柿沢謙二ブログ

映画「M:I-２」2000年アメリカ

2作目の冒頭は、普通に考えれば、ちょっとスパイ映画とは思えないようなシーンからスタートします。

トム・クルーズ演じるイーサン・ハントが、1人で黙々とロッククライミングをしているんですね。

これは、アメリカのユタ州にあるデッドホースポイントという場所で、ロケーションされました。

このシーンを撮るために、トムクルーズは、ロッククライミングの大特訓をして臨んだそうです。

オレンジ色に輝く断崖絶壁を素手で登っていくのですが、彼の命を守るものは安全ロープ1本だけ。

これは後でCGで消しています。しかし安全ネットはありません。

ジョン・ウー監督は、もちろんスタントマンを用意していたようですが、結局彼は自分でこのシーンをやり遂げてしまいました。

このシーンだけで撮影に2週間もかけたそうです。彼の意気込みが伝わります。

しかし、よくよく考えると、トムと一緒に崖に張り付きながら、このシーンを撮影したカメラマンがすごいですね。

 

登り終えたイーサンに、追いかけてきたヘリコプターから小型のミサイルが発射されます。

イーサンがその小型ミサイルの中に入れられていたメガネをつけると、IMFからの指令が…

 

というわけで、IMFからの指示を受けるためだけなら、わざわざこんなシーンから始めることもないのにと思ってしまうところですが、これはおそらくトム・クルーズがやりたかったんでしょうね。

彼にとっては、ストーリーよりも、まずは観客の目を引くアクション・シーンを撮ることの方が優先。

話は後から繋げればいい。

これは、ジョン・ウー監督のスタイルでもあったようですが、後に続いていくこのシリーズの基本的スタイルにもなっていきます。

映画館の観客を喜ばせるには、理屈よりも、まずは目を見張るアクションありきというわけです。

そしてそれを、自分が吹き替えなしで演じていくぞと宣言しているようなシーンでもありました。

 

ジョン・ウー監督と言えば、個人的には80年代の香港ノワール「男たちの挽歌」シリーズのチョウ・ユンファの顔が自動的に思い浮かんでしまいます。

サム・ペキンパーばりのスローモーションを駆使した華麗な暴力描写。

メキシカン・スタンドオフなどを効果的に取り入れたスタイリッシュな演出。

暴力シーンに平和の象徴である鳩を飛ばすなど、独特の作家性も作品に盛り込んで、アクション映画の新感覚派として名をあげ、ハリウッドに進出してきた人です。

 

シリーズ2作目は、前作に比べ、より「生身の体」を強調したアクション演出になっていました。

これは、スパイ映画の大傑作007シリーズの２作目である「ロシアより愛をこめて」を大いに参考したのではないかという気がしています。

「ロシアより愛をこめて」は007シリーズの中でも最高傑作の誉れ高い作品です。

かなり荒唐無稽感が否めなかった一作目の「ドクター・ノー」を軌道修正して、この２作目はアクション映画の原点ともなるフィジカルが全面に押し出された手堅い演出になっていました。

オリエント急行の中での格闘シーンは、鮮烈に印象が残っています。

現在まで全25作が作られている007シリーズですが、個人的には今でも、この第二作目が一番好きですね。

そんなわけで、スパイ映画の先駆者として、トム・クルーズも、この作品は相当に意識したのではないかと思うわけです。

人間の生身のアクションのインパクトは、派手な爆破シーンやCG合成による特撮にも勝る。

トムクルーズは、あまたある過去のアクション映画を十分に研究した上で、この境地に達しているのだと思われます。

 

生身の体と体が一対一でぶつかりあうラストのビーチ・ファイトを、本作のクライマックスにもってくるあたり、この信念は、本作において見事にビジュアル化されています。

このシーンのために、ジョン・ウー監督が起用されたと言っても過言ではないのかもしれません。

もちろん、ワイヤーアクションで撮影したものを、CG処理で、後からワイヤーを消すという処理はしているでしょう。

しかし、同じ手法のアクション映画でよくあるような、役者がいかにも不自然に飛び上がったり、クローズアップにして空中アクションをカット割りで誤魔化すような子供騙しは、本作には見当たりません。

むしろ、アクションシーンを役者自身が演じていることを強調するように、スローモーションが多用されていました。

対決の中で、トム・クルーズは相手に対して、見事に延髄切りを決めているカットがあるのですが、これも明らかにトム・クルーズ自身が編集なしのワンカット撮影で決めています。

格闘技の試合以外で、生の延髄切りを見たのは、これが初めてでした。

但し、個人的には、それにこだわりすぎて、逆に違和感を持ってしまったようなシーンもありました。

やはりラストのビーチ・ファイトのシーンです。

敵が振り下ろしたナイフの切っ先が、トム・クルーズの眼球から数センチのところで止まるというシーン。

これは、トム・クルーズ自身が提案したシーンだと言います。

撮影は万が一の事故も起きないような、ミリ単位の精密な設定をして行われたと言いますが、もちろんこれも彼は吹き替えなし演じています。

もちろんトムの映画に対する気合はヒシヒシと感じます。

しかしこのシーンは、リアリズムよりもインパクトを優先し過ぎたかもしれません。

 

バイクアクションも本作にはふんだんに盛り込まれています。

スタントマンが吹き変えているシーンかどうか、カット割にはかなり注意を払って見ていましたが、やはりほとんどのシーンは彼が自身が演じているように見えました。

バイクの訓練も半端ではない時間を費やしていたと思われます。

 

肉体派アクション俳優というと、すぐにシルベスター・スタローンや、アーノルド・シュワルツネッガーを思い浮かべてしまいます。

トム・クルーズは、彼らのようなマッチョではありませんが、身体能力で比べれば、間違いなく彼らの遥か上の水準かもしれません。

それは、シリーズではお決まりのように描かれる、彼の全力疾走シーンを見れば一目瞭然。

どれだけ、CG技術が向上しようとも、これは誤魔化せるものではありません。

 

さて、本作を語るにあたっては、スパイ映画において、主人公は、相方となる女性と恋愛関係になるべきか問題を無視出来ません。

イーサン・ハントは、IMFの指令通りに、今回敵方にまわる元IMF諜報員の昔の恋人であるナイア・ホールに接近します。

演じるのは、タンディ・ニュートン。

イギリス人の父親とジンバブエのショナ族出身の母親のハーフです。

イーサンは、本業が泥棒であるナイアに接近し、危機一髪のところで彼女を守り二人は急接近。

アクション映画の鉄板の法則として、生死を共にした後で、二人は恋に落ちるというわけです。

心理学における「吊り橋効果」ですね。

これは、それなりに説得力があるので、アクション映画における、恋愛のプロットにおいてはしばしば見られる展開です。

しかし、スパイ映画となると、この法則はやや怪しくなります。

ジェームズ・ボンドにしても、ナポレオン・ソロにしても、マット・ヘルムにしても、この効果により、美女に惚れられることはあっても、自分は決して惚れないわけです。

スパイ映画やドラマの全盛期は、1960年代だったと思いますが、僕の知る限り主人公たちはもみんなこの暗黙のルールを守っていたと思います。

そして、観客側は、このクールさに勝手に痺れていました。「カッケー!」というわけです。

 

もちろん、この暗黙のルールを作ったのは、スパイ映画の元祖とも言える007シリーズでしょう。

第6作目の「女王陛下の007」のラストで、ジェームズ・ボンドが、ボンドガールと恋に落ち結婚をするという例もあるのですが、正直これにはかなり違和感がありました。

初期のスパイ映画のヒーローは、けっして女性に優しくありませんでした。

ジェームズ・ボンドは、女性に平手打ちをしたり、投げ飛ばしたり、女性を盾にして敵の銃撃をかわしたりしていました。

今なら、完全にNGですね。

女性にヤニ下がるスパイは、カッコよくない。イケてない。

いわんや、恋に落ちるスパイなど言語道断。

60年代のスパイ映画を浴びるように見てきた僕ら世代には、明らかにこの法則が刷り込まれているようです。

 

本作において、イーサン・ハントは、明らかにナイア・ホールに対して恋愛感情を抱き、ベッドも共にしています。

そして、その彼女を囮として、元恋人の元へ潜入させることに苦悩します。

このナイアに対する恋愛感情がベースになっているからこそ、ラストの怒涛のアクション・シーンにそれなりの説得力が与えられているのは間違いのないところ。

このあたりのエモーショナルなテイストは、もちろんオリジナルの「スパイ大作戦」には有りません。

オリジナル・ドラマのメンバーたちは、恋愛を演じることはあっても、自身が恋に落ちることはありませんでした。

スパイたるもの、一時的な感情に溺れてはいけない。

少なくとも60年代のスパイたちは、みんなクールでした。

 

しかし、今日の映画で描かれるスパイは、それではシンパシーが得られないということなのでしょう。

トム・クルーズ演じるイーサン・ハントは、過去のスパイたちとは、明らかに一味もふた味も違いました。

諜報員も、当たり前に恋愛をし、そして愛する者のためには命をかけるわけです。

結果、本作は、記録的には前作を上回る興行成績を上げているのですから、文句は言いません。

 

映画は、2000年に公開されていますが、この映画を支持した多くの観客は、すでにオリジナル・ドラマを知らない世代かもしれません。

彼がもし、ピーター・グレイブスが演じた冷静沈着で頭脳明晰なジム・フェルプスのキャラをそのまま演じたらどうなるか。

個人的見解としては、ジム・フェルプスを演じるには、トム・クルーズはまだ若すぎます。

この時すでに38歳になっているとはいえ、まだまだ現役バリバリ感のある溌剌としたトム・クルーズが、ジム・フェルプスを演じるのではいかにももったいない。

普通に考えて、トム・クルーズの役者としての魅力は半分も活かせないでしょう。

ジム・フェルプスは、間違っても休暇中にロッククライミングはしないでしょうし、バイクを乗り回して片手で拳銃をぶっ放したりしません。

もちろん、恋愛もしません。

やはり、本シリーズは、旧作のテイストも十分に活かした上で、トム・クルーズが上書きしたアクション映画としての魅力が加わって成功していると考えるべきでしょう。

 

スパイ映画のヒーローは、恋愛をするべきか、しないべきか。

とはいっても、僕のような頭が硬いクラシック映画ファンは、60年代スパイ映画にはコテコテに影響されているので、正直このあたりは少々悩ましいところ。

単発のスパイ映画であれば、その要素はある程度あってもいいのかもしれません。

しかし、シリーズ物ということになれば、登場する美しい女性キャラに、毎回恋愛するヒーローというのも、如何なものかという気はします。

寅さんのように、毎回登場するマドンナたちに、失恋してしまうという展開であれば、観客の支持はそれなりに得られそうですが、それが毎回ラブラブになったとしたら、はたしてシリーズが成り立つか。

恋多きスパイでは、いい仕事はできそうもありませんし、観客のシンパシーが得られそうもありませんね。

仕事仲間として、前回に引き続き登場し、以後不動のチームメンバーとなる天才ハッカーのルーサーは、イーサンにこう言いますね。

 

「この仕事をしていると、女と付き合うのは難しい。」

 

あるべきスパイ映画のヒーロー像は、やはり時代と共に変わっていくのでしょう。

 

ところで、ルパン三世と峰不二子のキスシーンて、ありましたっけ?

