柿沢謙二ブログ

読書「ローマ帽子の謎」エラリー・クイーン

 

読了後、まず一番最初に気になったことをAIで調べてみました。

それは、本作で使用されていた毒物について。

本作では、ガソリンから抽出出来るテトラエチル鉛が、殺害方法に使用されていましたが、これは当時普通に売っているガソリンから誰にでも抽出できるという説明でした。

1920年代当時のガソリンは有鉛ガソリン。成分に含まれるアルキル鉛（主にテトラエチル鉛）は、ノッキング防止のために添加されていたのですが、これが後に中枢神経系への深刻な健康被害を引き起こすことが判明したのだそうです。

特に子どもにおいては深刻で、知能障害や発育障害になるケースが報告されるようになりました。

さらに、有鉛ガソリンは排気ガスによる大気汚染や触媒装置の劣化も引き起こすため、環境面でも問題視。

これらの理由から、1970年代以降、多くの国で規制が進み、日本では1975年にレギュラーガソリン、1987年にハイオクガソリンが完全無鉛化されたというのが、「無鉛ガソリン」が一般化した経緯です。

というわけで、現在では、市販のガソリンから、猛毒を抽出することは不可能であることをまず確認した次第。

 

それから、もう一点

本作の名探偵エラリーの父親であるリチャード・クイーンが、たびたび吸引していた嗅ぎ煙草。

噛み煙草や、煙管などはかろうじて知っていたのですが、嗅ぎ煙草がどんなものかわからなかったので、これも調べてみました。

これは、刻んだ煙草に香料をつけた粉末を小瓶に入れて携帯し、一服したくなったら鼻から吸い込むということらしいのですが、どうもその姿は想像するだけでもかなり怪しげ。犯罪ドラマで、ヤバい連中がイケないクスリをやる姿がどうしてもダブります。

嗅ぎ煙草は、当時スナッフと呼ばれていたそうです。

ルーツをたどれば、17世紀の王侯貴族の間で発生した嗜好品で、その全盛は18世紀とのこと。

本作の舞台である1920年代のアメリカでは、もなうかなり下火になっていたそうです。

おそらく現代では絶滅危惧種かもしれません。

少なくとも個人的には、嗜んでいる人を見たことも、聞いたこともありもせん。

但し、ミステリー・ファンならジョン・ディクスン・カーの「皇帝のかぎ煙草入れ」なら覚えているはず。

白状してしまいますが、これずっと「鍵」のついた煙草入れだとばかり思っていました。

お恥ずかしい！

そんなわけで、古典ミステリーは、なるべく当時の読者の感覚で読めるように、文化風俗に関する描写はマメにリサーチしながら読むと楽しめます。

 

さて、『ローマ帽子の謎』（The Roman Hat Mystery）は、1929年にエラリー・クイーン（フレデリック・ダネイとマンフレッド・B・リーの共作ペンネーム）によって書かれた推理小説で、記念すべきエラリー・クイーン・シリーズの第1作です。(つまり、このシリーズは、著書と名探偵の名前が一緒という事)

作者の作品としては、すでに名作の誉れ高い「Xの悲劇」「Yの悲劇」は読んでおりましたが、この2作は、発表当時バーナビー・ロス名義で出版され、活躍する探偵も違っていましたので、エラリー・クイーン名義のミステリーは、本作で、初めて読んだような気になっています。

本作中に、「バーナビー・ロス殺人事件」なんていうのも出てきて、これには思わずニヤリ。

 

本作は、もともとアメリカで開催された出版社のコンテストに応募するために執筆されました。

エラリー・クイーンを名乗る二人の青年は、推理小説の黄金時代の作品群に触発され、論理的な謎解きを重視した作品を目指して作家活動を開始。

二人の作品には、特にS.S.ヴァン・ダインの影響が強く、彼らの作品にもその影響が色濃く反映れていると言われています。

二人は従兄弟同士であり、共同でプロットを練り上げました。

彼らは物語を論理的に構築することに徹底的にこだわり、それが高じて、解決パートの前には「読者への挑戦状」をたたきつけるという前代未聞のスタイルを導入。

フェアプレイで、読者にも推理を楽しませることを意図した一種のお遊びですが、この章を設けることで、ミステリーのエンタメ化に貢献。

真面目なミステリーファンの中には、これに目を釣り上げた人もいたようですが、これを気に入って取り入れるようになった洒落っ気のあるミステリー作家もチラホラいますね。

 

本作はコンテストでも注目され、無事出版されることになり、記念すべきエラリー・クイーンのデビュー作となります。

そして、本作以降の「国名シリーズ」が人気を博し、エラリー・クイーンはアメリカ本格ミステリ界で、エドガー・アラン・ポーと並び称される重要人物として不動の地位を築いていくことになります。

 

事件はニューヨーク市のローマ劇場で上演中の舞台『ガンプレイ！』の最中に発生。

満席の観客席で、弁護士モンティ・フィールドが毒殺されているのが発見されます。

しかし、満席であったにもかかわらず、奇妙なことに、遺体のあった席の周囲が空席になっています。

そして、被害者が被っていたはずのシルクハットが、忽然と消えていました。

 

事件はリチャード・クイーン警視とその息子である推理小説作家エラリーによって捜査されます。

エラリーは演繹法をベースにした論理的推理を駆使し、この「消えた帽子」を手がかりに犯人に迫ります。

 

使用された毒物は、検死の結果、テトラエチル鉛と判明しますが、犯人はどうやって、それを観劇中の被害者に飲ませたのか。

フィールドは悪徳弁護士で、他人を脅迫することで収入を得ていたことが判明。多くの敵がいたことが次第に明らかになっていきます。

 

事件当夜、劇場にいたすべての観客、劇場スタッフ、出演者のすべてが容疑者となります。

真犯人はしたたかにも、その中に、フィールド殺害の動機がある者に、観劇のチケットを送って、劇場に足を運ばせ捜査を混乱させます。

 

作者は巧妙にいろいろな謎を散りばめて、読者を翻弄しますが、上手いなと思ったのは、最終的にその謎を「紛失したローマ帽子」に集約させた点です。

この謎を解くことで、真犯人が同時にわかるというロジックを構築することで、「フーダニット」のカタルシスを見事に演出。

事件当日の夜、誰にも怪しまれずに、ローマ帽子を外に持ち出せた人物はたった1人しかいませんでした。

そして、それだけでは本作は終りません。

 

クイーン警視は、論理的には真犯人を特定出来ても、物的証拠は皆無という「手詰まり」の状況に陥ります。

これでは、優秀な弁護士にかかれば、裁判は、たちまちひっくり返されてしまいます。

刑事裁判の大原則は、今も昔も推定無罪。犯人を逮捕しても、証拠がなければ裁判には勝てません。

リチャード警視は頭を抱えますが、そこに休暇旅行中の息子エラリーから届いた電報。

 

「証拠がなければ、作ってしまったら?」

 

詳しくは語らずとも、父親にはこれが以心伝心、我が意を得たりです。

もちろん、どこかの国の警察のように、証拠を捏造してしまおうなどという反則ではありません。

まあ、言ってしまえば、なかなか尻尾を出さない犯人に対して「刑事コロンボ」が仕掛ける起死回生のトラップのようなもの、まさにあれです。

あの切れ味鋭いミステリーの醍醐味を、コロンボ・ファンとしては、この100年近く前のミステリーで見つけたという次第。

解決編で、この事件の真相を解き明かすのはリチャード警視の役目ですが、この事件が解決できたのは息子のおかげだとしみじみ語る、ラストの親子愛にもほっこり。

 

本作に対するいろいろな評価をリサーチしてみました。

こんなのがありましたね。

 

「手がかりそのものが曖昧であり、それ自体では意味を持たない場合がある。

本作でも、一部の手がかりや状況証拠について説明されて初めて意味を持つものが多く、そのため推理過程がやや強引だと感じられる。」

 

「本作はミステリとしてユニークで画期的な作品ですが、フェアプレイ性や動機の説得力、手がかりの提示方法などにおいてまだ未熟さが見られる。」

 

「但し後年の作品ではこれらの問題点が改善され、より洗練された論理構造とフェアプレイ精神が確立されている。」

 

個人的にはそうとも思いませんでしたが、これはなかなか手厳しい。

 

なかには、息子のエラリー・クイーンが、もっと前面に出るべきなんていう指摘もありましたが、本作を読んだ感想としては、息子が父親をリスペクトして、自分自身は意識して脇に回っているという関係性の方が、ドラマツルギーとしては、案外しっかりしているような気がします。

最後の解決パートに、息子エラリーをあえて登場させずに、父親を立てたことで、この二人の親子関係は明らかにドラマチックに表現されたと思った次第。

しかし、名探偵至上主義の当時のミステリー界では、それでは物足りなかったのかもしれません。

 

ということは、推理小説家名探偵エラリー・クイーンが、以降の作品で次第にクローズアップされてくる展開なのは想像に難くないところ。

我がiPadには、すでに「エジプト十字架の謎」は仕込んでありますので、それはそれで楽しみです。

 

いずれにしても、デビュー作には、どの推理作家も力が入ることは必至。

個人的には、デビュー作がその推理作家の最高傑作になる確率は非常に高いと思っていますので、どこからエラリー・クイーンを読もうと迷っていらっしゃる方には、とりあえず本作はオススメの一冊です。

 

読書「ハサミ男」殊能将之

 

