柿沢謙二ブログ

映画「深夜の告白」1944年アメリカ

映画「深夜の告白」1944年アメリカ

 

ビリー・ワイルダーの作品は、死ぬまでには、見れるものは全部見ておこうとは思っています。

映画道楽は長いので、すでに有名どころはだいぶ見ていますが、本作は、未見のワイルダー作品のうちの一本。Amazonプライムで見つけました。

1944年の製作で彼の長編3作目です。

 

ワイルダーというと、コメディ映画の達人というイメージが強いですが、本作はフィルム・ノワール。

コメディ要素はグッと抑えたシリアスなサスペンス映画です。

 

深夜の街を蛇行しながら走る車が一台。

肩を拳銃で撃ち抜かれた男が、保険会社のオフィスのあるビルの前に車を停め、よろめきながら上司のオフィスに入っていきます。

 

ディスクの上に置いてあるのは、この時代としては最先端だったディクタフォン。口述筆記などのために使用する録音機です。

録音機というと、テープレコーダーがすぐに頭に浮かんでしまいますが、この時代の録音機は、ラッパ状のマイクから音声を拾い、電気信号に変換。

その電気信号を、ロウ管と呼ばれる円筒形の容器に塗布されたワックスに刻み込むというシロモノ。

刻み込まれたワックスに針を当て、針の振動を電気信号に変換したものをスピーカーから音声として出力します。テープというよりも、むしろレコードに近いですね。

お馴染みの磁気テープが登場するのは1950年代になってからです。

 

男はこの会社の保険営業マン、ウォルター・ネフ。演じるのは、フレッド・マクマレー。

ネフは、自分が撃たれた顛末を、上司であるバートン・キーズ(エドワード・G・ロビンソン)の録音機に向かって「告白」を始めます。

そして、この告白に沿って映画が進行すると言う構成。

 

思い出しますね。

 

後に作られるワイルダーの大傑作「サンセット大通り」の冒頭です。

プールに浮かんで死んでいるウイリアム・ワイルダーが、事件の顛末をモノローグで語り始めるという展開に通じるものがあります。

 

どちらも秀逸。

 

保険の営業に訪れた先で、美しい人妻に惹かれた主人公が、彼女の誘惑に負け、保険金詐欺に協力。

女と共謀して、その亭主を亡き者にして、保険金を奪取しようという計画を実行します。

 

サスペンスは嫌いではありませんので、これまでにも、映画だけではなく、テレビの「サスペンス劇場」もかなり見てきましたが、思い返せば、この設定の作品が如何に多かったことよ。

 

なので、そんな作品を見慣れている今の人たちが、この作品を見ても、対して驚かないのかもしれません。

 

しかし、そんな見栄えのするサスペンス映画の先駆けになったのがこの作品だったと言うことは、本作を語る上では押さえておかなければいかないポイント。

 

なぜ見栄えがいいのかといえばその理由は一つ。

 

それは、すこぶる美人の悪女が登場するからです。

いわゆるファン・ファタールです。

 

本作で登場するのは、バーバラ・スタンウイックが演じる美しき後妻フィリス。

 

当時のハリウッドは、ヘイズ・コードによる映画界の自主規制が幅を利かせていた時代で、映画の中で不倫を描くなどはもってのほか。

こんな絵に描いたような悪女の役を引き受けてくれる女優は、当時のハリウッドには、なかなかいなかったようです。

 

ヨーロッパでは、ヘイズ・コード規制はなかったので、この映画の前年に、イタリアのルキノ・ビスコンティが「郵便配達は二度ベルを鳴らす」で、不倫カップルが女の亭主を殺すという作品で映画監督デビューしています。

ジョルジュ・クルーゾー監督の、身の毛もよだつ傑作ホラー「悪魔のような女」も妻と愛人が共謀して亭主を殺すという作品がありましたが、こちらはフランス映画。

 

しかし、品行方正を義務付けられた当時のハリウッドでは、彼女がこの役で、アカデミー賞の主演女優賞にノミネートされたことをきっかけに、悪女役は美人女優の登竜門として広く認知されていくことになるわけです。

その先鞭をつけたと言う意味でも、バーバラ・スタンウイックの本作のおける功績は大きいと言って良いでしょう。

 

主人公の人生を狂わせる謎の美女は、「ギルダ」のリタ・ヘイワースも、「三つ数えろ」のローレン・バコールも、「殺人者」のエヴァ・ガードナーも、そのモデルとなっているのは本作のバーバラ・スタンウィックということになります。

 

ワイルダー監督は、映画の良し悪しを決める8割の要因は脚本だと言っています。

映画監督デビューまでのビリー・ワイルダーは、脚本家として修行を積んできましたが、ドイツ移民のユダヤ人として、英語の辞書一冊だけを持ってアメリカに渡った彼は、生涯英語には苦労をすることになります。

そのため、彼の多くの脚本は、そのハンデを埋めるために色々な脚本家との共作になっています。

 

本作で、ワイルダーが組んだのは、ハードボイルド小説で名を馳せたあのレイモンド・チャンドラー。

なるほど、映画の中にはいかにも、彼らしいハードボイルドチックなクールなセリフが度々登場します。

しかし、執筆作業中のワイルダーとの関係は最悪だったようです。

のちに彼は、「チャンドラー氏は、映画と言うものをわかっていない」とバッサリ。

 

ネフ役も、女に唆されて殺人をしてしまうという悪人なわけですから、当時のハリウッド男優たちは、イメージダウン必至なこの役をオファーされても、みんな首を横に振ったようです。

フレッド・マクマレーは、当時はB級コメディ作品専門の役者でしたが、ワイルダー監督に懇々と口説かれてこの役を受けたとのこと。

ずっと後のワイルダー作品「アパートの鍵貸します」でも、若いエレベーター・ガールと不倫をする中年部長の役をやっていましたから、映画俳優としては不倫俳優のイメージが強くなってしまいましたが、個人的には「パパ大好き」というドラマをよく覚えていますね。

彼本来のキャラクターを活かした、「典型的アメリカの良き父」役は、かなりハマっていました。

 

原題の”Double Indemnity”は、「倍額保険」の意味。

電車からの転落事故死は、その他の交通機関での事故よりも、死亡する確率が低くなるので、支払われる保険金はその倍額になるという保険契約の設定のことです。

この保険金を手にするために、ネフとフィリスは、亭主を殺した後で、わざわざその列車転落事故を装う偽装工作をするわけですが、これは普通に考えてかなりリスキーではないのかと思ってしまいます。

しかし、これを実行した保険金詐欺事件が、本作以前にアメリカでは実際に起こっているそうです。

 

我が国では有名人の不倫騒動に、何の関係もない外野がとかくヒートアップしがちですが、不倫カップルが、もしもこれくらいのことまでしでかしたら、外野は案外静かなのかもしれません。

 

映画「ある閉ざされた雪の山荘で」2024年

今年の1月に封切りされたばかりの最新作が、Amazon Primeに早くもアップされていたので、鑑賞いたしました。

東野圭吾原作のミステリーです。

 

設定がなかなか凝っています。

シチュエーションは、雪が降っていない山荘を、雪に閉ざされた山荘と見立てて、新作舞台の主役を決めるためのオーディションを行うというもの。

仮想の「吹雪の山荘」という、かなりトリッキーなクローズドサークルが形成され、演出家の指示により、外部との連絡を絶たれた男女7名が、演技を続けることになります。

 

そんな状況の中で、若者たちが1人ずつ・・。

 

クローズドサークルものの古典的名作と言えば、なんといってもアガサ・クリスティーの「そして誰もいなくなった」でしょう。

東野圭吾の作品はあまり読んでいませんが、アガサ・クリスティーなら10代の頃に読み漁りました。

もちろんこれも読んでいます。

本作では、7人が到着した山荘に、なんとこの本が7人分用意されているんですね。

この分野のミステリーを映画化するにあたっては、まずこの大先達の傑作に対して、リスペクトしておきましょうと言うことでしょうか。う

 

さて、東野圭吾はアガサ・クリスティーを越えられるのか？

 

恥ずかしながら、最近の映画事情には全く詳しくありません。

新しい映画はあまり見ることがないので、当然ながら俳優たちの知識もありません。

本作に登場する若い俳優たちも、今回初めて拝見する方々ばかり。

しかし、真犯人は、誰かと言うミステリーを鑑賞する場合において、これは悪いことではありません。

変な先入観や、ごひいき感情が起こらない分、純粋にミステリーを楽しめると言う利点はあります。

 

7人が過ごす山荘には、いたるところにライブカメラが設置されています。

彼らの一挙手一投足は、すべて仕掛け人の演出家が監視して、採点の対象になっていると言う状況。

メンバーたちは違和感を覚えながらも、与えられた設定で演技を始めます。

そして、2日目。

電子ピアノ弾いていた女優の一人が、電源コードで組を絞められて・・・

翌朝彼女は山荘から姿を消しています。

そして3日目。

今度はまた女優の一人が、花瓶で頭を殴られて・・・

血痕がついた花瓶が、翌朝ダイニングテーブルの上に置かれてあり、彼女の姿はありません。

そして事件が起こるたびに、演出家からのメッセージがリビングルームに流れます。

 

・・と言う事は、つまり殺された2人は、演出家とぐるになって残りのメンバーを騙していると言うこと？

死体を投げ込んだと想像させる井戸は出てきますが、殺された2人の死体は出て来ませんので、見ている方としては、まず狂言を疑います。

この演出家も、ずいぶんと趣味の良くない演出をするもんだなと思うわけです。

 

さて、3人めの犠牲者は誰か？

いや待て。

それよりも本当に殺人事件を行われているのか？

 

ここで観客には、この山荘オーディションの前日譚となる、とある事件が提示されます。

そして、3人の被害者を殺す動機を持った女優が、ここでもう1人登場。

 

とまあ、公開されたばかりの映画ですから、ストーリーの紹介はこのくらいにしておきましょう。

大丈夫。

ここまででまだ映画は半分程度です。

この後二転三転させてくれますので、ネタバレにはならないでしょう。

それは是非映画を見て確認してください。

 

最新のミステリーを見たいと思った理由は、今では当たり前のスマホやPCなどの、最新デジタル技術が、映画の中には、どのように活用されているかに興味があったからです。

エラリー・クイーンやコナン・ドイルの頃には、当然なかった小道具です。

しかし、その意味では、本作はあてがはずれました。

映画は今年作られたばかりのピカピカの最新作でしたが、東野圭吾の原作小説が発表されたのは1993年。

まだこの頃は、スマホは影も形もなく、やっと携帯が世に出始めたばかりの頃でしたね。

 

この時代ギャップを埋めるために、映画の中でも、若者たちのスマホは全て取り上げられ、外部との連絡は一切禁止と言う設定になっていました。

 

スマホの標準機能を駆使して犯罪をトリックを考えたり、はたまた事件を解決すると現代ミステリー小説というのは、ちょっと興味があるところなのですが、まだ見たことがありません。

おそらく多くの作家がいろいろと試行錯誤している最中なのでしょう。

あるいは、技術の進歩が著しいスマホは、トリックに使用しても、すぐに機能もフォルムも古びてしまうので、トリックの小道具としては、あえて使わないと言う選択をしてるのかもしれません。

大好物の古典ミステリーの名探偵たちが、もしも、この最新小道具を持っていたら、どんな使い方をするのか。

 

しばらくは、そんな妄想していることにします。

 

 

映画「モロッコへの道」1942年アメリカ

 

ビング・クロスビー、ボブ・ホープ、ドロシー・ラムーア主演による「珍道中」シリーズの三作目です。

珍道中シリーズは、1940年から1962年までに、8作作られていますが、このトリオで作られたのは、1952年の6作目「バリ島珍道中」まで。

本作以外の邦題タイトルには全て「珍道中」というタイトルに付いていますが、本作だけは原題の直訳になっています。

これは、本作がこのシリーズで一番最初に公開された作品だったためのようです。

 