 

 

 

 

 

 

 

映画「関心領域」2024年アメリカ

ホロコーストを描いた作品は多くありますが、こんな視点もあったのだと感心しました。

映画『関心領域（The Zone of Interest）』は、ジョナサン・グレイザー監督がマーティン・エイミスの同名小説を原作に手掛けた、残虐シーンや戦闘シーンが一切登場しない静粛なる戦争映画です。

本作は、アウシュヴィッツ強制収容所と壁一枚隔てた隣に住む所長ルドルフ・ヘスとその家族の「理想的な日常」を淡々と映し出すだけの映像のみで、観客が凍り付くような強烈なメッセージを投げかけます。

冒頭の音楽は、漆黒の画面に流れる、不協和音の塊が押し寄せてくるようなサウンドのみ。

そのあとは、ルドルフ一家の淡々とした日常が描かれていきます。

しかし、観客はその壁の向こうから聞こえてくる音の意味を理解してくると、次第に背筋が凍って来るという仕掛けになっており、このアイデアが実に秀逸。

本作の主役は、この音響効果そのものと言っても過言ではないでしょう。

本作は、第76回カンヌ国際映画祭でグランプリを、第96回アカデミー賞で国際長編映画賞と音響賞を受賞しています。

ちなみに、ルドルフ・ヘスというナチ党の副総統だった人物がいますが、本作に登場するヘスは、同姓同名の別人です。

物語の舞台は1943年、アウシュヴィッツ強制収容所のまさに隣に建てられたヘス一家の美しい邸宅です。

ルドルフ・ヘス（クリスティアン・フリーデル）と妻ヘドウィグ（ザンドラ・ヒュラー）、そして5人の子どもたちは、手入れの行き届いた広大な庭でピクニックをしたり、温室で花を育てたり、夏にはプールや川で泳いだりするなど、絵に描いたような牧歌的な生活を送っています。

家の中は広々としており、収容所から没収された高級品で満たされ、ヘドウィグは「ここで生き、ここで死にたい」と語るほど、この「楽園」を満喫しています。

ユダヤ人から没収した毛皮のコートを身に着け、鏡の前でポーズをとるヘドウィク。

そして、そのポケットから出来た口紅を自分の唇に塗る彼女は、この持ち主が、誰であるかを知っています。

自分の中にある罪悪感を意識的に無視することでしか、この幸福は享受できないことを、彼女は本能的に知っているわけです。

映画は収容所の惨劇を直接的に映し出すことは一切しません。

その代わりに、壁の向こうから聞こえてくる絶え間ない銃声、叫び声、焼却炉の燃える音、列車の汽笛、そして煙突から常に立ち上る黒煙といった「見えない残酷さ」と「聞こえる残酷さ」を観客に突きつけます。

ヘス一家は、終始一貫、これらの恐ろしい現実をまるで存在しないかのように振る舞い、あるいは意図的に無関心を装います。

しかし、壁一枚向こうで繰り広げられている想像を絶する殺戮は、徐々に一家の日常に、暗い影を落としていくことに。

本作の最大の特徴は、加害者側の「普通の生活」を徹底した客観性で描き出すこと。

これにより、ホロコーストの非人間性と、日常の中に潜む暴力や無関心を浮き彫りにする点にあります。

まず、その撮影法で気がつくことは、徹底した固定カメラによる客観的な視点にこだわった点。

グレイザー監督は、邸宅内に設置したカメラには、スタッフを配置せず全て遠隔操作で行いました。

これにより、我々の目を、常時一家を観察している傍観者の目線にすることに成功しています。

クローズアップや、パンやティルトといったカメラの動きも一切なし。

美化も悪魔化もせず、登場人物たちをフラットに映し出すことで、観客は「この普通の家族の異常性」を自ら見出し、その意味を能動的に問い直すことを求められます。

ヘスが子どもたちと川で遊泳中に人骨を発見し、慌てて子どもたちを家に戻し、念入りに体を洗わせるシーンは、日常と凶悪な現実が避けがたく交錯する瞬間。

この行為は、単なる衛生上の理由だけでなく、自分の子どもたちが「自分が指揮する大量虐殺の痕跡」に触れてしまったことへの動揺、そして加害の現実が家庭の日常に侵入してきたことへの拒絶感と切り離したい願望を象徴しています。

しかし、どれほど切り離そうとしても、その「汚れ」は簡単には消せないことも示唆しています。

ヘドウィヒの母親がヘス邸を訪れます。

彼女は、あの塀の向こうに、自分がかつて家政婦として働いていたユダヤ人一家が送られていることを娘にさりげなく告げます。

しかし、これに対して、なんのリアクションもしないヘドウィヒ。

壁の向こうで何が行われているかは、彼女にとって「関心領域」外の出来事としてシャットアウトされているわけです。

しかし、母親には彼女たち一家の暗黙のルールが理解しきれていません。

母親が深夜、収容所の煙突から上がる煙を不安そうに見つめ、やがて置き手紙を残して去っていく描写も実に印象的。

彼女の突然の行動は、この異常な環境に対する彼女自身の生理的な拒絶反応であり、「良心の呵責」というよりは、その場に身を置き続けることへの精神的なストレスが限界であることを示していたように思えます。

一方、ヘドウィヒが彼女の残したメモを燃やす行為にもドキリとさせられます。

それは不都合な現実を意識的に排除し、自らの「幸福な日常」を守ろうとする無関心の象徴であり、真実から目を背ける構造を意味しています。

具体的な恐怖シーンは何一つ出てこないのに、自分がいつしか、人間の一番醜い部分を炙り出しているホラー映画を見せられている気にさせられます。

本作を見ながら、脳裏によぎったていたのは、ハンナ・アレントが著した『イェルサレムのアイヒマン　悪の陳腐さについての報告』でした。

ハンナ・アレントがこの著書で提示したのは「悪の凡庸性」という概念。

彼女は、この概念を同著にて、より深い次元で考察しています。

アレントはアイヒマン裁判を通じて、サディスティックな悪意ではなく、「思考停止」と「職務遂行」に没頭する「凡庸な」人間が、いかに巨大な悪を為し得るかを示しました。

『関心領域』のヘス一家は、この「悪の凡庸性」を、アイヒマンとは別の側面から描いているわけです。

彼らの「幸福」な日常は、隣で起こっている地獄への「徹底的な無関心」という絶対的な前提の上に成り立ってるのは前記した通り。

この無関心は、単なる「知らない」や「気づかない」ではなく、能動的に「知ろうとしない」「見ない」「考えない」という選択の連続であることが肝です。

似ていても、両者には決定的な違いがあります。

ヘドウィヒが収容所から没収された物品を「借用」し、囚人たちを家事や庭仕事に使役しながら、自身の「理想の庭」の美しさにこだわる姿は、まさにアレントの言う「凡庸さ」を体現しています。

彼女にとってそれは「悪」ではなく、「効率的な家事」や「美しい庭づくり」という日常の延長線上にある行為に過ぎません。

映画は、この「思考しないこと」だけでなく、「見ることを拒否する」こと、そして「無関心であること」が、いかに能動的な加害となり得るかを静かに、しかし圧倒的な迫力で描き出しています。

彼らの「小さな幸福」は、隣人の犠牲の上に成り立つ、極めて脆弱で非道徳的な幻想なのだということ。

この映画がどう着地するのかを謀りかねながら見ていたら、グレイザー監督はとんでもないラストを用意していました。

本作のラストでは、時代が突然ジャンプして、現代のアウシュヴィッツ・ビルケナウ博物館に場面が転換し、スタッフが展示物（犠牲者の靴や衣類など）を淡々と清掃する光景になります。

これを説明するようなセリフは一切ありません。

解釈の一切は、鑑賞者に委ねるというわけです。

そこでやや深掘りを。

この「日常的な清掃」は、かつてヘス一家が送っていた「普通の暮らし」とも重なります。

「過去の悲劇や暴力は、現代においても“日常の一部”として風化し、無関心の中に埋もれてしまう危険性がある」という強烈な警告を観客に突きつけているようにも見えます。

掃除機の音は、かつて聞こえていた収容所の銃声や叫び声と対比され、現代の「日常の音」に過去の記憶がかき消されていく恐ろしさを象徴しているともとらえられます。

このシーンは、「ホロコーストの記憶は終わったことではなく、今も私たちの日常のすぐ隣にある」という現実を見るもに突きつけることになります。

そして、映画のラストでヘスが突然嘔吐するシーンは、何を意味しているのか。

これは、そうとは意識しなくとも、彼の内面に潜む「罪悪感」や「無意識の拒絶反応」を象徴しているように見えます。

これは、「どれほど無関心を装っても、完全な無感覚でいることは不可能であり、人間の本能が最後に拒絶反応を示す」という、本作の核心的なメッセージを体現しているシーンかもしれません。

ホロコーストを批判する人は多いでしょう。しかし気がつけば、いつかそんな我々も、無関心な傍観者になっていやしないか?

自らの「関心領域」の外にある現実に対して、能動的に無関心でいることが、巡り巡ってどういう事態を招くことになるのか。

無関係を装いながら、知らず知らずのうちに悪の共犯者となっている現実に対して、それでも自分には関係ないことだと見て見ぬふりをするのか。

本編とはなんの脈絡もなく、一人の少女がアウシュビッツの囚人たちの作業現場に侵入し、りんご(らしきもの)を、囚人たちにわかるように置いていくシーンが、サーモグラフィ風の印象的なモノクロ映像で、象徴的に描かれていました。

熱感知カメラによる映像は、彼女の「人間性」や「温もり」を象徴しているようにも見え、本作において、ホロコーストに対して人道的な関心を持った唯一の存在として強調されています。

その彼女が、囚人が残したと思われる楽譜の旋律を、ピアノの前に座って指一本で奏でます。

これは本編の中で、唯一音楽が流れるシーン。

サーモグラフィ風の映像から、彼女の表情は読み取れません。

彼女の行動を支えているのは、なんの理屈もない純粋な善意のみ。

明らかに、少女のシーンは、ヘス一家たちとはネガポジの反対称になっているように見えます。

ルドルフ・ヘス一家の無関心で塗り固められた偽りの幸福の下では、息も絶え絶えな良心が悲鳴を上げているのかもしれません。

映画「関心領域」2024年アメリカ

 

 

ホロコーストを描いた作品は多くありますが、こんな視点もあったのだと感心しました。

 

映画『関心領域（The Zone of Interest）』は、ジョナサン・グレイザー監督がマーティン・エイミスの同名小説を原作に手掛けた、残虐シーンや戦闘シーンが一切登場しない静粛なる戦争映画です。

本作は、アウシュヴィッツ強制収容所と壁一枚隔てた隣に住む所長ルドルフ・ヘスとその家族の「理想的な日常」を淡々と映し出すだけの映像のみで、観客が凍り付くような強烈なメッセージを投げかけます。

冒頭の音楽は、漆黒の画面に流れる、不協和音の塊が押し寄せてくるようなサウンドのみ。

そのあとは、ルドルフ一家の淡々とした日常が描かれていきます。

しかし、観客はその壁の向こうから聞こえてくる音の意味を理解してくると、次第に背筋が凍って来るという仕掛けになっており、このアイデアが実に秀逸。

本作の主役は、この音響効果そのものと言っても過言ではないでしょう。

本作は、第76回カンヌ国際映画祭でグランプリを、第96回アカデミー賞で国際長編映画賞と音響賞を受賞しています。

ちなみに、ルドルフ・ヘスというナチ党の副総統だった人物がいますが、本作に登場するヘスは、同姓同名の別人です。

 

物語の舞台は1943年、アウシュヴィッツ強制収容所のまさに隣に建てられたヘス一家の美しい邸宅です。

ルドルフ・ヘス（クリスティアン・フリーデル）と妻ヘドウィグ（ザンドラ・ヒュラー）、そして5人の子どもたちは、手入れの行き届いた広大な庭でピクニックをしたり、温室で花を育てたり、夏にはプールや川で泳いだりするなど、絵に描いたような牧歌的な生活を送っています。

家の中は広々としており、収容所から没収された高級品で満たされ、ヘドウィグは「ここで生き、ここで死にたい」と語るほど、この「楽園」を満喫しています。

ユダヤ人から没収した毛皮のコートを身に着け、鏡の前でポーズをとるヘドウィク。

そして、そのポケットから出来た口紅を自分の唇に塗る彼女は、この持ち主が、誰であるかを知っています。

自分の中にある罪悪感を意識的に無視することでしか、この幸福は享受できないことを、彼女は本能的に知っているわけです。

 

映画は収容所の惨劇を直接的に映し出すことは一切しません。

その代わりに、壁の向こうから聞こえてくる絶え間ない銃声、叫び声、焼却炉の燃える音、列車の汽笛、そして煙突から常に立ち上る黒煙といった「見えない残酷さ」と「聞こえる残酷さ」を観客に突きつけます。

ヘス一家は、終始一貫、これらの恐ろしい現実をまるで存在しないかのように振る舞い、あるいは意図的に無関心を装います。

しかし、壁一枚向こうで繰り広げられている想像を絶する殺戮は、徐々に一家の日常に、暗い影を落としていくことに。

 

本作の最大の特徴は、加害者側の「普通の生活」を徹底した客観性で描き出すこと。

これにより、ホロコーストの非人間性と、日常の中に潜む暴力や無関心を浮き彫りにする点にあります。

 

まず、その撮影法で気がつくことは、徹底した固定カメラによる客観的な視点にこだわった点。

グレイザー監督は、邸宅内に設置したカメラには、スタッフを配置せず全て遠隔操作で行いました。

これにより、我々の目を、常時一家を観察している傍観者の目線にすることに成功しています。

クローズアップや、パンやティルトといったカメラの動きも一切なし。

美化も悪魔化もせず、登場人物たちをフラットに映し出すことで、観客は「この普通の家族の異常性」を自ら見出し、その意味を能動的に問い直すことを求められます。

 

ヘスが子どもたちと川で遊泳中に人骨を発見し、慌てて子どもたちを家に戻し、念入りに体を洗わせるシーンは、日常と凶悪な現実が避けがたく交錯する瞬間。

この行為は、単なる衛生上の理由だけでなく、自分の子どもたちが「自分が指揮する大量虐殺の痕跡」に触れてしまったことへの動揺、そして加害の現実が家庭の日常に侵入してきたことへの拒絶感と切り離したい願望を象徴しています。

