされていましたが、主演は彼女ではありませんでした。

このチームのリーダーを演じたのは、ジェンマ・チェンという中国系のアメリカ人女性です。

そして、チームの面々も、「サイボーグ009」に負けず劣らずの、超多様性キャスティング。

黒人、ヒスパニック系、メキシコ人、アジア系俳優をズラリと並べ、手話でコミュニケーションをする聾唖者もキャスティング。子供も一人。そして、この黒人はさらにゲイという設定で、LGBTQにもきちんと配慮。ちゃんと男性同士のキスシーンまで、当たり前のようにありました。

そして、各出演者の、映画内におけるスポットの当て方も、そして見せ場も、きちんとそれぞれに用意されていて、決して白人俳優の引き立て役みたいな事もありませんでした。

1960年代や70年代くらいまでのアメリカ映画に登場する日本人やアジア人は、唯一の例外ブルース・リーを除けば、どれもステレオタイプの描かれ方で、悲しくなるような演出も多かったのですが、途中で殺されてしまうものの、韓国人俳優ドン・リーの見せ場はなかなかのものでした。

この人は、韓国映画の「新感染ファイナル・エクスプレイス」で知っていたのでニンマリ。

そんなわけで、本作はむしろ、現在のアメリカ国内の人種別の人口割合から見れば、ちょっと多様性の方に、寄せ過ぎたキャスティングじゃないのかと思うくらいの印象すらあります。

本作には、日本人こそ、キャスティングされていませんでしたが、エターナルズが、人類の知恵の向上に協力した結果として、原爆投下後の広島の惨状が、ハリウッドの製作費を使って再現されていたのにはドキリとさせられました。

とにかく、それだけ多様性には配慮が行き届いていても、それで決してシナリオに無理矢理感があるわけでもなく、きちんとその設定に基づいた必然性に基づいて脚本が練られているあたりが、アメリカ映画の底力と言えるかもしれません。

映画を見る観客の層にきちんと寄せた映画づくりをすれば興行収入は伸びるものなのか、多様性に配慮をしたスタッフやキャストを集めて映画を作っても、ちゃんとヒットする映画を作れる底力がアメリカ映画にはあるのか。

そこらあたりは、単一民族の日本で、国内マーケットだけでも映画興行がそこそこ成り立つ国に住んでいるとなかなか理解できないところはありますが、世界に向けた映画製作事情は段々と変化してきているようです。

日本には、人種問題こそありませんが、部落問題や外国人労働者問題は厳然としてあります。

男女平等にしても、その推進は謳われてはいますが、夫婦別氏制度に対する政府の対応は、先進国で一番遅れていますし、その政治の世界を見渡せば、女性議員の進出は、掛け声ばかりで、その割合は一向に伸びません。

LGBTQ問題も、進歩的とは到底言えない状況。

世代問題にしても然り。

日本の高度成長を汗水流して支えてきた今のご老人たちが、その元を取るまでは、何がなんでも現役にしがみつくという風潮は、政治から経済界までに広く老害として蔓延しており、その煽りをまともに食らうことになる若者たちが、先の見えない未来にもがき苦しんでいます。

あれこれ考えれば、多様性を進歩的に取り入れる文化が、我が国に根付くのはほとんど絶望的。

古い成功体験にしがみついているだけの日本の凋落は、このCovid-19騒動の中で、さらにクリアに可視化されてきました。

こんな三流政治に支配されて、ただ世界から取り残されていくだけの落ち目な日本を救う多様性集団エターナルズは、果たして我が国には現れないのか。

無力な爺さん百姓としては、鍬を片手に、あの勇ましい「サイボーグ009」のテーマソングを口ずさみながら、それを祈るのみです。

映画「野性の呼び声」2020年アメリカ

先日、ディズニープラスで「ジャングルブック」を見たばかりでしたので、もしかして本作も、人間の出演者以外全てCGで作られているのかと思って見ていましたが、さすがにそうではないようです。

あの芸達者な動物たちの見事な演技は、全てモーション・キャプチャーで作られているのだそうです。

まあ、しかし犬好きな人にはたまらない作品かもしれません。

僕は、どちらかといえば、猫派なのですが、おそらく猫では映画にならなかったかもしれません。

猫たちは、基本的に自分勝手で、人間には媚びません。

ご主人意識も薄弱で、どれだけ「猫可愛がり」をしても、彼らには、単に餌をくれる人ぐらいにしか思われていないものです。

子猫のうちは、それなりに可愛いですが、大人になるにつれ、だんだんと可愛げがなくなってきますよね。

彼らに興味があるのは、餌の心配さえないのなら、自分にとって快適な場所を見つけて、そこでのんびりと過ごすことだけ。

個人的には、猫たちのそんなマイペースぶりが好きだったりするわけです。

しかし、犬は違います。

とにかく、人に懐くという習性では、圧倒的に彼らに分があります。

人間と上手にコミュニケーションを取るという技を巧に学習しながら、彼らは人間と共存することで、種として生き延びてきたわけです。

当然ながら、人間と相対する時には、さまざまな表情を駆使することも、彼らは覚えてきました。

まさか、本作の主人公バックのような、アカデミー賞ものの豊かすぎる表情は作れないでしょうが、もしかしたら、犬をペットとして溺愛している飼い主たちの多くは、自分の愛犬だって、バックに負けないくらいの表情を、自分だけには見せてくれていると心の片隅で思っているかもしれません。

実際に、あんな表情や演技のできる犬がいたら、ちょっと怖いはずなのですが、飼い主たちから見ればそうは映らないはず。

アニメであれば、考えなくてもいいことを、こういう実写で、映画を作ろうとするなら、やはり「やりすぎ」には気を使うでしょう。

ワンチャン映画の中には、特撮で、動物たちを、アニメ的なカリカチュアをした実写映画も、存在することは存在します。しかし当然のことながら、こういう映画は、例外なくコメディ映画になってしまいます。

しかし、そこはさすがに、ディズニー。

実写版という枠の中で、コメディにはならないギリギリのところで、動物たちの演技をクリエイトしています。

そこは、本作が取り入れているモーション・キャプチャー手法の威力でしょう。

犬が活躍する実写作品というのは、枚挙にいとまがありません。

僕の世代では、テレビドラマの「名犬ラッシー」がありましたし、映画で言えば、「名犬ウォン・トン・トン」なんてのもありました。

「南極物語」のタロー、ジローも感動的でしたし、犬が堂々主演する映画では、「ベンジー」も覚えています。

もちろん、これらの映画は、本作のような特殊映画技術は駆使せずに、比較的演技の才能がある犬たちを、調教師がさらに訓練して育て上げた名優犬たちがキャスティングされています。

ちょっと調べてみましたが、そんな犬が活躍する映画は、かなりありました。

意外と、最近の映画に多いんですね。

しかし、残念ながらそのほとんどを見ていません。

これには明確な理由が二つあります。

中学生の頃から、スケベ系の映画ばかり、漁るように見てきましたので、その経験から、犬が活躍する映画に、エッチなシーンがあるものはほぼないからと敬遠していたことが一つ。

そして、もう一つは、動物や子供の幼気なさや可愛さを意図的に演出して、観客を感動させようという手法は、映画づくりとしては邪道だろうと思っていたこと。

この二点です。

いやいや、誤解のないように言っておくますが、僕は決して犬が嫌いというわけではありません。

子供の頃には、家でジョンという柴犬も飼っていました。

しかし、このジョンは、交通事故で死亡。

僕の記憶にはないのですが、愛犬ジョンが突然いなくなったことで、当時の僕は相当に落ち込んだそうです。

もちろん、家族も同様。

それ以来、我が家では二度と犬を飼うことはなくなり、ずっと猫を飼うようになります。

最近では、ほとんどテレビを見ることがなくなり、コテコテのYouTube視聴者になっていますが、アップされている動画で案外多いのが、愛犬などのペットを撮っている動画ですね。

飼い主の溺愛ぶりが顕著なものが多いのですが、これが案外視聴者数を稼いでおり、「いいね」ボタンも多かったりします。

当然、これは多少なりとも収入になったりしますので、アップされる動画も増える一方。

そんなペット自慢動画は、それまでは散歩の途中でのご挨拶ぐらいだったペット愛好家コミュニケーションを、世界規模に広げたという功績はあるでしょう。

とにかく、理屈抜きで「かわいい」ので、映画作品は見ないにせよ、こういう動画は、気がつけば見入っているということがちょくちょくあります。

何かとフラストレーションの溜まりがちな世の中です。

こういう、他愛ない動物たちの一挙手一投足に、癒されている人は、相当数にのぼると思われます。

そして、そういう人たちが映画館に足を運ぶことを想定して、本作も作られているのだということは容易に想像できます。

そんな、犬好きファンたちは、映画では「野生の呼び声」に呼応するバックに感動して拍手を送っても、よもや自分の飼っている犬が、野生に戻るなんてことは夢にも思っていないでしょうし、もちろん、望んでもいないはず。

YouTube の動画の中には、赤ちゃんと飼い犬が無邪気に戯れているような、心温まるものもたくさんあります。

もちろん、カメラを回している親たちは、その飼い犬が、赤ちゃんに噛み付くなんことは絶対にないという自信があるのでしょうが、見ているこちらとしては、どうしても、どこかにそんな一抹の不安もよぎりながら、ハラハラしてみていたりします。

生まれた犬を、専門家たちがブリーディングする過程で、その野生を除去し、人間には絶対に危害を加えないように調教された犬がペットとして購入されているのか、もしくは、ペットと家族同様の暮らしをしていく中で、自然に形成されていく信頼関係なのかは、ペットをまともに飼ったことのない僕にはちょっとわかりませんが、少なくとも、「飼い犬に噛まれる」というような事故は意外に伝わってきません。

人間には、従順に従うという本能が、飼い犬たちにはすでに、DNAレベルで仕込まれてしまっているからでしょうか。

もっとも、もしそんな事故が起きようものなら、その犬は間違いなく、すぐに保健所送りにされて、報道されることもなく、密かに処分されているのかもしれません。

野生の牙をむしり取られた動物たちは、いかに「野生の呼び声」があろうとも、自分の意志で、野生に戻ろうとすることは決してないように思えます。

彼らが人間社会から離れて、野生に戻されることになったとしても、彼らに待ち受ける運命は、おそらく、生きる術がわからずに、襲われて餌になるか、餓死するかの二つ。

バックのように、野生犬として生きる逞しさと、人間への情愛を併せ持つような犬は、やはりディズニー映画の中でしか存在し得ないファンタジーなのでしょう。

 