シリーズのスタイルは、この時代にヒットしていた冒険活劇映画をパロディがベースになっています。

そしてビング・クロスビーの美声をフーチャーしたミュージカル映画としての側面。

ヒロインのラムーアを巡ってクロスビーとホープが恋のさや当てを繰り広げるロマンティック・コメディとしても楽しめます。

そして、なんといってもシリーズの白眉は、製作会社のパラマウントを笑い飛ばす楽屋落のギャグの数々。

これがなかなか楽しいんですね。

 

この時代のアメリカのコメディ映画は、僕が名画座をハシゴしていた大学生時代でも、なかなか見れませんでした。

テレビの映画劇場ではやっていたかもしれませんが、当時はあまり艶っぽくない映画は観ていませんでした。

僕がこの「珍道中」シリーズを意識したのは、80年代当時、イラストレーターの和田誠さんが書いた映画エッセイの傑作「お楽しみはこれからだ」を読んでからです。

和田氏の名調子で、シリーズの気の利いた名セリフやギャグが紹介されるのですが、確か本作からのネタもあった記憶です。

これが楽しくて、このシリーズはそれ以降、見る機会があれば見逃すまいぞと思っていたんですね。

 

本作を鑑賞後、この文章のネタ探しにネット検索をしていたら、自分がかつてこのブログで書いた文章がヒットして驚きました。

1966年の「スパイダーズ　バリ島珍道中」の映画鑑賞ブログでした。

これは、本家本元の本シリーズの「バリ島珍道中」をベースにして作られていたからでしょう。

そこで、僕はこのシリーズの、「アラスカ珍道中」を観たと書いているんですね。

 

自分のことながらこれには首をひねってしまいました。

恥ずかしながら、その記憶がありません。

でも、その文章には、映画冒頭のパラマウントのオープニングを茶化したギャグに付いて触れています。

どうやらこれは、和田誠氏の「お楽しみはこれからだ」に紹介されていたネタを覚えていて、そのブログに転用したのだと思われます。

だとしたら、観たというのはウソ。誠に申し訳ない。

 

しかし、あるいは本当に観ていたものを忘れてしまっているという可能性もあります。

調べてみたら、残念ながら、この珍道中シリーズで、DVDを持っていたのは本作のみ。

どこかで、鑑賞する機会があったら確認してみることにします。

船で密航していた二人が、モロッコにたどり着き、ラクダの背に乗って、歌いながら街へ向かいます。

二人がいい調子で歌っているのが本作の主題歌でもある"(We're Off on the) Road to Morocco"

この歌の歌詞がなかなか傑作です。

作詞は、ジェニー・バーク。

 

こんな楽屋落ち丸出しのフレーズがあります。

 

♩

8:5の確率でドロシー・ラムーアに会える

♩

これ以上言うと映倫に引っかかる

♩

盗賊が現れても怖くないぞ

パラマウントとは五年契約だから守ってくれる

 

映画の主題歌としては、おフザケも甚だしいノリではありますが、これがこのシリーズの味になっているのは間違いのないところ。

芸達者のビング・クロスビーとボブ・ホープの当意即妙のアドリブが、映画ではそのまま使われることも多いとのこと。

僕くらいの英語力では、なかなかそれを全て楽しむことは出来ませんが、雰囲気くらいはわかります。

こんなシーンもありました。

 

砂漠の真ん中で、網と縄でぐるぐる巻きにされて放置された二人が、次のカットでは、シレッと普通に砂漠を歩いています。

ボブ・ホープが、ビング・クロスビーに問いかけます。

 

「どうやって袋の縄を解いたんだ?」

 

するとビング・クロスビーが、カメラ目線になってこう言います。

 

「観客にはちょっと説明できない。」

 

この辺りは、御都合主義のハリウッド製冒険活劇を、完全に笑い飛ばしたギャグですね。

このシリーズには、このような第四の壁を破った楽屋落ギャグが度々登場して、笑わせてくれます。

 

ラストは、また冒頭のようにイカダに乗ってニューヨークに帰ってきた一行。

ボブ・ホープが歓喜の雄叫びをあげると、すかさずビング・クロスビーが茶々を入れます。

すると、またボブ・ホープ。

 

「これはアカデミー賞がもらえる演技だぜ。」

 

この人は、後にアカデミー賞の司会の常連になった人。

1978年のアカデミー賞の授賞式の冒頭では、その年の目玉であったジョージ・ルーカス監督の「スター・ウォーズ」にひっかけて、司会者としてこう一言。

 

「今夜が、本当のスター・ウォーズ!」

 

個人的にはこのシーンを思い出して、ニンマリとしてしまいました。

本作は、すでにパブリック・ドメインになっている作品ですので、これくらいのネタバレはご容赦を。

 

主演トリオの他に、本作にはよく知っている俳優が一人出演していました。

ドロシー・ラムーア演じるシャルマー姫の許嫁の王子カシムを演じていたアンソニー・クインです。

この人の作品は、フェデリコ・フェリーニ監督の「道」で大道芸人ザンパノを演じた以降のゴツいタフガイの彼しか知らなかったのでちょっと驚きました。

1952年に作られた「道」を遡ること10年前の、27歳の彼はなかなかイケメンの色男でした。

Wikiをしてみると、この人は、1940年の本シリーズ第一作目「シンガポール珍道中」にも、キャスティングされていました。

機会があれば、これも観てみたいところです。

 

ラクダの下顎と目玉だけをアニメにして喋らせたり、なにかとノーテンキな悪ふざけ満載の本作。

ラストのドタバタは、ドリフターズのギャグに通じるものがありますね。

とにもかくにも、この作品が作られたのは、アメリカが我が国と太平洋戦争を始めた翌年だということはお忘れなく。

 

日本が国を挙げて、「欲しがりません。勝つまでは」と、ほとんどのエンターテイメントが制限されてしまっていた悲壮感あふれる時代にあちら様はこの余裕です。

改めて思いますね。

どう考えても、勝てるわけなかったよなあ。アメリカには。

映画「座頭市地獄旅」1965年大映

安藤広重の江戸風景画を見ていたら、江戸時代のイラストを描いてみたくなりました。

描くなら、やはり映画からでしょう。

さて何の時代劇がいいかなと思って、DVDの在庫から引っ張り出してきたのが本作です。

大映の座頭市シリーズの第12作目。

WOWOWでまとめて録画したものがありました。

主演はご存知勝新太郎、監督は三隅研次です。

 

さて、イラストを描く立場から一言。

 

時代劇のセットと言うと、例えばNHKの大河ドラマなどを見ると、確かに当時の様子を再現する時代考証などはしっかりしているように思えるのですが、どうしても「作り物」感が否めません。

撮影技術の向上もあるのでしょうが、要するに、綺麗すぎてリアルじゃないんですね。

テーマパークのアトラクションのようで、まるで生活感がにじみ出ていないわけです。

ところが、この頃の大映京都撮影所の時代劇セットには、使い込まれた経年感がしっかりとあって、旅籠の壁や障子、畳の色に至るまで時代に馴染んでいる感じです。

 

大映撮影所は、1927年に日活太秦撮影所として作られたものが、1942年に名称変更されたものです。

ですから、本作の撮影時点で、すでに、40年近い撮影所としての歴史がありました。

その歴史の風格のようなものが画面からはにじみ出ています。

やはり、映画の需要がまだまだあって、時代劇をシステムチックに作れていた時代だからこその映像だと思います。

江戸時代の庶民文化の再現性は、大河ドラマや民放時代劇よりも、やはりこちらの方に軍配が上がるような気がいたします。

 

サイレント時代にも時代劇は作られていましたが、この頃はまだモノクロで粒子も荒く、セットもまだ出来立てだったでしょうから、江戸時代の質感までは伝わって来ません。

やはりセット自体を使い込んできた、後年の作品のセットの方が、味わいそのものはあるような気がします。

その大映撮影所も、時代劇作品の激減によって、1986年には閉鎖されています。

確かに、制作費をかければ新しいセットは作れるかもしれませんが、やはりスクラップ&ビルドで作られる時代劇セットでは、時間の経過が醸し出す味わいは作れないでしょう。

少なくともイラスト愛好家として、描いてみたいと言うムラムラ感は起きません。

 

さて、座頭市は盲目の按摩師です。

したがって、現在ではNGワードとされる差別用語が、セリフの中に頻繁に出てきますので、NHKや民放での再放送はかなり厳しいことになっているようです。

WOWOWで放映されたバージョンにも、映画の冒頭には断り書きがあります。

 

「この作品には不適切なセリフが含まれていますが、時代による言語表現や文化・風俗の変遷を描く本ドラマの特性に鑑み、当時の表現をあえて使用して放送します」

 

これを読んでしまうと、やはりどのセリフがそれに該当するのかはやはり気になってしまいます。

座頭市シリーズの場合、やはり定番となってしまう差別用語の代表が「めくら」。

これは映画中頻繁に出てきます。

市と敵対することになる相手たちは、大抵このセリフは破棄してますし、ときには「ドメクラ」なんて凄んでいる時もあります。

時には市の方が健常者に対して、「めあき」とか「めあか」とか言っている場面もあるのですが、これもNGになるのでしょうか。

 

あと、もう一つよく出てくるのが「カタワ」というやつ。

これ等は市自身が自虐的に自称していることもあります。

按摩稼業というものは、ある程度、世間に媚びていないと成り立たない商売でしょうから、こういう物言いをする事は多かったのでしょう。

今風に言えば、身体障害者と言うことになるのでしょうが、これでは、いくら公序良俗は踏まえているとは言え、時代劇の映画のセリフとしてはいかにも不自然です。

実は本作の映画の冒頭で、座頭市自身が自分のことを「身体障害者」だと言っているシーンがありました。

とても、江戸時代にあった言葉とは思えなかったので、これは気になりました。

「体の不自由な者」位ならいざ知らず、身体障害者と言う物言いは、いかにも現代的過ぎます。

意識してこの言葉を使ったのかどうか、本作の脚本を書いた伊藤大輔に真意を聞いてみたい所です。

 

その意味でもう一つ気になったセリフが「破傷風」という言葉でした。

果たして、この病名を江戸時代の人たちが使っていたかどうか。

これはちょっと気になってしまったので、AIで調べてみました。

結果は以下の通り。

 

日本では、明治時代に入って西洋医学が導入されると、その翻訳として「破傷風」という言葉が使われるようになりました。

それ以前は、「テタヌス」という言葉も医学的な文脈では使用されていました。

 

しかし、娯楽映画のセリフとして「テタヌス」というのもどうかと思います。

やはりここは、江戸時代では使われていなかった言葉ではあっても、観客が理解しやすいように、あえて破傷風と言う言葉を使うのは脚本テクニックとしてはありと考えるべきかもしれません。

 

『座頭市地獄旅』は、座頭市が、江ノ島での祭りや湯治場での出会いを通じて、様々な人々との交流や対立を繰り広げる物語です。

船旅の途中でイカサマ賭博を見破り、やくざたちを手ひどくやりこめた座頭市は、江ノ島で按摩の仕事に精を出します。

このヤクザの中に、藤岡琢也がいました。

後のテレビドラマ「渡る世間は鬼ばかり」などでおなじみになった人です。

こういう人を見つけると思わずニンマリしてしまいますね。

さて、船内での一件から馬入一家の者たちとトラブルになり、そのもめごとに巻き込まれた幼女が破傷風にかかってしまいます。

市は自分のせいだと感じ、南蛮渡来の霊薬「透頂香」を手に入れるため、湯治の地・箱根へと赴きます。

そこで、将棋好きの浪人・十文字糺と出会い、友情を深めていきますが、やがて二人の間には決定的な対立が生じます。

十文字を演じている本作のゲスト俳優は、ニヒルの悪役でお馴染みの成田三樹夫。

成田と言えば、日活の「仁義なき戦い」シリーズのインテリヤクザの役が強烈な印象ですが、それ以前は大映で悪役スターとして活躍していました。

主演の勝新太郎とは、大の飲み友達で、2人は大映時代は毎晩のように飲み歩いていたそうです。

本作で成田の演じた浪人は、いつも将棋を指していましたが、成田自身も、将棋は、プロ級の腕前で、NHKの番組で解説もこなしていたとのこと。

 