しかし、どれほど切り離そうとしても、その「汚れ」は簡単には消せないことも示唆しています。

 

ヘドウィヒの母親がヘス邸を訪れます。

彼女は、あの塀の向こうに、自分がかつて家政婦として働いていたユダヤ人一家が送られていることを娘にさりげなく告げます。

しかし、これに対して、なんのリアクションもしないヘドウィヒ。

壁の向こうで何が行われているかは、彼女にとって「関心領域」外の出来事としてシャットアウトされているわけです。

しかし、母親には彼女たち一家の暗黙のルールが理解しきれていません。

母親が深夜、収容所の煙突から上がる煙を不安そうに見つめ、やがて置き手紙を残して去っていく描写も実に印象的。

彼女の突然の行動は、この異常な環境に対する彼女自身の生理的な拒絶反応であり、「良心の呵責」というよりは、その場に身を置き続けることへの精神的なストレスが限界であることを示していたように思えます。

一方、ヘドウィヒが彼女の残したメモを燃やす行為にもドキリとさせられます。

それは不都合な現実を意識的に排除し、自らの「幸福な日常」を守ろうとする無関心の象徴であり、真実から目を背ける構造を意味しています。

具体的な恐怖シーンは何一つ出てこないのに、自分がいつしか、人間の一番醜い部分を炙り出しているホラー映画を見せられている気にさせられます。

 

本作を見ながら、脳裏によぎったていたのは、ハンナ・アレントが著した『イェルサレムのアイヒマン　悪の陳腐さについての報告』でした。

ハンナ・アレントがこの著書で提示したのは「悪の凡庸性」という概念。

彼女は、この概念を同著にて、より深い次元で考察しています。

アレントはアイヒマン裁判を通じて、サディスティックな悪意ではなく、「思考停止」と「職務遂行」に没頭する「凡庸な」人間が、いかに巨大な悪を為し得るかを示しました。

『関心領域』のヘス一家は、この「悪の凡庸性」を、アイヒマンとは別の側面から描いているわけです。

彼らの「幸福」な日常は、隣で起こっている地獄への「徹底的な無関心」という絶対的な前提の上に成り立ってるのは前記した通り。

この無関心は、単なる「知らない」や「気づかない」ではなく、能動的に「知ろうとしない」「見ない」「考えない」という選択の連続であることが肝です。

似ていても、両者には決定的な違いがあります。

 

ヘドウィヒが収容所から没収された物品を「借用」し、囚人たちを家事や庭仕事に使役しながら、自身の「理想の庭」の美しさにこだわる姿は、まさにアレントの言う「凡庸さ」を体現しています。

彼女にとってそれは「悪」ではなく、「効率的な家事」や「美しい庭づくり」という日常の延長線上にある行為に過ぎません。

映画は、この「思考しないこと」だけでなく、「見ることを拒否する」こと、そして「無関心であること」が、いかに能動的な加害となり得るかを静かに、しかし圧倒的な迫力で描き出しています。

彼らの「小さな幸福」は、隣人の犠牲の上に成り立つ、極めて脆弱で非道徳的な幻想なのだということ。

 

この映画がどう着地するのかを謀りかねながら見ていたら、グレイザー監督はとんでもないラストを用意していました。

本作のラストでは、時代が突然ジャンプして、現代のアウシュヴィッツ・ビルケナウ博物館に場面が転換し、スタッフが展示物（犠牲者の靴や衣類など）を淡々と清掃する光景になります。

これを説明するようなセリフは一切ありません。

解釈の一切は、鑑賞者に委ねるというわけです。

 

そこでやや深掘りを。

 

この「日常的な清掃」は、かつてヘス一家が送っていた「普通の暮らし」とも重なります。

「過去の悲劇や暴力は、現代においても“日常の一部”として風化し、無関心の中に埋もれてしまう危険性がある」という強烈な警告を観客に突きつけているようにも見えます。

掃除機の音は、かつて聞こえていた収容所の銃声や叫び声と対比され、現代の「日常の音」に過去の記憶がかき消されていく恐ろしさを象徴しているともとらえられます。

このシーンは、「ホロコーストの記憶は終わったことではなく、今も私たちの日常のすぐ隣にある」という現実を見るもに突きつけることになります。

 

そして、映画のラストでヘスが突然嘔吐するシーンは、何を意味しているのか。

これは、そうとは意識しなくとも、彼の内面に潜む「罪悪感」や「無意識の拒絶反応」を象徴しているように見えます。

これは、「どれほど無関心を装っても、完全な無感覚でいることは不可能であり、人間の本能が最後に拒絶反応を示す」という、本作の核心的なメッセージを体現しているシーンかもしれません。

ホロコーストを批判する人は多いでしょう。しかし気がつけば、いつかそんな我々も、無関心な傍観者になっていやしないか?

 

自らの「関心領域」の外にある現実に対して、能動的に無関心でいることが、巡り巡ってどういう事態を招くことになるのか。

無関係を装いながら、知らず知らずのうちに悪の共犯者となっている現実に対して、それでも自分には関係ないことだと見て見ぬふりをするのか。

 

本編とはなんの脈絡もなく、一人の少女がアウシュビッツの囚人たちの作業現場に侵入し、りんご(らしきもの)を、囚人たちにわかるように置いていくシーンが、サーモグラフィ風の印象的なモノクロ映像で、象徴的に描かれていました。

熱感知カメラによる映像は、彼女の「人間性」や「温もり」を象徴しているようにも見え、本作において、ホロコーストに対して人道的な関心を持った唯一の存在として強調されています。

その彼女が、囚人が残したと思われる楽譜の旋律を、ピアノの前に座って指一本で奏でます。

これは本編の中で、唯一音楽が流れるシーン。

サーモグラフィ風の映像から、彼女の表情は読み取れません。

彼女の行動を支えているのは、なんの理屈もない純粋な善意のみ。

明らかに、少女のシーンは、ヘス一家たちとはネガポジの反対称になっているように見えます。

 

ルドルフ・ヘス一家の無関心で塗り固められた偽りの幸福の下では、息も絶え絶えな良心が悲鳴を上げているのかもしれません。

 

 

 

映画「正体」2024年松竹

 

 

本作は、染井為人による同名ベストセラー小説を原作とし、藤井道人監督がメガホンを取った2024年公開のサスペンス映画。

主演は横浜流星で、他にも吉岡里帆、森本慎太郎、山田杏奈、山田孝之といった豪華キャストが集結しています。

NETFLIX で鑑賞可能。

 

あらすじです。

 

日本中を震撼させた凶悪な殺人事件の容疑者として逮捕され、死刑判決を受けた主人公・鏑木慶一（横浜流星）。

彼は脱走し、343日間にわたって潜伏・逃走を続けます。

彼はなぜ、収監されていた刑務所から脱獄したのか。

映画は、この動機をかなりラスト近くまで引っ張るのですが、普通に考えればこれは誰にでも判ってしまいそうです。

どうやら、鏑木はこの殺人事件の犯人ではなさそうだ。

いや待て。そんなことは・・・。

これはどこかで、ひっくり返るかなと思って見ていたのですが、結局主人公は無罪でした。

まずはネタバレご容赦。冒頭の予想通りの結末になりますので、その辺はご勘弁を。

つまり、本作のメインテーマは、謎解きミステリーではなく、冤罪そのものということです。

ミステリー映画から、鑑賞モードを犯罪ヒューマンドラマに切り替える必要がありました。

 

 

鏑木は逃亡先で出会う人々ごとに“まったく別人”のような姿を見せ、5つの顔を使い分けながら日本各地を転々とします。

チラリと頭をよぎるのは、今村正平監督の「復讐するは我にあり」。

こちらは悪事の限りを尽くして逃亡する連続殺人犯の物語でした。

見るものの感情移入を拒否する、徹頭徹尾ドライな演出が冴えわたった演出でした。

別人に成りすまして逃亡する全国指名手配犯というと、地下鉄サリン事件で日本を震撼させたオウム真理教の幹部たちもチラリと脳裏をよぎります。

リサーチしてみると、すべての指名手配犯は現在ではすべて逮捕され刑も執行されているそうです。

これを題材にした映画もあったようですが、それは見ていません。

海の向こうでは、1963年から放映された「逃亡者」という人気テレビドラマがありました。

主演はデビッド・ジャンセン。

妻殺しの罪を着せられた主人公が、逃亡しながら、行く先々でいろいろな人と絡んでいくという展開は、本作に似ています。

1993年には、ハリソン・フォード主演で映画化もされています。

 

本作で、逃亡犯・鏑木を追う刑事・又貫征吾を演じるのは山田孝之。

又貫は、鏑木と接触した沙耶香（吉岡里帆）、和也（森本慎太郎）、舞（山田杏奈）らから事情聴取を行いますが、鏑木と接触した彼らは、揃って鏑木がこの殺人事件の犯人ではないことを信じるようになっていきます。

このあたりから、ラストの展開は予想できてしまうのですが、それをひっくり返すような「どんでん返し」ミステリー展開は残念ながらなし。

それがあるなら、もちろんミステリー映画のネタバレご法度のルールを遵守するつもりでいましたが、最後は関係者全員を法廷に揃えて、彼の冤罪が晴らされるというドラマチックな展開でしたので、その必要はなしと判断。

映画は、この感動シーンがクライマックスですから、お楽しみあれ。

 

ちなみに、原作小説では、鏑木は警察に射殺されてしまいます。

そして、その後の関係者の再審請求により、法廷で無罪を勝ち取るという展開。

しかし、映画の方は、撃たれはしますが、一命はとりとめ裁判に出廷するというように脚色されています。

そして鏑木が法廷で、無罪を言い渡されるという感動のシーンをクライマックスということになります。

その方が、クライマックスのカタルシスがあるという判断でしょう。

但し、これにより、本作はミステリー映画というよりは、犯罪ヒューマン・ドラマになってしまったことは否めません。

ミステリー・ファンとしては、原作版のラストを見たかった気もします。

 

小説は内面描写や多視点構成が可能なため、鏑木の逃亡劇を淡々と、また彼と関わる人々の視点を通して多面的に描いています。

物語の時間軸も自在に行き来し、逃亡生活の細部や心理描写、社会の理不尽さをじっくりと掘り下げることができま

す。

しかし、映画は限られた上映時間内でストーリーをまとめる必要があり、テンポの良い展開や視覚的なスリル、主役の存在感が重視されます。

そのため、時系列を整理し、警察側の視点やアクション性を強調したり、逃亡劇の緊迫感を前面に押し出す演出が取られてるのはやむを得ないところ。

 

原作の主題である「冤罪の理不尽さ」や「社会の闇」を強調したいのなら、鏑木が逃亡の末に命を落とすという悲劇的な結末を描いた方が、テーマ性は強調されたかもしれません。

しかし、エンタメ映画は観客のカタルシスや希望的エンディングを重視するもの。

大衆的な娯楽作品であることと、観客の感情移入・満足度を考慮するなら、こういう結末ということでしょう。

 

小説と映画の決定的違いは視点そのものにあります。

小説は、鏑木と関わる複数の人物視点で進行し、彼の「正体」を他者の目を通して浮かび上がらせます。

それゆえに、タイトルの「正体」が効いてくるわけです。

しかし、映画では、完全に主役（鏑木）に焦点を絞り、彼の行動や心理、警察との対決を中心に据えることで、観客を物語世界に強く引き込むという脚色をしています。

映画をエモーショナルにするために、あえて、「正体」を暴くというミステリー要素は捨てたということかもしれません。ミステリー・ファンとしてはやや残念ですが、エモーショナルなラストになったことは事実です。

 

小説と映画で鏑木の逃走劇に違いが生まれた理由は、メディアごとの表現手法や制約、観客への訴求ポイント、物語の主題や結末へのアプローチの違いにあるのは明白。

映画版の結末は、原作読者が「こうであってほしかった」と願うような「救い」を加えるようにあえて脚色されています。

これが「よくぞ意を汲んだり」であったか「余計なお世話」だったかは、見る人によって意見は違うかもしれません。

 

また、映画では、警察側の又貫刑事が内部告発し、組織の過ちを正そうとする姿も描かれています。

これも映画のオリジナル。

これは「警察も内部から変われる可能性がある」という希望を示すための映画オリジナルの展開であり、社会全体へのメッセージ性を高めています。

 

最近の冤罪事件といえば、1966年に発生した袴田事件が、2024年に、証拠捏造と違法捜査により無罪確定。

2020年に発生した大河原化工機事件の冤罪も確定。警視庁公安部の違法捜査が認定されています。

我が国の司法に、冤罪を生みやすい構造的欠陥枷あることは、次第に白日の下に曝け出されてきているのが現状であること国際的にも認知されつつある我が国の恥部。

 