本作は、殊能将之による1999年発表のデビュー小説で、第13回メフィスト賞を受賞した作品です。

ジャンルは新感覚ミステリー。特にその大胆かつ精緻な構成と予想外の結末が秀逸な作品でした。

彼の作品は、ミステリーの定石を踏まえつつ、それを大胆に再構築する仕掛けが特徴。

表面的にはオーソドックスな本格ミステリーでありながら、その背後に「常識を超えた真相」を隠すなど、物語に深みを与える二重構造が魅力です。

饒舌な文体や独特のユーモアが作品全体に漂い、読者を楽しませる一方で、文学的な深みも兼ね備えていました。

ミステリーにSF的要素や哲学的テーマを取り入れ、これらの要素が、彼の作品を「普通ではない」独特な存在感を際立たせ、多くの読者や批評家から高く評価される理由となりました。

彼の作品は論理性と遊び心を融合させた「アンチミステリ」と呼ばれ、独特の作品世界を構築していましたが、殊能氏は、2013年に惜しくも他界されています。

 

さて、平成以降のミステリーを読む時は、執筆された時代のインターネット文化や、使用モバイルなどは結構重要な背景になってきます。

ですのでその作品が書かれた時期は、意識するようにしています。

本作は、2003年が舞台になっていますが、1999年に発表されているので、執筆されていたのは1998年頃でしょう。

 

1998年は、ざっとこんな時代です。

 

インターネットとモバイル技術は「デジタル革命」の胎動期を迎えていました。

家庭のインターネット接続は56kbpsのダイヤルアップが主流で、接続時には「ピーヒョロロロ」という特徴的な電子音が鳴り響きました。懐かしい ! (遠い目)

そして、電話回線を占有してしまうため、接続中は「電話が使えない！」と苦情が飛ぶことは日常茶飯事。

深夜の割引料金帯を狙って夜中にネットサーフィンする「ナイト族」も出現していました。

インターネット文化の基礎が徐々に形成されつつあった時代です。

 

携帯端末はポケベルからPHS/携帯電話への移行期。

NTTドコモがiモードサービスの提供を翌年に控え、データ通信社会の到来を予感させる中、当時の携帯電話は白黒液晶が主流で、主な機能は通話と短文メールに限定されていましたね。

まだTwitterも、Line もありません。

日本ではPHSが比較的普及し、街中で手のひらサイズの端末を使うビジネスパーソンの姿が目立つようになります。ただし通信エリアは都市部に集中し、「圏外」表示との闘いが日常的な光景でした。

 

そして、この年マイクロソフトから発売されたWindows 98は、USB対応など新機能で話題を呼びました。

平均的なPCのスペックはCPU 200-300MHz、メモリ64MB、HDD数GB程度。

重厚なCRTディスプレイが机の上を占領し、起動時の「ブーン」という駆動音が部屋に響いていました。

画像の読み込みに数十秒かかる中で育まれた「待つ文化」があたりまえで、これが現在のデジタル社会の原型を作り出したと言えるでしょう。

 

当時僕は、パソコンのセットは一式そろえ、ニフティのパソコン通信サービスでとあるフォーラムの管理人をやっていました。

月額基本料金に加えて接続時間に応じた従量制の料金を支払って、せっせと書き込みをしていた時代です。

 

ですから、インターネットはまだ最先端の人たちの独占物で、僕のようなミーハーは、その一部をいじりながら一人で悦に入っていたような記憶です。

ようするにSNSもなければ、スマホもない時代。

これはまずしっかりと頭に入れておくべきでしょう。

しかし、世の中は大きく変わっても、起こる殺人事件に差はありませんでした。

 

本作に使われる凶器はハサミです。

 

物語の舞台は2003年の東京。女子高生2人が喉に鋭利なハサミを突き立てられて殺害される事件が発生し、マスコミは犯人を「ハサミ男」と名付けます。

主人公である「ハサミ男」は、連続殺人犯として世間を騒がせる一方、3人目の犠牲者を選定し準備を進めていました。

しかし、彼が狙っていた女性が、何者かによって自分の手口を真似されて殺害されてしまいます。

この事態に困惑したハサミ男は、真犯人を突き止めるため独自に調査を開始します

本作の主人公であり探偵役となるのが、なんとシリアル・キラー自身というのが、まず意表を突く設定。

誰が、自分のスタイルをパクった模倣犯なのか?

本家としては心中穏やかではないというわけです。

 

それにしても、とにかく得体のしれないのが、この「わたし」という主人公のキャラクター設定です。

主人公は、自分自身に対する強い嫌悪感を抱いており、その結果として自己破壊的な行動に走ります。

肥満体型であることなど、自分の外見や存在そのものに対して否定的な感情を持っているようです。

物語では、主人公が殺害する行為が、彼自身の自殺の「代替行為」であるようにも見えてきます。

主人公は、毎週土曜日にさまざまな方法で自殺を試みます。

例えば、毒物を飲んだり窒息を試みたりするのですが、それでも生き延びてしまうという状況が繰り返され、これがまるでスラップスティック・コメディのようで、悲壮感はまるでなし。

 

そして、主人公が、自殺未遂をする度に現れる「医師」という別人格。こいつが曲者です。

この「医師」は、主人公の行動や心理状態を客観的に分析してみせます。

この「医師」の存在は、主人公の内面的な葛藤や精神的な分裂を象徴しているとも読め、自殺願望と深い相関関係がありそうです。

別人格ということになれば、まず頭に浮かぶのは解離性人格障害。

ストレスやトラウマ体験をきっかけに、記憶・意識・アイデンティティが一時的に分断される状態で、ミステリーではおなじみの設定。

通常は、幼少期の虐待や、戦争、事故などの強いトラウマが原因になるパターンが多いのですが、本作ではこの部分は完全スルーです。

その点は、読者が勝手に想像するのみとなります。

しかしながら、主人公視線の生活ぶりは、実に淡々としていて、美味しいものを普通に食べ、ファストフード店の第一法則や、第二法則を自慢げに語る描写にシリアル・キラーの面影はありません。

そこに唐突に自殺未遂を図る様子が挟み込まれ、ビックリさせられますが、その理由については説明はなし。

シリアルキラーに至った経緯についても本編では一切触れられません。

しかし、ハサミ男は世間ではニュースになっていて、テレビのワイドショーの分析聞いている本人自身がまるで他人事のようです。

普通に考えれば、そうお目にかかれるはずもない連続殺人犯が、小説の中においてはなんとも違和感なく普通に存在しているという奇妙な感覚が、本作では最後のページまで貫かれています。

 

主人公は、将来に対して何の夢も希望も持たないフリーターとして描かれていますが、さりげなく描かれていくのはその高度の知能と社会適応能力。

バイト先の出版社においては、有能な仕事ぶりを発揮しており、フリージャーナリストを装って、由紀子の友人や家族、関係者たちに接触したりもしているなかなか出来るやつです。

そこに、事件の捜査を担当する警察署で自然発生的に結成されるメグロ・ストリート・イレギュラーズと、そこに警視庁から出向してきたプロファイリング専門の警視正がからんで、次第に明らかになってくる真実。

とにかく、この得体のしれない主人公を飲み込めないと、この物語にはついていけません。

 

ふと思い出してしまったのが、道尾秀介氏の「向日葵の咲かない夏」というミステリーでした。

2008年の作品でしたが、こちらもかなり新感覚で度肝を抜かれました。

なにが似ていたのか?

この物語の序盤で登場したのが、首つり自殺をした小学校のクラスメイトが憑依したクモです。

これが「気のせい」や「夢」ではなく、きちんと設定されたミステリー小説のキャラクターとして、主人公の少年と絡んでいくという展開。

ミステリーとホラーの境界線をあえて曖昧にした道尾氏のまさに「新感覚」でした。

あの小説のクモが、本作の医師と、見事に重なったわけです。

少々深読みをしてみます。

 

両作品のキャラクターは、主人公が直面できない心理的苦痛（自殺衝動や友人への罪悪感）を「目に見える存在」として外在化したものと読むことは可能でしょう。

 

「医師」は自殺未遂の度に現れる「死の誘惑」の象徴であり、主人公が自傷行為を正当化するための「内なる声」が擬人化された存在として描かれているように見えます。

これに対して、クモに「乗り移った友人」は、主人公が自殺した友人への責任感や後悔を、超自然的な存在に転嫁することで現実から距離を取ろうとする心理的プロセスを反映するという効果を産んでいました。

 

超自然的な存在（クモ）や妄想（医師）を介して、主人公の内面を可視化することで、読者は事件の背後にある「心理的動機」に接近できます。

「向日葵の咲かない夏」でクモが真相を囁く描写は、主人公の無意識が事件の核心に近づいていることを暗示し、読者の推理に層を加えます。

これと同じ役割を、本作の「医師」も確実に担っています。

 

そして、現実と幻想の境界を曖昧にすることで、作者が意図的に読者の視点を操作しやすくなっているというのもポイント。

クモの存在による、「超現実的か心理的現象か」の不確定性が、伏線の隠蔽や意外性の演出に貢献したように、医師の存在も、同じく結末での真相の衝撃を確実に増幅させています。

これは、巧みに本作に仕掛けられた叙述トリックを際立たせる効果もありましたね。

 

そしてもう一点。

死や罪悪感といった重いテーマを、このような象徴的でファンタジーな存在で表現することで、物語に哲学的・心理的な深みを生むということにも貢献しています。

「医師」も、クモも、単なるプロット上の装置ではなく、「生きることの意味」や「記憶の不可逆性」といった普遍的な問いを読者に投げかけてくるわけです。

これにより、ミステリーの「謎解き」を超え、人間の心の闇を描く文学性が高まるという仕掛けです。

本格ミステリーを愛するファンの反応は微妙でしょうが、頭の柔らかい若いファンには、「新感覚ミステリー」として、普通に受け入れられるのでしょう。

 

道尾秀介氏は、おそらく「ハサミ男」の影響を受けつつ、幻想と現実の交錯を独自のスタイルで昇華させ、読者に「心の闇」と「真相」の両方を追わせる二重の緊張を生み出すことに成功したという気がするわけです。

人間の心の闇を、見事にエンターテイメントに昇華させたという意味では、本作は画期的な作品だったかもしれません。

 

さて、ハサミ男とはいったいなにものなのか?