座頭市を慕う旅芸人のお種を演じたのは岩崎加根子。

この人も大映の専属女優だった人ですが、子供の頃よく見ていたガメラシリーズや、大魔神シリーズ、妖怪シリーズには出演していなかったので、失礼ながら個人的にはあまりなじみのない女優でした。

映画の中に、座頭市が周囲の気配に聞き耳を立てると言うシーンがありました。

カメラは、座頭市の真っ赤になった耳をクローズアップ。

すると、この耳がヒクヒクと動くんですね。

この芸ができたタレントとして、E.H.エリックを思い出します。

この人は司会者として有名なタレントでした。彼の実の弟が岡田眞澄です。

 

勝新太郎は、この芸ができれば、自分の座頭市の役作りに大きく貢献すると直感し、猛特訓の末、この技を獲得したとのこと。

勝新太郎と言うと、天性の天才俳優で、あまり努力とか勉強とかはしていない遊び人の印象が、個人的にはあるのですが、ここぞと言うときには、やることはやる人だったようです。

座頭市のことを色々とネット検索してみたのですが、面白い記事を1つ見つけました。

日本以外で、座頭市シリーズに熱狂している国があるそうです。

それはなんと、地球の裏側のキューバです。

 

キューバで座頭市シリーズが受けている理由には、いくつかの要因が考えられます。

まず、キューバ革命後、アメリカとの国交が断絶されたことにより、アメリカ映画の輸入が制限されました。

その結果、日本映画が多く輸入されるようになり、座頭市シリーズがキューバの人々に広く親しまれることになったようです。

 

また、座頭市の盲目でありながら抜刀術の達人というユニークなキャラクターも大いに貢献していた模様。

勝新太郎氏の破天荒で憎めない人柄や、居合や殺陣などのアクションシーンが、キューバの観客に新鮮な驚きと興奮を提供した可能性はありそうです。

 

座頭市シリーズが持つ正義とは何か、弱者を守るとはどういうことかといったテーマが、キューバの社会情勢と共鳴した可能性はあります。

文化的な背景や時代の流れが、座頭市シリーズのキューバでの人気に影響を与えていると考えられます。

 

座頭市シリーズも輸入を止められたら、ハリウッド映画が見られないキューバ人であれば、イタリア製のマカロニ・ウェスタンに飛びつきそうな気もしますね。

 

こういうのをキューバしのぎと言います。

 

 

 

 

映画「銀座カンカン娘」1949年新東宝

高峰秀子は大好きな女優です。

今のところ日本の映画界ではマイ・ベスト・アクトレスです。

この先も映画は見ていくつもりですが、そろそろこの順位は終生ひっくり返りそうにないなと思い始めています。

それくらいこの人は女優としても、人としても魅力的ですね。(文筆家としても)

そんなわけで、彼女の出演作品で鑑賞可能なものは、死ぬまでに是非全作見ておきたいと思っております。

 

本作は、Amazonプライムで見つけました。

彼女が25歳の時の作品です。

デコちゃんが、最も溌溂として、キラキラしていた頃ではないでしょうか。

女優生涯にわたって、どんな役でも、その時の年齢に応じて達者にこなしていた彼女ですが、本作のコメディエンヌ及びミュージカル女優ぶりもなかなか堂にいったもの。

個人的には、彼女の魅力に浸れればそれで文句はないのですが、この作品は他にもいろいろと見どころ満載でした。

 

まずは共演女優が旬の人でした。

彼女の部屋の居候役で親友のお春を演じていたのがブギの女王笠置シズ子です。

現在放送中のNHK連続テレビ小説「ブギウギ」のヒロインのモデルともなった伝説の歌手が彼女。

本作においても、同名の主題歌や「ジャングル・ブギ」を披露してくれています。

この曲は黒澤明監督の「酔いどれ天使」でも歌っていましたね。

「うわーお、わおー」と歌うあの曲です。

もちろん同名主題歌を、高峰秀子とも歌っています。

 

そして、それだけではありません。

個人的には、それよりももっと貴重だと思ったのは、二人が居候を決め込む家の主人を演じている、五代目古今亭志ん生の落語が見れることです。

落語家協会理事を引退した元理事長新笑という落語家の役を、120％地のまま演じていました。

映画のラストでは、この志ん生師匠の名人芸がたっぷり見れるんですね。

YouTube動画で、録音モノはよく聞いていたのですが、この当時ですから、なかなか動画の志ん生師匠の記録は残っていません。

動く志ん生師匠は、彼の落語のファンにとってはたまりません。

口の中で、舌を回しながらのあの独特の名調子。

ラストでそれはたっぷり観れるのですが、個人的にはそれよりも面白かったのが、志ん生師匠が一人稽古をするシーンです。

演目は「疝気の虫」。

これはなかなか貴重です。思わずニンマリしてしまいました。

『銀座カンカン娘』は、1949年に公開されています。

同名の主題歌も、戦後最大のヒット曲になっています。

この映画は、東宝が配給し、新東宝が製作したもので、監督は島耕二。

脚本は中田晴康と、黒澤明の師匠でもある山本嘉次郎。

 

物語は、落語家新笑が引退し、妻のおだい(浦辺粂子)と子供たちとささやかな生活を送っているところから始まります。

そして新笑の恩人である娘のお秋(高峰)と、お秋の親友であるお春(笠置)がこの家の二階に居候。

新笑の甥の武助(灰田勝彦)は会社の合唱隊を組織し、お春は声楽家志望、お秋は画家として芸術家になることを目指しています。

しかし、現実は厳しく、文無しの彼女たちは絵の具もピアノも買うことができません。

 

お秋はある日、犬のポチを連れて散歩をしているとひょんなことから映画の撮影に参加することになります。

ところが主演女優が噴水の中に落ちるシーンを拒否し、急遽代役を探すことに。

しかし女優のスタントが見つからない状況を見て、お秋は一計を案じます。

彼女は急遽お春を呼び寄せスタントに推薦。

お春は主演女優の代わりに、池にドボンというスタントを演じて、出演料をゲット。

 

二人は一緒にエキストラ参加していた白井(岸井明)に誘われて、一緒に銀座のバーで歌って稼ぐことになります。

三人による銀座の流しは次第に客を増やしていきます。

この調子なら欲しいものが買えると希望に胸を膨らませていた矢先、新笑が立ち退きを要求されるという事態が発生。

そこで、「カンカン娘」を歌って、10万円を稼ぎ出すことを決意します。

そこに合唱隊を解散させられてしょげていた武助も加わり、四人は銀座で稼いだお金を新笑に差し出します。

そして同時に、お秋と武助の交際も進展し、お秋は武助との結婚を決意。

その報告の席で、二人の門出を祝い、新笑が一席披露して、めでたしめでたし。

 

今まで色々な日本映画を見てきましたが、落語で終わる映画なんて、ちょっと見たことがありません。

ミュージカル映画のような冒頭でしたから、これは最後もみんなで歌って踊って大円団になるものだとばかり思っていましたね。

しかしそれが、そうではなく名人古今亭志ん生の名調子の後で、エンドマークとなるわけですから、ちょっとビックリしてしまいました

 

映画では高峰秀子、笠置シズ子ばかりでなく、当時の人気歌手灰田勝彦も得意の喉を披露。

ストーリーよりも、徹底的にエンタメに舵を切った、歌謡曲と落語のハイブリット娯楽映画と言えるかもしれません。

 

同名主題歌「銀座カンカン娘」も大ヒット。

作曲は服部良一。

この人は笠置シズ子に数多くブギの名曲を提供した人です。

作詞は佐伯孝夫。

映画では出演者3人で歌っていますが、高峰秀子単独のシングルとしても発売され、当時のレコード売上は50万枚を記録。

この楽曲は後年、多くの歌手によってカバーされ、その名は日本中に広まりました。

 

「銀座カンカン娘」の「カンカン」とはなにか。

当時流行っていたカンカン帽から取っているとも言われていますが、映画の中で出演者は特にこの帽子をかぶってはいません。

Wiki によれば、これは脚本を担当した山本嘉次郎による造語とのこと。

当時、進駐軍を相手にしていた女性たちはパンパンと呼ばれていましたが、これに対する抗議がこめられているようです。

 

昭和24年といえば、僕の生まれる10年も前のことです。

クラシック映画オタクとしては、いにしえの庶民の文化にはどうしても目がいってしまいます。

東京近郊の丘の上から見下ろす二両編成の電車。

武助の勤め先のビルの屋上から見る終戦から四年経った東京の街並み。

そして商店街の八百屋の店先。

野菜の値段などは、思わず気になって、画面を止めて確認してしまいました。

新笑の家で気になってしまったのは、夫婦が揃って吸っているきざみ煙草ですね。

今時これを吸っている人はいないでしょうが、実は母方の祖父がこれの愛好家でした。

きざみ煙草に不可欠なのはキセルと火鉢です。

火鉢は、エアコンも電気ストーブもなかった頃の昭和中期までの家庭にはどこにもあったと思います。

中に灰を入れ、平らにならし、その中央に五徳を置きます。

暖房の元になるのは炭ですね。

これにコンロや七輪で火をつけます。

炭に火がしっかりついたら、火箸を使って火鉢に移動。

五徳の上には、やかんが乗ったり、餅焼き網が乗ったりしますが、その横にはきざみ煙草が入った箱が置いてありましたね。

祖父の吸っていた銘柄は「桔梗」でした。

これをキセルの先っぽに詰めて、マッチで火をつけて吸い込むというスタイル。

そして、灰になったら、火鉢の中にポイと捨てるのですが、子供心にはくわえ煙草よりもその風情が粋だと思ったものです。

映画の中では、四角い火鉢でしたが、実は祖父の住んでいた離れには、火鉢ではなくて、囲炉裏が掘ってありました。

天井や柱は、長年囲炉裏から上がる煙と煤で黒光りしていたのを覚えています。

囲炉裏は今では、よほど田舎の山奥にでも行かない限りお目にかかれないかもしれません。

懐かしい昭和の風情にホッコリしてしまいました。

 

そんなわけで、わずか69分たらずの映画なのですが、結構楽しませてもらいました。

そうそう、これだけは言っておかないといけないかもしれません。

高峰秀子も笠置シズ子も、もちろんよかったのですが、この映画の中で、名だたる俳優陣を差し置いて、もっとも名演を披露したのは、実は飼い犬のポチです。

 

その名演ぶりは、是非映画をご覧になってご確認ください。

 

 

 

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映画「レイクサイドマーダーケース」2005年東宝

少々クラシック映画寄りの映画鑑賞になっていたので、比較的新し目のミステリーが観たくなりました。

そこで、Amazon プライムのラインナップから選んだのが本作です。

最近とは言っても、もう19年前の作品ですから、若い人から見れば、すでにクラシックかもしれません。

ちなみに、ここ30年くらいの現代モノ作品で、時代が古いか新しいかを見分ける方法があります。

それは携帯電話ですね。

登場人物が使う携帯電話のフォルムで、いつころの作品かはだいたいわかるようになりました。

本作では、まだガラケーが使用されていますので、「おお、あの頃か」と理解できるわけです。

通話が終わると、パタンとたためるのは、今から思えばなかなかオシャレでした。

 