映画の中で、なぜか心に残ったシーンがひとつありました。

小屋で、仲良く並んで寝そべり、ハーモニカを吹いているソーントン(ハリソン・フォード)とバック。

ソーントンが吹いていたハーモニカを、バックに咥えさせると、ソーントンの弾いたメロディに合わせるようにバックが、ハーモニカで応えます。

ソーントンが、そのハーモニカを再度自分で吹こうとすると、咥えていたバックの口元から、ハーモニカに向けて、バックの涎がトローリと伝うんですね。

そして、それをさっと拭いて、口に咥えて演奏を続けるソーントン。

ほんの僅かなカットでしたが、これには唸ってしまいました。

おそらくこれは、絶対にアニメではやらないと思われる演出でしょう。

かといって、モーションピクチャーではない実写では、たとえ台本に書いてあったとしても、絶対に不可能なシーンでもあります。

こんなさりげないシーンで、作品にリアリティを持たせる技には、感心いたしました。

 

さて、いよいよ月末も近づいてきました。

一ヶ月限定と決めて入会したディズニープラスですが、あと何本見れますか。

 

 

 

映画「エイリアン:コヴェナント」2017年アメリカ

エイリアン:コヴェナント

 

エイリアン・シリーズの一番新しい作品を見ました。

2017年の作品です。

監督は、一作目と、前作「プロメテウス」を監督した、リドリー・スコット。

一作目は、1979年の作品ですから、すぐに年齢が気になってしまうのですが、この作品公開時のスコットスカトクの年齢は、79歳。

このお歳で、全然枯れていないのはさすが。そして、これだけエネルギッシュな作品を撮れるのは、まず凄いことだと感心いたします。

エイリアン・シリーズは、本作以外では、第三作目までお付き合いしています。

映画がヒットすれば、すぐに二匹目のドジョウを狙うのが、定石の映画界にあって、続編が一作目の面白さを超えた唯一の例外が「ゴッドファザーPart2」でしたが、このシリーズの二作目を監督したジェームズ・キャメロンが頑張って、その二つ目の例外を作ったの「エイリアン2」でした。

これで期待が膨らんでしまって、「エイリアン3」も見ましたが、ここで明らかにトーンダウン。

このシリーズで、一躍ドル箱女優に躍り出たシガニー・ウィーバーは、「エイリアン4」まで、頑張ってくれましたが、興行成績はジリ貧。

苦し紛れに、プレデターとモンスター共演するまでになると、シリーズは、完全にB級映画に転落。

但し、このシリーズのヒットのおかげで、元々は単に異国人という意味だった「エイリアン」という言葉は、完全に攻撃的地球外生命体の代名詞のようになってしまい、ゲームやキャラクター・グッズとして、様々なメディアを横断して、一人歩きし出したのは、ご存じの通りです。

このヒット・シリーズを再び復活させようとして、20世紀フォックスが声をかけたのが、二作目を監督したジェームズ・キャメロン。

しかし、押しも押されぬヒット・メーカーになっていた彼は、そんなB級作品に落ちぶれたシリーズにはもはやなんの興味もなく、軽くこの話を蹴ってしまいます。

しかし、そこで手を挙げたのが、本シリーズの本家本元のリドリー・スコット監督というわけです。

そこで、作られたのが前作の「プロメテウス」でしたが、これは原題に「ALIAN」という文字が入りません。

ただ単に「プロメテウス」です。

おそらくは、B級作品に転落したシリーズのイメージを引きずるのを、リドリー・スコット監督が、潔しとしなかったのでしょう。

最近では、「バットマン」シリーズなのに、「バットマン」がタイトルに入らない「ダークナイト」があったり、「スーパーマン」シリーズなのに、それがタイトルにつかない「マン・オブ・スティール」がありますが、これみんな同じ理由でしょうね。

年齢はいっているとはいえ、「映像派」として、こちらも依然大監督の地位は保持しているのがリドリー・スコット監督です。

今回の原題に「エイリアン」の名前は再び復活していますが、作品としては、完全に前作の続編。

シナリオ自体も、観客は前作を見ているとの仮定で作られていましたので、本作よりも先に鑑賞しておけばよかったかなとも思いましたが、ストーリーの飛んだ部分は、本作鑑賞後、Wiki で確認いたしました。

ざっくり言えば、前作と本作は、「エイリアン」一作目の前日譚ということになります。

シリーズは、作品を重ねるごとに、映画としてはつまらなくなっていきましたので(続編は除く)、その流れは引きずらずに、ならば話を前に戻して、面白くしようとしたのでしょう。

こういう大監督が、シリーズのテコ入れをしようということになると、どうしても話のスケールは大きくなりがちです。

思い起こせば、シリーズの一作目は、宇宙空間を舞台にした完全なる「ホラー映画」でした。

なんと言っても、キャッチ・コピーは、「宇宙では、あなたの悲鳴は聞こえない」でしたから。

そして、キャメロン監督の二作目では、宇宙を舞台にした手に汗握る「アクション・アドベンチャー映画」として楽しめました。

リドリー・スコット監督が、目指したのはこの二作越えだったと思いますが、ヨーロッパやアメリカの監督が、スケールをでかくし、映画を奥深いものにしようとする時に、よく盛り込んでくるのが哲学やアカデミズム、そしてキリスト教的背景の教義です。

娯楽映画にこれらの要素が加わってくると、確かに作品には厚みが出てきます。

しかし、学術的知見ならまだしも、キリスト教的文化背景となると、我々日本人には、なかなか肌感覚では理解できないもの。

ワーグナーがどうだとか、誰それの詩がどうだとか、はっきりとシナリオとして触れられてはいないのですが、キリスト教リテラシーがあれば理解できるものが、どうやら映画の背後には潜んでいそうです。

あの「エクソシスト」で全米が震えあがったのも、明らかにその背後には、日本人には、肌感覚として理解できないキリスト教文化の影響がありました。

ロードショーであの映画を見に行った時、隣に座っていた外人のオバサンが、リーガンが十字架を股間に向かって突き刺そうとした時、悲鳴を上げていたのを思い出します。

「コヴェナント」は、映画の中では宇宙船の名前ですが、その意味は「契約」。

つまり、「旧約聖書」「新約聖書」の「約」の意味ですから、本作がホラー映画から、宗教チックに膨らんでいることは、タイトルからも推して知るべし。

なにやら、この二作で、「エイリアン・シリーズ」は、リドリー・スコット監督にとっては、ライフワークのようになってきていますから、単なるホラー映画にはしたくなかったのでしょう。いやでも気合は入ろうというもの。

もちろん、映画はヒットしたわけですから、それはそれでよし。

但し、その映像のスケールの大きさ、エイリアンのリアルさと、おどろおどろしさは、映像派リドリー・スコット監督の面目躍如なのですが、ホラー映画ファンとしては、「怖い」ものよりもなんだか「凄い」物を見せられたというような印象で、シンプルに映画の面白さとして、一作目を超えたかといえば、それはやや微妙なところ。

もちろん製作費は大幅に超えたでしょうが。

例えば、サスペンスの巨匠ヒッチコックは、自作品のリメイクはしましたが、続編は一切作りませんでした。

彼が追求したのは、如何にして、観客をハラハラドキドキさせるか、ただその一点のみで、そのために必要なのは、映画に下手な先入観を持たせないこと。

それゆえに、どんなヒット作を作ろうと、安易にその続編を作ることはせず、次回作には、すべての設定をリセットして挑んだわけです。

エイリアン・シリーズの、シリーズを通しての唯ひとつのお約束は、危険で獰猛な地球外生命体が、人間を襲い捕食し、増殖しようとすること。

これを徹底的にシンプルに描いて、ホラー映画として大ヒットしたのが一作目でしたが、本作には、それ以外のいろいろな要素が盛りだくさん。

人類誕生の秘密に、映画的に迫ろうというところまで、シナリオには書き込まれているわけですから、映像派監督としてはやはり気合は入るでしょう。

彼としては、キャリアの集大成みたいな意気込みで本作を作っていそうですから、スケールは膨らんでしまってもやむなしというところかもしれません。

しかも、この終わり方では、絶対にこの続きがあるのは確実。

80歳を超えても、まだこの続きを自分でやる気なのだとしたら、この人のパワーは、老いたりといえども「エイリアン」なみといえるでしょう。

とにかくこの監督の真骨頂は、不気味でダークな世界を、アートなエンターテイメントにしてしまう映像感覚です。

これは、今回の作品でも十分に堪能できましたのでまずは御礼まで。

映画「ブラック・ウィドウ」2021年アメリカ

 

さて、ディズニープラス月間とした今月ですが、お次はこの作品。

 

根がセコイので、せっかく見るなら、当面はここでしか見れないと思われる作品を選びました。

2015年くらいまでは、WOWOWで撮り貯めた映画が、かなりありますので、基本はそれ以降製作された映画で、普段はあまり見ないような作品。

見た映画に関しては、どうしても拙いイラストを描きたたくなるもので、既にイラスト状態であるアニメ作品以外のものということになります。

本作は2021年の公開となっていましたから、出来立てのホヤホヤ。

ディズニーとがっちりタッグを組んでいるマーベル作品です。

2020年の公開予定が、今回のCovid-19 騒動で延期されてしまい、去年になってやっと公開され、このディズニープラスで「見放題」作品になったのもつい最近のこと。

ここで見れる最も旬な作品の一つということになります。

マーベル・コミック出身のヒーローたちが、映画界において大活躍している状況はもちろん知っています。

そして、そんな彼らが、自作の枠を飛び越して、アベンジャーズというチームとなって、共同戦線を組み、地球をスーパーヴィランの魔の手から救うというオールスター映画になっているのも承知。

そして、そんな映画群が、興行成績では、次々と全米の興行成績を塗り替えているのですから、やはり映画ファンとしては、好みではないからと、斜に構えて、素通りしてしまうのは大人気ないという話です。