 

このタイトルを聞けば、誰もが、霧深いロンドンの街に出没して娼婦たちの腹を切り裂いた「切り裂きジャック」や、電気のこぎりで人間の皮膚を切り裂いて、はく製にしたエド・ゲインを思い浮かべるかもしれません。

日本でいうなら、連続幼女誘拐殺人事件の犯人である宮崎勤のようなロリータ系オタクキャラでしょうか。

しかし、このタイトルだけから連想してしまうミステリー・ファンならではのステレオ・タイプ的犯人像は、まずは白紙にしておくことをおすすめします。

 

作者によるミスリードは、すでにそこから始まっていますので・・

読書「三つの棺」ディクスン・カー

 

文字が詰まりすぎていて少々読みづらいという難はありましたが、何とか読み終わりました。

次々と重要人物が紹介され、謎が次々と織り重ねられていく前半は、頭の中の交通整理係の悲鳴も聞こえましたが、後半、その謎が徐々に解き明かされていくパートでは、それが次第に快感に変わっていきました。

 

外国のミステリーを読む際には、本の冒頭の「人物紹介」をプリントアウトしておいて、誰かわからなくなると、それを眺めて確認し、新しい情報があれば、それに書き加えながら読むという工夫をしています。

外国人の名前は、ミドル・ネームまであることがザラなので、フルネームでメモをしておかないと、まず登場人物が迷子になります。「あんた誰だっけ?」ということになりかねない。

そしてそこに、イギリスのミステリー特有のシニカルな人物描写が加わり、まそれを日本語に翻訳する際の不自然さも手伝って、なかなか日本の小説のようにはスラスラと読めないのは悩ましいところ。

気は張っていても、気がつけば物語進行に置いてけぼりを食らって、何ページが戻って読み直すということもしばしばでした。

それでも、ミステリー史上傑作の誉れ高い本作は、ミステリー・ファンとしては、読み飛ばすわけにもいかず、なんとか食らいついたという次第。

 

ジョン・ディクスン・カーの『三つの棺』（アメリカ版タイトル: The Three Coffins、イギリス版タイトル: The Hollow Man）は、1935年に発表された推理小説で、特に「密室殺人」のジャンルにおける傑作として知られています。

この作品は、カーの数ある傑作の中でも代表作であり、彼の作品の探偵キャラクターとしては、メルビルと双璧をなすギデオン・フェル博士が登場するシリーズの一つです。

 

物語はロンドンの冬の夜、居酒屋で魔術やオカルト研究で知られるグリモー教授が友人たちと談笑している場面から始まります。

そこに奇術師ピエール・フレーが現れ、自分の兄弟が教授を狙っていると警告します。

その後、グリモー教授は自宅の書斎で密室状態の中で射殺されるという不可解な事件が発生。

同時に、別の場所でも「足跡を残さない殺人」というもう一つの不可能犯罪が起こります。

これら二つの事件を解明するため、フェル博士が、ロンドン警察のハドレイ警視と共に調査に乗り出します。

 

物語の中心となるグリモー教授の密室殺人は、最初から徹底的に「不可能犯罪」として描かれています。

「フーダニット」よりも、まずは強烈な「ハウダニット」で、作者は読者に挑戦状を叩きつけるわけです。

部屋は完全に密閉されており、外は雪、外部から侵入する手段がないにもかかわらず、教授はその部屋の中でそのへやのな射殺されています。

 

そして、その衝撃も冷めやらぬうちに、作者はさらにもう一つの衝撃を畳みかけてきます。

それは、第一の事件直後、雪で覆われた通りで起きたもう一つの殺人事件です。

被害者は銃撃されて死亡しますが、周囲には犯人の足跡が一切残されていません。

この「足跡のない殺人」の謎もまた、常識では考えられない不可能殺人。

 

ジョン・ディクスン・カー（John Dickson Carr、1906年11月30日 - 1977年2月27日）は、アメリカ出身の推理作家で、「ゴールデンエイジ」と呼ばれる時代のミステリー文学を代表する一人です。

彼は「カーター・ディクスン（Carter Dickson）」や「ロジャー・フェアバーン（Roger Fairbairn）」などのペンネームでも執筆しました。

彼の作品は特に「密室殺人」や「不可能犯罪」をテーマとしたもので知られ、その革新的なプロットと論理的解決が後世の作家や読者に強い影響を及ぼしました。

彼は約100種類もの不可能犯罪の解決方法を考案し、超自然的に見える事件に対しても論理的な説明を提供しました。この点で、彼は同時代の他の作家とは一線を画しています。

カーは読者との「フェアプレイ」を重視し、すべての手がかりを物語内で提示するスタイルにこだわりました。

これにより、読者は探偵と同じ条件で謎解きに挑むことができるようになるわけです。

 

このスタイルは、「黄金時代」の推理小説全体において重要な基盤となりました

彼は、アガサ・クリスティやドロシー・L・セイヤーズなど、多くの同時代作家からも高く評価されました。

カーは、かの有名なミステリーの女王にさえ、こういわせしめています。

「ジョン・ディクスン・カーの作品だけは私を困惑させる」

これはもちろんディスっているのではなく、その複雑なプロットがいかに優れていたかを、その専門家であるクリスティも認めているということです。

僕のような素人ミステリー・ファンが頭を抱えるのは当たり前ということでしょう。

 

グリモー教授の過去の秘密が明らかになるにつれ、物語はトランシルヴァニアで起きた出来事や「三つの棺」というタイトルに込められた意味へと時計の針は遡ります。

トランシルヴァニアといえば、かの吸血鬼ドラキュラの生誕の地。

グリモーは、19世紀末のこの地で、革命の政治犯として投獄され、脱獄のための手段として、自ら生き埋めにされることを選びます。

そして、荒野に放置された棺桶から、自力で脱出するわけですが、このエピソードが、ドラキュラ伝説をなぞっているのは明らか。

作者は、こういう怪奇趣味を、意識的に物語に取り込むことで、ロジック中心のミステリーに、ゴシックホラーの味付けをしていく小技が実に巧みです。

そしてこのエピソードや、その結果として生じた因縁が、現在の事件と結びつく展開が非常にドラマチック。

この背景が事件の動機や真相解明に重要な役割を果たします。

 

現代ならかなり眉つばものの設定ですが、この小説の書かれた1935年の段階なら、そのリアリティもギリギリありだったしょう。

反対に、この時代の小説をこよなく愛している現代のミステリー作家たちが、使いたくても使えないで、地団駄踏んでいる設定であるのかもしれません。

もちろん、今の作家たちもしたたかで、特殊設定ミステリーという、これを逆手に取ったミステリーの新しい分野も開拓はしてはいますが。

 

グリモー教授が残したダイイング・メッセージもまた、本作のラストでは大きなどんでん返しを生む「仕掛け」にななっています。

一見すると無意味、または誤解されそうな言葉ですが、これはダブル・ミーニングになっていて、フェル博士による再解釈によって、この言葉は、真相への重要な手がかりとして、事件解決への鍵を握ります。

そして、物語終盤では、すべてのピースが組み合わさり、一連の事件が完全に解明されます。

しかし、その直後にもさらにプチどんでん返しが待ち受けており、この結末は読者に強い余韻を与えます。

 

てなことで、『三つの棺』は、密室ミステリーとしてだけでなく、その複雑なプロット、多層的な謎、不可能犯罪を解明する論理的な手法や多くの驚きが、2025年の読者にも立派に届いているのはさすがというべきでしょう。

伊達や酔興で、推理小説史上屈指の名作として位置づけられているわけではないというのが正直な感想です。

少々苦戦はしましたが、まずは完読出来てホッといたしました。

 

さて、本作には、とても豪華な付録がついていることでも有名です。

それは、第17章をまるまる一章分費やした「密室講義」です。

この講義では、探偵役のギデオン・フェル博士が、推理小説の中の登場人物であるにもかかわらず、突如読者に向けて直接語りかけはじめて、おもわずニヤリとさせられるパート。

ちょっと経験したことのない読書体験でした。

三谷幸喜脚本の「古畑任三郎」で、田村正和が、突如暗転した場面で、カメラに向き直って、なにやら視聴者に語り掛けるあのシーンと同じサプライズですね。

 

フェル博士は、「密閉された部屋」という状況について、これが推理小説の中でどのように構築され、解決されるべきかを詳細に説明しはじめます。

彼はこの講義を通じて、密室殺人というジャンルがいかに多様で創造的であるかを強調し、同時に読者に対して論理的思考を促します。

ビックリしてしまうのは、その講義の中には、1935年時点までで、密室殺人を扱った名作の数々が実名で登場すること。

僕が最近読んだ「ビック・ボウの殺人」やガストン・ルルーの「黄色い部屋の謎」もちゃんと講義資料として挙がっていました。

我が国のミステリーでも、過去のミステリー小説が、作者の名前と共に実名で登場する場面にたびたび出くわします。

それが自分の読んだことのある小説だったりすると、突如小説の世界から、現実の世界に引き戻されるような不思議な感覚になります。

そこには、ミステリーの先達たちに対する、作者たちの多大なるリスペクトがあるわけです。

 