冤罪はどうして生まれてしまうのか。そして、その犯人は誰なのか。

その「正体」を暴き出すことを映画のメッセージにしたいのなら、もう少し違う脚本があるような気はします。

 

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昭和43年9月18日甲子園球場

この年、僕は小学校三年生でした。

この頃の多くの少年がそうであったように、僕も「巨人・大鵬・卵焼き」ド真ん中世代。

その日も、僕はいつものようにテレビにかじりついて、プロ野球中継を見ていました。

生中継が伝えていたのは、伝統の巨人-阪神22回戦。

ペナントレースの天王山ともいえる試合で、ブラウン管からもその熱気は伝わってきました。

場所は、甲子園球場。ダブルヘッターの2試合目です。

 

記録を見てみると、1968年のセ・リーグは、巨人と阪神が激しい優勝争いを繰り広げていました。

8月初旬には巨人が最大9ゲーム差をつけて首位を独走していましたが、阪神は「村山実・江夏豊・バッキー」の三本柱の活躍で8月に19勝2敗という驚異の快進撃を見せ、9月中旬には、首位巨人までゲーム差2まで肉薄。

9月17日から甲子園球場で「阪神VS巨人」の天王山4連戦が始まり、両チームともこの直接対決には、並々ならぬ決意をもって臨んでいました。

 

第1試合は阪神・村山実、巨人・堀内恒夫の投げ合い。0-0で迎えた9回裏、阪神の辻佳紀が堀内からサヨナラ2ランを放ち、阪神が2-0で勝利。

これで阪神は2試合連続サヨナラ勝ち、巨人とゲーム差0（勝率差で僅かに巨人が首位）となります。

阪神は、地元甲子園球場でのホーム試合とあって、イケイケムードが爆発。

そんな異様な盛り上がりの中で、事件は起こります。

 

第2試合は阪神・バッキー、巨人・金田正一の先発で始まりました。

しかしこの試合、阪神は序盤から守備のミスも絡んで失点を重ね、4回表には既に0-5と劣勢。

事件はこの4回表2死2塁、打席に王貞治を迎えた場面で起こりました。

バッキーは王に対し、1球目は顔面すれすれ、2球目も膝元への危険球（ビーンボール）を投じました。

王は怒ってバットを持ったままマウンドに歩み寄り、「危ないじゃないか！」と抗議。

バッキーも言い返し、甲子園球場に一触即発の空気が広がります。

すると、この時、巨人ベンチから荒川博打撃コーチが飛び出し、バッキーに向かって突進。

すかさず阪神ベンチも反応します。

たちまち、マウンド付近では、両軍入り乱れての大乱闘に発展し、甲子園球場は一時騒然となります。

当時の写真を見ると、荒川コーチがバッキーの足を蹴り上げ、バッキーも荒川コーチの顔面を殴打。

両軍選手も加わって、ダイヤモンド内は収拾がつかない騒ぎになりました。

この乱闘により、最終的に、バッキーと荒川コーチが退場処分。

阪神ベンチは「乱闘の原因を作った王も退場させろ！」と猛抗議。観客席からは空き缶やビール瓶がグラウンドに投げ込まれるなど、甲子園球場は異様な雰囲気に包まれました。

しかし、王はそのままバッターボックスへ。

 

バッキーに代わって登板したのは阪神・権藤正利でした。

しかし、権藤の王に対する5球目は、右側頭部を直撃するデッド・ボールに。

ブラウン管を見つめながら、子供心に嫌な気分になったのを覚えています。

王はそのまま担架で運ばれて退場。

これをきっかけに再びベンチが飛び出し、グラウンド内は再び険悪なムードに。

ペナントレースの行方を占う意味でも、ともに譲れない伝統の巨人-阪神22回戦は、異様な空気に支配されます。

 

そして、この場面でバッターボックスに立ったのが4番長嶋茂雄。

長嶋は、乱闘には加わっていませんでしたが、その闘志は胸の中で燃えていました。

そして、権藤の投げた球を思い切り振りぬいた長嶋の打球はそのままスタンドへ。

「王の仇討ち」といわんばかりの長嶋の一打は、3ランホームランとなり、この試合を決定づけます。

3塁ベースを回った長嶋は、ここで、両手を天に突き上げてガッツポーズ。

この場面は、今でも鮮烈にこの両目に焼き付いています。

こんなドラマチックなシーンは、漫画にもアニメにもありませんでした。

 

長嶋は、この試合で、さらに8回にもダメ押しの2ランを放って、阪神に引導を渡します。

試合は結局巨人が10-2で阪神を圧倒し、首位の座を死守。

バッキーは乱闘で荒川コーチを殴った際に右手親指を骨折し、残りシーズンを棒に振ることになります。

通算100勝の助っ人はこれが阪神での最後の登板となりました。

阪神はエース級の先発を失い、以降の戦いでは完全に失速。

最終的に昭和43年のペナントレースは、巨人が4年連続のリーグ優勝を決めます。

 

この日の試合の模様は、当時の愛読漫画だった「巨人の星」にも、取り上げられていたので、この日付はしっかりと野球少年の頭にもインプット。

長嶋茂雄ほど、野球ファンの記憶に残る野球選手はいないかもしれません。

しかし、ミスター・ジャイアンツの雄姿は、それから半世紀以上が経った今でも、僕にとってはこの試合での長嶋茂雄の姿に他なりません。

 

2025年6月3日。長嶋茂雄逝去。享年89歳。

心よりご冥福をお祈りいたします。合掌。

 

読書「赤毛のレドメイン家」イーデン・フィルポッツ

「乱歩が選ぶ黄金時代ミステリーBEST10」というシリーズが、集英社文庫から刊行されていて、古典ミステリーファンとしては、これを選書の道標にしています。

全10作はすべて揃えてあり、本作を含め、そのうち5冊まではすでに読了。

あと五作品も楽しめると思うと、結構ニンマリです。

江戸川乱歩が、このランキングを発表したのは1951年のことで、まさにミステリー黄金時最終局の頃ですから、当時としてはまさに旬のランキングだったのでしょう。

本作は、そのランキングで堂々一位でした。江戸川乱歩肝いりの一冊ということになります。

 

作者はイーデン・フィルポッツ。

この人は、1891年に『The End of a Life』で作家デビューし、以降250編を超える著作を残しました。

特にデヴォンシャーのダートムーア地方を舞台にした田園小説で知られ、「ダートムーア小説」と呼ばれる一連の作品群で、人気を博しました。

本作の前半部分は、このダートムーア地方が舞台になっています。

代表作『Widecombe Fair』（1913）は、1916年に戯曲化され、アルフレッド・ヒッチコック監督によって『農夫の妻』（1928）として映画化。初期のヒッチコックは、サスペンス映画以外の作品も撮っていました。

フィルポッツも、ミステリー以外の作品も多く執筆していました。

ミステリー・ファンとして、フィルポッツの名前を記憶にとどめていたのは、若き日のアガサ・クリスティの隣人であったこと。クリスティの創作活動初期に、彼が彼女に助言を与えたことが、クリスティの自伝にも記されています。

 

『赤毛のレドメイン家』（The Red Redmaynes）は、1922年発表の長編推理小説。

1920年代の欧米で隆盛した「本格推理小説黄金時代」初期の代表的な傑作として高く評価されています。

 

ロンドン警視庁の刑事マーク・ブレンドンは、休暇で訪れたダートムーアで美しい赤毛の女性ジェニーに出会い、心を惹かれます。

その直後、ジェニーの夫マイケル・ペンディーンが失踪し、殺人事件が発生。ブレンドンは捜査に乗り出しますが、事件は一族の叔父たちを巻き込み、次々と不可解な殺人の連鎖が始まります。

物語はやがてイタリアのコモ湖畔へと舞台を移し、事件は一年以上にわたって展開。

 

その間、ジェニーの夫マイケルが殺され、彼女の三人の叔父が次々と殺されていきます。

しかし、誰かが殺された形跡はあるものの、被害者の死体は発見されず。

犯人も見つかりません。

いったい誰が殺されたのか。そして、殺したのは誰なのか。

これを謎にしたまま、事件は意外な方向へ。

 

本作の最大の魅力は、単なるパズルとしての謎解きにとどまらず、犯罪者の内面にも深く切り込んでいる点です。

そして、推理小説でありながら、登場人物たちの恋愛や人間関係が事件の展開と有機的に絡み合い、物語に厚みを与えてる点です。

特にブレンドン刑事のジェニーに対する恋愛感情が、捜査の過程に大きな影響を及ぼす展開は、単なる推理劇以上のドラマ性を付与しています。

 

事件の解決に当たる刑事が、事件の関係者に特別な感情を持ってしまったら、はたして、事件の真相を見極める目を曇らせることにならないのか。

ブランドン刑事は確かに優秀です。しかし、ジェニーに恋してしまった彼は、この美女に優しい言葉をかけられれば舞い上がり、イケメンに言い寄られれば嫉妬し、翻弄されまくります。

ミステリーのヒロインに美女の存在は必須ですが、僕の知る限り、シャーロック・ホームズも、エルキュール・ポワロも、明智小五郎も、美女に特別な感情を抱いて、真相を見失うという失態は演じていないはず。

もちろん、名探偵とて人の子、美女に対して、多少の恋心を抱くことはあるにせよ、それは職務は職務として全うしてからの話です。

果たして、この刑事に、この事件を解決することが出来るのか。

 

こちらがそう思い始め後半になって、満を持して登場するのが元ニューヨーク市警の名探偵ピーター・ガンス。

彼は、最後に残ったレドメイン兄弟の一人アルバートの旧知の友です。

彼はアルバートから、事件の状況を詳しく手紙で知らされた上で、友の元に馳せ参じます。

ガンスは、まずブランドン刑事の優秀さを認めたうえでピシャリ。

「事件の解決に私情を持ち込んでいる今の君には、事件の真相には、けっして近づけない。」

最初は否定するブランドンですが、その感情が決定的な失態を招くに至って、事件は解決に向かって、ピリリと締まりだします。

そして、彼が私情を捨て、自分の地位も顧みることなく、この老刑事のために取った捨て身の行動の先に待っていたものは。

 

主人公の探偵役が、ヒロインといい関係になるという展開は、ハードボイルド系のミステリーならよくある展開ですが、これが本格ミステリーというジャンルだと意外と新鮮でした。

本格ミステリーの醍醐味といえば、人間ドラマよりもむしろ謎解きというのが相場。

謎解きを担当する名探偵は、たいていの場合、容疑者たちへの個人的感情はシャットアウト。

先入観や第一印象も排除して、重ねられた事実と証拠だけから真実を導くというのが常道です。

それが、事件の導入部から揺らいでいると、読者の心象も不安定になりがち。

 

ミステリーに、美女のヒロインは不可欠と信じている身として、少々この辺りを深掘りしてみます。

美女との恋に落ちた刑事が、ミステリーにどんな効果を生むか。

 

この展開は、刑事の「真実を追う義務」と「愛する人を守りたい感情」が激しく衝突させます。

そして、この内面の葛藤は物語に強烈なドラマ性と緊張感をもたらします。

一方、読者は「彼女は本当に犯人なのか？」「探偵はどう行動するのか？」という二重のサスペンスに引き込まれることになります。

クールであるべき刑事が恋愛によって判断を誤り、非合理的な行動を取る可能性はいってみればサスペンス。

これにより探偵キャラクターがより人間的で親しみやすくなり、感情移入をする読者もいるでしょう。

読者は刑事の「盲点」を承知の上でストーリーを追え、その弱点がストーリーを動かす原動力となることもあり得るわけです。

探偵の恋愛感情を通じて、読者も無意識にその美女容疑者に対して好意的になることもあるとしたら、これは立派にミスリードの役割を果たしています。

つまり、刑事の恋愛感情が、結果的に、他の容疑者への疑いを強めたり、客観的な推理が妨げられる効果も狙えます。

そして、探偵が魅了されるほどの美女となれば、単なる「容疑者」の枠を超えた深みと魅力を持つ展開は必須。

彼女が「本当に悪女なのか」「無実なのか」「複雑な事情を抱えているのか」という謎は、それだけで読者の興味を強く引くことになるわけです。

 

逆にこんなことも考えられます。

 