こういう機会にしっかりと見ておくことにしました。

これまでに見たマーベル作品といえば、つい先日見たのが、「アベンジャーズ/インフィニティ・ウォーズ」。

これは、アベンジャーズ・シリーズの3作目でした。

本来であれば、一作目から見ておくべきところでしたが、中途半端なところから見始めてしまい、背後にあるアベンジャーズ・ワールドは全くのチンプンカンプン状態。

それでも、その圧倒的なビジュアルで、それがわかっていなかろうと、映画は十分に楽しめるようには作ってありました。

こんな作品は、今の日本の映画力では絶対に作れないなとため息をついたものです。

一本にかける製作費も桁違いですが、問題はそれだけじゃないな。

まあいいや。

そして、この作品にも、本作のヒロイン、ナターシャ・ロマノフは登場していました。

演じていたのは、スカーレット・ヨハンセン。

Wiki によれば、彼女は、一連のシリーズで、このスーパー・ヒロインを演じてきたことで、今やハリウッドで最も稼ぐ女優の一人になっているそうです。

ブラック・ウィドウこと、ナターシャ・ロマノフは、S.H.I.E.L.D.というアベンジャーズ・チームの紅一点。

本作は、その彼女のいわば単体活躍作品です。(AVみたいな言い方で失礼)

ナターシャ・ロマノフは抜群の身体能力を持つロシアの女スパイという設定。(違ってたらごめんなさい)

ですので、本作はSF作品というよりは、スパイ・アクション映画というカテゴリーに入るのかもしれません。

女性版007ということにもなりそうですが、そういえば、007シリーズの第二作目「ロシアより愛をこめて」では、タチアナ・ロマノワというソ連(当時の呼び方)の女スパイが登場しました。

ナターシャ・ロマノフのコミックにおける初登場は、この「ロシアより愛をこめて」が映画化されて公開された直後のことですので、このネーミングには、多少なりともその影響があったかもしれません。

オールド映画ファンとしては、すぐにそれを連想してしまいましたね。

演じたダニエラ・ビアンキは、身体能力よりも、お色気でジェームズ・ボンドに迫っていました。

 

世界中から「娘たち」をさらってきて、特殊訓練とマインド・コントロールを施し、彼女たちを使って、世界を支配しようと企んでいるのがレッドルームという組織。

この組織を妹と共に脱出したことで、命を狙われることらになったナターシャは、この組織を壊滅させて、「ウィドウ」たちを解放しようと、超人的な活躍をしていくというのが本作のメイン・ストリー。

いってみれば、こんな世界は映画の中でしかあり得ないというようなSFチックな世界を、圧倒的にお金をかけたビジュアルで、見ているこちらを、力づくで納得させてしまうというのが、他国の追従を許さないアメリカ映画の底力でしょう。

スーパー・ヒロインというとDCコミックの方にも、「ワンダー・ウーマン」がいますね。

日本の場合ですと、抜群の身体能力や特殊能力で、悪者をバッタバッタと薙ぎ倒す単体スーパー・ヒロインというと、すぐに頭に浮かぶのがアニメの「キューティ・ハニー」ですが、これはキャラとして知っているというだけで、見たことはありません。

オジサンの世代で永井豪といえば、「少年ジャンプ」連載の「ハレンチ学園」まで。

女子が主人公のアニメといえば、「魔法使いサリー」か「ひみつのアッコちゃん」ですが、彼女たちは可愛い少女ヒロインで、地球を滅ぼそうとする悪役は登場しません。

悪と戦うヒロインといえば、我が国では多くの場合、チームの中の紅一点として登場する場合がほとんど。

アニメでいえば、「サイボーグ009」の003、「レインボー戦隊ロビン」のリリィ。

実写なら、古くは「忍者部隊月光」の銀月、「ウルトラマン」のフジ隊員、「ウルトラセブン」のアンヌ隊員などでしょうか。

そして、忘れてならないのがこの人。

味方だか敵だかわからない怪しげなキャラで、お色気という武器を持ってアニメの世界に颯爽と登場し、主役の「ルパン三世」を翻弄させ、こちらの胸をワサワサとさせてくれたのが峰不二子。

還暦越えの僕らの世代で、スーパー・ヒロインといえばこの辺りまでですね。

そう考えると、「ブラック・ウィドウ」や「ワンダー・ウーマン」のように、単独で主役を張れるアクション系のスーパー・ヒロインが、僕らの世代ではちょっと浮かびません。

なんとかレンジャーのシリーズになってくると、完全についていけなくなっていますし、Amazon プラスで見られた劇場版の「新世紀エヴァンゲリオン」は一気に鑑賞しましたが、ヒロインの綾波レイは、ぼちぼちいいオジサンになり始めている、かつてのファンたちも、いまだに夢中にさせていますが、残念ながら主人公ではないし、どちらかといえば少女キャラで、僕の中でのスーパー・ヒロインの系譜には入りません。

申し訳ありませんが、オジサンのような筋金入りのスケベが、スーパー・ヒロインに求めるのは、セクハラ親父だ、女性蔑視だなんだと言われようが、ここでハッキリと申し上げておきます。

やはり、お色気ですね。

これなくして、ピンのスーパー・ヒロインにはなれず!

これは、思春期の一番多感に頃に、007のボンドガールの悩ましい魅力にクラクラさせられてきた世代の映画ファンに刷り込まれてしまった本能と言ってもよろしいかもしれません。

ですから、個人的にはなんといっても強烈なバスト・アピールこそが、スーパーヒロインには、絶対欠かせない条件ということになります。

従って、悪と戦う強いスーパー・ヒロインに、絶対にFカップ未満はあり得ない。

まずはこう申し上げておきたいわけです。

さあ、そこで本作です。

本作は、原作のコミックの方こそ見ていませんが、主演のスカーレット・ヨハンセンのナイスバディは誰もが知るところ。

まずは白状しておきましょう。

お恥ずかしい話、このヒロイン役で、ハリウッドNo. 1女優の栄華に輝いた彼女が、おそらくはとんでもない額のギャランティをもらって演じているはずですので、その感謝も込めて、多少なりともハリウッド・トップ女優の「お色気」ファン・サービスはあるかもしれないなどと期待してしまいました。

申し訳ありません。

しかし、本作においては、度肝を抜くアクション・シーンの数々に驚かさるばかりで、残念ながら彼女のお色気シーンは皆無でしたね。

彼女のナイス・バディは、ぴっちりした戦闘服の中に最後まで隠されたまま。

今のハリウッド女優なら当たり前の、バスト・アピールは本作には皆無。

キス・シーンすらありません。

とにかく、スカーレット・ヨハンセンは、本作では徹底的にアクション俳優を全うしていました。

クレジットを見れば、彼女は主演の他に、製作総指揮にも、その名を連ねていましたので、ハリウッドNo. 1女優として、本作への発言権は相当あったものだと推察します。

おそらくは、本作の主役を演じる条件として、自らのお色気路線を封印することには、かなりこだわったような気がするんですね。

この人のキャリアを見ると、2019年の「マリッジ・ストーリー」では、アカデミー賞主演女優賞にもノミネートされるほどの、堂々たる演技派でもあることがわかります。(これは未見)

その彼女が、実際には演技もへったくれもない、圧倒的なスーパー・ヒロイン・パワーで、女優としてのキャリアを駆け上がり、映画界の頂点にまで昇り詰めてしまったことに対するジレンマのようなものがあったのではなかろうかと思ってしまいます。

しかし、ナターシャ・ロマノフが、アカデミー賞に輝くような演技をウリにしたら、果たして「ブラック・ウィドウ」は、これだけの興行成績を稼ぐような面白い映画になったかという問題は残りますね。

やはり本作における彼女は、「カッコイイ」こそ全てで、誰もこの映画に、彼女のアカデミー賞演技など求めてはいない。ちょっとそんな気がします。

そして、それを誰よりもわかっているのは、実は彼女自身だったかもしれません。

演技派としてもやっていけるというプライドが、お色気サービスまで提供して、本作の興行成績を上げることを潔しとしなかったのではないか。

本作を見て、ずっと感じていたのは、ファンの望むことは重々承知しているが、そんなサービスなどしなくとも、私の映画は充分に面白いのよといっている彼女の女優としてのプライドのようなものでしたね。

ナターシャの妹エレーナを演じたフローレンス・ピューは、コロナ騒動になる前の最後に映画館で観たホラー映画「ミッドサマー」で主演をしていたから覚えています。

映画中盤レッドルームの暗殺サイボーグであるタスクマスターが、そのマスクを外したら、中からもう一人知っている女優ができました。

「007慰めの報酬」で、エキゾチックなボンド・ガールを演じたオルガ・キュリレンコ。

もちろんお二方とも美人女優ではありますが、フローレンス・ピューはどちらかといえばポッチャリ系ですし、モデル出身のオルガ・キュリレンコは、そのスラリとした長身の肢体は、タスクマスターの鋼鉄スーツで封印されて、顔には傷が・・

つまり、普通に見て、正統派の美人は、彼女だけなんですね。

女優の魅力において、自分が共演女優に食われることがないように、キャスティングにも、製作総指揮として、口を出していたとしたら、スカーレット・ヨハンセンも大したものです。

いやいや文句など言いますまい。

それくらいのことが当たり前でないと、到底ハリウッドNo. 1女優の地位など築けるワケはないのかもしれません。

とにかく、今や人気実力ともに絶頂のスカーレット・ヨハンセンの、ナターシャ・ロマノフへの役作りは、徹底的なアクション俳優としてのこだわりです。そのメイクも、公式な場に登場する彼女と比べれば圧倒的に控えめです。

しかし盛者必衰が理の映画界です。

人気絶頂な彼女も、いつかはその人気に翳りが見え始め、それなりに年齢も重ねた彼女に、もしもまた「ブラック・ウィドウ」へのオファーがあったとしたら、彼女がどうするか。

映画業界の常として、背に腹は変えられない起死回生の役作りに、お色気プラスのサービスもする気になるかもしれないと期待してしまうのが、スケベ映画ファンの悲しい性です。

フェミニストの皆様に対しては、ここはひたすら陳謝あるのみ。

 

映画におけるスーパー・ヒロインは、常にセクシーであれ。

しかしながら、そこに頼らずに、「ブラック・ウィドウ」を、成功に導いたスカーレット・ヨハンセンは大したものですが、アンジェリーナ・ジョリーだとて、今となってはやりたくてももうララ・クロフトは演じられません。

残念ながら、女優の旬は短いもの。

 