本作の原作は「レイクサイド」。著者は東野圭吾。

ミステリー作家としては、今でも現役のトップランナーです。

物語のテーマは、中学受験戦争。

湖のほとりの別荘に集まった三組の親子。

いずれも、中学受験を目前に控えた子供を持つ親たちです。

 

家族その1。柄本明、黒田福美。

家族その2。鶴見辰吾、杉田かおる。

そして、主人公に役所広司。その妻に薬師丸ひろ子。

この二人は別居中で、娘の受験のために仲のいい夫婦を演じることになるという設定です。

そこに招かれた塾講師に豊田悦史。

反対に招かざる客が、主人公の愛人で、本作の被害者でもある女性カメラマンの眞野裕子。

この人だけ知らなかったのでWiki してみたら、元サッポロビールのキャンペンガールだそうです。

映画の中では、美しいヌードも披露してくれます。

 

物語は、ほぼこの別荘周辺で展開していくので、舞台劇の味わいがあります。

広義に捉えれば、クローズド・サークルであり、ある意味では密室劇と言えるかもしれません。

 

合宿中、会社の所用で別荘を離れていた主人公が戻ると、自分を訪ねてきた愛人が頭を鈍器で殴られて殺されています。

そして、全員が観ている前で、妻である薬師丸ひろ子が「私が殺した」と告白。

被害者が夫の愛人というわけですから、動機としては非常にわかりやすい。

当然主人公は愕然とします。

 

しかし、観ている方は、物語はまだ中盤ですから、主役の一人である薬師丸ひろ子のこの告白には必ず裏があると勘ぐります。

話の展開的には、少なくとも、彼女の他に真犯人はいるだろうと推測してしまいます。

ここで思い出しました。

彼女の過去の主演作品の中で、本作同様「私が殺しました」と、物語の途中で告白する作品がありましたね。

1984年の角川映画「Wの悲劇」です。

 

こちらでは、女優の卵を演じていた薬師丸ひろ子が、劇中劇のヒロインを演じ、母親役の三田佳子の罪を引き受けるという展開でした。

現実の方でも、この舞台劇とシンクロするような事件が描かれ、薬師丸ひろ子が女優開眼した映画として作品としても記憶に残っています。

本作では、それから20年を経て、今度は母親役を演じるようになった彼女が同じような展開に。

 

もし推察どおり、薬師丸ひろ子が仮に犯人ではないとすると、犯人はいったい誰か。

色々な仮定が頭を巡り出します。

(まあ、ここまではネタバレではないでしょう)

主人公の役所広司はハズれるとしても、残りの俳優陣は皆んなヒトクセあって、誰が犯人でもおかしくありません。

見渡して、まず真っ先に怪しいのは、塾講師の豊田悦史。

俳優としてのネームバリューから言っても、真犯人を演じるにはおかしくないキャスティングです。

面構えも犯人向き。

しかし、ミステリーとして、もっとも怪しい人物がそのまま犯人というのでは芸がありません。

いくらなんでも、彼ではないだろう。

映画オタクとしては、ストーリーとは全く関係のないところで、下衆な推理をしてしまうのは苦笑い。

 

三組の夫婦は、子供達のために殺人の隠蔽をすることを決意します。

それぞれ事情あれど、子供の将来を思う親心は一緒。

彼らは一致団結します。

 

この計画をリードしていくのが医師であり、この別荘のオーナーでもある柄本明。

この人の場合は、ちょっと年齢が気になったのでWikiしてみました。

1948年生まれとのことですから、撮影時で57歳。

中学お受験の息子がいるわけですから、単純計算で45歳の時の子供というわけです。

妻役の黒田福美は、1956年生まれですから、撮影時で49歳。

37歳の時の子供ということになりますが、今時はこれくらいの高齢出産はありかもしれません。

歳をとって授かった子供は可愛さもひとしおといいますから、この事件にもうまく絡まります。

 

もう一組の家族は、鶴見辰吾と杉田かおる。

思い出しました。

この二人は、過去にもドラマでカップルを演じていましたね。

15歳同士で、子供を作ってしまうという、当時としてはかなり衝撃的な設定でした。

そのドラマは、1979年の「3年B組金八先生」第1シリーズ。

覚えている人も多いかもしれません。

その二人が、25年後には、中学受験を控えた子供の両親を演じるというのもなかなか感慨深いものがあります。

 

共演といえば、主人公の役所広司と黒田福美の共演映画も思い出しました。

伊丹十三監督が1985年に製作した「たんぽぽ」という作品です。

ラーメン・ウエスタンと銘打った伊丹監督の嗜好を前面に押し出した食道楽映画です。

二人は、ストーリーとは全く関係なく登場するヤクザと情婦の役。

卵の黄身をキスをしながら口移しするシーンは、そこらのAVよりもよっぽど艶っぽかった印象です。

 

などなど色々な雑念がよぎってしまっうのはオールド映画ファンの悲しい性でしょうか。

映画の展開ですが、案の定、薬師丸ひろ子の殺人告白から、ストリーは二転三転。

最後にはオチもついて、楽しませてくれました。

ミステリー映画としては合格ではないでしょうか。

 

子供を溺愛するために次第に常軌を逸していく親たち。

その中で、主人公の役所広司だけが、正論を主張していくのですが、その彼もまた次第にその渦の中に飲み込まれていきます。

 

塾講師のトヨエツが、三組の親たちに向かってこう言い放ちます。

 

「子供は親の背中を見て育つんですよ!」

 

 

映画「地下室のメロディ」1963年フランス

1963年に公開されたフランス映画です。

本作の目玉は、なんといってもアラン・ドロンとジャン・ギャバンというフランス映画界の2大スターが共演した作品であること。

二人の共演作は、全部で3本ありますが、本作が初共演です。

以後、1969年「シシリアン」、1972年「暗黒街の二人」と続きます。

いずれもフィルム・ノワール作品です。

監督は、「過去を持つ愛情」「ヘッドライト」などの、アンリ・ヴェルヌイユ。

 

この映画は、ゴールデングローブ賞外国語映画賞を受賞するなど、国内外で高い評価を受けました。

特にフランスでは、興行収入において、この年の大ヒット作「アラビアのロレンス」を抜いたといいますから、とんでもない大ヒット作です。

 

ケーパー・ムービーと呼ばれるジャンルの作品で、緻密な計画と緊迫感ある展開、そして、鮮烈な印象を残すラストが魅力な作品ですね。

犯罪映画ではありますが、殺人や、それに準じる暴力的なシーンが、ほとんどありません。

その意味では、かなりスマートな犯罪映画と言えるかもしれません。

 

特筆すべきは、ミッシェル・マーニュによる音楽です。

キャッチーなテーマ曲が、場面ごとにあったアレンジで展開され、映画を見終わったときには、誰の耳にも残っているはず。

基本的には、ジャズ・ナンバーで、フィルム・ノワールの空気感を良く出しています。

フィルム・ノワールでジャズというと、すぐに浮かぶのは、ルイ・マル監督の「死刑台のエレベーター」。

ラッシュ・フィルムを見ながらの即興演奏が有名で、トランペットを吹いたのはマイルス・デイビスでした。

フランスのフィルム・ノワールに、モダンジャズがよく似合います。

 

ジャン・ギャバンは、年輪を重ねることで、その重厚な演技にますます磨きをかけ、魅力を増していった俳優です。

反対にアラン・ドロンの魅力は、なんといっても、クールな美貌と若さでしょう。

この新旧を代表するフランス男優が、その魅力がもっとも輝いたタイミングで共演したのが本作と言えます。

この名作は、フランス映画史においても重要な位置を占めており、ある意味では、フランス映画の伝統が、バトン・タッチされている映画といってもいいかもしれません。

 

映画のあらすじは以下の通り。

 

強盗の罪で5年間服役していた老ギャングのシャルル（ジャン・ギャバン）は、刑期を終えて出所。

シャルルの妻ジャネット（ヴィヴィアーヌ・ロマンス）は夫にはギャング稼業から足を洗って堅気になってほしいと願っていましたが、そんなこともお構いなしのシャルルは昔の仲間マリオ（アンリ・ヴァルロジュー）の元を訪ね、人生最後の大仕事としてカンヌのパルム・ビーチにあるカジノの地下金庫から10億フランという大金をごっそり奪い取ろうという作戦を立てます。

 

人手の欲しいシャルルは、かつて刑務所で目をつけていた若いチンピラのフランシス・ヴェルロット（アラン・ドロン）とその義兄ロイス・ノーダン（モーリス・ビロー）を仲間に引き入れます。

シャルルはまず下調べのためカジノに行き、極秘裏に地下の金庫へ運び込まれる大金の異動ルートを探り当てました

シャルルのアドバイスでフランシスは金持ちの御曹司に成りすまし、運転手役のロイスと共にカジノのあるホテルに向かい、カジノのダンサーであるブリジット（カルラ・マルリエ）を口説いて親しくなり、一般客が立ち入ることのできないカジノの舞台裏へ出入りする口実を掴みます。

 

カジノのオーナーが売上金を運び出すタイミングを確認し、犯行日時を決定。

作戦決行当日、フランシスはブリジットのステージを観たのちカジノの舞台裏に侵入。

空気ダクトを伝ってエレベーターの屋根に身を潜め、オーナーと会計係が売上金の勘定をしているところを襲撃。

 

覆面を被り、マシンガンを手にしたフランシスはオーナーらの前に姿を現し、会計係に鍵を開けさせてシャルルを引き入れ、まんまと大金10億フランを奪ってバッグに詰め込み、ロイスの運転するロールスロイスで逃走することに成功。

 

金はあらかじめ用意していた脱衣場に隠し、シャルルとフランシスはそれぞれ別のホテルに泊まって警察の目をやり過ごしてから、回収する計画でした。

 

作戦は大成功かと思われました。

しかし、作戦は思わぬ方向へ進んでいきます。

フランシスの写真が新聞に掲載されてしまい、彼の素性が知れ渡ってしまいます。

警察は彼を追跡し始めます。

 

一刻の猶予も亡くなった二人は、強奪した10億フランを山分けしようとしますが・・・

 

ビジュアル的な効果を最大限活かそうとしたラストは、必見です。

少々無理がある点は否めませんが、実に映画的なオチではありました。

1956年のスタンリー・キューブリック監督の「現金に体を張れ」のラストは、かなり意識したと思われます。

ちなみに、同じジャン・ギャバン主演のフィルム・ノワールで「現金に手を出すな」という作品もありますね。

これどちらも「現金」と書いて、「ゲンナマ」と呼ばせるので、参考までに。

 

アラン・ドロンは、映画界に入る前の十代の頃に、フランス海軍に志願して、第一次インドシナ戦争に従軍しています。

映画評論家の町山智弘氏の指摘によれば、この経験のおかげで、彼にはリアルな拳銃扱いが身についてしまっているということ。

本作にも、ジャン・ギャバンに、ライフルの扱いの手ほどきを受けるシーンがあるのですが、銃を扱うのが初めてという設定にもかかわらず、その扱いが手慣れていて、おもわず苦笑するというシーンがあります。

彼は、金持ちのボンボンという設定で、映画の中で、その所作をいろいろとジャン・ギャバンから手ほどきを受けるのですが、この人の場合、どこからどう見ても、「育ちがいい」青年には見えないというのも苦笑。

特に、煙草の所作がいちいち不良っぽくて、思わず見惚れてしまいました。

僕は煙草は吸いませんが、あれはちょっと真似してみたいかも。

 

日本でも彼の人気は高く、僕の子どもの頃は、「二枚目」の代名詞になっていました。

「ダーバン」のコマーシャルも一世を風靡し、ダリダとのデュエット「あまい囁き」も大ヒットを記録しています。

 

彼はまだ存命で今年89歳。

Wiki によれば、本年2月に自宅で、所持許可のない拳銃72丁と、3000発以上の弾薬や射撃場が押収されたとのこと。

 