名探偵としての鋭い観察力や論理的思考が、恋愛感情によって著しく損なわれるとどうなるか。

あまりに感情的で非合理的な行動が続くと、探偵キャラクターそのものの魅力が損なわれる可能性は大です。

このあたりのバランス感覚はとても重要。

刑事が特定の容疑者（美女）に強く肩入れすることで、推理の過程や結論が公平でない、または作為的に見えてしまうというリスクは避けねばなりません。

客観的な証拠よりも感情が優先された結論にならないよう、最終的な解決には論理的な裏付けを丁寧に構築する必要があり、これはミステリーとしては難易度が上がります。

つまり、ミステリーの核心である「謎解き」と「恋愛ドラマ」の比重バランスは非常に重要。

恋愛要素が強すぎると、本来の謎解きの面白さが薄れ、ラブストーリー寄りになってしまう危険性があります。

逆に恋愛が形骸化すると設定の意味自体が失われます。

 

この設定は、感情と理性の狭間で葛藤する人間ドラマをミステリーの核心に据え、読者に強い感情的没入を促す強力なツールではあります。

特にキャラクターの深みや心理描写を重視する「心理ミステリー」「ハードボイルド」「ロマンティック・サスペンス」といったサブジャンルでなら効果を発揮することは確実。

しかし、本作のような本格謎解きミステリーの中では、謎解きの面白さを凌駕してしまう様な、密度の濃い恋愛ドラマにしてしまっては失敗でしょう。

フィルポッツは、そのあたりの匙加減は心得ていたようです。

 

物語の本筋に恋愛感情をフューチャーしたミステリーの場合、本質を損なわないバランス、客観的な謎解きの論理性・説得力の維持、恋愛要素とミステリー要素の適切な融合という高度な技術が要求されます。

設定の魅力を最大限に活かすには、探偵の内面葛藤の描写と、美女のキャラクター造形に特に力を注ぐ必要があります。

成功すれば、単なる謎解きを超えた、心に残る深い物語を創り上げることができるでしょう。しかし、設定の持つ「制約」を意識せず、安易に用いると、作品の説得力や魅力を大きく損なう危険性も孕んでいるというわけです。

 

本格的謎解きがミステリーの醍醐味であったのが、1920年代から始まるミステリー黄金時代であったでしょう。

それから一世紀が経とうとしている近代ミステリーの時代。

謎解きのアイデアは、ほぼ出尽くして、それでもミステリー作家たちは頭を絞ります。

そして、現代の読者を納得させるためには、謎解きトリックそのものよりも、濃密な人間ドラマの比重を大きくしないと読者を獲得できないという必要性を肌で感じることになります。

確かに、近代ミステリーの傑作は、かなり重厚な人間ドラマがメインになっているものが主流です。

そんな小説に慣れ親しんでしまっている読者が、一世紀以上も前のミステリーに、もしも物足りなさを感じるとしたら、おそらくは恋愛ドラマと謎解きのバランス感覚の違いであるかもしれません。

 

フィルポッツは、確かに黄金期のミステリーを牽引した作家のひとりではあります。

しかし、彼のかつての名声は、欧米の読者の間では忘れられがちとのこと。

その一因があるとしたら、時代が要求したこのバランス感覚のせいかもしれません。

 

ミステリーに登場する美女は、はたして犯人であるべきか。

それとも無実であるべきか。

そして最後は、主人公と結ばれるべきか。

 

フィルポッツの選択を貴方が受け入れられるかどうかは、是非本作を読んでご確認を。

読書「爆弾2 法廷占拠」呉勝浩

スズキタゴサク再び。

 

というわけで、令和日本のミステリー界が生んだ、あのイガグリ頭のダーク・ヒーローが、前作の大ヒットを受けて帰ってきたのが本作。

あのスズキタゴサクが、またしても読者を煙に巻く入魂の続編です。

勧善懲悪を鼻で笑い、相手のモラルの鎧をはぎ落しては、あらゆる人のダークサイドへ土足で踏み込み挑発。

爆弾という凶器で東京都民を人質に取り、恐怖のどん底に陥れながら、警察を手玉にとってウヒョウヒョと高笑い。

前作では、多くの警察関係者が、タゴサクの老獪な話術に操られ、命をすり減らす思いをさせられています。

あいかわらず、神経を逆なでするスズキタゴサクの強烈な不快感は本作でも健在。

しかしこれが立派なエンターテイメントになってしまうのですから、やはりこれは作者の筆力の賜物でしょう。

前作があれだけ評判になったわけですから、その続編を書くにあたっては、作者の気合も相当なものだったはず。

前作よりスリリングに、よりスケールアップしたミステリーにブラッシュアップされておりました。

 

この物語は、前作『爆弾』の顛末を前提にストーリーが展開されていきます。

あの未曽有の爆弾事件から一年後、物語は東京地方裁判所104号法廷で開かれているスズキタゴサクの裁判を舞台から幕が切って落とされます。

裁判が進行する中、突如として銃を持ったテロリストが「異議あり」と立ち上るところから開演のベルが鳴ります。

物語はここからノンストップで怒涛の展開。テロリストは瞬く間に104号法廷を占拠してしまいます。

犯人は、裁判官や傍聴人など約100名を、そのまま人質に。

そして、その法廷内の緊迫した様子を、なんとネットにライブ中継し始めます。

警視庁と目の鼻の先の東京地方検察所で突如始まった籠城事件。

犯人の目的は何か。

そして犯人が突きつけてきた要求に、警察関係者は愕然とします。

「死刑が確定しているのに実行されていない死刑囚の執行をただちに執行せよ。ひとり処刑するごとに、ひとりの人質を解放します」

は? どういうこと?　なんのために?

テロリストは人質たちに向かってはこうアピールします。

「みなさんには、これからしばらくぼくのゲームに付き合ってもらいます。おかしな真似をしなければこちらもルールは守ります。」

その犯人の前には、水筒型の爆弾が二機。

前作では、どこに仕掛けられたかわからない爆弾がおもいきりサスペンスを煽っていましたが、今回は爆弾の前にいる100人の人質の命が交渉の天秤に乗せられます。

 

交渉に当たるのは警視庁の高東柊作。

その補佐に当たるのは、前作でスズキタゴサクに翻弄されまくった刑事・類家。

リベンジの意志は明確で、その迫力はたびたび高東を圧倒します。

そして、前作に引き続き登場するのは、スズキタゴサクを逮捕した野方署の刑事二人。

一人は、幸田沙良。

彼女は、同僚を目の前でスズキの爆弾で殺され、その私憤に駆られ、警察官でありながら、拘束中のタゴサクを殺そうとしてしまいます。

伊勢勇気は、幸田の先輩刑事。

二人は、弁護側の証人という微妙な立場で証言することになっているため、この日の104号法廷の傍聴席に座っていました。

 

そして、ここから始まる犯人と高東の息詰まる交渉バトル。

青天の霹靂を目の前にして、スズキは事の成り行きを見守っています。

しかし、こういう場で黙ってはいられないのがこの男。

スズキは、このテロリストに余計な茶々を入れて、警棒でさんざん叩かれた挙句に、なんと銃で撃たれてしまいます。

人質たちの見守る前で、床に倒れて動かなくなったスズキ。

果たして、スズキはテロリストに殺されたのか。スズキとテロリストとの関係は?

そして、テロリストの目的は？

 

そして物語はここから二転三転。

この続編は、前作のような警察とスズキというわかりやすい対立では収まらず、様々な思惑の登場人物たちが、三重四重になって、物語に絡んでくる目まぐるしい展開になります。

 

本作においては、前作同様、登場人物たちが極限状況で自らの「内面の闇」や「本性」と向き合う場面が多く描かれています。スズキタゴサクの存在によって、他人の心の奥底にある醜さや矛盾を暴き出し、法廷という密室で人間の本質があぶり出されていきます。

 

本作においては「正義とは何か」「悪とは何か」という問いが、前作から引き続く重いテーマになっています。

正義と悪は、実は物事の裏表。その境界線は極めて曖昧。

爆弾事件の被害者遺族による復讐、警察の行動、スズキタゴサクの悪魔的な弁舌。

それぞれが善悪の境界線を揺るがせ、読者に揺さぶりをかけてきます。

 

本作においては、爆弾事件や法廷占拠事件は、単なる犯罪としてではなく、現代社会の矛盾や司法制度への批判、メディアのあり方などを浮き彫りにする装置として機能しています。

生配信で全国民が事件を見守るという設定も、現代社会の「可視化された暴力」や「集団心理」への批評性を帯びています。

本作においては、スズキタゴサクの裁判そのものや、登場人物たちの過去の行動・発言が、法廷占拠事件の展開や結末が、物語に巧妙に結びつくように設計されています。

そして、物語のラストには、さらに続編を予感させる“布石”も残されており、シリーズ全体を貫く作者の壮大な構想が垣間見れます。

これらの要素が複雑に絡み合い、過去の事件が現在の事件へと連鎖し、登場人物たちの「過去」と「現在」が交錯することで、物語に深みと緊張感を与えているわけです。

 

作者は、事件や極限状況を通して「人間の本質」「過去の痛みと向き合うこと」「善悪や正義の複雑さ」を描き、読者自身にも「自分ならどうするか」「何を選ぶか」と考えさせる物語体験を意図しています。

 

世の中の不条理、差別、不平等といったルサンチマンをすべて背負いこんだスズキタゴサク。地位も名誉も家族も友人も持たないこの男は、ある意味では無敵の人物です。

この最強のアンチヒーローが、自分の命を差し出してまでも関心を寄せるのは、自分を見下してきた人間たちを、ダークサイドに引きずり込むことだけ。

そして、その姿を見下すことが、彼の唯一の生きる目的です。

 

この危険極まりない爆弾を爆発させてしまうと、被害は甚大。

うかうかしていると自分の頼りない正義感などは、あっという間に占拠されてしまうかも。

 

スズキタゴサクは、まだどこかに潜伏しています。

くれぐれもご注意を。

読書「スタイルス荘の怪事件」アガサ・クリスティ

古典ミステリーのファンを名乗るなら、読まずには死ねない一冊が本作です。

 

言わずと知れたミステリーの女王アガサ・クリスティ女史の記念すべきデビュー作が「スタイルス荘の怪事件」。

アガサ・クリスティで最初に読んだのは「オリエント急行殺人事件」でした。

そして、これを原作にしたシドニー・ルメット監督の映画を見たのが1974年。

そこから立続けに制作されたアガサ・クリスティ原作の映画化「ナイル殺人事件」「クリスタル殺人事件」「地中海殺人事件」を見てから、「情婦」「そして誰もいなくなった」とクラシック映画も鑑賞。

アガサ・クリスティの世界は、映画オタクとしては、まずはビジュアルから入りました。

テレビ・ドラマシリーズで、ミス・マープルを演じた女優は何人かいますが、僕がお気に入りだったのはジョーン・ヒクソンが演じたミス・マープル。

彼女の演じたシリーズは、ほぼ見ています。

エルキュール・ポワロの方は、デビッド・スーシェの演じたテレビ版ですね。

ですから、エルキュール・ポワロのビジュアル・イメージはやはり彼の風貌と重なります。

定年退職後は、再び小説に舵を切り直し、「そして誰もいなくなった」「アクロイド殺し」「ABC殺人事件」と読み進めてきました。

 

古典ミステリーだけでは頭が進化しないという気にもなり、最近は直近10年でベストセラーになったミステリーにも、手を伸ばすようになりましたが、さすがに古い頭ではついていけないような特殊設定ミステリーや、最新のデジタル機器を駆使したトリックには、Google 検索で勉強しながらの読書。眼をシロクロさせながら格闘いたしました。

今回久しぶりにアガサ・クリスティの小説を手に取ったのはある意味では、そんな頭のリセット。

本作は今から一世紀以上も前の小説であるにもかかわらず、まずはその読みやすさにホッとしてしまいました。

多感な頃に「名探偵ホームズ」と「怪盗ルパン」で育んだミステリー・リテラシーは、この老体に深くしみ込んでいるようで、気分は完全に第一次大戦中のイギリスの片田舎にタイムスリップ。

「小さくて丸い愉快なおじさん」エルキュール・ポワロの名推理は、2025年になってもきちんと堪能できたことはうれしい限り。アガサ・クリスティは、今読んでもちゃんとアガサ・クリスティでした。

 

『スタイルズ荘の怪事件』は、1916年には既にほぼ完成していたとのことです。しかし、完成後、この作品はあちこちの出版社に送られたものの、全く陽の目を見なかったと記されています。

そして、作品がようやく出版されたのは1920年になってからのこと。

この年は、文学作品の一ジャンルとして書かれてきた「探偵小説」が、推理やトリックといった純粋な謎解きを楽しむためのジャンルへと転換し、ジャンルとして確固たるものになった「探偵小説の黄金時代」の始まりとされており、クリスティはまさにそのタイミングで作家デビューを果たしました。

本作の発表当時、当然のごとく、クリスティの名前はまだ世に知られていませんでしたが、その緻密な構成と巧妙なトリックは、その後の彼女の成功を予感させのに十分な内容。

彼女の長編処女作にNGを出した、当時の出版社の担当者がその後の彼女の活躍に、どんな顔をしたのかと考えると楽しくなってしまいます。

 