ちゃんと調べたわけではありませんが、ミステリーにおける、こういったメタ認知的お遊びの走りは、もしかすると本作からだったかもしれません。

ミステリー愛好者は、書き手も読み手もかなりディープな方が多いので、その意味でこの手法は、両者の連帯意識を高める高等テクニックなのかもしれません。

いずれにしても、これから本作以前のクラシック密室殺人ミステリーを読もうという方は、読む順番は、どうか間違われませぬように。「密室講義」は、しっかりと旧作のネタバレになっているので。

そして、解決パートの直前で行われるこの講義により、作者は、本作の真相は、そのいずれにも属さない新しいアイデアだぞと宣言しているわけです。

 

そんなわけで、本作は、この「密室講義」によっても、ミステリー文学史上不朽の名作として位置づけられているという側面はありそうです。

これだけ多岐にわたり、緻密に密室トリックのネタが明かされてしまうと、この分野の新しいアイデアをひねり出すのは相当至難の業だと思われます。

その意味では、この「密室講義」は、ディクスン・カーから、以降の推理小説作家たちに対して放たれた挑戦状といってもいいのかもしれません。

 

推理作家の森博嗣氏は、物語を面白くするために、最初はまず解決法は考えないで、とことん謎を広げていく方向で書き出してしまうのだと、なにかのインタビューでいっていました。

そして読者を掴んだと確信したら、そこから広げた風呂敷を回収するプロットを考えていくとのこと。

しかしながら、ディクスン・カーは、たぶんそれはしていないだろうというのが個人的見解ですね。

とにかく、本作に仕込まれた緻密に仕掛けられたロジックや伏線は、ラストから逆算したプロットが、完全に出来上がっていなければ、絶対に書き始められないものだと確信します。

 

優れたミステリー作家は、みなパズルを解く天才かもしれません。

 

読書「爆弾」呉勝浩

 

本作は『このミステリーがすごい!』と『ミステリが読みたい！』という日本最大級のミステリーランキングでダブル1位を獲得。2020年の発表のミステリーとしては大きな注目を集めた作品です。

この年は、コロナ騒動2年目にあたりますから、多くの人が外出を控えて、自宅に引きこもっていた時期。

その意味では、読書需要がたかまっていた時期であることは推測されますので、インスタント・ミステリー・ファンの目にも多く止まったことは推測されます。

 

本作は、呉勝浩による極上のリアルタイム・ミステリー小説。

爆弾をメインに据えた、緊迫感あふれるタイムリミット・サスペンス小説です。

謎の男「スズキタゴサク」と警察との心理戦を中心に展開され、読者を最後まで引き込んでゆくストーリー展開が尋常ではないサスペンスを産んでいます。

 

物語は、些細な傷害事件で逮捕された中年男スズキタゴサクが、取り調べ中に「10時に秋葉原で爆発が起きる(気がする)」と予言するところから始まります。

最初は相手にしていなかった野方署の刑事たち。

しかし、その予言通り、秋葉原の裏通りの廃ビルで、爆弾が炸裂します。

スズキはさらに「次は1時間後に爆発する」ということを、自分の予知能力による予言だと称して刑事たちに告げます。

警察は彼の言葉を信じざるを得なくなり、スズキの予言に振り回されながら、次々と迫る爆発の危機に対応させられてゆくことになります。

爆発を止める術は、スズキから予言を引き出す以外にないと言う緊迫した状況。

世捨て人スズキは、自らの存在を卑下しながらも、相当したたかです。

彼は尋問に当たる刑事たちを挑発しながら、確実にマウントを取り、ゲームを仕掛けてきます。

スズキは取り調べ室でクイズを持ちかける一方で、その風体からは考えられない巧妙な話術で警察を翻弄し続けます。

彼の目的は何か？その正体は？

 

本作では、取り調べ室における、スズキと警察のやり取りが物語の大部分を占めます。

それに加え、警察官たちそれぞれの人間模様や葛藤も過不足なく描かれており、単なるサスペンスだけにとどまらない深みのある群像劇にもなっています。

 

AIリサーチによれば、著者である呉勝浩は、日本で活動する韓国国籍の小説家です。

青森県八戸市出身で、大阪芸術大学芸術学部映像学科を卒業しています。

彼の作品は緻密なプロットと人間心理の深い描写が特徴とのこと。

人間の内面に潜む弱さや悪意、理不尽な現実に対する葛藤と向き合い方が、本作でも克明に描かれていきます。

倫理や道徳、損得を超えた価値観が問われ、登場人物たちが切羽詰まった状況下でどのように行動し、選択をしていくかが、絶妙な心理描写でドラマチックに描かれていきます。

そして、彼らが抱えるトラウマや真実を追求する姿も描かれ、人間の本性や社会的な視線との葛藤が浮き彫りにされていきます。

 

人間の弱さやズルさといった負の側面も物語には、色濃く反映されています。

そこにはわかりやすい勧善懲悪はなく、誰もが犯罪者と紙一重で、状況次第では誰もが一瞬にして犯罪者になり得るという人間の心の闇を鋭くえぐっていきます。

極上のエンターテインメント性を保ちながらも、哲学的なエリアまで深く掘り下げられたテーマ性もあり、タゴサクという人を食った容疑者の名前が、次第に不気味さを帯びてくるわけです。

常に不穏な空気を孕みつつ、物語は予測不可能な展開へ。

そして、作者の秀逸な叙述トリックに騙されながら、物語は思いもよらないラストへ・・

 

実は本作を読みながら、このスズキタゴサクが、かつて見た映画のある登場人物と次第に被るようになってきました。

さてそれは誰か。

デビット・フィンチャー監督の「セブン」と言う映画を覚えていらっしゃいますでしょうか？

この映画では、ジョン・ドウという前代未聞のシリアル・キラーが描かれていました。

彼の犯す殺人には「儀式性」と「象徴性」がありました。

七つの大罪（傲慢・嫉妬・憤怒・怠惰・強欲・暴食・色欲）をテーマに犠牲者を選び、罪に対応する「罰」をその殺人手法として演出。犯罪そのものを宗教的審判のメタファーに昇華させ、社会の道徳的退廃を告発するという展開です。

 

これに対して、スズキタゴサクはどうか。

彼の場合は、世間から見捨てられたというルサンチマンを、無差別テロという報復行為によって消化させようとしてはいるのですが、それは爆発の「物理的破壊」が、現代社会の脆弱性や矛盾を暴く象徴的行為として機能させているようにも見えます。

いずれにしても、犯罪行為そのものを、社会へのアピールとして利用しているわけです。

 

では、動機はどうか?

ジョン・ドウの場合は、個人の怨恨ではなく、「人類全体への失望」が動機です。

自身を「神の代理人」と位置付け、社会の浄化を使命とするというかなり病的なもの。

 

スズキタゴサクの場合は、「神の代理」とまではいかなくとも、その犯行動機には、特定の組織や個人への復讐ではなく、社会システム全体への抗議が内包されています。

私情を超えた「理念」に基づく犯罪である点は一緒です。

 

そして、二人の犯罪者の最大の共通点は、犯罪行為を「知的ゲーム」と捉えている点。

ジョン・ドウは、ミルズ刑事（ブラッド・ピット）とサマセット刑事（モーガン・フリーマン）を挑発し、彼らを自身の犯罪に誘導することで、最終的に彼ら自身を計画に組み込むという離れ業をやってのけます。

そうすることで、事件は犯人逮捕で終わらず、社会への衝撃を最大化することになるわけです。

彼の計画には、それがはじめから組み込まれていました。

 

スズキタゴサクも然り。

彼はこのゲームを自身が最大限楽しむために、爆弾計画を利用しています。

捜査陣の推理を逆手に取る仕掛けや、メディアを通じたメッセージ発信を行うという展開。

素人に実現可能な技術的知識を最大限駆使した高度な犯行手法。

 

両者には、明確な共通点があります。

それは、自分が単なる犯罪者ではないことを強調するために、きく「対戦相手」を明確にしていこと。

そして、自分の命と引き換えにしてまで、その勝利にはとことんこだわっている点です。

 

ジョン・ドウは、自身の死を含めた完璧なシナリオを遂行。シナリオ通り、ミルズ刑事を「憤怒」の罪に堕とすことで、人間の弱さを証明してみせます。

スズキタゴサクは、解除不能な爆弾を一つ残すことで、自身の死と引き換えに、全都民を人質にとります。

犯罪者が「作者」となり、物語の結末を支配するという見事な構成。

結局、どちらの物語も、社会の病理は永遠に解決されないことを示唆したまま終了します。

 

両キャラクターに共通していえることは、二人を単なる悪役ではなく「社会の暗部を映す鏡」として機能させていること。

彼らの犯罪は、観客/読者に「この社会は本当に健全か？」という問いを突きつける秀逸な装置となっているわけです。

ジョン・ドウがキリスト教的審判の思想に根ざすのに対し、スズキタゴサクの動機はより世俗的かもしれません。

 

しかし両者はともに、「正義の仮面を被った狂気」というアンビヴァレントな存在である点では同じ。

その犯罪は単なる凶行ではなく、社会に対する痛烈な哲学的主張として機能し、作品に深いテーマ性をもたらしているわけです。

 

しかし、当然のことながら、どれほどそこに、高度な社会へのアンチテーゼを忍ばせようとも、殺人という行為の犯罪性を正当化することにはなりません。

それは重々に承知しつつも、そのギリギリの線にあえて切り込み、読者をパニック状態にして、酸素欠乏を引き起こしたうえで、その解答は読者に委ねるという作者の挑戦的な筆致は心憎いまで。

 