演技派路線は、続けていれば年を重ねても花開きますが、セクシー路線だけはリミットが有ります。

スカーレット・ヨハンセン様。

どうか「やり時」だけは逃されませぬように。

映画「PLANET OF THE APES / 猿の惑星」2000年アメリカ

さて、ディズニープラス月間とさせて頂きました今月ですが、続きましては本作を鑑賞させてもらいました。

 

本作は、言わずと知れた1968年公開のSF映画の傑作「猿の惑星」のリメイク。

しかし、本作監督のティム・バートンは、リメイクといわれるのを嫌がって、自ら「リ・イマジネーション」作品と公言しています。

「再創造」という意味のようですが、前作を見ているものとしては、これはもうどちらでもよろしい。

「猿の惑星」は、公開当時大ヒットし、後にシリーズ化されました。

これは全五作となりますが、続編まではおつきあいさせてもらいました。

しかし三作目以降は、製作費も尻窄みになっていったのはわかったので、内容は推して知るべしとの判断。

見ていません。

ただし、衛星放送でこの旧シリーズはオンエアされましたので、とりあえ全作品は録画済み。

いずれ鑑賞するつもりです。

さて、今回鑑賞したのは、その旧作シリーズではなく、2000年に公開された新シリーズの一作目です。

なるほど、「シザーハンズ」や「バットマン」を撮ったティム・バートン監督なら、触手を伸ばしてもよさそうな作品ではあります。

製作会社も、前作大ヒットの保険と、監督の実績もあるので、この企画ならハズすことはないだろうと判断したのでしょう。

それにしてもここ最近はリメイクが目立ちます。

スピルバーグ監督までもが、ミュージカルの「ウエストサイド物語」をリメイクしています。

なぜリメイク映画がこうも幅をきかすのか。

その大きな理由が、映画の製作システムが変わってきたことだと聞いています。

映画製作に巨額な制作費を投資するのは、今のハリウッドでは、映画制作会社ではなく、巨大なファンド会社。

つまり、ファンドはお金の専門家集団で、映画の専門家たちではないということです。

ですから、彼らにとっては、過去のデータが判断材料の全て。

どういうスタッフとキャストを集めて、どんな作品を作れば映画は当たるかといういう経済論理でしか、映画を判断しません。

そこにどんなに優れたオリジナル脚本が提示されても、映画の専門家ではない彼らには、それを正当に評価する能力はなく、多少鮮度には問題があっても、過去にヒットした作品のリメイクで、二匹目三匹目のドジョウを狙う方が、コケるリスクは少ないだろうと判断するわけです。

僕も含めて、自由の女神に腰を抜かした、前作からの映画ファンたちを、どう納得させるか。

とにかく、細かいディテールは違うにせよ、物語進行はおよそ見当がついているファンたちを、どう映画の中に、再び引き摺り込むか。

ティム・バートン監督には、その辺りの勝算と自信はあったのでしょう。

当然前作からは、38年もの時が流れていますので、SFXはそれなりの進歩を遂げています。

猿の特殊メイクの進歩もそれなり。

前作で、人間の味方となるジーラに当たるのが、雌猿のアリ。

演じたのは、ティム・バートン監督のパートナーでもあるヘレナ・ボナム=カーター。

前作にはない新キャラとして、人間を追い詰める猿の将軍セードを演じたのがティム・ロス。

前作のキム・ハンターやロディ・マクドゥオールもそうでしたが、ちゃんとした俳優なのに、猿メイクのせいで、観客には俳優としてのイメージが伝わらないのは、可哀想といえば可哀想です。

前作の主役はチャールトン・ヘストンでしたが、なんと今回も出演してました。

セーどの父親ゼイウスがそうだったのですが、これは、エンドクレジットを見るまで気がつきませんでした。

オールドファンとしては不覚。すぐに見直しました。

ワンシーンのみの出演でしたが、確かに、アップ多用で、それなりのリスペクト撮影だったような気がします。

撮影当時77歳。ご立派。

それからなんと、前作でノバを演じたリンダ・ハリスンも、人間の女性役で出ていたんですね。

猿メイクではないのに、これも完全に見落としています。

もう一度確認しておきます。

なかなか、心憎いキャスティングをされますな。

 

「ジャングル・ブック」の感想文で、「不気味に谷間」の話に触れましたが、ティム・バートン監督は、過去作品のラインナップを見ても分かるように、この心理現象を避けるというよりも、あえて狙いに行くようなところがあります。

そしてそれを、独特のエンターテイメント世界にするのが彼の映画表現における真骨頂。

一歩間違えば「気持ち悪い」になりかねない世界を、ギリギリのところで、不快感にまではしないバランス感覚が絶妙です。

そして気がつけば、見ている方は、その悪魔的な演出の毒気に取り込まれてしまっているわけです。

ですから、この人の作品にリアリズム目線のツッコミを入れるのは野暮というもの。

前作のノヴァにあたるディナを演じたエステラ・ウォーレンだけが口紅をしている辺りは、やや気になりましたが何も言いますまい。

映画途中からは、自由の女神オチを、どう「リ・イマジネーション」してくるかと楽しみにしていましたが、なるほどなるほど、あの方を持ってきましたか。

この辺り、リメイク作品には、何をやっても衝撃度だけは前作を越えられないという宿命がありますので、あえてそこにお得意の「毒気」を盛り込んできたあたりは、この監督らしいところです。

 

前作が大ヒットしていた頃、たれが言ったかこんなジョークがありましたね。

「この映画、ちょっと匂わないか?」

「そりゃそうさ。サルノハ、クセエ。」

映画「ジャングル・ブック」2016年アメリカ

せっかく、ディズニープラスに登録しましたので、いつものAmazon プライムはお休みして、この一ヶ月はこちらを楽しませてもらうことにします。

 

さて、今回は2016年製作の「ジャングル・ブック」です。

 

この作品は、ちょっと関心がはありました。

畑仕事をしている最中は、よくBGM代わりに、YouTube で「WOWOWプラスト」(現在は終了。過去のアーカイブが観れるのみ)を聞いていた(見るのではなく)のですが、この番組は、「エンターテイメント深掘りトーク番組」というキャッチコピーが示す通り、一つのテーマで、その筋の見識者たちが、じっくりと語り合っていくというスタイルのネット番組です。

そこで聞き入ってしまったテーマの一つが「最新CG事情」みたいなことだったと思うのですが、そこで取り上げられていたのが、この「ジャングル・ブック」でした。

この映画の実写部分は、少年の部分だけで、後の全ては、動物たちも背景も含めてCGだというわけです。

映画の草創期であれば、実際のロケに子役を連れて行き、多少危ないシーンでも演じさせてしまうという無茶も通用したのですが、今のハリウッドは、人権問題にはとてもナーバスで、そんなことは絶対に許されない状況だということを、その番組で知りました。

子役を使うにあたってのNG行為が、契約書にはビッシリと書き込まれていて、ちょっとでも、子供を危険に晒すような撮影は出来ないことになっているんですね。

そんな状況の現在のハリウッドで、実写化されたのが本作です。

ですから、少年は本作の全ての演技を、安全を徹底的に確保されたスタジオ内の巨大なブルーバックの前で行い、そのほかのすべてのパーツはCGで作られ、後からクロマキー合成をして、映画は完成したというわけです。

1993年に、スピルバーグ監督の「ジュラシック・パーク」を見て、車のライトを浴びて、ティラノザウルスの瞳孔が縮むシーンに驚かされ、おおっ、ついにCGもここまで来たかという感慨にふけったものですが、それから更に進化したCG技術は、ついにアニメではない動物たちに、違和感なく「言葉を喋る」演技までさせ、自然現象さえも、書き割りではない、動く演技者として、自由に台本通りにコントロールできるようになっているのかと、ため息すらこぼれましたね。

もはや、CGを駆使すれば、映画の中では表現できないことはないところまで来たのか。

そう思うと、アナログ育ちのクラシックな映画ファンとしては、ちょっと複雑な思いになっていました。

 

「ジャングル・ブック」は、1967年にアニメとしても公開されていますが、これはうっすらと覚えています。

ディズニー・アニメは、映画館で見た記憶がハッキリとあるのは「101匹わんちゃん大行進」が最初でした。

犬達目線で映画は作られていて、人間は下半身しか映っていない演出を、妙に覚えています。

「ジャングル・ブック」も、映像のイメージはなんとなく残っているのですが、果たしてそれが、映画を見た記憶なのか、絵本の記憶なのか、ポスターの記憶なのか、その辺りは正直ちょっと定かでありません。

キャラクターたちの造形はかなり記憶にあったつもりなのですが、今思うと、子供の頃、大好きだった東映アニメの「狼少年ケン」や、虫プロの「ジャングル大帝」のキャラクターたちと、かなりごちゃ混ぜになっているような気もします。

しかしどちらのアニメも、日本では、このディズニー・アニメ版「ジャングル・ブック」よりも前に作られていますので、アニメ先進国の人気作品が、ディズニー版を作るにあたって参考にされた可能性は、大いにあったと思われます。

ディズニー作品の中には、「海底二万里」のような、立派な実写SF作品もあるのですが、この「ジャングル・ブック」の世界は、さすがに実写で表現するのは相当難しいだろうと考えてしまいます。

しかしアニメならさにあらず。

虎や熊が喋ったり、歌ったりするのには、アニメなら、もちろんなんの違和感もありません。

それこそ、ファンタジーの大道というもの。

ディズニーは、この世界を極めて、現在の地位を獲得したのは、世界中の子どもたち(あるいはかつて子供だつた人)が百も承知です。

反対に、ディズニー作品の中には、「砂漠は生きている」「灰色熊の一生」のような、生の動物たちにカメラを向けた優れたドキュメンタリー作品もあります。

しかし、こちらに登場する動物たちは、一切人間の言葉は喋りませんし、演技もしません。

彼らのありのままの姿に、人間のナレーションがはいるのみです。

ディズニーは、この両極のスタイルをきちんとエンターテイメントにしてきた実績はあるわけです。

しかし、今回の「ジャングル・ブック」は、そのどちらでもない新しいスタイルのディズニー映画になるのではなかろうかと思い、興味があったわけです。

多額の製作費さえかければ、今のCG技術で表現できないことはないというところまで、映画制作の現場がデジタルに進化しているというところまでは理解しました。

しかし、問題はその先です。

その技術を駆使して、アニメではないリアルな動物たちが、人間の言葉を喋って台本通りの演技をしたとして、果たして、アニメ作品のような「楽しく明るい」ディズニー・ファンタジーが展開出来るのかという話ですね。