そして、本作はクリスティのデビュー作であると同時に、名探偵エルキュール・ポアロの初登場作品でもあります。

彼は「ミステリーの女王」クリスティが生み出した不朽の名探偵であり、たったキャラクター性や、その奇抜な外見と鋭い推理力に強烈な存在感があります。

本作ですでに、彼の代名詞ともいえる「灰色の脳細胞」が全開であり、持ち前の観察眼と洞察力を駆使し、緻密な推理で真相に迫る姿が、後の代表作にも引けを取らないくらいに描かれています。

 

物語の舞台は、第一次世界大戦中のイギリスの田舎町、エセックスにあるスタイルズ荘。

負傷して療養休暇中のヘイスティングズ大尉 は、旧友であるジョン・カヴェンディッシュ の招きでこの屋敷に滞在することになります。

スタイルズ荘は、裕福な未亡人であるエミリー・イングルソープ の邸宅です。

彼女は最近、年の離れた若い男性であるアルフレッド・イングルソープ と再婚しました。

屋敷には、エミリーの義理の息子であるジョンとその妻メアリー、もう一人の義理の息子ローレンス、そしてエミリーの秘書であるエヴリン・ハワード など、多くの人々が暮らしています。

しかし、ヘイスティングズは到着早々、屋敷に漂う異様な不和と緊張感を感じ取ります。

特に、新しい夫アルフレッドに対する他の住人たちの疑念と冷ややかな視線が印象的です。エヴリン・ハワードはアルフレッドへの強い嫌悪感を隠そうとしません。

 

主要登場人物が出揃ったところで、突然の悲劇が起こります。

 

ある夜、エミリーの部屋から恐ろしい叫び声が響き渡り、駆けつけた家族の前で彼女は苦しみながら息絶えます。

現場は不可解な状況でした。部屋の扉は内側から施錠されており、窓も閉まっていました。当初は心臓発作と思われましたが、現場の状況から毒物の存在が疑われ、エミリーの死は殺人事件として扱われることになります。死因はストリキニーネによる毒殺でした。

捜査が始まる中、ヘイスティングズは偶然にも、近隣に住むベルギー人の亡命者、エルキュール・ポアロ と再会。

ポアロは元ベルギー警察の著名な探偵でした。ヘイスティングズは旧友に助けを求め、ポアロは事件の捜査に乗り出します。

ポアロは、持ち前の鋭い観察眼と洞察力 を駆使して、住人たちの証言を注意深く聞き取り、関係者の複雑な人間関係や遺産を巡る思惑、そして次々と明らかになる秘密を分析していきます。事件は多くの謎に包まれ、関係者の誰もが怪しく見える中、ポアロは緻密な推理で真相に迫っていきます。

物語はヘイスティングズの視点から語られ、読者は彼と共にスタイルズ荘の住人たちの間に隠された真実を追体験することになります。

この作品の魅力は、緻密に張り巡らされた伏線と、読者をミスリードする巧妙なトリック にあります。

ポアロの「灰色の脳細胞」 がどのように機能し、一見不可能に見える状況から真実を導き出すのか。

 

本作で被害者であるエミリー・イングルソープ夫人の死因となったのはストリキニーネという毒物です 。

この毒物は、エミリー夫人の常備薬である睡眠薬に混入され、致死量となるように臭化物を加えて効果が増強されたとポアロは推理し、その方法が明らかになります。

本作で毒物のトリックが効果的に使われているのは、クリスティが第一次世界大戦中に薬剤師の助手として働いていた経験が大きく活かされています。

彼女は病院の薬局で調剤の仕事に携わったことで、様々な種類の薬物や毒物、その作用、致死量、摂取方法、そして時間が経つにつれて体にどのような影響を与えるかといった専門的な知識を身につけました。

このキャリアは、本作に限らず、後のクリスティ作品に大きな影響を与えています。

彼女の作品に登場する毒物は、その性質や効果が非常に詳細かつ正確に描写されており、ミステリーという非日常世界に決定的なリアリティを与えます。これは、彼女が実務を経験したからこその知識の賜物です。

 

クリスティは、この毒物の知識を駆使して、様々な種類の毒物を使い分けたり、毒を盛る方法やタイミングに工夫を凝らしたりと、多彩な毒殺トリックを生み出してきました。

これは、単に毒殺事件を描くだけでなく、その裏にある巧妙な手口を構築する上で不可欠な要素でした。

彼女の作品には科学を駆使したリアリティのあるトリックと、登場人物の心情をを巧妙に描写し、時には読者をミスリードする心理トリックが、絶妙のコンビネーションを構築した作品が持ち味ですが、その技巧はすでにこのデビュー作から完成されていたというのが率直な感想。

 

特筆したいことは、とにかく彼女の小説は、会話のテンポがすこぶるよろしい。

これがスイスイと読み進められる原動力になっているのは、間違いのないところでしょう。

後の代表作と遜色ない長編ミステリーを、すでに20代で書き上げていたアガサ・クリスティは、デビュー作ですでに完成していたというのはちょっと驚きです。

 

アガサ・クリスティは、コナン・ドイルの書いた作品を読み、幼少期を送ってきたとされています。

クリスティもまた、幼い頃よりシャーロック・ホームズを愛読してきたという逸話を聞くと、同じような少年時代を送っていたホームズ・オタクとしては、バリバリにシンパシーを感じてしまいます。

そんな彼女が、探偵と相棒という物語の構成をコナン・ドイルに手本を求めているのは御存じの通り。

名探偵エルキュール・ポアロと語り手である相棒のアーサー・ヘイスティングズも、もちろん本作から登場します。

 

読書少女だった彼女は、家にもう読む本がなくなってしまったことを母親に訴えたときに、彼女の母親は娘にこういったそうです。

「それなら、自分で書いてみたら。」

まさに母親のこの一言が、ミステリーの女王の誕生の瞬間だったかもしれません。

 

おっかさん。よく言った!

 

ドラマ「VIVANT」2023年TBS

 

久しぶりに、丸一日かけてドラマを一気鑑賞いたしました。

 

『VIVANT』（ヴィヴァン）は、2023年7月16日から9月17日までTBS系「日曜劇場」枠で放送されたテレビドラマです。主演は堺雅人で、阿部寛、二階堂ふみ、松坂桃李、役所広司など日本を代表する豪華俳優陣が出演。

 

原作・演出は『半沢直樹』などで知られる福澤克雄が担当しました。。

通常の連続ドラマの数倍となる1話あたり約1億円という破格の制作費が投入され、モンゴルや日本国内8都県で大規模なロケが行われました。

このドラマは当時、ストーリーや役柄は放送開始まで一切明かされなかったとのこと。

二宮和也は、サプライズキャストとしてキャスティングされていて、その登場などについては、徹底した秘密主義が話題となっていたそうですが、もう20年も前から、テレビドラマをリアルタイムで見る習慣はなかったので、一昨年の盛り上がりは残念ながら知りません。

 

物語は、商社マン・乃木憂助（堺雅人）が中央アジアの架空の国「バルカ共和国」で発生した1億ドルの誤送金事件に巻き込まれるところから始まります。乃木は事件の真相を追う中で、謎の言葉「VIVANT」と、テロ組織「テント」、そして自衛隊の秘密情報部隊「別班（べっぱん）」の存在に迫っていきます。

 

物語はスパイ・サスペンス、ヒューマンドラマ、アクションなど多彩な要素が絡み合い、謎解きや考察がSNS等で大きな盛り上がりを見せました。

とにかく、今更ながらのドラマレビューではありますが、こんなにスケールの大きなドラマを見たのは、初めてでビックリしました。

「半沢直樹」「アラビアのロレンス」「砂の器」「ミッション・インポッシブル」「007」「スター・ウォーズ」

「インディ・ジョーンズ」などなど。

こちらの琴線に触れる過去の名作の要素がてんこ盛りで、クラシックな映画ファンも喜ばせてくれる極上のエンターテイメントでした。

 

このドラマは、日本の国内市場に向けて作られた過去の作品とは異なり、世界に向けて投げかけたいという意気込みで作られたそうです。そのためにも、モンゴルや日本各地の映像が必要だったと福澤監督は述べています。

制作費は、通常のテレビドラマとしては非常に高額でした。

特に第1話は最もお金がかかったエピソードの一つだと考えられています。砂漠での撮影やモンゴルの大使館からの脱出シーンなどがエピソード含まれていたのがその理由です。

しかし、福沢監督は、「このドラマの第一話は捨てた」と言っています。

第1話は、日本のテレビドラマにありがちな「初回に最大限のパワーを込める」という常識的な手法とは異なり、意図的に「捨てられた」何だかよく分からない、海外の優秀なドラマのような導入を目指したとのこと。

本作の第1話及び第2話は、物語の本筋とは関係のない、主人公たちの逃亡劇や脱出劇として描かれています。

第1話には、後々の展開につながる隠された伏線（主人公が2発撃っていた描写など）が仕込まれていましたが、これは通常速度では見えず、スロー再生で初めて気づくような演出でした。

しかし、今どきの視聴者は尋常ではありません。監督の仕掛けたトリックは、鋭い視聴者（考察班）によってすぐに見破られ、あっという間に、YouTubeなどで広められました。

ドラマは「別班」というキーワードを中心に展開し、その存在は第3話あたりで示唆され、視聴者に検索を促す意図がありました。

主人公が別班であることは、中盤の第5話で明らかにされます。これにより、物語はテロ組織テントの首領ベキへと焦点が移り、ペースが一気に加速します。

もっともお金をかけた、砂漠の逃避行が、単なるドラマの導入部に過ぎないというわけですからシビれます。

福澤監督は、ドラマの制作過程で、ドラマ考察隊のYouTube動画を横目で見ながら、第1話から第10話までを行ったり来たりしながら脚本や撮影を進めたと述べています。

また、最終的に視聴者を騙したくないという思いがあったため、隠し要素も意図的に組み込んだとのこと。

 

このドラマは、SNSでやYouTube動画で「考察ブーム」を巻き起こしましたが、福澤監督自身は「考察ドラマ」として作った意識はなかったようです。

しかし、現代の視聴者、特に若い世代が「見たい」だけでなく「知りたい」という欲求が強い時代になっていることが、このブームにつながった可能性があると監督自身は分析しています。

それくらいこのドラマには、魅力的な謎が、伏線としてビジュアルやセリフの中に効果的に仕込まれていました。

これにより、それに気がついたら、発信せずにはいられない考察系インフルエンサーがワンサカと生まれたわけです。

僕らの時代は、人気ドラマの考察は、たいてい学校の休み時間か、放課後の黒板前というのが定番でしたが、今やそれを全国に発信できるプラットフォームがあるというわけです。

 

このドラマでは、「別班」という実在が噂される自衛隊の秘密情報部隊を題材にしたことで、現実世界でも大きな注目を集めました。

 

スパイ・オタクを自認する池上彰氏の解説によれば、別班は実在するそうです。

 

「別班」の正式名称は、陸上幕僚監部指揮通信システム情報部別班。

この秘密組織は、日本の陸上自衛隊の中で長年にわたり存在が噂されてきた、非公然・非公式の情報収集組織とのこと。

公式にはその存在は否定されており、政府や防衛省も国会答弁などで「存在しない」と説明していますが、多くの報道や専門家の証言、元関係者の証言などから、その活動実態が断片的に明らかになっています。

石破総理は、この組織は実在すると、インタビューでポロリと漏らしてしまってますね。

関係各位は、目の玉が飛び出したかもしれません。

別班は、英語では「DEFENSE INTELLIGENCE TEAM（DIT）」と呼ばれることもあります。

 

主な任務はヒューミント（人的情報収集活動）であり、国内外で諜報活動を行うとされています。

海外ではダミーの民間会社を設立し、別班員を民間人として派遣。中国、ロシア、韓国、北朝鮮、東欧などの拠点で、要人への接近や情報収集、買収などを行っていたと報じられています。

日本国内でも、特定の在日外国人を情報源として取り込み、北朝鮮などへの情報収集活動を行っていたとされます。

米軍情報部隊やCIAと情報交換を行うなど、海外情報機関との連携もあったとされています。

このあたり、ドラマは、綿密な取材の元、忠実に映像化しています。

 

別班の存在や活動は、内閣総理大臣や防衛大臣にすら知らされていなかったとされ、このことが、シビリアンコントロール（文民統制）の観点から大きな問題が指摘されているとのこと。

そんなセリフが、ドラマ内にも用意されていました。

憲法上の「専守防衛」「海外派兵の禁止」といった原則との矛盾や、国会・政府の統制を離れた“暴走”の可能性も議論されています。

 