はたして、あなたの心の中に、ジョン・ドウやスズキタゴサクは存在するのか。

もしもそれに対して「冗談でしょう」ととぼけるのなら、残された最後の一個の爆弾は、あなたの心の中で「爆発」するのかも。

読書「木曜殺人クラブ」リチャード・オスマン

 

コージー・ミステリー（Cozy Mystery）というジャンルがあります。

推理小説のサブジャンルの一つで、暴力や性的描写、過激な言葉を極力避けた「穏やか」な作風が特徴です。

このジャンルは、読者に心地よい読書体験を提供しつつ、ミステリーの要素を楽しめるように設計されているわけです。

 

最近のミステリーは、「さりげなくグロい」というのが主流かなというのが個人的見解。

ですから油断をしていると、そのグロ描写にやられてしまいます(年寄りにはグロゲームによる耐性がないので)が、この分野ではその心配をする必要はまずありません。

主人公は通常、警察官や探偵といったプロではなく、一般人である場合がほとんど。

日常生活に根ざした職業についている設定が多いでわけです。

物語内で起こる犯罪（通常は殺人）も直接的に描写されず、被害者が発見される場面も血生臭さを避けて描かれるのがポイント。エロい場面もたいていは暗喩のみ。

物語の舞台は、小さな町や村、あるいは閉鎖的な環境（例えば屋敷や学校）であることが一般的です。

このため、登場人物同士が互いによく知っているという設定がごく自然に描かれます。

コージー・ミステリは全体的に軽快でユーモラスなトーンで進行します。

登場人物も個性的で親しみやすいキャラクターが多いということになります。

多くの場合、主人公の職業や特技が物語のテーマとして取り入れられます。

このジャンル名が登場したのは、20世紀後半。

当時主流だったハードボイルド小説の暗く暴力的なトーンへの対抗として、「穏やか」で「心地よい」推理小説への需要もそれなりに高まっていたというわけです。

 

しかし、この分野はミステリーの黄金時代と言われた。1920年から1940年のイギリスにもありました。

この呼び名こそなかったものの、アガサ・クリスティの「ミス・マープル」シリーズが、本作の原点であることはほぼ間違いないでしょう。

「ミス・マープル」の短編集『火曜クラブ』が、『木曜殺人クラブ』に最も直接的な影響を与えた作品であることは明らかです。

『火曜クラブ』では、ミス・マープルを含むグループが集まり、未解決事件について議論し推理を展開します。

この形式は、本作の基本的なプロットに反映されています。

 

また、アントニー・バークリーの『毒入りチョコレート事件』も本作に影響を与えていそうです。

この小説では、アマチュア探偵たちが集まり、毒殺事件についてそれぞれ異なる推理を披露していくという展開。

多重解決の元祖となった小説です。

この「素人探偵団が議論を通じて真相に迫る」というスタイルも、本作のスタイルにそのまま踏襲されています。

 

本作は、イギリスのテレビ司会者のリチャード・オスマンによる、2020年発表の小説。

多分野で活躍していた彼の小説家としてのデビュー作です。

この人、なかなか多彩な人のようです。

イギリスの架空のケント州フェアヘブン近郊にある高級リタイアメントビレッジ「Cooper's Chase」を舞台に、4人の高齢者が地元で発生する殺人事件を解決しようと奮闘するユーモアあふれるミステリーが本作。

コージー・ミステリーのお手本のような作品ですが、本作はユーモアだけではありません。

老人たちひとりひとりの物語もしっかり描きこまれた魅力的な人間ドラマにもなっています。

 

このクラブは元警察の女性幹部だったペニーと、エリザベス・ベスト(彼女だけ元職業が不明)により創設。

ペニーは病気のためクラブを抜けますが。そこに元労働組合指導者のロン・リッチー、元精神科医のイブラヒム・アリフ、そして元看護師で新メンバーのジョイス・メドウクロフトという4人が参加。

「Thursday Murder Club」として、毎週木曜日にあつまり、ペニーが警察から持ち出してきた未解決事件を調査することを老後の道楽としています。

彼らが住むCooper's Chaseでは、不動産開発業者イアン・ヴェンハムが新しい開発計画を進めようとし、その過程で教会墓地を掘り返すことが問題となります。

しかし、この計画が進行する中で建設業者のトニーが何者かに撲殺され、施設の経営者だったイアンも毒殺されてしまいます。

突然発生したナマの殺人事件に老人たちは狂喜乱舞。

クラブのメンバーたちは警察と協力しながら犯人探しに乗り出すというのが本作の基本ストーリーです。

 

とにかく、主人公たちがみな80歳近い老人たちという設定が、本作のユーモアの源泉です。

ミステリー小説の主人公たちといえば、基本は妙齢の美男美女というのが相場。

最初のうちは、この先入観に邪魔されて、なかなか脳内シアターのキャスティング・イメージの定着に苦労しましたが、次第に彼らの、老人ならではの機知と、危なっかしい情熱にグイグイと引っ張られようになり、気がつけば4人それぞれのキャラに引き込まれていきましたね。

 

また、本作の大きな特徴の一つは、短い章立てです。

500ページ近い本文が、115の章で語られていきますから、平均すれば一章は5ページ以下。

基本は、日記を克明に書いているジョイス視点で語られるのですが、そこに、各登場人物たちの視点が縦横無尽に挿入されていきます。

まるで、映画のカット割りのような章立てで、モンタージュ効果もあり、脳内シアターの上映には抜群の効果がありました。

本当に映画を見ているかのようにスイスイと読み進められます。

 

『木曜殺人クラブ』のメンバーたちは、それぞれが独立した個性と背景を持ちながらも、互いに補完し合う関係性と信頼で結ばれています。これが実に物語を豊かにしています。

リチャード・オスマンは、実際に高齢者施設を訪れて、老人たちそれぞれの人生のストーリーに耳を傾けることで、本作のアイデアを練ったといいます。

老人問題というサブテーマを活かしつつ、そこに、ユーモアとドラマ要素を絶妙に組み合わせることで、4人の愛すべきキャラクター群像劇を開発したことは、本作の成功の大きな要因と言えるでしょう。

 

本作からは、古式ゆかしいイギリスのミステリー黄金時代の香りがプンプン漂うのですが、2020年の作品とあって出てくる小道具や固有名詞はかなり現代的です。

 

Google も出てくれば Amazonプライムも登場、Wi-Fiや、iPad、スマホ、Excelのスプレッドシートも出てきます。

ブルーのレクサスや、ダイハツといった日本車も登場すれば、ティンダーという実在するデートアプリも出てきます。

シナモン味の電子煙草などは、実際に咥えている僕の知り合いがいますね。

音楽でいえば、スティービー・ワンダーやダスティ・スプリングフィールドなど、僕好みのアーティスト名も出てきて嬉しくなってしまいますし、スカーレット・ヨハンセンや、ジョン・トラボルタといった俳優名も登場。

作者は、1970年生まれの54歳ですから、この辺りの単語を使う感覚は当たり前なのかもしれませんが、それを80歳近い登場人物たちに絡ませませるあたりが、この小説の隅におけないところ。

自分の周りにいる同じ年齢くらいの老人たちに、はたしてこの辺りの単語が理解できるかどうかはかなり怪しいところです。

僕も知らないようなNetflixの刑事ドラマ(AIで調べたら実在しました)も出てくるのですが、思わずニヤリとしてしまったのは「刑事スタスキー&ハッチ」やマーティン・スコセッシ監督の「グッドフェロー」といった、個人的にはツボの作品も登場。

これなら思い出せる人もいるかもはれません。

 

最近のミステリーを読む際には、物語の背景を理解する上で、こういった小道具や固有名詞はとても有効です。

100年以上も前のミステリー黄金時代の作品では、こういうものには大抵注釈がついているか、いちいちAIで調べなければわからないものが多いのですが、こうやって普段使っているものが出てくると、やはりその小説は身近に感じられてきます。

ただし、ここ最近の流行ものは、流行廃りのサイクルが早いので、小説に登場させるにはそれなりのセンスが求められそう。

 

読んでいて、なかなか痺れたセンテンスがありました。

 

「太陽が昇り、空は青く、空気には殺人が漂っている」

 

「公の場でどう言おうと、人は殺人が好きだ」

 

「戦いが起きていない場所に目を向けろ。なぜなら戦いの中心はそこだからだ」

 

著者は、本作がミステリー作家としてのデビューになるわけですが、この人のマルチな才能は伊達じゃなさそう。

ちょっとただものではない感じです。

 

いちオスマン!