映画俳優としては60年代から、70年代にかけて輝きを放った人ですが、残念ながらジャン・ギャバンのように、老いても尚魅力を放つという人生は送れなかったようです。

 

 

映画「丹下左膳余話 百万両の壺」1935年日活

 

本作は、1935年に公開されたトーキー初期の日本の時代劇映画です。

日活京都撮影所が山中貞雄監督のもとで製作し、丹下左膳役には、これを当たり役としていた大河内傳次郎。

百万両の隠し場所が塗り込められた「こけ猿の壺」を巡る争奪戦を描いています。

丹下左膳と言えば悲壮な剣豪のイメージですが、本作においては、居候をしている矢場の女主人櫛巻きお藤と孤児ちょび安とのエピソードと絡めて、ホームコメディ風に路線変更しています。

 

山中貞雄監督は、丹下左膳シリーズを監督してきた伊藤大輔監督が退社した後、急遽この作品を手がけることになりました。

しかし、天才監督の誉れ高い山中貞雄に、伊藤版丹下左膳路線を踏襲するつもりはなかったようです。

彼は本作において、天下の丹下左膳を、完全にパロディ化し、悲愴感などかけらも感じさせない、明るくモダンな人情喜劇にしてしまいました。

音楽もクラシックの曲が使用され、洗練度を高めています。

本作の試写を見た原作者の林不忘は、こう抗議したそうです。

 

「この作品はわたしのつくりだした丹下左膳とはまったく違う。別物だ」

 

このため、困ってしまった日活は、タイトルを『丹下左膳余話』とし、原作者の名前もクレジットから外しました。

原作者・林不忘には不服であっても、山中貞雄がテイストを変えてしまった人情味たっぷりの丹下左膳映画の方が、伊藤版の評価をしのいで、後世に残る傑作となってしまいました。

山中監督は、それまで悲壮感漂う隻眼隻腕の剣士を演じて人気を得ていた大河内伝次郎から、喜劇のセンスも引き出してしまったのですから、ここは監督の確かな目と手腕が評価されるべきでしょう。

 

とにかく、今から90年も前の映画です。

本作を現代の感覚で鑑賞して、評価するのは、野暮というもの。

それよりは、日本映画史に偉大な足跡を残した映画の古典として、リスペクトを持って鑑賞するのが正しいでしょうね。

出来れば鑑賞する側も、その時代にタイムスリップしたつもりで見れば、結構楽しめるかもしれません。

 

1935年といえば、昭和10年です。

東京の人口はまだ600万人。

銀座の繁華街では自動車と一緒に人力車が行き交い、浅草六区の映画館では、片岡千恵蔵や山田五十鈴といった、昭和の大スターたちの名前が踊っていました

軍部の力が次第に強大になっていき、この翌年にはニ・二六事件が起きています。

ヨーロッパでは、アドルフ・ヒトラーがヴェルサイユ条約を破棄して、ナチス・ドイツの再軍備を宣言している。そんな時代です。

 

山中貞雄は、サイレント映画からトーキーへの移行期にあたる1930年代において、輝きを放った日本映画を代表する監督の一人です。

彼はわずか5年間の監督キャリアで26本の時代劇映画（共同監督作品を含む）を発表しましたが、現在までフィルムがまとまった形で現存する作品は『丹下左膳余話 百萬両の壺』（1935年）、『河内山宗俊』（1936年）、『人情紙風船』（1937年）の3本しかありません。

彼は、1937年の『人情紙風船』完成直後に日中戦争に召集され、翌1938年に中国の開封市で戦病死しています。

山中貞雄は、実に28歳という若さで亡くなりましたが、彼の短い監督キャリアにおいて、現代においても、語り継がれる、日本映画史に燦然と輝く大きな足跡を残しました。

 

主演の大河内伝次郎は、戦前を代表する時代劇スターの一人でした。

彼は阪東妻三郎、嵐寛寿郎、片岡千恵蔵、市川右太衛門、長谷川一夫とともに「時代劇六大スター」と呼ばれていました。

彼の悲愴感ただよう演技とスピード感あふれる殺陣は、従来の時代劇スターの定型を破り、当時の観客からは最大級の賛辞を受け、高い人気を獲得していました。

 

中でも彼の当たり役だったのが丹下左膳です。

トーキー時代の時流に乗って、「シェイハタンゲ、ナハシャゼン（姓は丹下、名は左膳）」という決めゼリフで、一世を風靡しています。

(しかし、そのセリフは本作ではきけませんが)

ちなみに、我が家には、祖父の肉声が残っているのですが、その音声は、祖父が得意とした大河内伝次郎の声色でした。

若き日の祖父は、大河内伝次郎の活動写真を見て、胸をときめかせた観客の1人だったのでしょう。

 

本作において、江戸の町道場の主人を演じるのが沢村国太郎です。

 

この人は、日本の歌舞伎役者から映画俳優に転身した戦前の大スターです。

彼の姉は福祉運動家の矢島せい子、妹は女優の沢村貞子です。

1978年のNHKの連続テレビ小説「おていちゃん」のモデルになったのがこの人。

随筆家としても、才能があった人で、この人の「わたしの三面鏡」と言うエッセイを、20代の頃、読んだことがありますが、達者な文章力で感心したものです。

 

そして、この人の弟が、俳優の加東大介です。

黒澤明監督の代表作七人の侍で、官兵衛の片腕となる七郎次を演じた名脇役です。

 

彼の息子たちも俳優になっていますね。

長門裕之そして津川雅彦が、この人の「芸達者」DNAを引き継いで、日本の映画界に確かな足跡を残しています。

 

さて、本作で個人的に気になってしまった女優がいます。

物語の舞台となる矢場で、 三味線を弾いて客の相手をしている櫛巻きお藤を演じた喜代三という女優。

実はこの人の本職は歌手なんですね。そして、同時に現役の芸者でもありました。

 

とにかく、彼女の佇まいがなんとも粋でカッコいいんですね。

大人の魅力満載の、江戸時代の「ザ・いい女」です。

この時代のいい女を語る時によく使われる表現に「小股の切れ上がった」というのがあります。

まあ、今風に言えばスラリとした美脚のスタイルのいい女性ということになるわけですが、それに加え、小粋で気っ風がよいというイメージが加わります。

 

本作には、花井蘭子、深水藤子というお嬢様女優も華を添えていますが、彼女たちの着物の着こなしは、完全にお姫様スタイルです。

もちろん、こちらの方がいいという殿方もいらっしゃるのでしょうが、キレイではありますが、残念ながら色気はありません。

 

そこへ行くと喜代三姉さんの着こなしは、さすがは現役の芸者だけあって、色気がにじみ出ています。

ほんのりゆるくて、ちょっと崩れている風情に、大人の色香が漂います。

そんな彼女が、客のリクエストがあれば、「あいよ」ってな感じで、ちょっと柱にもたれて、三味線を弾きながら、軽くうなるんですが、これがなかなかシビれます。

個人的には、「芸者遊び」にはまったく縁のない人生でしたが、古い写真を見る限り、わが父親はかなり花街で遊んでいた形跡がありますので、イメージは出来ます。

 

左膳はこの矢場の用心棒ということで居候をしていますが、事実上はお藤に養われているヒモなんですね。

つまりは、彼女にはそれくらいの経済力もあったということでしょう。

それに、左膳は剣豪ではありますが、言ってしまえば、身体障害者です。

彼女には、そんな男を受け入れる度量もあったということで、そのあたりでもポイントは上がります。

 

気になってWiki してみたら、彼女は、あの大作曲家の中山晋平の愛人を経て、後妻になったとのこと。

そして、65歳で亡くなった晋平を看取っていますから、最後まで「いい女」だったということでしょう。

 

孤児ちょび安を連れて来た左膳に、「汚い」だの「いつまでおいておくんだい」などと悪態をつきながらも、結局は面倒を見てしまうというあたりの演技がなかなか上手でした。

 

こんな古い映画でも、自分好みの「いい女」を発見してしまうと、俄然映画の評価は上がってしまいます。

 

本作は、2004年に豊川悦治主演でリメイクされています。タイトルは一緒。

お藤役を誰がやっているかと調べてみたら、和久井映見でした。

 

さて、彼女に果たして元祖喜代三おネエの色気が出せたかどうか。

見る機会があれば確認してみたいところです。

映画「オリエント急行殺人事件」1974年イギリス

 

 

今回は、このイラストを描きたくなって、この映画を選びました。

 

場面は、映画の大円団。

オリエント急行の客車に集められた事件の容疑者、12人がズラリというシーンです。

これがなかなかすごい顔ぶれ。

 

アンソニー・パーキンス

ヴァネッサ・レッドグレイヴ

ショーン・コネリー

イングリッドバーグマン

ローレン・バコール

ジャクリーン・ビセット

マイケル・ヨーク

 

さらに、このシーンにはいませんが、ナイフで刺されて殺される被害者にはリチャード・ウィドマーク。

名探偵エルキュール・ポアロには、アルバート・フィニー。

そして、ポアロの依頼者となる列車の管理会社のオーナーに、マーティン・バルサム。

 

みんな単独で主演も張れるトップスターばかりです。

まさにオールスター・キャスト映画。

 

ミステリー映画のキャスティングと言うのは案外難しいものです。

なぜならば、感のいい観客なら、ストーリーとは関係なく、映画の配役を見ただけで、真犯人の目星をつけてしまうからです。

しかし、これだけのスター俳優を集めると、どうでしょう。

もはや誰が真犯人でもおかしくないと思ってしまいます。

 

僕は、初見当時、アガサ・クリスティーの原作を読んでからこの映画を見ましたので、結末は知っていたわけですが、もしもそんな前知識なしに、この映画を見たら、映画の進行中に、犯人の予想が目まぐるしく変わっていったような気がします。

 

乗客が1人ずつポアロの事情聴取に応じていくと、脇で聞いていたにマーティン・バルサムが、その度に「犯人はこいつだ」と言ってしまう笑わせどころがあります。

ポンと手を打って「よしわかった！」とやれば、角川映画の金田一耕助シリーズで、加藤武が演じた、あの警察署長のギャグとほぼ一緒。

それに説得力を持たせるのに、このオールスター・キャストが効いてくるんですね。

どれだけ疑わしくても、その他大勢の端役の中に、真犯人がいるというのでは、ミステリー映画の暗黙のルール違反といわれても仕方ありません。

 

イングリッド・バーグマンが、地味で神経質な宣教師夫人を演じていますが、あの大女優が、容疑者の中では、もっとも犯人らしくない容疑者を演じているからには、絶対なにかある。

おそらく彼女が、真犯人か、もしくは有力の共犯者のどちらかだ。

映画の細かいディテールは理解できなくても、彼女が容疑者の一人として、ポアロの前に座っただけで、観客にそう思わせてしまうのは、まさにキャスティングの力でしょう。

当初、イングリッド・バーグマンにオファーされた役は、老齢のロシア貴婦人役だったそうです。

大女優としての彼女の風格を考慮すれば、妥当なオファーだったと思いますが、実際に彼女が選んだのは、それとは正反対な役でした。

しかし、彼女は自分のイメージとはかけ離れたこの役を、巧みなスウェーデン訛りの英語で、見事に演じてアカデミー賞の助演女優賞を獲得してしまいます。

 

アンソニー・パーキンスは、刺殺された実業家の秘書役でしたが、この頃の彼には、幸か不幸か、あの「サイコ」の怪演のイメージが定着してしまっています。

それを狙ったかどうかは定かではありませんが、この秘書役にはマザコンっぽいキャラを与え、あのノーマン・べ一ツを彷彿とさせる演技をさせるわけです。

この秘書は、ポワロと最初に取り調べを受けるのですが、このキャスティングだけに、観客の目には、彼が最も疑わしい容疑者に映ってしまうわけです。

 