しかしながら、石破総理が何と言おうと、政府や防衛省は「別班」の存在を一貫して否定しているというのが現状です。

1973年の金大中事件では、この別班がその背後で決定的な役割を果たしたことが知られています。

本作においては、この組織の活躍があったからこそ、日本が世界で唯一テロの標的になっていない国家であると説明しています。日本で計画されたすべてのテロ行為は、別班が未然に防いでいたという建付けになっています。

 

別班と共に、もうひとつ注目された日本の組織が警視庁公安部外事課。

阿部寛が演じた野崎守警視の正式役職名は、警視庁公安部外事第4課課長でした。

この部署は、日本の首都・東京を管轄する警視庁の公安部に設置されている専門部署で、主に外国諜報機関によるスパイ活動、国際テロリズム、戦略物資の不正輸出、外国人の不法滞在など、国家の安全保障に関わる重要な事案を捜査・情報収集する役割を担っています。

外事第一課 ロシア・東欧のスパイ、戦略物資の不正輸出

外事第二課 中国・アジア諸国のスパイ、不法滞在・アジア人犯罪

外事第三課 北東アジア（特に北朝鮮）のスパイ

外事第四課 国際テロリズム、中東（特にイラン）のスパイ

2021年には北朝鮮担当が独立し、外事第三課が新設されるなど、国際情勢に応じて体制が強化されています。

 

外事警察は明治時代から存在し、戦前は主に外国人や共産主義者の監視、戦後はソ連・中国・北朝鮮など共産圏諸国による諜報活動やテロ対策に従事してきました。冷戦終結後は、国際テロや民族・宗教対立に起因する事件への対応が強化されています。

 

『VIVANT』は、圧倒的なスケールと豪華キャスト、緻密な脚本、考察を誘う謎解き要素、そして現実ともリンクする社会的テーマで、2023年を代表する大ヒットドラマとなりました。

視聴者の世代を問わず多くの支持を集め、今後の日本ドラマ界にも大きな影響を与えた作品といえそうです。

 

このドラマは、豪華キャストが、どこでどんな役で登場するかが大きな魅力になっていますが、個人的には、日本の有名俳優よりも二人のモンゴル人俳優に心を奪われてしまいました。

 

ひとりは、ナンディン−エルデネ・ホンゴルズラ。

 

彼女は、バルカの少女ジャミーン役を演じたモンゴル人の子役です。10才でありながら、乃木たちを助ける重要な役柄を演じました。

ジャミーンは、母親の死のショックで口が聞けず、心臓に難病を抱えているという設定。

父親と二人で住んでおり、人見知りはしますが、日本から海外協力隊で来ている医師・柚月薫と乃木には心を開いています。

爆発事故に巻き込まれ、父親は死亡。病院の中で必死に父親を捜すジャディーンは、父親の安否を尋ねるメモを、問い合わせカウンターの列に並んで係員に手渡します。

事情を察した係員は端末でジャミーンの父親の状況を検索。

ジャミーンは、メモを手渡した瞬間に、その小さな手を合わせて、父親の生存を祈るのですが、しかし・・・

恥ずかしい話ですが、彼女が列の先頭で、手を合わせた瞬間に涙腺が崩壊。

一度こうなってしまうともうダメです。

以降は彼女が登場するたびにひたすら落涙する始末。

人の善悪を直感的に判断できる彼女が、その屈託のない笑顔で、薫や乃木にその両手を広げるたびに、条件反射的にウルウルとしてしまいました。

 

 

もう一人は、バルカ共和国の警察官チンギス役を演じたモンゴル出身の俳優バルサラハガバ・バトボルド（愛称：バルサー）。

この人は、モンゴルではそこそこ名の通った俳優とのことですが、もちろん日本のドラマには初めての出演。

この人が演じたのは、バルカの警察官チンギスです。

ドラマの前半では、乃木と野崎を執拗に追い回す役を、長州力を髣髴させる髪型と、感情を120％露出させるパワフルな表情で憎々しく演じていましたが、後半はその彼が、バルカに戻ってきた野崎に協力することになるという展開。

悪役だった相手が、後半では味方になるというベタなドラマツルギーが好きだと言っていた福沢監督がまさにその効果を最大限狙った配役が彼でした。

彼に限らず、キャスティングされた配役の正体が、コロコロと暴かれてゆくというのが、このドラマの魅力の一つになっていますが、チンギス役のパルサーは、このドラマの中でもっとも得をしたキャスティングだったかもしれません。かなり美味しい処を持っていきます。

チンギスが、ドラマの最終回の中で、「自分もベキの作った孤児院の中で育った一人です。」と告白するシーン。(放送から1年以上たっているのでネタバレはご容赦)

決してイケメンとはいいがたいチンギスの顔が、二宮和也や松坂桃李の顔よりも輝いて見えて、グッと来てしまいました。

 

 

そしてもう一人。

野崎の部下として、バルカでも日本でも八面六臂の大活躍をするエージェント・ドラムを演じた宝永ドラム。

この人も最初は、モンゴル人の俳優なのかと思っていたら、れっきとした日本のタレントでした。

まるで相撲取りのような体型と愛くるしい笑顔。

ちょっと気になって調べてみたら、この人、なんと大相撲の力士出身でした。

番付としては幕下で、十両には上がれずに引退していますが、その後は、その経歴を生かして、YouTuber に転身していますから、もともとタレントとしての素質はあった人なのでしょう。

彼のYouTube動画を見てみましたが、その巨体をものともせずに、トンボ返りなども披露していましたから、もともと身体能力はアスリート並みの人のようです。

とにかく、このドラマにおけるドラムの役は完全なムードメイカー。

なにかとダークな展開になりがちな本ドラマにおいて、彼のキャラクターは砂漠のオアシスのような役回りをはたしていたといっていいでしょう。

日本語は理解できるけれど、話せないという設定のドラムは、終始スマホの音声翻訳を駆使して、周囲とコミュニケーションをとります。このアイデアが秀逸。

そして、彼のスマホの翻訳音声を担当していたのが、綾波レイの声でおなじみの声優林原めぐみ。

発展途上国における携帯電話の復旧率は、先進国よりも早かったという話は、どこかで聞いたことがありましたので、設定としても納得してしまいました。

古くはターザン映画に出ていたチンパンジーのチータ、「80日間世界一周」の主人公フォッグ教授の従者パスパルトゥ、「スター・ウォーズ」ハン・ソロの相棒チューバッカなどなど。

冒険活劇の主人公の相棒は、みな口数が少ないけれど表情豊かというキャラが定番。

間違いなく、この慣例に乗っ取って設定されたドラムという役に、どこか日本人離れしたこの人物をキャスティングしたのは大正解でした。日本という枠組みを超えたこのドラマにとってもドンピシャリのキャスティングです。

本人は、このドラマの役名に合わせて、芸名も変えているほどですから、気合が入っているのは確実ですが、彼の個性がこのドラマにハマり過ぎていたのがやや心配といえば心配。今後どんな役を演じるのでしょうか。

彼の笑顔は、4人の命を乗せて砂漠を黙々と歩いてきたラクダたちの飄々した表情のように、理屈抜きの安心感を与えてくれました。なかなか得難いキャラクターではあります。老婆心ながら、今後の活躍を期待します。

彼ら以外にも、日本を代表する主演クラスの俳優が綺羅星のごとく登場するドラマでしたが、それらの考察は、得意な人にお任せします。

 

このドラマの新機軸は、事前情報をほとんど明かさず、謎や考察を呼ぶ仕掛けを徹底したことで、放送期間中はSNSやネットメディアで常に話題が絶えない状態を作り出したこと。

放送終了後も次回放送までの1週間、公式が積極的に考察や裏話を発信し、視聴者の熱量を維持する新しいプロモーション手法が確立されました。

配信ドラマ全盛の時代においても、地上波ドラマが「リアルタイム視聴」を通じて大きな社会的うねりや考察ブームを生み出せることを証明しました。

これにより、他局も「リアルタイムで話題になる」仕掛けやSNS連動をより重視するようになるのが地上波ドラマの潮流になりつつあります。

 

放送拡大版やグッズ展開、ロケ地ツアー、有料ファンミーティングなど、多様な収益化戦略も注目されました。

これらの新しいマネタイズ手法は、今後のドラマ制作でも大いに参考にされるはず。

 

「VIVANT」の成功はTBSだけでなく、他局や業界全体に「これまでの常識を超える挑戦」や「海外配信・グローバル展開」への意識を高めさせました。

原作も手掛けた福沢監督は、定年間近といいますが、このドラマの虜になったファンたちは、ほぼ既定路線のように「VIVANT 2」の製作を疑っていない様子です。

 

彼らの考察動画も、いくつか拝見しましたが、ドラマ製作者にとっては恐ろしい時代になったものです。

その動画を参考にはできるものの、作り手はその考察のさらに上の解答を用意しなければいけないわけですから。

僕などはまるで初心者で、ドラマ考察などをする知力はないものですから、ひたすら感情の揺れうごくままに、ドラマの流れに身を任せるのみ。冷静になって、ドラマを再チェックするというようなことは一切しませんでした。

いろいろな伏線が鮮やかに回収されていく最終回などは、ただ涙目で呆然とするのみ。

久しぶりに地上波ドラマの傑作を見させてもらった身としては、続編が出来るとしたら是非拝見させていただくつもりではいます。続きをお行儀よく一週間待つことは出来ませんので、見るならやはりリアルタイム視聴は避けて、NETFLIXにはなりますが。

 

ところで、最後にどうしても気になってしまうことが一つ。

第一話における丸菱商事の誤送金の結果なんですが、あれ、いったいどうなってしまったのでしょうか。

確かに犯人は提示してくれましたが、あの会社はどうなった?

その後の展開が目まぐるしすぎて、気がつけば忘れていました。

普通なら倒産ですよ、あれは。

映画「真夏の方程式」2013年東宝

 

脚本家の三谷幸喜氏が、ホイチョイプロの馬場康夫氏のYouTube動画に出演してこのようなことを言っていました。

 

「ミステリー小説の長編を忠実に再現した脚本を書こうとすると3時間の枠が必要。」

 

さて本作は、東野圭吾氏の長編推理小説を映画化したもので、上映時間は2時間9分。

つまり、映画化に関しては、長編小説のプロットのおよそ1時間分をカットしたということになります。

何をカットして、どう映画として再構築かしたのかは、脚本を担当した福田靖氏の技量に追うところが大きいのですが、福田氏のインタビュー動画によれば、東野圭吾氏は、映画化作品は原作小説とは別物と考えているようで、映像化にする際には、物理学的検証部分だけは忠実に再現してもらえれば、後はどこをどういじってもらっても構わないと言われていたそうです。

ガリレオ・シリーズ映画化は、本作が2度目。

前作の「容疑者Xの献身」が、テレビのガリレオ・シリーズのシーズン1が終了後のタイミングで公開されて好評を博し、犯人役を演じた堤真一は日本アカデミー賞の最優秀助演男優賞を獲得しています。

本作も、それを踏まえて第2シーズンが終了直後の公開。

ガリレオ・シリーズのドラマ版は、スピンオフ企画以外はすべて見てきましたので、その勢いで本作も鑑賞いたしました。

 

本作は、科学と人間ドラマが織りなす感動作、東野圭吾の人気小説「ガリレオ」シリーズ劇場版です。

天才物理学者・湯川学（福山雅治）が、美しい海辺の町で起こる事件の真相に迫る物語です。

本作の魅力は、科学ミステリーとしての面白さはもちろんのことですが、湯川と少年・恭平（山崎光）の心温まる交流を軸に展開する重厚な人間ドラマにあります。

待て待て。湯川教授は、理屈の通用しない子供に接すると蕁麻疹が出るのでは?