 

「不気味の谷現象」というのがあります。

ロボット工学の文脈でよく使われる人間の心理現象で、ロボットを精緻に、人間に似せて作っていく過程で、それまでロボットに対して抱いていた好感が、一転して、嫌悪感や薄気味悪さに変る段階があると言うんですね。

これは、自分の経験からも、思い当たる節があります。

スーパーマリオネーションで作られたお馴染みのSF人形劇「サンダーバード」は、日本の少年たちを虜にしましたので、覚えている人も多いと思います。

登場する人形たちは、例えば日本の人形劇「ひょっこりひょうたん島」に比べるとかなり精巧で、より人間に近い造形で驚いたものです。

しかし、今思えば、その人形たちは、精巧ではあるのですが、やはりどこかアニメ的にデザインされていて、かなりデフォルメされたキャラクターにはなっていました。

ゆえに、「サンダーバード」は、子供心には、「鉄人28号」や「エイトマン」の延長線上で楽しめていたわけです。

しかし、その後に登場したスーパー・マリオネーション・シリーズの「キャプテン・スカーレット」はちょっと味わいが違いました。

その技術はそこからさらに進歩して、さらに緻密に、人間の造形に近い人形たちが登場してきたわけです。

覚えているのは、この人形たちは、サンダーバードのキャラクターのように、アクティブではありませんでした。

おそらくは、精巧に作られた人形は、動かせば動かすほど、人間のイメージからは遠ざかるという演出意図があったのでしょう。

手元のアップなどは、実際の人間の手の実写を使っていた記憶です。

「サンダーバード」のキャラたちよりも、さらに精巧に作られ、グレードアップしたマリオネーションのリアルさが、「キャプテン・スカーレット」のウリではあったのですが、どうもこれが、裏目に出た可能性があります。なぜか、「サンダーバード」のようには楽しめないんですね。

確かに、人形たちは精巧に作られ、お金もかかっているのはわかるのですが、どこか中途半端で、少々不気味でした。

これは、登場する人形たちがあまりにリアルすぎて、見ているこちらが「不気味の谷間」に落ちてしまっていたことが原因だろうと、今ならば推測できるわけです。

「キャプテン・スカーレット」には、「サンダーバード」に負けないくらいの魅力的なメカもふんだんに登場して、こちらの部分では大いに楽しませてくれました。

ですから、これが人間が演技する実写版であれば、「不気味の谷」現象は理屈上起きないはずですので問題はないのですが、これを精巧な人形で作ってしまったのが、「キャプテン・スカーレット」が、「サンダーバード」ほどは、子供たちに受け入れられなかった原因だったろうと思うわけです。

後に、「不気味の谷現象」というものを知った時、真っ先に脳裏に浮かんのが「キャプテン・スカーレット」でした。

 

さて、本作では、これが人間ではなく、生の動物ということになります。

ディズニー・アニメに登場する動物たちは、これまでも、実に楽しく歌い踊り、人間の言葉を喋ってきました。

当たり前にステップを踏んで歌い、怒り泣き、腹を抱えて笑うわけです。

当然、実際の動物たちはそんな感情表現はしないわけです。

そんなリアルなCGで表現された彼らに、人間の言葉を喋らせ、物語を進行させるための演技をさせて、果たして、夢のディズニー・ワールドが成立するのかという興味があったわけです。

 

では、本作を見終わった後の結論から申し上げましょう。

少なくとも、還暦過ぎの老人の目からみれば、その「不気味の谷」に落ち込む危惧は上手に回避されていましたね。

さすがは、エンタメの帝王ディズニーです。

莫大な製作費をかけた娯楽大作を、そんな不気味な印象になる中途半端な作品にはしていませんでした。

アニメではない、ほとんど実写の動物に見えるような本作のリアルな動物キャラたちは、映画の中で、確かに人間の言葉を操り、喜怒哀楽の表情を作り、時には歌ったりもするのですが、そのどれもが実際の動物たちの感情表現や仕草の範疇を超えたオーバーアクトにならない範囲で、きっちりと演技が成立しているんですね。これが巧みでした。

これは、制作段階で、相当綿密に計算されていたように思われます。

CGだからといって、もしも彼らに実際の動物なら見せるはずがない、「人間のような」仕草や演技までさせてしまったら、おそらく、違和感や、気持ち悪さにつながっていたのではないかと思われます。

アニメなら膨らませるだけ膨らませられるデフォルメが、リアルキャラでは、やはり限界があるということです。

昔見たアメリカ製のアニメで、口元だけを俳優の実写と合成してセリフを言わせていたものがあったのですが、あれは正直気持ち悪かった。

「CGで作られた映画なんだから、あり得ないことでもやってしまえばいいだろう」ということにはならないのが、エンターテイメントの難しいところです。

わかってはいても、理性では計算できないのが、「不気味の谷間」なのですから。

 

そんなこんなをクリアして、映画は、新しいスタイルのディズニー映画として、世界中で大ヒットしていますから、本作は世界中のファンたちの「不気味の谷間」問題は、難なくクリアしたと考えていいのでしょう。

ただ、興味があるのは子供たちの反応です。

例えば、本作と1967年度のアニメ版とを両方見せて、彼らにどちらが面白かったかを率直に聞きたいところではあります。

できれば、小学校低学年までの子どもたちに聞いてみたいですね。

子供たちなら、もしかしたら、やはり、アニメの方が楽しいと言ってくれてもおかしくはない気はしますが、待て待て。

今の子供たちは、TDLなどで、アニメの世界を現実化した実際のテーマパークを経験していますし、思い切りリアルなRPGで毎日遊んでいるので、すでに幼少期から、事実上、「不気味の谷」現象を回避する訓練をしていることになるのかもしれません。

家で飼っている犬や猫が、ある日突然喋り出したら、大人たちは腰を抜かすでしょうが、今の子供たちなら、あっさりと、それを現実として、受け入れてしまうような気もします。

「不気味の谷」にそう簡単に落ちないメンタリティが、進歩したCG技術の作り出す世界にどっぷりと浸っている世代には、すでに出来上がっているのかもしれません。

 

CG処理は、気がつけば映画製作の常識になりつつあります。

しかし、なかにはクリストファー・ノーランのように、CGを使うことを潔しとせず、全て実写という映画表現にこだわる監督もいます。

そこには、厳然たる「質感」の違いはあると多くの人がいいますが、本作のような作品を見せられてしまうと、もはや、そんな壁さえも、今のCG技術は軽々と超えてきているのではという気にはさせられます。

 

もしかしたら、全て実写だと思っていた映画が、実はフルCGの映画だったなんていう作品が、そのうち当たり前になる時代が来るのかもしれません。

ザ・ビートルス:Get Back Part 3 第17〜21日目

Part 3 まで、やっと見終わりました。

 

予想通り、大変見ごたえのある8時間でしたね。

2022年の仕事始めは、これをきっちり見終えてからと決めていましたので、感想まできっちりアップしていたら、なんだかんだとやはり5日間かかってしまいました。

ついでに、所有していた映画「LET IT BE」の海賊版までチェックしなおしましたが、当然といえば当然のことではありますが、映像や音声のクゥオリティがまるで違いました。

いまのデジタル修復技術の賜物なのでしょうが、これだけの高品質で見てしまうと、もういままで見て来たような海賊版には戻れなくなります。

Apple　TV のキットを買えば、わが家の50インチ液晶テレビで鑑賞もできたのですが、やはり本作だけのためにそこまでの贅沢は出来ませんでした。

その他の方法でもいろいろとトライしてみましたが、今ある機材でテレビに映像を飛ばすことは出来ず断念。

結局、本作は、iPad Proでの鑑賞となってしまいました。

けれど、愛機を目の前にデンと置いて、ヘッドフォンで見た方が、画面には集中できて、この作品を楽しむに当たっては案外これでよかったかもしれません。

 

Part 3 の冒頭は、リンゴが、自作の"OCTOPUS GARDEN"をピアノで披露しているシーンからスタートです。

リンゴが行き詰まったところで、ジョージが、ギターを抱えてすかさずフォロー。

このシーンは、もちろん映画「LET IT BE」にもありましたが、やはり意識的に、旧作で使ったカットは使用しないように編集されているようです。

これに、興味を示して、そのデモ・セッションに加わってきたのが、ジョージ・マーティンでした。

彼は言わずと知れたビートルズの音楽プロデューサーですから、彼らのセッションするところには、かならずその姿があります。

しかし、今回のセッションにおいては、完全にビートルズのメンバー主導で現場は動いており、彼はそばで何も言わずじっと見守っているというだけの印象でした。

それだけ、ビートルズが、この7年間で音楽的には大きく成長しているということでしょう。

その彼が、はじめて「口をはさんだ」シーンがこの場面でしたね。

 

ルーフトップのライブまで、すでに一週間を切っている状況です。

当初は1月の29日に予定が組まれていましたが、この日は悪天候の予報があったようで、ライブは1日延期されて30日になります。

この日付は、ビートルズ・ファンとしてはしっかり記憶していたので、いよいよだなという感じです。

しかし、この段階においても、メンバーたちの気持ちは揺れています。

これまでのアルバムのように、新作が14曲完成していないという不満があったようです。

グラント・ピアノは、さすがに屋上には運び上げられないので、何曲かの演奏は無理。

メンバー4人と、オルガンのビリー・プレストンが加わったバンド編成で、演奏可能な新曲は6曲程度。

それでも、やるべきかという迷いがあったようです。

4人が話し合いをするシーンもありましたが、最初に「やろうよ」と声を上げたのはリンゴでした。

これにジョンが呼応し、その様子を見てポールも手を上げ、最後はジョージが渋々という感じでした。

ジョンが、こう説明していました。

 

「ビートルズが何かを決定するときには、いつでも、全員賛成であることが基本。

誰かが独裁的に、グループを引っ張ることは絶対に有り得ない。」

 

これはもちろん、ポールも承知しているところなのでしょう。

この時期の、ビートルズは、なにかとポールが主導していると言われがちなことは、彼自身も十分に承知していて、ポールも自分の言いたいことはかなり意識的に抑えている様子は随所で見られました。