ション・コネリーもそうですね。

とにかく、ジェームズ・ボンドとして、世界中に股をかけて活躍したスパイというイメージが、この人の俳優としてのオーラになってしまっています。

物語とはなんの関係もないとはいえ、007俳優としての彼のイメージは、見ている観客の推理にも多大な影響を与えることは必至。

 

ジャクリーン・ビセットは、個人的には世界で最も美しいと称賛している女優ですが、もう彼女が容疑者の一人としてそこにいるだけで、この人には真犯人であってほしくないという心理がこちらの方に働いてしまうのがファン心理というもの。

 

とにかく、小説であるなら、すべては書き手の文章力にゆだねられるものが、映画では脚本だけでなく、配役そのもので、物語が悟られてしまうこともあるわけです。

故に、本作のオールスター・キャストは、単なる話題稼ぎということではない、ミステリー映画としての質を高める上での必然性もあったと考えていいと思います。

あの結末ならなおさらです。

 

その意味でも、映画冒頭の、俳優名が一人一人示されるシンプルなタイトル・クレジットは、もうそれだけでワクワクさせられました。

 

オールスター・キャスト映画というと、豪華絢爛にはなりますが、映画全体のイメージが散漫になってしまうというのが大方の意見です。

大味な大作になることが多く、なかなか傑作にはなりにくいもの。

しかし、そんな中にあって、本作は、オールスター・キャスト映画の稀有な成功例だと思っています。

 

なぜ、本作がオールスター映画として成功したのか。

 

当然それにはいろいろな要素が挙げられると思いますが、その中でも大きいと思うことが一つ。

それは、本作が、これだけの大スターを、雪で立ち往生したオリエント急行という閉塞空間に一堂に「集めた」ことによる効果ですね。

これが絶大であると思っています。

 

僕は、基本的にはオールスター映画に、けっこう目がありません。

作品のクゥオリティ云々というよりは、ただ単純に根がミーハーなので、「お祭り」騒ぎのワクワク感が好きなんですね。

オールスター・キャスト映画というと特に戦争大作に多く「史上最大の作戦」「パリは燃えているか」「遠すぎた橋」などが思い浮かびます。

「80日間世界一周」なども好きな映画です。

古くは「グランド・ホテル」なんていう名作もそうでした。

以外に、知られていないところでは「キャンディ」というエロチック・コメディにも、そうそうたる当時の大俳優たちが顔をそろえていました。

ただ、どのオールスター映画にも、一応にいえることは、スター同士の共演場面は意外と少ないということです。

つまり、オールスターが共演しているのは、宣伝用ポスターだけで、実際の映画では、出番や見せ場は、別々に独立していることが多いということ。

要するに、事実上の「オールスター共演」には実現していないんですね。

 

ところが、そんなあまたあるオールスター映画の中で、この「オリエント急行殺人事件」だけは違っていました。

前述したとおり、本作には、そのオールスターが、ストーリー的必然性を持って、オリエント急行の一車両に、ズラリと並ぶという「共演」シーンがあるということです。

それは、描いてみたくなったイラストです。拙いイラストではありますが、やはり絵ヂカラがあります。

 

アカデミー賞の授賞式でもない限り、こんなスター勢揃いのシーンがある映画がちょっと思いつきません。

このシーンのインパクトだけは、如何にアガサ・クリスティの筆力をもってしても、小説では表現できないことでしょう。

映画にのみ可能なビジュアル効果であったといえると思います。

 

その意味では、本作は、まさにオールスター映画において唯一無二の最高峰といっていいのかもしれません。

 

アガサ・クリスティによるこの原作小説は、発表当初「十二の刺傷」というものだったそうです。

「十二」と聞いて、映画ファンとして、すぐにピンとくるのは「12人の怒れる男」です。

こちらは、12人の市民陪審員が、密閉された部屋の中で、ある殺人事件を審議するディスカッション劇です。

1956年に作られた映画ですが、この作品を監督したのがシドニー・ルメット。

つまり、本作の監督でもあるわけです。

ルメット監督が、「十二」繋がりの本作に、自分の長編映画デビュー作を意識したかどうかはわかりませんが、一つだけ印象的な共通点がありました。

 

それは、ナイフです。

 

映画の小道具として、両作品とも、とても印象的な使われ方をしていたので、是非映画の方をチェックしてみてください。

 

映画の冒頭、主要キャストが続々とイスタンブールの駅に集まってくるシーンは、なかなかワクワクさせられます。

短いカットで、登場人物のキャラが巧みに説明されているんですね。

ミステリー・ファンとしては、そのさりげないシーンに、事件の犯人の手掛かりになる伏線が仕込んであるはずと踏んで、目を凝らすわけです。

もう完全に、監督の術中にハマっていますね。

 

乗客たちの数多くのドラマを乗せたオリエント急行の出発の時間が迫ります。

いったん引いたカメラが、ゆっくりと列車の正面に寄っていきます。

ヒッチコック映画を多く見ているものとしては、「ん?このカメラの寄りには何か意味があるぞ」と身構えるわけです。

ずっと寄るカメラは、最終的には、列車前面の３つのライトの一つまでクローズ・アップ。

するとその瞬間、そのライトがピカッと光って、リチャード・ロドニー・ベネットによる重厚なワルツがかぶさります。

そして、蒸気を噴き上げて、乗客たちの運命を乗せたオリエント急行は、ロンドンへ向けて出発するわけです。

 

決して小説では出せない、まさに映画ならではの舌を巻く語り口に痛く感動した馬場康夫氏は、自身のYouTubeチャンネルの中で、彼の監督デビュー作となる「私をスキーへ連れて行って」の冒頭のシーンで、このシーンをそのまま拝借したと語っていました。

これも、是非映画で確認してみてください。思わずニンマリです。

 

この原作小説の予備知識として抑えておいた方がいいと思われるのが、1932年にアメリカ合衆国で起こったリンドバーグ愛児誘拐事件でしょう。

被害にあったのは、大西洋単独無着陸飛行で有名なアメリカのヒーロー、チャールズ・リンドバーグの長男でした。

ジュニアは、自宅から誘拐され、現場には身代金5万ドルを要求する手紙が残されていました。

10週間にわたる探索と身代金交渉の末、自宅から約5マイル離れた森の中で、ジュニアは白骨化した遺体として発見されています。

後に、身代金として渡された紙幣を使ったことから犯人が逮捕され、死刑になっていますが、この事件にはいまだ不可解な点も多く、冤罪の可能性もあると指摘されている事件です。

 

アガサ・クリスティは、この事件の主犯が、身代金を持ったまま、海外へ逃亡していたらというアイデアを思いつき、この長編小説のストーリーを練り上げて行きました。

この小説が発表されたのは、1934年ですから、リンドバーグ事件から2年後のことです。

 

オリエント急行で殺された実業家は、この犯人がモデルになっています。

映画で、この役を演じたのが、リチャード・ウィドマーク。

これも、キャラクターの説明などいりません。

彼が登場しただけで、もうすぐにす誰もが「憎むべき悪人」と思ってしまうわけですから、これもキャスティングの威力です。

 

この事件は、原作小説の中では、法で裁けない稀代の悪党に天誅が下った「認められる殺人」として描かれています。

いかに被害者が極悪人であろうとも、司法権を持たない一般人による「処刑」は認められるのかという問題は噴出してきそうです。

「真実」が優先されるべきか、それとも「正義」が優先されるべきか。

倫理観に対するバイアスは、評価の多様性も含めて、現代の方が厳しくなっている気はします。

 

そこで気になったのが、2017年度版のリメイクですね。

こちららは、シェークスピア俳優として有名なケネス・ブラナーが監督しています。

本作にも負けず劣らずのオールスターを揃えた映画ですが、Amazon プライムにありましたので、このブログを書くために、ラストだけちょこっと覗き見してみました。

案の定、「正義のための殺人」を巡る倫理観の解釈は、1974年度版や原作小説がサラリとしているのに対して、2017年度版は、かなり重厚なものになっていました。

 

ケネス・ブラナー自身が演じるエルキュール・ポワロは、全員の前にピストルを置き、こういっていました。

 

「私はウソはつけない。(計画を成立させたいなら)この拳銃で私を撃て。」

 

これを、天下のシェークスピア俳優がやるのですから、そのシーンはなかなか感動的です。

「正義のための殺人」が「やむを得ないこともある」と納得する人も多いでしょう。

 

しかし、その苦悩を正面から演じてしまったことで、2017年度版のポアロは、原作イメージの「偏屈な小男」から、完全にハムレットになっていました。

 

それに対して、1974年度版は違います。

事件を解決して、アルバート・フィニーが演じるポアロがその場を去った後、バネッサ・レッドグレーブが、喜びの声を上げて、フィアンセであるショーン・コネリーに抱きつくんですね。

同じシーンでも、だいぶ与える印象が違います。

 

映画は、概ね時代の空気というものを背景にして評価されるエンタメです。

2017年度版と、1974年度版には、43年もの歳月が流れています。

映画の解釈にそれなりの差があるのは、当然のこと。

いやむしろ、リメイクをするなら、単なる「焼き直し」をするべきではない。

新たな角度の視点、新たな解釈を加えなければ、意味がないとさえ思います。

 

ですから、ここから先は全くの個人的見解です。

シドニー・ルメットが監督した本作も、あの「12人の怒れる男」を作った監督ですから、アガサ・クリスティの原作を、もっと重厚に演出しようと思えば出来たはずです。

しかも、それができる俳優をズラリと揃えているわけです。

 

しかし、ルメット監督は、あえてその選択をしませんでした。

あくまでも、娯楽ミステリーに徹し、時にコメディ・タッチにしながら、多少の倫理問題には目をつぶって、本作を「正義は勝つ」の王道ハッピー・エンドにしています。

 

そして、事件を解決したエルキュール・ポワロは、事件の真相について悩むことはあっても、決して苦悩はしませんでした。

 

どちらが良いと言う話をしたいのではありません。解釈はどちらでも間違いではないと思っています。

要するに、それを見た感覚が、一人一人がどういう感想を持ったかにつきます。

 

結論から言いますと、2017年度版は、ラストしか見ていなくて申し訳ないのですが、僕の好みはやはり、1974年度版の本作です。

ご贔屓女優のジャクリーン・ビセットが出演しているということも大いにありますが、シドニー・ルメット監督の、エンタメに徹した軽いタッチの方が、この映画の空気として個人的にはしっくりきました。

 

乱暴な物言いを承知でいますが、倫理観に多少問題はあっても、映画としての面白さがそれに勝っているからです。

映画と言う娯楽の中で、倫理観の方を優先にしたら、インディアンを敵とみなしている大方の西部劇は全てアウトです。

 

2017年度版の重厚なタッチと比較して、シドニールメット監督の本作におけるライトなタッチを、実に上手に体現していた女優がいました。

バネッサ・レッドグレーブです。

彼女は、この殺人事件の前段でもある愛児誘拐殺人事件において、心に大きく傷を負った一人でしたが、にもかかわらずこの映画の中の彼女がなんとも爽やかでした。

それを、感じさせたのが、彼女のウインクです。

映画の中では、都合2回、彼女のウインクが登場するのですが、それが両方とも実にチャーミングで素敵でした。

これも、映画を見る機会があれば是非確認して見て下さい。

 

ちなみに、この「オリエント急行殺人事件」は、2015年に、フジテレビの正月ドラマとして二夜に分けて放送されています。

この脚本を担当したのは三谷幸喜氏。

このドラマについて、YouTube番組の中で、三谷氏はこう語っていました。

 

「これだけ歴史的評価のある原作を、むやみに脚色で変えることはできない。なので、前半の事件部分は、原作にほぼ忠実に脚色し、原作にはない事件の前日譚は、ニ夜目でおもいきりオリジナルで展開させてもらった。」

 

おそらく、1974年版推しの三谷氏の脚本も、前半は、シドニー・ルメット版に近いものになっていると思われますが、これもアガサ・クリスティー・ファンとしては、機会があれば是非見てみたいと思います。