映画「サムライ」1967年フランス

『サムライ』（原題：Le Samouraï）は、1967年にジャン＝ピエール・メルヴィル監督が手掛けたフレンチ・フィルムノワールの傑作です。

この映画は、孤高の殺し屋ジェフ・コステロ（アラン・ドロン）が主人公。

彼の冷徹なプロフェッショナリズムと孤独な生き様を、スタイリッシュな映像美で描いています。

ジェフのストイックに自己規律を徹底した生き様。

そして、不要なものを限界まで排除した静謐な部屋。

まるで修行僧や侍が死を準備するために過ごす空間のようです。

メルヴィル監督が演出した寡黙な殺し屋の造形は、この映画の後、多くの映画監督や観客に影響を与え続けて行くことになります。

 

ジェフはパリに住む殺し屋で、完璧な計画とアリバイ工作を駆使して粛々と仕事を遂行します。

彼のアリバイ工作に手を貸すのは、この時アラン・ドロンの妻だったナタリー・ドロン。

彼は依頼通りに、ナイトクラブの経営者を射殺します。

しかし、クラブの黒人女性ピアニストに現場から出てきたところを目撃されてしまいます。

ジェフは警察に連行されるも、目撃者たちの証言が曖昧だったために釈放。

ピアニストは、なぜか彼を現場で見たとは言いません。

しかし、警察はジェフをあきらめたわけではありませんでした。

ジェフは警察から執拗に追い続けられる一方で、雇い主からも命を狙われることになります。

最終的にジェフは、自らの運命を受け入れながらも、最後は・・・

その結末は悲劇的でありながらも、ある意味では武士道を体現しています。

 

本作は、台詞が極めて少ない映画です。

その代わりに視覚表現や音楽が効果的に使われ、物語は淡々と進行します。

カラー映画ではありますが、モノクロームに近い色彩設計静で画面がコントロールされていて、必要最低限のジャズ音楽が、映画全体にクールな雰囲気を与えています。

 

冷静沈着で感情をほとんど表に出さないキャラクターを、アラン・ドロンは見事に体現しています。

彼のミステリアスなキャラクターが、この役にはドンピシャリでした。

実はメルヴィルは、主演俳優アラン・ドロンを念頭に置いて、本作の脚本を執筆しています。

いわゆる「あて書き」です。

 

ドロンの人気は、アメリカよりも日本において絶大でした。

そのためか、日本贔屓で知られるドロンの自宅には、実際に侍の槍や刀剣が飾られており、それが本作のタイトルにも影響したとも言われています。

 

メルヴィルは、アメリカのフィルムノワールやギャング映画から大きな影響を受けました。

彼は1930年代から1940年代のハリウッドギャング映画やフィルムノワールをこよなく愛しており、それらの象徴的な要素を本作に積極的に取り入れています。

例えば、主人公ジェフのトレンチコートとフェドラ帽は、アメリカギャング映画でよく見られる典型的な衣装をフランス風に流用。

そして、ハンフリー・ボガードが体現した「行動が語る」スタイルを徹底的に採用し、それを際立たせるために、台詞を最小限に抑えたわけです。

この手法により、観客はセリフよりも、キャラクターの動作や視覚的な手がかりに神経を集中するようになり、これが物語全体に絶妙な緊張感をもたらしています。

 

ジャン＝ピエール・メルヴィルも、アラン・ドロン同様、東洋哲学、とりわけ侍精神や武士道から大きなインスピレーションを得ていました。

彼の殺し屋としての行動は多分に儀式的であり、一切の無駄を省いたミニマリズムな行動様式は、禅や東洋思想を彷彿とさせ、装飾を排除し、無駄を排した生き方は、武士道における内面的探求に通じるものがあります。

これは武士道の核心である「名誉」「忠誠」「自己犠牲」といった価値観を反映しており、彼が単なる雇われ殺し屋以上の存在として描かれているわけです。

 

そもそも、フランスという国は、ありがたいことに、日本文化に対して、昔から多大なリスペクトを持っていてくれました。

黒澤明や小津安二郎のディープなファンが、フランス人に多いのは有名な話です。

 

遡れば、19世紀のフランスで一大ムーヴメントになったジャポニスムは、単なる異国趣味を超え、芸術における「視覚革命」として機能しました。

モネが《ラ・ジャポネーズ》で描いた団扇や、ゴッホが《花咲く梅の木》で模した浮世絵の平面性は、遠近法の破壊などという単純なものではなく「時間の可視化」を追求した点で革命的でした。

フランスの画家たちは、あの浮世絵の大胆にデフォルメされた構図に、度肝を抜かれたわけです。

 

フランス庭園の幾何学性と枯山水の抽象性も、自然の「再構築」という点では共通します。

ヴェルサイユのオランジェリーと桂離宮が共に「人工的自然の劇場」であることは実に示唆的です。

 

まったく異質のものと思われる、茶道の「型」とバレエの「ポジション」も、形式の極致化から生まれる自由を追求しているという点では通じるものがあります。

ルノワールが《ムーラン・ド・ラ・ギャレット》で描いた瞬間の煌めきは、千利休の「一期一会」そのものです。

 

1867年パリ万博で徳川昭武が披露した「江戸のテクノロジー」（からくり人形や自在置物）は、「機械化時代のアナクロニズム」として衝撃を与えました。

これは単なる技術驚異ではなく、「機能美と遊戯性の融合」というフランス的感性（アール・デコの源流）に訴えるものでした。

現代のフランスにおけるロボット工学と伝統工芸の融合志向は事実上この延長線上にあります。

 

フランス人の日本文化に対するリスペクトの本質は、「他者を通じた自己の再発見」という相互鏡像関係にあります。

フランス人が日本の茶碗に「不完全の美」を見出すとき、実は自らのゴシック建築が孕む「計算された非対称性」を再認識しているのです。

両文化の対話は、オリエンタリズムを超え、「文明批評の方法論」そのものを更新し続けています。

 

ある意味では、日本文化を、日本人以上に深い次元で共感してくれているのがフランス人かもしれません。

しかし、同時に自国の文化に対するプライドの高さが世界一なのもフランス人。

メルヴィル監督が本作で描こうとしたサムライ・スピリッツは、基本メイド・イン・フランスです。

 

映画の冒頭で語られるナレーションはこうでした。

 

「侍の孤独は、ジャングルの虎の孤独に次ぐものだ」

 

これは、日本の武士道に関する書物からの引用ではありません。あくまでも、メルヴィル監督の創作。

ジェフが、扉の横の鏡を見て、帽子のつばを触ってから出ていくというお決まりのシーンも、監督のクセをそのまま流用したもの。

フランス人のフィルターを通して描かれる日本文化の消化具合は、しっかりと見極めるべきでしょう。

 

『サムライ』はフランス・ヌーヴェルヴァーグの流れとは明らかに異なる文脈で登場し、あえて「古典主義的」なアプローチとしても注目されました。

その結果、この作品は伝統と革新を融合させた作品として評価されることになったわけです。

 

フランス語辞書には「サムライ（samouraï）」という単語の簡潔な定義や歴史的背景がきちんと記載されています。

侍が日本の封建時代における武士階級であり、主君に仕える戦士であったことなどがきちんと説明されているわけです。

では、日本人はフランスの文化をどう評価していたのか。

そういえば日本にも、フランス人を主人公にした大ヒット漫画「ベルサイユの薔薇」がありましたね。

あの漫画で描かれたマリー・アントワネットは、フランス人にはどう映っていたのでしょうか。

 

日本の漫画文化も、やはりフランス人にとっては、アンドレないかも。や

映画「サムライ」1967年フランス

『サムライ』（原題：Le Samouraï）は、1967年にジャン＝ピエール・メルヴィル監督が手掛けたフレンチ・フィルムノワールの傑作です。

この映画は、孤高の殺し屋ジェフ・コステロ（アラン・ドロン）が主人公。

彼の冷徹なプロフェッショナリズムと孤独な生き様を、スタイリッシュな映像美で描いています。

ジェフのストイックに自己規律を徹底した生き様。

そして、不要なものを限界まで排除した静謐な部屋。

まるで修行僧や侍が死を準備するために過ごす空間のようです。

メルヴィル監督が演出した寡黙な殺し屋の造形は、この映画の後、多くの映画監督や観客に影響を与え続けて行くことになります。

 

ジェフはパリに住む殺し屋で、完璧な計画とアリバイ工作を駆使して粛々と仕事を遂行します。

彼のアリバイ工作に手を貸すのは、この時アラン・ドロンの妻だったナタリー・ドロン。

彼は依頼通りに、ナイトクラブの経営者を射殺します。

しかし、クラブの黒人女性ピアニストに現場から出てきたところを目撃されてしまいます。

ジェフは警察に連行されるも、目撃者たちの証言が曖昧だったために釈放。

ピアニストは、なぜか彼を現場で見たとは言いません。

しかし、警察はジェフをあきらめたわけではありませんでした。

ジェフは警察から執拗に追い続けられる一方で、雇い主からも命を狙われることになります。

最終的にジェフは、自らの運命を受け入れながらも、最後は・・・

その結末は悲劇的でありながらも、ある意味では武士道を体現しています。

 

本作は、台詞が極めて少ない映画です。

その代わりに視覚表現や音楽が効果的に使われ、物語は淡々と進行します。

カラー映画ではありますが、モノクロームに近い色彩設計静で画面がコントロールされていて、必要最低限のジャズ音楽が、映画全体にクールな雰囲気を与えています。

 

冷静沈着で感情をほとんど表に出さないキャラクターを、アラン・ドロンは見事に体現しています。

彼のミステリアスなキャラクターが、この役にはドンピシャリでした。

実はメルヴィルは、主演俳優アラン・ドロンを念頭に置いて、本作の脚本を執筆しています。

いわゆる「あて書き」です。

 

ドロンの人気は、アメリカよりも日本において絶大でした。

そのためか、日本贔屓で知られるドロンの自宅には、実際に侍の槍や刀剣が飾られており、それが本作のタイトルにも影響したとも言われています。

 

メルヴィルは、アメリカのフィルムノワールやギャング映画から大きな影響を受けました。

彼は1930年代から1940年代のハリウッドギャング映画やフィルムノワールをこよなく愛しており、それらの象徴的な要素を本作に積極的に取り入れています。

例えば、主人公ジェフのトレンチコートとフェドラ帽は、アメリカギャング映画でよく見られる典型的な衣装をフランス風に流用。

そして、ハンフリー・ボガードが体現した「行動が語る」スタイルを徹底的に採用し、それを際立たせるために、台詞を最小限に抑えたわけです。

この手法により、観客はセリフよりも、キャラクターの動作や視覚的な手がかりに神経を集中するようになり、これが物語全体に絶妙な緊張感をもたらしています。

 