実際のところ、今回のセッションを見ていても、やはりこの時期のポールは、その才能の輝きが4人の中ではグンを抜いています。

ヨーコにべったりのジョンが、ビートルズへの関心がかなり薄れてきているのが明らかな中で、バンドのリーダーシップは自分が取らなければ、バンドは前に進んでいかないという状況であることは、彼が痛切に感じていたことだったかもしれません。

ジョンの言葉は、ある意味では、そんなポールへの彼なりの牽制だったかもしれません。

 

そのポールが所用で出かけてしまって、3人だけになったセッションが終わった後、そのタイミングを見計らうかのように、ジョンがジョージとリンゴに、アラン・クレインと会ってきたという話をし始めます。

アラン・クレインは、ビートルズに多少なりとも知識のあるファンなら、きいたことのある名前かもしれません。

この人は、音楽家ではなくて、実務家です。

過去にはローリング・ストーンズのマネージャーなどもしていたという人物。

名マネージャーであったブライアン・エプスタインの死後、ビートルズの稼ぎ出す莫大な資産は、きちんと管理されずに、彼らは、自分たちが稼ぎ出した金額には到底見合わないようなギャラしかもらえていないという状況でした。

これに目を付けたアラン・クレインが、この時期、ビートルズに対して、積極的に売り込みをかけていたんですね。

この頃、ビートルズの資産管理は、ポールの身内である人物に任せようという話も持ち上がっていたので、これを嫌がったジョンが、このアラン・クレインと接触したというわけです。

ファンなら、誰でも知っていると思いますが、この人物もかなりのクセモノだったりするわけですが、この時点では、ジョンは彼をべた褒めしています。

ジョージとリンゴに対して、ギャラが公平に分配されるためにも、この人物をマネージャーに推すことに同意を求めているという様子が伝わってきます。

ヨーコが前夫との正式離婚が決まったばかりで、すでに自分のプライベートは任せたみたいなことをジョンは言っています。

一方、Part 2 では、ジョンがいない状況で、ヨーコのことで、三人が話し合っているというようなシーンもあったりで、ピーター・ジャクソン監督は、音楽以外でも、こんな生々しいシーンを、積極的に見せてくれていて、ファンにとってはなかなか興味深いシーンが見れました。

 

生々しいといえば、ジョージも、こんなことをいっています。

ジョンとポールという大木の陰で、ビートルズの中では、なかなか自作を思うように発表できないでいたジョージ。

そのジョージが、ジョンにこう愚痴っていました。

 

「かなりいい曲がたまっている。一度ソロとして、この曲を発表してみたいんだ。

バンドはやめるつもりはないが、ソロ活動と並行してバンドも続けられれば、いい結果につながると思うんだ。」

 

ジョンは、今バンドがまとまってライブをやろうとしている時に、君はソロの話をするのかとジョージの相談を一蹴してしまいますが、ジョン自身はすでに、ビートルズのメンバーでありながら、ヨーコと一緒に、かなり物議を醸しだした前衛アルバムを発表しています。

ジョージとしては、それゆえにポールではなく、ジョンへの相談だったのでしょう。

事実、ビートルズの解散後に、ソロ・アーティストとして、4人の中で、最も早くブレイクしたのはジョージでした。

彼の言葉通り、彼のソロ・デビュー・アルバムは、なんと3枚組の大作で、確かに楽曲は粒ぞろいでした。

やはり、この時期に、アーティストとして、一番ストレスを抱えていたのは、ジョージだったのかもしれません。

 

さて、Part 3 になってくると、彼らの演奏もかなりまとまってきていることがわかります。

いろいろなセッションが聞けましたが、なかでも、個人的に面白かったのは、ジョンの"I WANT YOU"のセッション。

ここで、ジョンは、この"I WANT YOU" のところを"I HAVE A DREAM"と歌い替えているんですね。

"I HAVE A DREAM"といえば、公民権運動のリーダーだったマーチン・ルーサー・キング牧師の、有名すぎる演説のフレーズです。

これに、目を輝かせていて印象的だったのは、オルガン・プレイヤーとして参加していたビリー・プレストン。

彼はもちろん黒人です。

それまでは、オルガンに専念していた彼でしたが、このセッションで、はじめて歌まで歌っていましたね。

よほど嬉しかったのでしょう。

このあたり、後にヨーコと一緒に、積極的に政治活動にも参加していく、ジョンの面目躍如です。

 

さて、いよいよクライマックスのルーフトップ・コンサートです。

ピーター・ジャクソン監督は、これをほぼノーカットで見せてくれています。

ありがたや、ありがたや。

10台のカメラで撮られた映像は、マルチ画面を活用して、曲間の様子も含めて、惜しみなく公開。

ルーフトップに5台、向かいのビルに1台、サビル・ロウの通りに3台、そして、警官が来るのを予想して、アップル・ビルの玄関に隠しカメラが一台。

合計10台。

黒澤明も真っ青なマルチカメラの布陣で、ビートルズにとってはおよそ3年ぶりとなる歴史的なコンサートの模様は記録されたわけです。

このセッションでは、演奏された6曲のうち、"GET BACK" は都合3回、"I'VE GOT A FEELING""DON'T LET ME DOWN"　"DIG A PONY"はそれぞれ二回ずつ演奏されていました。

通りに出たカメラは、突然の大音響で始まったビートルズの演奏を見上げる人たちの様子を撮り、周辺のビルの屋上に上がってくる、ビジネス・スーツやOLユニフォームのままの観客もとらえていきます。

苦情の電話が殺到していると、アップル・ビルにやってきたのは、レイ・シェイラー巡査、ピーター・クラドック巡査、デビッド・ケンドリック警部補の三人。

三人の実名は、本作にもきちんとクレジットされていて、幸か不幸か、たまたまこの日のシフトであったために、この三人の名前は、その映像と共に「歴史」刻まれてしまったわけです。

 

この演奏は、ビルの地下で、ジョージ・マーティン監修のもとできちんと録音されており、アルバム「LET IT BE」にも採用されたものも多いので、これまでにも何度聞いたことかしれない、お馴染みのテイクばかりなのですが、それを改めて聞かされても、とにかく彼らの演奏はカッコいいの一言に尽きました。

ここにいたるまでは、とにかくおふざけのジャム・セッションや、アレンジ未完成のものをこれでもかと聞かされてきているわけです。

どの楽曲も、ただその断片をつなぎ合わせていくような編集ばかりで、まともな演奏は聴かせてもらってはいません。

ですから、ここで初めて聞ける、完成された、彼らのフル演奏の効果は抜群。

ポールが言うところの、「僕たちはこれまでも、追い詰められた時に本領を発揮してきた」という言葉通りの、本気になったガチなビートルズの最後の生演奏は、やはり圧巻でした。

LIVEで鍛えられてきたビートルズは、やはり本番には強かった。

そして、すべてはこのクライマックスに向けて、緻密に練られてあった、8時間の長丁場にわたるその構成と演出も見事。

ピーター・ジャクソン監督の演出手腕もあっぱれでした。

 

この伝説の演奏の翌日、このセッションの最終日となるのが1月31日てす。

この日には、屋上で演奏されなかったピアノ・ナンバーである"LET IT BE" "THE LONG AND WINDING ROAD"、そしてアコースティック・ナンバーの"TWO OF US "が正式録音されています。

映画「LET IT BE」では、録音順番を逆にして、この三曲が、ルーフトップ・コンサートのシークエンスの前に、フルバージョンで並べられていましたが、このPART3では、屋上で演奏されなかった三曲は、NGや別テイクと一緒に編集され、エンドクレジットのBGMとして使われており、フルバージョンは登場しません。

結局本作で、完成された楽曲として聞けるのは、ルーフトップで演奏された6曲のみ。

その中で、三度も演奏されたのが"GET BACK"です。

最後の"GET BACK"の演奏途中、ジョージは、一度は切られたアンプのスイッチを自分で入れなおして演奏を続けます。

そして、ポールは、屋上まで上がってきた警官たちに向かって、当意即妙に「屋上で遊んでいると逮捕されちまうぞ!」みたいなアドリブを入れ、「ゲット・バック! もと居たところに帰れよ」とシャウトするわけです。

中学生の時に、初めて見て以来、何度見ても「いやあ、かっこいいわ!」と思ってしまったシーンです。

これは還暦を越えてから見ても、まったく変わることのない感想でした。

さすがは、ビートルズ。

 

とにかく、いろいろな再発見やサプライズにあふれた8時間だったのですが、「へえ」と思ったことが一つ。

"THE LONG AND WINDING ROAD"の録音テイクを、メンバーがミキシング・ルームで聞いているシーンです。

ジョージがストリングスを入れるアイデアを口にするのですが、それに対してポールが以外にも、「それは僕も考えている」みたいなことを言うんですね。

これは意外でした。

後に、アルバム「LET IT BE」は、ビートルズが完成させるのを放棄してしまったため、音楽プロデューサーのフィル・スペクターに託されるのですが、彼はここで、"THE LONG AND WINDING ROAD"に、コテコテのストリングスをオーバー・ダビングし、女性コーラスまで入れてしまいます。

そして、このバージョンは、ビートルズの事実上、最後のシングル・レコードとしてリリースされます。

ポールは、このアレンジに対しておおいに不満で、この曲の本来のコンセプトに反するとして、後にフィル・スペクターのアレンジをすべて取っ払った「LET IT BE...NAKED」というアルバムを発売するにいたるわけです。

この経緯は、ファンなら誰でも知っていることなので、ジョージのアイデアに対するポールのこのリアクションは、正直意外だったというわけです。

ポール自身の日本公演は、僕も見に行きましたが、興味津々だったこの曲のアレンジでした。

しかしそのライブの演奏では、"THE LONG AND WINDING ROAD"には、しっかりとストリングス・アレンジ風のシンセサイザーがフューチャーされていました。

果たして、ポールの本意はどこにあったのか。こうなると、真相は闇の中です。

因みに、個人的には、フィル・スペクターのバージョンを繰り返し聞いてきましたので、逆に「...NAKENAKED」のバージョンの方に違和感を感じておりましたね。

やはり原体験の感動というものは、そう簡単には覆らないようです。

いずれにしても、そんなこんなも含めて、あれこれと伝えられてきた、この解散直前の1969年1月のビートルズの姿を、残されたフィルムをもとに、できる限り正確に、ドキュメントとして伝えようとしてくれたピーター・ジャクソン監督の製作姿勢には、改めて心からの敬意を表する次第です。

 