しかし、そのはずの自分の手にいつもの痒みがありません。どうやら、恭平少年と湯川の間には、なにかしらの物理的な化学反応があるようで。

 

ところが、湯川の宿泊していた民宿で事件が発生してしまいます。

事件は、湯川と同じ民宿の宿泊客が、海岸の堤防から落ちて転落死するというもの。

死んだのは退職した元刑事です。しかも、死因はなんと一酸化炭素中毒。

刑事は事故死か、それとも殺されたのか。

そして、民宿を営む老夫婦(前田吟、風吹ジュン)と、一人娘(杏)には、なにやら秘密が・・

恭平は、この一家の甥っ子で、夏休みの間この一家に預けられています。

ひょんなことから恭平と夏を過ごすことになる湯川教授。ドラマ・シリーズの中では見ることのなかったガリレオの新しい一面が、この映画版では紹介されていくことになります。

 

恭平の純粋な好奇心に触発され、科学の面白さを教える湯川の姿は、ドラマ・シリーズでは見せることのなかった優しさに溢れています。

 

物語の舞台となる玻璃ヶ浦の美しい風景描写も印象的です。

撮影地は、静岡県賀茂郡西伊豆町の浮島（ふとう）地区。

さらに、映画冒頭や終盤で登場する「玻璃ヶ浦駅」として使われた駅は、ぐっと西へ移動して、愛媛県松山市の伊予鉄道高浜線・高浜駅が使用されています。

湯川と恭平がペットボトルロケットを飛ばす本作の象徴的なシーンは、仁和港北沖防波堤灯台周辺で撮影されています。

 

 

どこか昭和の香りが残るノスタルジックな雰囲気が画面の隅々からあふれ出ており、昭和生まれにはたまりません。事件の陰惨さとのコントラストが絶妙。

特に、浮島地区の海底は、映画に深みとリアリティを与えています。

映画の冒頭では、「科学技術と環境保護」という現代的なテーマが盛り込まれており、科学者・湯川が環境保護活動家と対立しながら、事件に巻き込まれていくという展開です。

 

「自分たちも科学技術の恩恵を受けているのにやみくもに反対するのはおろかだ。清濁併せてすべてを知ったうえで、何を選ぶか選択すべきだ。」

 

事件の謎解きとともに描かれるのは、家族の秘密や過去の因縁、そして罪と贖罪といった普遍的なテーマです。

旅館を営む川畑家が抱える複雑な事情や、16年前の未解決事件が絡み合い、物語は予想外の方向へと進んでいきます。

特に、杏演じる川畑成実の抱える苦悩や、彼女の決断は観る者の胸に深く突き刺さります。

しかし、一方で、テレビドラマでこのシリーズを見たファンには、ミステリーとしてのトリックやサスペンス性が足りないと、やや物足りなさを感じるかもしれません。

映画版には、湯川がひらめいた時のあの数式書きなぐりパフォーマンスは、出てきませんし、「実に面白い」の決まり文句も控えめ。(というよりも、あったっけ?)

 

そして、前作「容疑者Xの献身」のような衝撃的な展開や複雑な謎解きを期待すると、やや肩透かし。

本作は、それよりも人間ドラマに焦点が当てられているのは明白です。

ですから、その分、登場人物たちの感情の機微や葛藤が丁寧に描かれており、事件の真相が明らかになった時の切なさややるせなさは、観終わった後も長く心に残ります。

「愛は時に残酷」という重いテーマが、物語全体を覆っていると言えるでしょう。

 

本作のガリレオ担当刑事は、吉高由里子演じる岸谷美砂。

ドラマでのエッジの効いたやりとりも、映画ではやや控えめ。

しかし、シリアスな展開の本作において、彼女の登場は唯一のコメディ・リリーフとして機能していました。

 

原作小説と映画版の主な違いは、明らかに湯川と恭平の関係性の強化です。

この二人のエモーショナルな関係が、映画の軸になっており、それがクライマックスに来るように、プロットは再構築されています。

そのために、 一部のキャラクターの役割や背景が、映画版独自に再アレンジ。

原作にはないオリジナルのクライマックスが描かれ、より感動的な結末となっています。これらの違いにより、映画版「真夏の方程式」は、原作小説やテレビシリーズとは一味違った、映像作品に仕上がっていました。

 

ちなみに、僕も映画の中の恭平少年と同じで、理科は大の苦手科目でした。

ペットボトルが清涼飲料水の容器として認められたのは1982年の食品衛生法改正以降ですから、我が子供時代にペットボトル・ロケットを試した記憶はありません。

小学校の頃に、学内販売していた「科学」という小学生向きの理科系雑誌の付録に、似たような実験道具がついていたような記憶もあるのですが、定かではありません。

 

ペットボトルを水と空気の力で飛ばす方法は、「水ロケット」の原理を利用した実験です。

ペットボトルに水を1/3～1/2程度入れます。水が推進剤の役割を果たします。

コルクやゴム栓にバルブ（空気を注入する弁）を固定し、ペットボトルの口にしっかりと差し込みます。

バルブが外れないよう、テープで補強。

 

発射台にセットします。

ペットボトルを逆さまにし、発射台に固定。ペットボトルの口が下向きになるようにします。

ポンプでバルブを通じて空気を注入し、内部を加圧（目安は3～6気圧）。

十分に加圧したら、バルブを解放するか、コルクを外すことで内部の圧力が一気に解放。

水が勢いよく噴出し、その反作用でペットボトルが上空に飛び上がります。

水が多すぎると重く、少なすぎると反作用が弱くなります。最適な量を実験で探ります。

作用反作用という物理の初歩中の初歩の法則だけで飛ばすロケットなので、どれだけと飛ばそうと玻璃ヶ浦の海は汚れません。

 

そして、何度かのチャレンジで、ペットボトル・ロケットの飛距離が200mを越えます。

その瞬間、中に仕掛けた携帯電話のカメラが作動して、海底の映像が少年の携帯に届きます。

思わず声を上げる恭平。

 

この実験は、ドラマ映画を通じて、湯川教授が行った実験の中で、最も美しい実験だったかもしれません。

映画「ターミネーター:ニュー・フェイト」2019年アメリカ

 

ご存じ「ターミネーター」シリーズの第6作目。

シリーズ4作目までは見ており、5作目に「新起動ジェネシス」もあったのですが、ジェームズ・キャメロン、アーノルド・シュワルツェネッガー、リンダ・ハミルトンが再び集結という宣伝文句を見てしまって、思わずコチラを先に鑑賞してしまいました。

シリーズ生みの親であるジェームズ・キャメロンは、ストーリー原案という名目でクレジット。

本作においては、俳優のビリングは、シュワちゃんではなく、リンダ・ハミルトンがトップになっていましたね。

 

監督はティム・ミラー。

 

本作は、『ターミネーター2』（T2）の直接の続編として位置づけられ、3作目以降（『ターミネーター3』『サルベーション』『ジェニシス』）の出来事を完全に無かったことにしています。

これにより、複雑になり過ぎたシリーズの時間軸をリセットし、T2のラストから25年後の物語として新たな展開を描いています。

過去作では「ジョン・コナーが人類抵抗軍のリーダーとなる未来を守る」ことが主軸でしたが、ニューフェイトでは冒頭でジョン・コナーが殺害され、以降は彼の存在が物語から外されてしまいます。

ちなみにこのシーン、殺されるジョン・コナーは、T2出演当時のエドワード・ファーロングだったのでちょっとビックリ。

製作当時63歳だったはずのリンダ・ハミルトンも、異常に若かったので、この展開を想定して、監督のジェームズ・キャメロンが、T2撮影当時にこのシーンを秘かに撮影していたのだと思ってしまいました。

しかし、これは監督の弁によれば、CG技術を駆使したボディダブル撮影とのこと。

オリジナル俳優（エドワード・ファーロング）の若い頃の映像や写真をもとに、顔の3Dモデルや表情パターンをデジタルで作成。

吹き替え俳優の顔や体の動き、表情をモーションキャプチャーやトラッキング技術で記録し、これをCGで合成したのだそうです。

もちろん、リンダ・ハミルトンもこの技術で当然若返るわけです。

この技術があれば、俳優たちは、映画の中では、永遠に年を取らずに美しいままということも可能なんですね。

昔の顔を貸した俳優にギャラは生じるのかなんてことも、気になってしまいした。

 

今回の「リブート」により、シリーズの複雑化したタイムラインは整理され、物語は新たに動き出します。

 

物語は『ターミネーター2』の25年後、2020年が舞台です。

未来の機械軍（AI「リージョン」）は、メキシコ在住の若い女性ダニー・ラモス（ナタリア・レイエス）を抹殺するため、最新型ターミネーター「Rev-9」（ガブリエル・ルナ）を現代に送り込みます。

これに対抗して人類抵抗軍は、機械ではない強化兵士グレース（マッケンジー・デイヴィス）を送り込み、ダニーを守ろうとします。

さらに、サラ・コナー（リンダ・ハミルトン）とT-800（アーノルド・シュワルツェネッガー）も再び登場し、ダニーを守るために協力します。

旧作からのファンたちは、待ってましたの展開。

シュワちゃんはこの時すでに72歳。リンダ・ハミルトンも還暦越えですから、これはあっぱれ。

ジェームズ・キャメロンは、今回自らの手でリブートをすると決める際には、二人の出演にはこだわったようです。

しかも、リンダ・ハミルトンは、キャメロンの元嫁です。シュワちゃんと共に、三顧の礼で迎えたのかもしれません。

T3以降はやや迷走した感のあるターミネーター・シリーズを、原点に戻そうという狙いはあったようです。

 

本作の新キャラは3人。

身長178cmのマッケンジー・デイビスが演じたのがグレイスです。

彼女は未来から送り込まれた「強化人間」。つまり、彼女は従来のターミネーターではなく、人体の一部を機械化することで超人的な能力を得た戦士です。

ダニ・ラモスを守るために未来からやってきており、短時間であればターミネーターに匹敵するパワーを発揮しますが、体力を消耗すると薬品を投与しないと動けなくなるという「人間的な」弱点も併せ持っています。

 

ダニ・ラモスは、メキシコ系の女優ナタリー・レヴェスが演じました。

彼女は身長148cmで、マッケンジーとの身長差は30cm。

今作の重要なキーパーソンとなる人物です。

メキシコシティで家族と暮らしていた普通の女性ですが、未来からの新型ターミネーター「REV-9」に命を狙われることになります。物語を通じて、彼女は徐々に未来のリーターとして覚醒。彼女の存在が人類の未来にとって極めて重要になることが次第にわかってきます。

 

そしてその、殺人マシーン「REV-9」を演じたのが、ガブリエル・ルナ。女性みたいな名前ですが、れっきとした男性です。どこかオバマ元大統領に似た風貌の彼も、やはりメキシコ系のアメリカ人です。

新キャラのうち二人を、メキシコ系俳優に指名したあたりは、ハリウッドのポリコレ・ルールを意識したのでしょう。

 

ジェームズ・キャメロンは、本作において、過去作で分散した物語を整理し、シリーズの本来の魅力を再提示することを目指しました。

かつての成功作を自らの手で再び形にしたいという強い思いがあったとことは確実。

しかし、製作費1億8,500万ドルに対し、全世界興行収入は2億6,111万ドル。投資回収の目安である「製作費の3倍」には届かず、約1億2,000万ドルの損失が出たとされています。

キャメロンは後に「全てが誤算だった」と強い反省を語っています。

往年のファンに向けた作りに偏り、若い世代や新規ファンを意識した演出が足りなかったことが失敗の要因だったというのが彼の敗戦の弁。

アーノルド・シュワルツェネッガーやリンダ・ハミルトンの復帰に強くこだわったことで、結果的に「昔ながらのターミネーター」になってしまい、時代とのズレが生じたことは潔く認めています。

 

「私たちは正当な続編を作ることができたが、新しい観客のための要素が何一つなかった。」

 

監督のティム・ミラーも「自分が観たい映画を作ればうまくいくはず、という凝り固まったオタク的思考で挑んだが間違いだった」と認めており、シリーズとして“やり尽くされた”感が否めなかったことも影響しています。

 

確かにこういったブロックバスター映画では、興業収入がすべてで、これが芳しくないとすべてが否定されてしまいがちですが、やはりお金をかけるだけかけているだけあって、サラ・コナーズが登場するまでの前半30分と、千両役者シュワちゃんが合流してからの畳みかけるようなクライマックスは圧巻。

僕ら世代が血湧き肉踊らせた、ターミネーター最初の2作の世界を、現代のSFX技術で思い切りスケールアップさせた攻防シーンには、思わず手に汗握ってしまいました。

 

最初の2作品は、追いかけられる恐怖にをとことん突き詰めた内容でしたが、キャメロンはその原点プラス、5人の主人公たちの間の時空を超えた人間ドラマも綿密に描く原案を提供。

シュワちゃんとリンダ・ハミルトンの高齢化以外は、なかなかよく作りこまれた作品であると個人的には評価する次第。

しかし、やっつけてもやっつけても不気味に再生してくるターミネーター REV-9の恐怖は圧倒的でした。

やはりこのシリーズの魅力の原点は、なんだかんだといっても、これなんだなあと改めて再確認した次第。

 

製作費をかけると、やはり作る側はいろいろと欲が出てしまい、エモーショナルなドラマ性も付加して盛り上げたくなるのはわかります。

しかし、シリーズの最高傑作は、いまだに1984年の一作目だと信じて疑わない身としては、余計な感動ドラマは排除してでも、その製作費を全部つぎ込んで、ホラー映画として製作したら、どんなに怖い作品が出来るのかとは、ちょっと想像はしてしまいます。

 

もっとも、いまから10年後に、シュワちゃんとリンダ・ハミルトンを三度招集してこのシリーズの続編を作ることになるとしたら、その作品は黙っていてもホラー映画になるかも・・