ジャン＝ピエール・メルヴィルも、アラン・ドロン同様、東洋哲学、とりわけ侍精神や武士道から大きなインスピレーションを得ていました。

彼の殺し屋としての行動は多分に儀式的であり、一切の無駄を省いたミニマリズムな行動様式は、禅や東洋思想を彷彿とさせ、装飾を排除し、無駄を排した生き方は、武士道における内面的探求に通じるものがあります。

これは武士道の核心である「名誉」「忠誠」「自己犠牲」といった価値観を反映しており、彼が単なる雇われ殺し屋以上の存在として描かれているわけです。

 

そもそも、フランスという国は、ありがたいことに、日本文化に対して、昔から多大なリスペクトを持っていてくれました。

 

遡れば、19世紀のフランスで一大ムーヴメントになったジャポニスムは、単なる異国趣味を超え、芸術における「視覚革命」として機能しました。

モネが《ラ・ジャポネーズ》で描いた団扇や、ゴッホが《花咲く梅の木》で模した浮世絵の平面性は、遠近法の破壊などという単純なものではなく「時間の可視化」を追求した点で革命的でした。

フランスの画家たちは、あの浮世絵の大胆にデフォルメされた構図に、度肝を抜かれたわけです。

 

フランス庭園の幾何学性と枯山水の抽象性も、自然の「再構築」という点では共通します。

ヴェルサイユのオランジェリーと桂離宮が共に「人工的自然の劇場」であることは実に示唆的です。

 

まったく異質のものと思われる、茶道の「型」とバレエの「ポジション」も、形式の極致化から生まれる自由を追求しているという点では通じるものがあります。

ルノワールが《ムーラン・ド・ラ・ギャレット》で描いた瞬間の煌めきは、千利休の「一期一会」そのものです。

 

1867年パリ万博で徳川昭武が披露した「江戸のテクノロジー」（からくり人形や自在置物）は、「機械化時代のアナクロニズム」として衝撃を与えました。

これは単なる技術驚異ではなく、「機能美と遊戯性の融合」というフランス的感性（アール・デコの源流）に訴えるものでした。

現代のフランスにおけるロボット工学と伝統工芸の融合志向は事実上この延長線上にあります。

 

フランス人の日本文化に対するリスペクトの本質は、「他者を通じた自己の再発見」という相互鏡像関係にあります。

フランス人が日本の茶碗に「不完全の美」を見出すとき、実は自らのゴシック建築が孕む「計算された非対称性」を再認識しているのです。

両文化の対話は、オリエンタリズムを超え、「文明批評の方法論」そのものを更新し続けています。

 

ある意味では、日本文化を、日本人以上に深い次元で共感してくれているのがフランス人かもしれません。

しかし、同時に自国の文化に対するプライドの高さが世界一なのもフランス人。

メルヴィル監督が本作で描こうとしたサムライ・スピリッツは、基本メイド・イン・フランスです。

 

映画の冒頭で語られるナレーションはこうでした。

 

「侍の孤独は、ジャングルの虎の孤独に次ぐものだ」

 

これは、日本の武士道に関する書物からの引用ではありません。あくまでも、メルヴィル監督の創作。

ジェフが、扉の横の鏡を見て、帽子のつばを触ってから出ていくというお決まりのシーンも、監督のクセをそのまま流用したもの。

フランス人のフィルターを通して描かれる日本文化の消化具合は、しっかりと見極めるべきでしょう。

 

『サムライ』はフランス・ヌーヴェルヴァーグの流れとは明らかに異なる文脈で登場し、あえて「古典主義的」なアプローチとしても注目されました。

その結果、この作品は伝統と革新を融合させた作品として評価されることになったわけです。

 

フランス語辞書には「サムライ（samouraï）」という単語の簡潔な定義や歴史的背景がきちんと記載されています。

侍が日本の封建時代における武士階級であり、主君に仕える戦士であったことなどがきちんと説明されているわけです。

では、日本人はフランスの文化をどう評価していたのか。

そういえば日本にも、フランス人を主人公にした大ヒット漫画「ベルサイユの薔薇」がありましたね。

あの漫画で描かれたマリー・アントワネットは、フランス人にはどう映っていたのでしょうか。

 

日本の漫画文化も、やはりフランス人にとっては、アンドレないかも。や

映画「サムライ」1967年フランス

『サムライ』（原題：Le Samouraï）は、1967年にジャン＝ピエール・メルヴィル監督が手掛けたフレンチ・フィルムノワールの傑作です。

この映画は、孤高の殺し屋ジェフ・コステロ（アラン・ドロン）が主人公。

彼の冷徹なプロフェッショナリズムと孤独な生き様を、スタイリッシュな映像美で描いています。

ジェフのストイックに自己規律を徹底した生き様。

そして、不要なものを限界まで排除した静謐な部屋。

まるで修行僧や侍が死を準備するために過ごす空間のようです。

メルヴィル監督が演出した寡黙な殺し屋の造形は、この映画の後、多くの映画監督や観客に影響を与え続けて行くことになります。

 

ジェフはパリに住む殺し屋で、完璧な計画とアリバイ工作を駆使して粛々と仕事を遂行します。

彼のアリバイ工作に手を貸すのは、この時アラン・ドロンの妻だったナタリー・ドロン。

彼は依頼通りに、ナイトクラブの経営者を射殺します。

しかし、クラブの黒人女性ピアニストに現場から出てきたところを目撃されてしまいます。

ジェフは警察に連行されるも、目撃者たちの証言が曖昧だったために釈放。

ピアニストは、なぜか彼を現場で見たとは言いません。

しかし、警察はジェフをあきらめたわけではありませんでした。

ジェフは警察から執拗に追い続けられる一方で、雇い主からも命を狙われることになります。

最終的にジェフは、自らの運命を受け入れながらも、最後は・・・

その結末は悲劇的でありながらも、ある意味では武士道を体現しています。

 

本作は、台詞が極めて少ない映画です。

その代わりに視覚表現や音楽が効果的に使われ、物語は淡々と進行します。

カラー映画ではありますが、モノクロームに近い色彩設計静で画面がコントロールされていて、必要最低限のジャズ音楽が、映画全体にクールな雰囲気を与えています。

 

冷静沈着で感情をほとんど表に出さないキャラクターを、アラン・ドロンは見事に体現しています。

彼のミステリアスなキャラクターが、この役にはドンピシャリでした。

実はメルヴィルは、主演俳優アラン・ドロンを念頭に置いて、本作の脚本を執筆しています。

いわゆる「あて書き」です。

 

ドロンの人気は、アメリカよりも日本において絶大でした。

そのためか、日本贔屓で知られるドロンの自宅には、実際に侍の槍や刀剣が飾られており、それが本作のタイトルにも影響したとも言われています。

 

メルヴィルは、アメリカのフィルムノワールやギャング映画から大きな影響を受けました。

彼は1930年代から1940年代のハリウッドギャング映画やフィルムノワールをこよなく愛しており、それらの象徴的な要素を本作に積極的に取り入れています。

例えば、主人公ジェフのトレンチコートとフェドラ帽は、アメリカギャング映画でよく見られる典型的な衣装をフランス風に流用。

そして、ハンフリー・ボガードが体現した「行動が語る」スタイルを徹底的に採用し、それを際立たせるために、台詞を最小限に抑えたわけです。

この手法により、観客はセリフよりも、キャラクターの動作や視覚的な手がかりに神経を集中するようになり、これが物語全体に絶妙な緊張感をもたらしています。

 

ジャン＝ピエール・メルヴィルも、アラン・ドロン同様、東洋哲学、とりわけ侍精神や武士道から大きなインスピレーションを得ていました。

彼の殺し屋としての行動は多分に儀式的であり、一切の無駄を省いたミニマリズムな行動様式は、禅や東洋思想を彷彿とさせ、装飾を排除し、無駄を排した生き方は、武士道における内面的探求に通じるものがあります。

これは武士道の核心である「名誉」「忠誠」「自己犠牲」といった価値観を反映しており、彼が単なる雇われ殺し屋以上の存在として描かれているわけです。

 

そもそも、フランスという国は、ありがたいことに、日本文化に対して、昔から多大なリスペクトを持っていてくれました。

 

遡れば、19世紀のフランスで一大ムーヴメントになったジャポニスムは、単なる異国趣味を超え、芸術における「視覚革命」として機能しました。

モネが《ラ・ジャポネーズ》で描いた団扇や、ゴッホが《花咲く梅の木》で模した浮世絵の平面性は、遠近法の破壊などという単純なものではなく「時間の可視化」を追求した点で革命的でした。

フランスの画家たちは、あの浮世絵の大胆にデフォルメされた構図に、度肝を抜かれたわけです。

 

フランス庭園の幾何学性と枯山水の抽象性も、自然の「再構築」という点では共通します。

ヴェルサイユのオランジェリーと桂離宮が共に「人工的自然の劇場」であることは実に示唆的です。

 

まったく異質のものと思われる、茶道の「型」とバレエの「ポジション」も、形式の極致化から生まれる自由を追求しているという点では通じるものがあります。

ルノワールが《ムーラン・ド・ラ・ギャレット》で描いた瞬間の煌めきは、千利休の「一期一会」そのものです。

 

1867年パリ万博で徳川昭武が披露した「江戸のテクノロジー」（からくり人形や自在置物）は、「機械化時代のアナクロニズム」として衝撃を与えました。

これは単なる技術驚異ではなく、「機能美と遊戯性の融合」というフランス的感性（アール・デコの源流）に訴えるものでした。

現代のフランスにおけるロボット工学と伝統工芸の融合志向は事実上この延長線上にあります。

 