PART 3 を見終わった直後から、一気に書いているので、まだまだ掘り下げたいネタは、たくさんありそうですが、とりあえず、ここまでにしておきます。

 

とにかく、今はカラオケで、アルバム「LET IT BE」を全曲歌いたくてムラムラです。

 

ご馳走様でした。満腹です。

 

 

「ザ・ビートルズ : Get Back」 Part 2第8-16日目

さて、Part 2 です。

 

Part 1 は、ジョージの突然のグループ脱退で、テレビ・ショーの計画に暗雲が立ち込めたところで終わりました。

さあ、ビートルズはどうなるのか。

残された三人は、リンゴの家で緊急ミーティングを開いたわけですが、Part 2 では、その結果報告からスタートします。

しかし、次の月曜日にやってきたのは、リンゴとポールだけ。

気が気ではないスタッフは、詰め寄りますが、結論は出なかったと告げるリンゴ。

後からジョンもやってきますが、ポールとのやりとりは、花瓶に仕込まれた盗聴音源のものでした。

ですから、会話には、嘘も飾りも一切ありません。

このあたり、出来る限り、当時の正確な状況の再現に努めたピーター・ジャクソン監督の姿勢が伝わってきます。

この時代のビートルズを取り巻く状況は、これまでも色々な資料から情報は得ていて、そこそこ知っているつもりにはなっていましたが、やはり実際の映像を見ると、少なからず「刷り込み」や「思い込み」もあったことに気がつかされます。

おそらく、この膨大な素材をチェックしたピーター監督にも、同じ思いがよぎったかもしれません。

もちろん、その映像はたとえリアルな現実であったにせよ、それをどう編集するかによって、映画には如何様にも監督の「想い」は反映されてしまうものです。

その辺りは、重々承知の上としても、ピーター監督は、出来る限り事実は事実として、正確に描こうと努めたことは伝わってきます。

実際に、この現実を、8時間の鑑賞に耐えるエンターテイメントにしたのは、何本もの映画実作で積み重ねてきたビーター監督の作劇技術の賜物でしょう。

しかし、そういったある程度の映画としての演出部分は差し引いた上でも、本作からしっかり伝わってくるメッセージは、最終的な判断は、見るものに委ねるという姿勢ですね。

判断の材料となる映像は、偏見なく提示するので、全てはそれを見て判断してくれればいいということなのだと思います。

マイケル・リンゼイ=ホッグ監督による映画「LET IT BE」は、今から思えば、「崩壊していくバンドの最後の輝き」という演出テーマがあったように思います。

この人は元々が音楽プロモーション映像が専門の人でした。

「ペイパーバック・ライター」や「ヘイ・ジュード」「レボリューション」などの映像作品を監督した実績を買われてこの作品の監督に抜擢されています。

ですからこの人の手腕は、物語よりも、音楽をどう見せるかというところで発揮されるわけです。

マイケル監督が長編劇映画を撮るのは「LET IT BE」が初めてでしたが、やはりここでも彼が試みたのは、映画の後半を占める完成作品映像を如何に効果的に見せるか。

ですから、ビートルズというバンドの最後の輝きを際立たせるための効果として、映画前半には意図的にギクシャクしている彼らの様子が並べられていたような気がします。

少なくとも、最後のルーフトップ・コンサートに至るまでの、プロジェクト全体の紆余曲折やドラマ性、そして、そんな状況の中でも、意外に陽気に和気あいあいとしていた彼らの様子は排除されていました。

というよりも、そこまでの内容を詰め込むのは、90分の映画サイズではほとんど不可能だったのでしょう。

しかし、今回再編集を任されたピーター監督は、「音楽」ではなく、「物語」の専門家です。

彼は今回の再編集に対して、特にここにこだわったような気がします。

つまり、マイケル監督が作った映画「LET IT BE」の二番煎じではなく、劇映画の専門家として、この1969年1月の一ヶ月間を、極力正確に再構成することで、「LET IT BE」とは違う、ストーリーのある物語としてエンターテイメントしたいと考えたのが本作かなと思います。

そう考えれば、今回の長尺は大いに納得。

というよりも、そうしなければ、監督の意図は伝わらないと思われます。

ですから本作は、一本の映画というよりは、むしろ極上の連続ドラマとして、楽しむべきかもしれません。

これは、「ロード・オブ・ザ・リング」という壮大なサーガを、三本の作品に首尾よくまとめ上げた、ビーター監督のキャリアが大いに発揮されたところでもあるわけです。

例えば、スタジオ録音風景ではなく、このすべて映像を使って、”LET IT BE”という楽曲の、4分のブロモーション・ビデオを作れということであれば、マイケル監督の方が案外いい仕事をしたかもしれません。

 

さて、これを踏まえると、今回のPart 2 は、個人的には、Part 1 よりもかなり楽しめました。

音楽そのものよりも、かなり物語性を重視して、ディスカッション・シーンが多く使われてるのがPart 2です。

そのせいもあってか、Part 2 は、三部作の中では最長の2時間56分。

けれど、これにより、この一ヶ月の状況はかなりわかりやすく把握できました。

まず、当初予定されていたテレビ・ショーは、キャンセルされたこと。

トゥイッケナム映画撮影所から、サビル・ロウにあるアップル・スタジオにセッションの場所が変更になったこと。

テレビ・ショーに代わる新しいライブの企画が検討され始めたこと。

セッション・メンバーとして、キーボード奏者のビリー・プレストンが加わったこと。

そしてなによりも、ジョージがグループに戻ってきたこと。

Part 1 では、いったいどうなるかと思わせて終わった「ザ・ビートルズ : Get Back」ですが、Part 2 ではいよいよルーフトップ・コンサート実現のクライマックスに向かって大いに期待感を膨らませるという心憎い編集になっていました。

Part 1 では、彼らの演奏は、ほとんどジャム・セッションに近いものでしたが、Part 2 後半ともなると、僕らがビートルズの公式版で耳馴染んできたお馴染みのアレンジに次第に近づいてきます。

この辺りもワクワクさせられるところです。

 

実は、大学時代の友人で、ビートルズの海賊版だけで、当時およそ2000枚近く持っていたというかなりツワモノのビートルズ・マニアがいました。

彼のおかげで、当時の僕はビートルズのアルバムを一枚も買うことなく、全作品をカセット・テープに録音して所持していました。

もちろん、遊びに行くたびに、仕入れたばかりの海賊版コレクションも聞かせてもらうわけですが、ビートルズの海賊版の中で、圧倒的に多かったのが、この時期の録音でした。

「Sweet Apple Tracks」「Black Album」などなど、数々の海賊版を覚えています。

もちろん、ダビングが繰り返された音質の悪いものが多かったのですが、それでも、レコードとは別テイクの録音や、未完成状態のデモが聞けたりすると、かなり興奮させられたものです。

ですから、この時代の非公式録音は、普通のビートルズ・ファンよりは、かなり聞き込んでいたのですが、

そんな音源が、映画品質にデジタル・リマスターされ、ステレオ録音になり、しかも実際のその演奏風景がビジュアル化されて、ちょいとちょいと、その音源を聴きまくっていた頃の記憶を刺激してくるわけです。

そんな海賊版の音源が、全てここにあるわけですから当然です。

マニアの方でないと理解不能でしょうが、これはなんとも快感でしたね。

ビートルズ•ファンを続けてきた積年の妄想が、一気に現実化されていくプロセスは、Part 1 から引き続き、今回もしっかり堪能させてもらいました。

アルバム「LET IT BE」を聴くと、プロデュースしたフィル・スペクターが、スタジオ録音の臨場感を出すために、意図的に挿入したメンバーのダイアログがいくつも聴けます。

これが、実際にはどんな場面で出たセリフなのかがわかるのも楽しい瞬間でした。

例えば、ジャム・セッション・ナンバーである”Dig it”の最後で聞けるこのセリフ。

 

That was “Can You Dig It” by Georgie Wood, and now we'd like to do

“Hark The Angels Come”.

 

これは、スタジオにジョージの細君であるパティが現れて、ツツツとジョージに駆け寄り、キスするシーンを横目で見ながらジョンがおどけていっているんですね。

まさに、”Angels Come”で、思わずニヤリです。

 

その他、個人的には”LET IT BE”のアレンジが始まると、ジョンの目つきが変わる辺りも見逃せません。

「おっ、これはいい曲だ。でも僕にはできない。俺はどう参加する?」

そんなポールの才能に対する羨望や、自分の役割に対するジョンのリアクションは興味深いもの。

あるいは、ジョージの持ってきた”FOR YOU BLUE”に対する、ジョンとポールの関わり方も面白かったですね。

ジョージのアイデアに対して、ピアノ線の上に新聞紙のようなものを敷き詰めて、ラグタイム・ピアノ風の音に加工して参加するポールに対して、スライド・ギターで応じるジョン。

少しでも、バンド活動をかじってスタジオ・ワークを経験したことのあるものにとっては、この辺のクリエイテイブなシーンは、もうたまりません。

 

僕がバンドをやっていた時代に作った曲のほとんどは、まず作詞ありきでした。

ただ女子にモテたいためにやっていたバンド活動でしたので、とにかくウケ狙いの作詞をしてから、ギターでポロポロとやって、メロディーをつけ、コードを拾っていくという作り方です。

アレンジこそあまりこだわりませんでしたが、「自分で作った曲」と言えることが大事だったので、曲自体はほぼ出来あがった状態でメンバーには聴かせていましたが、ビートルズはそうではありませんでした。

もちろん、ベースになる部分は、ある程度まで各自が作ってくるわけですが、それはセッションをしながら、どんどんメンバーのアイデアが取り入れられて、形になっていくんですね。

詞が先でもなく、メロディが先でもなく、言ってみれば、演奏と同時進行しながらの「音」が優先されて、だんだんとビートルズ・ナンバーになっていくという過程がよくわかります。

もちろん、過去にはそうではないナンバーもたくさんあったとは思います。

前作「ホワイト・アルバム」は、2枚組の大作ではありましたが、事実上は、当時の録音技術を駆使したメンバー4人のソロ作品を集めたような作品になっています。

常に進化と変化を繰り返してきたビートルズは、これを作り上げた後は、再びデビューのように、一切のオーバーダビングをせず、4人の演奏だけによる一発録音にこだわり、ロック・バンドとしての原点に戻ろうというトライで、このセッションを始めています。