 

改めて、イラストのシーンに戻りますが、俳優へのギャラだけに絞ってこのシーン撮影のためのコストを考えてみると、やはりすごそうです。

プロデューサー兼俳優の現在のトム・クルーズくらいになると、たった一人でも、この映画の出演者全員を足したよりも高いギャラを獲得していそうな気もしますが、ただ俳優の豪華さにおいては、ビジュアルだけでいっても屈指のシーンだと思います。

 

切り取ったカットのイングリッド・バーグマンだけが、顔を伏せてしまっているのが、iPadイラストレーターとしては残念。

 

映画「オーシャンと11人の仲間」1960年アメリカ

「あなたたち、まるでラット・パック（チンピラ集団、ネズミの群れ）みたいよ」。

 

ある夜、どんちゃん騒ぎの末、ぐでんぐでんに酔っぱらった遊び仲間が、この集団のボスだったハンフリー・ボガートの家に戻るや否や、全員が床にバッタリ。

それを見て、そう吐き捨てたのは、当時ハンフリー・ボガード夫人であったローレン・バコールです。

彼女は毎度のことで怒り心頭だったのですが、当のボガードは悪びれることなく、妻のこのセリフをチャッカリ頂いてしまいます。

この瞬間誕生したのが、ハリウッドのお気楽お遊び仲間集団「ラット・パック」です。

 

ラット・パックというと、すぐに「シナトラ一家」と思ってしまいますが、初代のラット・パックの中心人物はハンフリー・ボガートでした。

初期のメンバーは、なかなか豪華です。

デイヴィッド・ニーヴン、スペンサー・トレイシー、ケイリー・グラント、レックス・ハリソンといった面々。

シナトラは当初、ボガートとローレン・バコールが声をかけた若手メンバーの一人だったんですね。

 

シナトラはこの気楽な仲間意識が、とても気に入ったようです。

そして、1957年にボガートが他界すると、シナトラは自分と同業者のエンタメ業界の仲間に次々と声をかけ、新生「ラット・パック」を作ることになります。

 

シナトラのもとに集まったメンバーは、ディーン・マーティン、サミー・デイビス・ジュニア、ピーター・ローフォード、ジョーイ・ビショップ。

 

ラットパックは、僕の生まれる前に、アメリカで全盛期を迎えていた集団ですが、以前から気にはなっていたので、今回色々と調べてみました。

 

フランク・シナトラとこの相棒たちにとって、50年代末期というのは、実に絶好のタイミングでした。

1950年代のアメリカの好景気は、文句なく世界一。

第二次世界大戦の記憶は遠い昔に去りつつあり、ベトナム戦争はまだ先のこと。

アメリカは、まさに我が世の春を謳歌していました。

彼らは、この時代の波にのり、ショーマン集団として登りつめていきます。

 

ただ仲間とふざけ合ったり、からかいあったりしてるように見えるだけのお気楽パフォーマンスが、当時のショー・ビジネスの世界で大ウケしてしまうわけですから、わからないものです。

メンバーの数えきれないほど「不適切」なゴシップさえも、この集団ではネタになってしまうのですから、当時の彼らにとって向かうところ敵なし。

 

まずはそのゴシップのさわりを紹介します。

 

親分のシナトラは、なんとボガートの妻であるバコールと関係を持ってしまいます。

そして、女優のラナ・ターナー、16歳のリタ・マリットなどと次々に不倫。

ディーン・マーティンも負けていません。

アンジー・ディキンソンや、なんとギャングの娘にも手を出して騒動を起こしています。

ピーター・ローフォードは、ジョン・F・ケネディの実の妹であるパトリシアと結婚して、ケネディ大統領の義理の弟になったまではよかったのですが、リタ・ヘイワース、エヴァ・ガードナー、ジュディ・ガーランドといったハリウッド女優らと次々に不倫。

愛想をつかされたパトリシアとの離婚後は、ビョーテキに、若い女性との結婚を繰り返します。

最後に結婚した相手は、18歳といいますから、これはもはや犯罪ですね。

 

日本では、去年暮れの文春砲から、ダウンタウン松本人志の性加害問題が、もはや社会問題というレベルまで世の中を賑わしています。

彼を取り巻く若手芸人たちが、このエンタメ界のボスに、セックスを前提に女の子たちを上納していたと、日本中から非難を浴びているわけですが、芸能界の乱れ具合は今も昔も変わらないようです。

 

ただしラット・パックの面々と、松本人志事件では明確なちがいがひとつあります。

おそらく、多くの美女たちを揃えたパーティは、ハリウッドでも、毎晩のように催されていたでしょうが、彼らはお気に入りの女性がいれば、自力で口説きにいったという点です。

あるいは、女性から迫られたと言うケースもあったかもしれません

いずれにしても不倫ですから、彼らはそのゴシップで、アメリカ中の女性たちを敵に回すことにはなるわけです。

とにかく、彼らは女性たちにモテたということは事実のようです。

 

当時のラット・パックのライブが、YouTubeで見られますが、かなり破天荒です。

シナトラとマーティンは出番になると歌い、デイヴィスは得意のタップやモノマネを披露。

舞台上で酒を飲み、煙草をふかし、ほとんどアドリブに近いコントやジョークに興じつつ、出演者自身が、舞台で楽しそうに笑い転げるわけです。

ところが、これがちゃんとしたショーになっているのですから、さすがは一流のエンターテイナーは違います。

この「自由さ」は観客にも伝染し、会場は大盛り上がり。

大喜びの観客は、このライブ感に触れたくて、繰り返しラスベガスのショーに足を運ぶことになるわけです。

メンバーは、もちろんソロとしても一流。

しかし、それがチームになることで、その魅力は掛け算で膨らみます。

ハリウッドの有名テーラー「サイ・デボア」が仕立てたタキシードやスーツを纏った彼らの、一挙手一投足を、この時代の女子にモテたいアメリカ中の男子が、こぞって真似したんですね。

 

彼らの打ち立てたクールの新しい基準は、アメリカのショービズの世界において、その後も、根強く受け継がれ、ジョージ・クルーニー主演による2001年の「オーシャンズ11」につながるわけです。

 

特筆すべきは、彼らの出自です。

 

シナトラはイタリア系移民の息子であり、父親はボクサー。

マーティンもイタリア系移民の息子で、密造、カジノ、 製鉄所の仕事を経験しています。

ジョーイ・ビショップはポーランド系ユダヤ人。

サミー・デイビスはアフリカ系アメリカ人。

みんなアメリカでは差別の体調になっていたマイノリティ出身なんですね。

アメリカ社会の上流階級と言われWASP（アングロサクソン系白人プロテスタント）は、ピター・ローフォードだけでした。

 

彼らは、マーティン・ルーサー・キングの支援に寄付をしたりもしていましたが、舞台上では、かなり際どい悪趣味な差別ジョークで、笑いをとったりもしていました。

 

 

「オーシャンと11人の仲間」は、そんなシナトラ版ラット・パックの面々総出演で作られた映画です。

監督は、ルイス・マイルストン。

あの戦争映画の傑作「西部戦線異状なし」を撮った監督です。

 

1960年の初めに、ローフォードが、ラスベガスのカジノで強盗を働くという本作のアイデアを持って来ます。

親分のシナトラは、この提案が、まさに自分たちにドンピシャリの企画であることを直感。

すぐに映画の製作が開始されます。

 

しかし、お気楽、ノーテンキ、気まぐれがモットーの彼らを一堂に集めて映画を撮るのは至難の業です。

撮影は、開始早々めちゃくちゃ。

脚本は、彼らのわがままで、どんどんと変更。

彼らはショービジネスで経験を積んできたプロにもかかわらず、映画に対してはそのプロ意識は働きませんでした。

撮影中、5人が揃ってセットに入ったのは一度きりで、シナトラに至っては、25日間の撮影中、撮影に参加したのは9日間だけ。監督のマイルストンはかなり苦労したに違いありません。

 

しかし、それでも映画は、ケーパー・ムービー(集団強盗映画)として、なかなか面白い作品に仕上がっていました。

このジャンルの作品として本作以前には、1950年の「アスファルト・ジャング」や、スタンリー・キューブリック監督の「現金に体を張れ」が有名ですが、本作にあの「暗さ」は皆無。徹底的に明るいコメディ・タッチの犯罪映画になっています。

ケーパー・ムービーは、本作以降「トプカピ」やイタリア映画の「黄金の七人」などのようなオシャレでスマートな作品が主流になっていきます。

 

まずオープニングのタイトルバックは、ソール・バスによる軽快な文字アニメーション。

そして、シナトラ演じるダニー・オーシャンの元に、かつての軍隊仲間が、続々と集結してきます。

目的は、ラスベガスの5つのホテルのショーの上前をすべて頂こうという大強奪作戦。

こういう集団映画の前半の見せ場というのは、「七人の侍」以降は、「仲間集め」を如何に面白く見せるか。

かつて空挺部隊でのそれぞれの専門分野が、そのまま強盗計画に活かされるという趣向になっています。

 

そして、集まった11人に計画の説明をするオーシャン。

説明が終わって彼が一堂に聞きます。

 

「質問は?」

 

そうすると、ディーン・マーチンが神妙な顔をしてこう言います。

 

「一つ提案がある。」

 

一同が彼の顔を見ると、彼はこういうんですね。

 

「やめよう。(この計画は)」

 

しかし、一同はそれぞれの事情もあり、彼の提案に一人も賛成しません。

オーシャンは、仕方なく、彼を外して再計画を立てようとしますが、すぐに彼は自分の意見を取り下げます。

そして、全員が、テーブルの上で手を重ね合って、ラスベガス現金強奪作戦はスタート。

なかなか痺れるシーンです。

 

現金強奪作戦は、今の映画の水準から考えれば、明らかにローテクで、テンポもゆっくりしているのは否めません。

しかし、ローテクにはローテクの味があります。

トム・クルーズのような体を張ったアクションが、本作に登場することもありません。

彼らが、映画のためにそんなことするわけがありません。

この映画の「見せ所」はそこではなく、ラット・パックのノリを如何に映画の中に持ち込むか。

観客もそれを望んでいるわけです。

 

現金強奪作戦はまんまと成功。

オーシャンたちは、首尾よく、5つのホテルから、売上金を奪取します。

後は山分けするだけ。

ところが、そうはならないのがこの時代のハリウッド映画です。

最近の犯罪映画ならそのまま終わってもいいところですが、この1960年当時は、まだ映画界には「ヘイズ・コード」が幅を利かせていました。

この自主倫理規制を無視して、強盗が成功して、ノーテンキにめでたしめでたしとなる映画は、ハリウッドでは、まだ撮れなかったんですね。

 

では、強奪した現金がどうなったか。

これは、是非映画をご覧あれ。

 

というわけで、あの哀愁漂うラストです。

11人の仲間が、無言で歩いていくだけのシーンに、一人一人のクレジットが被ります。

すぐに、頭に浮かんだのが、クエンティン・タランティーノ監督の「レザボア・ドッグス」の冒頭です。

クロずくめの男たちが、無言で歩いてくるあのシーンは、間違いなくこのシーンへのオマージュですね。

 

本作は、男だけの映画かとおもいきや、花を添えた女優もいます。

一人は、オーシャンの妻を演じたアンジー・ディキンソン。

前年の「リオ・ブラボー」では、ディーン・マーチンとも共演しています。

そしてもう一人。

ノン・クレジットなのですが、ワンシーンのみ登場したのが、酔っ払いの女客として、ディーン・マーティンに絡むのがシャーリー・マックレーンでした。

しかし、ハリウッドきっての好色漢たちが出演する映画です。

その他にもワンシーンのみ登場する、セリフもない色っぽい女優たちは、007映画なみに登場していました。

 

主演のシナトラこそ歌いませんでしたが、本作ではディーン・マーチンや、サミー・デイビス・ジュニアが、ぬかりなく得意の喉を披露。

まさに、ラット・パックの、ラスベガスのショーの空気感を、上手く映画の中に取り込んだ楽しい映画になっていました。

 

実は個人的には、本作よりも先に2001年の「オーシャンズ11」見てしまっています。

なかなか面白かったので、続けて「オーシャンズ12」「オーシャンズ13」も観ようと思っていたのですが、そこは思いとどまりました。

その前に、オリジナルである本作を先に見ておくことが筋であろうと思い直した次第。

今からもう64年も前の映画ですが、僕好みの、なかなか面白い映画でした。

 

え? つまらなかった?