言ってみれば「レノン・マッカートニー」の曲作りの原点が、彼らのキャリアをぐるりと一周して、再び戻ってきたとも言えます。

そんな、名曲が誕生するまでの楽屋裏までもが、かくも克明にドキュメントとして記録され、それが作品としても楽しめるというのは、やはりビートルズならではのことだと思いますね。

 

ビートルズに影響された世界中の音楽関係者が、もっとハイレベルの次元で膝を叩きながら、目を皿のようにして、この作品を食い入るように見ている姿が目に浮かびます。

 

いよいよ、Part 3 が楽しみになってきました。

 

「ザ・ビートルズ : Get Back」 Part 1 第1-7日目

2022年あけましておめでとうございます。

 

今年最初に見る映画(?)は、絶対にこれにするということは、去年のうちから決めていました。

「ザ・ビートルズ:Get Back」。

1970年のビートルズ最後の映画「LET IT BE」のために撮影された膨大なアウトテイクを再編集したファンにとっては感涙物のドキュメントです。

定年退職後は、撮りためたDVDや、Amazon プラスを見て過ごせれば、それで十分で、映画鑑賞にお金はかけないぞと決めていましたが、やはりこれだけは別ですね。

このプロジェクト発足当時は、通常の劇場公開用の作品にするべく、「ロード・オブ・ザ・リング」などでアカデミー賞も受賞している、コテコテの現役大物監督ピーター・ジャクソンに、その再編集が任されました。

このニュースを、ネット上で拾っているうちに、こちらの期待はいやが上でも盛り上がっていきました。

映像版「ザ・ビートルズ:アンソロジー」が、1990年代に公式版として発売された時には、ファンとして、もうこれ以上貴重なビートルズ映像は今後見れないぞと思ったものですが、そうです、まだこれが残っていました。

なんと言っても、50年間アップルの倉庫に保存されたまま、公式には、ビデオにもDVDにもならずに封印されてきた映像です。

ピーター・ジャクソン監督は、この編集作業を行なっているうちに、この貴重な映像をどういう形で世に出すのがベストなのかを真剣に考えたようです。

撮影されてあった映像はおよそ57時間分。

映画「LET IT BE」は、監督マイケル・リンゼイ=ホッグによって、これが89分に編集されて公開されました。

公開時点では、すでにビートルズは、正式に解散していましたので、そのリアルなドキュメントとして、彼の編集は、確信犯的に「崩壊に向かう」ビートルズの「陰」の側面を強調したものになっていました。

それまでのビートルズ主演映画が、底抜けに明るい「陽」の側面を前面に押し出したものばかりだったので、この作品のリアルさは、逆に妙に新鮮だったのを覚えています。

その頃の事情はどうあれ、世界一のロックバンドの、楽曲製作過程がドキュメンタリーとして観れるというだけで興味津々、興奮で胸がバクバクしたものです。

そして、なによりも、演技者としてではなく、生のミュージシャン、クリエイターとして、そこにいる彼らの姿はめちゃくちゃカッコよかった。

僕にとっては、それはもう「ビートルズやってくるヤア!ヤア!ヤア!」「ヘルプ!4人はアイドル」の比ではありませんでした。

映画「LET IT BE」は、その後リバイバルされるたびに見ていっていましたし、海賊版DVDを入手してからも、ことあるごとに見ているので、個人的鑑賞回数最多映画になっていることは申し上げておきましょう。

 

申し訳ありませんが、映画「LET IT BE」を監督したマイケル・リンゼイ=ホッグよりは、はるかに名声も実力もあるのがピーター・ジャクソン監督です。

もちろん、彼の手にかかれば、「LET IT BE」よりも、もっとグレードの高い劇場公開用ドキュメント映画も出来る期待は持てました。

しかし、最終的に彼が選択した公開方法は、劇場公開ではなく、有料ネット配信でした。

なぜこの方法が採用されたのか。

それは、当然本ドキュメンタリーの合計映像時間によるところが大きいでしょう。

第一部から第三部までを合わせれば、7時間50分にも及ぶ長尺になった本作。

映像を編集しながら、これを2時間の公開映画の尺に収めるのは、これを待ち望んでいたファンたちに対しては決してベストの選択ではないという意識が、彼には次第に芽生えていったのだと思われます。

そしてそこに、この世界中を巻き込む今回のコロナ・パンデミックです。

これも彼の背中を押しました。

ファンたちにリスクを背負わせて映画館に行ってもらうよりも、それぞれの自宅で、リモコン片手に思う存分、心ゆくまで何度でも繰り返し見てほしい。

この作品を待ち望んでいたファンには、このスタイルで公開するのがベスト。

これが彼の結論でした。

そしてこれならば、映画の尺の問題は考えなくてもいい。

この再編集を任されたものとしては、使える素材は、最大限出し惜しみすることなく、すべて駆使した、ファンが望む完全なドキュメンタリーを作るべきだ。

ピーター・ジャクソン監督のこの方針は受け入れられ、今回の「ディズニープラス」による独占ネット配信が決まったわけです。

映画鑑賞は、映画館に行けば、2000円近くかかりますが、ネット配信であれば、一ヶ月990円の登録料さえ支払えば、他の作品も含めて見放題。

もちろん、この作品一本見るための値段としても、このくらいはファンにとっては安いものです。

劇場公開もせず、パッケージ作品にすることもなく、有料動画配信のみの提供でも、最終的な興行的勝算があるのかどうか。

この辺りは、金銭感覚に疎い百姓にはちょっと判断できないところですが、ファンとしては、ありがたい限りです。

正直に言って、マーベルやピクシー作品も含めて、ディズニー映画はあまり趣味ではありませんので、ディズニープラスは、今回は本作を心ゆくまで鑑賞したら、一月末日をもって解約するつもりです。

申し訳ない。

でも、そういう人も案外多いかもしれません。

 

そんなわけで、元旦を待って即入会登録後、早速この三部作をダウンロードして、今ちょうどPart 1を見終わったというころです。

あまり説明も読まないで、とりいそぎ鑑賞してしまいましたので、本作はなんと「字幕なし」で見ておりました。

すでに手に入れてあるアメリカ製の海賊版「LET IT BE」が、字幕なしのDVDでしたので、これも「そうゆうものなのかも」と思って、特にプレイヤー・アプリの機能もろくにチェックせずに見ておりました。

もちろん英語はわからないのですが、それでも作品の背景にある諸事情や現場の状況は、長年のファンとしては、わかりすぎるくらいにわかっていたので、そこで展開されている会話の内容はなんとなく察しはつきましたね。

もちろん、また後で、「日本語字幕」で再チェックは致しますが、字幕なしで鑑賞しても、この2時間36分は十分に楽しませてもらいました。

まだ、全体としては三分の一の鑑賞ですが、本作は、相当に優れたドキュメンタリー作品であることは間違いなし。

まずは、世界中のビートルズ・オタクを最優先ターゲットにした今回のピーター・ジャクソン監督の選択に、心から敬意を送ると共に、感謝する次第。

あんたは偉い!

さあこれが、伝説のルーフトップ・コンサートに至るまで、まだまだ鑑賞できるわけですから、それだけでも、2022年の正月は悪くありません。

 

前置きが長くなりましたが、まずはPart 1 です。

このセッションは、映画としても記録されることになっていたので、そのクルーが撮影しやすいように、最初はロンドン郊外にあるトゥイッケナム映画撮影所にて、撮影が開始されました。

しかし、ジョージの衝撃のグループ脱退宣言により撮影は中断。

Part 1は、ここまで一週間の模様が、カレンダーに沿って映像化されています。

映画「LET IT BE」でも、”I’VE GOT A FEELING”のギター・フレーズに関するやりとりで、ポールとジョージが口論するシーンはありましたが、実際にジョージが「やめる」と言ってスタジオを出ていくシーンまではありませんでした。(後でもう一度見直してみますが)

しかし、Part 1 には、そのシーンもはっきり収録されています。

 

「僕はやめるよ」

「いつ?」

「今」

 

ジョージは、スタッフの説得にもかかわらず、スタジオを出て行ってしまいます。

そして、圧巻なのは、ジョージがいなくなった後での、彼らのスタジオでの演奏です。

まるで、”HELTER SKELTER” のあの悪魔的なアウトロが延々と続くような、狂気的セッション。

最後は、ヨーコの金切り声ボーカルまでも加わって、ボルテージは上がっていきます。

さあ、あと二週間後に迫ったライブは、一体どうなるのか?

その結論は既にこちらは知っているわけですが、この後の展開をわかってはいても、こちらはドキドキさせられてしまいます。

この合計三週間にわたるセッションを、連続ドラマとして捉え、その起承転結もしっかりと踏まえて、長丁場の8時間を、クライマックスに向けて再構成してくる辺りは、さすがは劇映画監督であるピーター・ジャクソン監督の面目躍如です。

YouTube でも散々見れる、断片だけの予告動画とは、違いました。

それに加え、”GET BACK” “LET IT BE” “THE LONG AND WINDING ROAD” といったおなじみのナンバーワンソングが出来上がっていく様子が、リアルに描かれているのが、なんと言っても大変興味深かったですね。

ポールが、ベースギターを、普通のギターのようにストロークでかき鳴らしながら始まった”GET BACK”が、メンバーから歌詞のアイデアを取り入れながらも、次第に形になっていく過程などはちょっと鳥肌モノ。

ビートルズのバンドとしての凄さを改めて、確認できました。

セッション冒頭から、ジョンの横にいつでも寄り添って、まるでメンバーの一員のようにグループの輪の中にいたヨーコの存在感はジワジワと伝わってきて、同じ日本人としては、胸がザワザワさせられましたが、後半になってリンダも登場し、ポールの写真を、ニコンのカメラでパチパチと写し出したり、リンゴのワイフのモリーン登場するようになると、なぜかホッといたしました。

 

演奏を聴いている限りは、セッション内容としてはあまり成果がなかったようなこのPart 1の一週間。

突然のジョージの脱退というピンチに、ビートルズとしてどう対応するかという会議が、リンゴの自宅に集合した三人によって開かれたことをアナウンスしたところで、Part 1 は終わります。

 

さあ、ビートルズの運命やいかに。

 

１０代の頃から、散々楽しませてもらっているビートルス・ヒストリーが、50年の時間を経た今でも十分に堪能できるということはやはり驚異ですね。

 

Part 2は今夜見ます!