 

そこの人、なんて野暮なことをオーシャンの。

 

 

 

映画「黒い画集 あるサラリーマンの証言」1960年東宝

 

サスペンスミステリーの巨匠アルフレッドヒッチコックが確かこんなこと言っていました。

 

「映画の原作小説は、短編くらいの長さがちょうど良い。」

 

なるほど、天下のサスペンスの巨匠がそういうなら、間違いはないでしょう。

そこで、彼の映画作品で、短編小説が原作になっているものを調べてみました。

「短編」とWiki に明記してあったのは以下の三作。

 

「鳥」ダフニ・デュ・モーリエ。原題『The Birds』

「裏窓」コーネル・ウールリッチ。原題『It Had to Be Murder』

「舞台恐怖症」セルウィン・ジェプソン。原題『Man Running』

 

中編になると以下の通り。

 

「間違えられた男」マクスウェル・アンダーソン。原題『The True Story of Christopher Emmanuel Balestrero』

「ハリーの災難」ジャック・トレバー・ストーリー。原題『The Trouble of Harry』

「サイコ」ロバート・ブロック。原題『Psycho』

「めまい」ボワロー・ナルスジャック。原題『死者の中から』

 

 

ページ数がわからなくて、調べきれないものも多かったのですが、いずれにしても、長編に属するものはそれほど多くなかったですね。

映画の尺は、90分から120分ということになりますから、短編が原作ですと、映画の中で、映像として膨らませる部分が多くなります。

つまり「原作プラス」になるわけです。

逆に、長編になると、原作をその尺に収めるには、端折らないといけません。

登場人物を減らしたり、プロットをそっくりカットしたり、時にはラストも変えないと映画の尺には収まりません。

つまり「原作マイナス」です。

あるいは、原作の特定のプロットだけを引き出して、それを膨らませて、映像的アレンジをしていくということもあるでしょう。

 

原作小説のファンを映画化作品でも納得させようとするなら、やはり長編からマイナスして再構築するよりは、短編にプラスして膨らませる方が、クレームは少なそうですし、シンパシーは得られそうです。

 

脚本家の三谷幸喜氏が、アガサ・ミステリーの傑作長編ミステリー「オリエント急行殺人事件」のドラマ版の脚本についてこう言っていました。

 

「長編小説の原作を忠実に脚色しようとすると、3時間程度の尺がちょうどよい。」

 

これは、ある意味で、原作小説の映画化をチェックするときの、いい指標になるとは思います。

例えば、何百ページもあるような大長編小説が原作である場合、それを映画の2時間枠に収めようとしたら、物語は相当端折っているか、どこかをバッサリとカットしているか、さまなくば、美味しいとこどりをして、物語を再構成しているかということになります。

 

但し、これはあくまでも、「原作に忠実」に映画化するという場合の話です。

どんなに大ヒットした小説だからといって、それを忠実に映画化すれば、原作通りのいい映画になるのかといったら、まずそうはなりません。

やはり、小説には小説の表現、映画には映画の表現というものがあって、「面白さ」の評価の尺度は当然大きく変わってきてしまいます。

 

映像化作品が、原作を超えるか、越えないかは、偏に監督の映像化のセンス次第と言っても過言ではないかもしれません。

映画が原作を越えたかどうかは、あくまでま鑑賞した人の主観にゆだねられるものですが、個人的感覚でいえば、映像化の成功作品と言われるものの多くは、たいてい原作小説に新たな命を吹き込んだものが多くなると思っています。

原作に忠実に映画化した作品も多くありますが、そうやって作ってしまうと、映画としての評価はそれほど高くはならないという気はしています。

 

いずれにしても、原作小説とその映画化作品は、個人的には、作品としては全く別のモノだと思っています。

原作と映画化作品をどうしても紐づけて考えるなら、話は単純で、映画化作品が、原作よりも面白ければ、映画が原作をどれだけいじろうと文句を言う観客はいない。(原作者はそうはいかないかもしれませんが)

反対に、映画化作品がつまらなければ、それは原作の改悪だとブーブー文句を言われる。

簡潔に言えばそういうことです。

 

ですから、概ね大ヒットした映画というのは、原作はあるにせよ、それはあくまでアイデア程度に原案として借りて、後はそれを思い切り映画的に脚色して膨らませた作品が多くなると思っています。

それとは反対に、大ヒット小説や歴史的文学作品を原作にしてしまうと、敵がエンターテイメントとして一定の評価がある分、映画の方が分が悪くなるというのが僕の見解です。

 

さて、そんなわけで、松本清張です。

 

日本の小説家の中で、彼ほど、その作品が映像化されている作家はいないでしょう。

映像化作品の原作小説は、短編、中編、長編とスタイルは様々。

社会派ミステリーという分野を開拓した、松本清張の功績は、いまさら言うまでもありません。

 

映画、ドラマを含め、彼の小説を原作とした映像化作品は全作とは言いませんが、個人的にはかなり見ています。

松本清張の映像化作品を、今回Wiki で確認したのですが、ひとつ気が付いたことがありました。

 

それは、個人的に印象に残っている映画化作品の原作が、ほぼ短編だったんですね。

以下の通りです。

 

「天城越え」「鬼畜」「張込み」「顔」

 

いずれも、原作世界を、映画的に膨らませた「原作プラス」の作品になっているということに気が付きました。

もちろん、大ヒットした「砂の器」のように、大長編小説を、映画的に再構築して、原作を越える大成功に導いた例もあります。

しかし、松本清張の長編小説を映画化した作品の多くは、基本的に大味で、非常に映画的に作られている原作のプロットを利用しているだけという作品が多い気がしています。

 

自分の小説の映像化には、こだわりのあった松本清張は、「霧プロダクション」を作って、それを自分なりにコントロールしようとしました。

「霧プロ」名義で作られた作品は、「わるいやつら」「疑惑」「天城越え」「迷走地図」「彩り河」。

このあたりは、原作も読み、映画もすべて見ていますが、長編小説原作の映画に限っては、小説の「読み応え」の方が勝っていたと思います。

 

松本清張おそるべし。

 

そんなわけで、本作です。

 

「黒の画集　あるサラリーマンの証言」は、松本清張の「黒の画集」という短編集の一篇「証言」を原作に、橋本忍が脚色しています。

1960年度の作品で、この時期の東宝なら、宝田明、佐原健司、池辺良、三船敏郎といったスター俳優がいたわけなのですが、本作の主演はなんと小林桂樹。

この人は、この時代、森繁久彌の「社長」シリーズの謹厳実直な秘書役で、コメディ俳優としての地位を確立していた人です。

個人的には、「男はつらいよ葛飾立志編」で彼が演じたカタブツの大学教授役は好きでしたね。

そんな喜劇よりの俳優だった彼が、本作では一転して、シリアス演技を披露。

 

自分の不倫が露呈するのを恐れたためについた嘘により、自滅していく、繊維メーカーの課長役を好演しています。

いや、むしろ、当時の東宝で、この役を「主演」として演じられた俳優は、小林桂樹以外あり得なかったと言う気もしています。

 

原作が短編ということもあり、かねてから思っていた「松本清張短編原作傑作説」が頭にあったので、この作品は、機会があれば見てみたかった一本でした。

 

DVDは持っていなかったのですが、Amazon プライムの「東宝チャンネル」に入ったら、この作品をVODのラインアップに発見。さっそく鑑賞した次第。

 

結論から言ってしまえば、やはり面白かったですね。

 

映画は、ミステリーというよりも、小林桂樹のキャラクターに寄せるような演出になっていましたが、小市民の彼が、次第に殺人事件に引きずり込まれていくスリルは上手に描けていました。

 

映画の冒頭では、自分の日常を、小林桂樹がモノローグで語るシーンがあるのですが、これは本作が、本格ミステリーであることを考えると、やらなくてもよかった気がします。

映像だけで十分に、彼のキャラクターは説明出来ていましたね。

 

小林桂樹演じる課長の愛人を演じるのが原知佐子。

この人どっかで見たことあるなあと思ってWiki してみたら思い出しました。

大映ドラマの「赤い」シリーズで、山口百恵を徹底的にいびり倒していたオバサンがこの人でした。実相寺昭雄監督の奥さんでもあります。

 

課長を取り調べる刑事役に西村晃。その上司に平田昭彦。

映画の後半で、課長に絡んでくる若者の一人が児玉清。この人は、後に「パネルクイズアタック2５」の司会を長く務めた人。

もう一人の若者は、江原達怡。

この人は加山雄三の「若大将シリーズ」で、若大将の所属するスポーツ部のマネージャーをずっとやっていた人。

この若者から麻雀の借金を払えと脅すチンピラが、後に「刑事コロンボ」の吹替を担当した小池朝雄。

その他、チラッと出てくる果物屋の店員役で西条康彦。おそらく知らない人が多いでしょう。

この人は、「ウルトラQ」で、万城目パイロットの相棒「一平くん」を演じていた人。

初期ウルトラ・シリーズに出演していた俳優は、子供心に脳裏に焼き付いているようで、こういう映画でその顔を発見すると、おもわずうれしくなってしまいます。

 

自分の不倫が発覚することを恐れた課長が、保身のために偽証をすることになるというところまでは、本作を見る前からの事前知識としてわかっていました。

しかし残念ながら、本作の原作短編小説は読んでいません。

その偽証をしたことで、課長に降りかかる災難と、皮肉な運命。

ここまでは判っていましたので、今回は自分なりのストーリー展開予想と、実際の名手橋本忍の脚本進行を比べながら鑑賞するという楽しみ方になりました。

 

結論から言いますと、さすがは、黒澤作品と松本清張作品で鍛えられた脚本家。

当たり前ではありますが、こちらの予想を裏切って、見事に映画を締めてくれました。

こちらが予想すら出来なかった展開でしたので、ここは素直に脱帽です。

 

ただ一点だけ、終わってみてから「あれ?」と思ったことがありました。

そもそも物語の発端になった殺人事件の方が未解決のままなんですね。

たぶん、この殺人事件の犯人が、ラストで判明して大円団だとばかり思って鑑賞していたので、その点に釈然としない感が残りました。

 

なるほど。

 

しかし、事件の謎が解けて大円団というのは、考えてみれば、通常の推理小説のセオリー。

松本清張は、単なる推理作家ではなく、頭に「社会派」がつくミステリー作家です。

事件の謎よりも優先されるのは、偽証することで身を守ったつもりの課長に、運命の天罰がくだること。

そうしなければ、わざわざ主演に、東宝のスター俳優ではなく、小林桂樹を配した意味がなくなるわけです。

 

それは理解するべきでしょう。

 

これはちょっと、原作小説も読んでみたくなりましたね。

松本清張の短編集「黒の画集」からは、他にも二作品が映画化されています。

読んでみる価値はありそうです。

 

近頃何かと、オリジナル原作と、映像化作品問題が世の中を騒がせています。

原作小説と、映像化作品の質を比べるという意味では、松本清張作品は、昭和の時代からその王道。

 

ついでに「短編原作映画化傑作」説も、しかと精査してみたいと思います。

 

図書館にあるかなあ。松本清張の文庫本。