フランス人の日本文化に対するリスペクトの本質は、「他者を通じた自己の再発見」という相互鏡像関係にあります。

フランス人が日本の茶碗に「不完全の美」を見出すとき、実は自らのゴシック建築が孕む「計算された非対称性」を再認識しているのです。

両文化の対話は、オリエンタリズムを超え、「文明批評の方法論」そのものを更新し続けています。

 

ある意味では、日本文化を、日本人以上に深い次元で共感してくれているのがフランス人かもしれません。

しかし、同時に自国の文化に対するプライドの高さが世界一なのもフランス人。

メルヴィル監督が本作で描こうとしたサムライ・スピリッツは、基本メイド・イン・フランスです。

 

映画の冒頭で語られるナレーションはこうでした。

 

「侍の孤独は、ジャングルの虎の孤独に次ぐものだ」

 

これは、日本の武士道に関する書物からの引用ではありません。あくまでも、メルヴィル監督の創作。

ジェフが、扉の横の鏡を見て、帽子のつばを触ってから出ていくというお決まりのシーンも、監督のクセをそのまま流用したもの。

フランス人のフィルターを通して描かれる日本文化の消化具合は、しっかりと見極めるべきでしょう。

 

『サムライ』はフランス・ヌーヴェルヴァーグの流れとは明らかに異なる文脈で登場し、あえて「古典主義的」なアプローチとしても注目されました。

その結果、この作品は伝統と革新を融合させた作品として評価されることになったわけです。

 

フランス語辞書には「サムライ（samouraï）」という単語の簡潔な定義や歴史的背景がきちんと記載されています。

侍が日本の封建時代における武士階級であり、主君に仕える戦士であったことなどがきちんと説明されているわけです。

では、日本人はフランスの文化をどう評価していたのか。

そういえば日本にも、フランス人を主人公にした大ヒット漫画「ベルサイユの薔薇」がありましたね。

あの漫画で描かれたマリー・アントワネットは、フランス人にはどう映っていたのでしょうか。

 

日本の漫画文化も、やはりフランス人にとっては、アンドレないかも。や

読書「ルビンの壺が割れた」宿野かほる

 

ページ数にて155頁。

およそ3時間ほどで、ミステリーの醍醐味である「あっと驚く展開」を、都合3度も味わえるという意味では、本作はお薦めの一冊です。

 

本作は、2017年に新潮社から刊行された衝撃的な作品で、SNSを通じて再会したかつての恋人同士のやり取りを描いた中編小説です。

物語は、主人公・水谷一馬が、Facebookで偶然見つけた大学時代の元恋人・未帆子にメッセージを送るところからスタート。

実はこの二人、30年前に結婚を約束していたということがすぐに明らかになります。

ですが、未帆子が結婚式前日に失踪したことで、関係が途絶えていたという経緯が自然に明らかになってきます。

どこか、互いの本意を探り合うような、ぎこちないやり取りから始まった二人の交流は、次第に変化していき、やがて過去の真実や二人の関係が徐々に明らかになっていくという展開。

一見、元恋人同士のノスタルジー溢れる心の交流に見えるやりとりは、Facebook を通しての往復書簡形式で展開されていきます。

本作はなんと全編がこのやり取りで構成されており、事件を捜査する警察の介入もなければ、事件を推理する名探偵の登場もありません。

あるのは、メッセージのやり取りをする当事者同士のスリリングな感情の変化のみ。

 

タイトルにある「ルビンの壺」は、記憶の片隅で覚えている方も多いのではないでしょうか。

1915年頃にデンマークの心理学者エドガー・ルビン博士が考案した多義図形（反転図形）の一種です。

この図形は、白黒の二色で描かれた図形で、その白い部分を見ると中央に壺（盃）が浮かび上がり、黒い部分を見ると左右から向かい合う2人の横顔が見えるというお馴染みのあれです。

その壺が「割れた」というわけですから、読み始める前から、そこにはなにやら物語の核心に迫るようなテーマが隠されているだろうとこちらは睨みます。あるいは、そこから既にミスリードか？

 

最初は、中年男女の2人の文章でのやりとりがゆったりとしたペースで進みます。

すると案の定、物語は中盤以降、怒涛の展開。

こちらが想像していたゴールはことごとく裏切られていきます。

読み終わってから、思わず読み返してみると、登場人物や出来事には、視点を変えれば複数の解釈が可能という作りになっているあたりが、この作者の油断も隙もないところ。

何者だろうと思って調べてみると、なんと覆面作家とのこと。つまり作者の存在自体がルビンの壺に組み込まれているわけです。

小説としては、短いながらも、なかなか中身の濃い、多重構造になった作品です。

 

ちなみに、僕ももちろんFacebokの利用者です。

 

Facebookは、2004年2月4日にハーバード大学の学生マーク・ザッカーバーグと彼のルームメイトたちによって設立されました。

当初は、ハーバード大学内の学生同士をつなぐためのプラットフォームとしてスタート。

その後、他の大学や企業にも拡大し、2006年には13歳以上で有効なメールアドレスを持つ全ての人が利用可能になりました。

Facebookは急速に成長し、2007年には世界で最も人気のあるSNSプラットフォームとなりました。

その後も「ニュースフィード」や「いいね！」ボタンなどの革新的な機能を追加。

日本では2008年に導入されましたが、匿名性が好まれる日本の文化やプライバシーへの懸念から普及は他国ほど進みませんでした。

特に実名登録制が日本人ユーザーにとって障壁となり、初期の成長は緩やかでした。

しかし、2011年の東日本大震災を契機に利用者が増加し、その後もビジネス用途や趣味のグループ活動などで一定の支持を得ています。

現在、僕自身の名前も実名で登録されており、投稿にリアクションしてくれるのも、すべて知人たちのみ。

時々、友人承認のリクエストを送ってくる謎の「美人」たちは、おしなべて、どこか日本語が変なのでスルーしています。

 

時折、「知り合いかも」というコーナーに、知った顔が登場するのがなかなかのクセモノ。

これは、本人たちからのリクエストがあったからではなく、Facebook の中に仕込まれているアルゴリズムによる自動選出のようです。

最も一般的な要因は、共通の友達がいる場合。続いて、同じ学校、職場、現在の居住地など、プロフィール情報が一致している場合。共通の趣味・関心がある場合も影響するようです。

なので、悩ましいのは、関係が微妙だった知り合いまで、笑顔で微笑みかけてくるので、苦笑いということも多々あるわけです。

つまり、これはFacebookならではの、原則「実生活で使用している名前」をアカウントに登録することが求められているからこそ出来る「余計なおせっかい」ということ。

つまり、非匿名性をあえて担保することで、プラットフォームのモラル低下や「荒れる」展開を防いでいるわけで、これにより、プラットフォームの信頼性を高め、コミュニティの安全性を確保しているわけです。

 

故に、統計によれば、Facebook の利用者は、24歳以下の若年層よりも、30代の現役ビジネス・パーソンの利用者の方が多いとのこと。

僕の周りでも、高年齢のユーザーが、このプラットフォームを結構利用しています。

やはり、若者たちは、ある程度の刺激を求めて、匿名でいいたいことを言えたり、画像や動画を発信できるTiktok や Instagramを好んで選ぶようです。

 

本作では、中年男女二人によるメッセージのやり取りという物語構成になっていますが、話の中にメール・アドレスを交換しているという描写はなかったの(住所を教えてというのはありましたが)で、プラットフォーム内の個人連絡ツールであるMessenger を利用しているものと勝手に判断していますが、このツールで、あれだけの長文のやり取りをするというのはやや難があるところ。

普通に考えて、2～3行の簡単な文章に、絵文字くらいの簡単なコメントのやりとりを想定して作られているコミニュケーション・ツールです。

 

しかしながら、仮にもミステリー小説を構築しようとするのに、絵文字多用のしゃべり言葉中心の文章になってしまうのでは、文章を生業とする推理作家としては忸怩たる思いもあるでしょう。

その意味では、最先端(?)のSNSを利用しているにもかかわらず、二人のやりとりが、僕ら世代には、昔懐かしい手紙文体の言い回しになっているあたりはやや苦笑い。

でもそれは、本作を執筆するにあたり、作者自身がある程度の高齢者層をターゲットにした上で練った戦略だったかもしれません。

 

もしも、僕のFacebook の「知り合いかも」に、美しい容姿に盛った昔の彼女が出てきたらどうするか。

ちょっと、そんなことを想像してみます。

やはりドキリとはするでしょうが、すぐに自分の姿を鏡で見てニヤリでしょうね。

 

「おっと危ない。ルビンの壺が割れるところだった。」

 

今や、時代は進んでSNSプラットフォームの中心は、なんといってもLine です。

前期高齢者となった自分でも、個人的なやり取りはすべてこれで集中管理しています。

もしかしたら、今頃どこかで新しいセンスを持った若い覆面作家が、Line のやりとりをそのままミステリーに構成した作品を、スマホの音声入力で執筆しているかもしれません。

 

ついていけるかどうかやや心配ですが、まぁ、それはそれで「いいね！」とポチリ。

 

 

 

読書「ビッグ・ボウの殺人」イズレイル・ザングウィル

 

密室殺人のルーツとなると、どの辺まで遡るものかと思い立ち、いろいろと調べてみました。

ミステリーのファンにとっては、それは世界最初のミステリー小説「モルグ街の殺人」であることは常識。

但し、この作品は短編小説です。

そこで、今回探したのは、密室殺人を扱った長編小説。

ミステリー史においてこの分野で傑作の誉れ高いのは、ガストン・ルルーの「黄色い部屋の謎」。

これが1907年でした。

アメリカの推理作家ジョン・ディクスン・カーがカーター・ディクスン名義で1938年に発表した密室ものが「ユダの窓」。

この2冊の傑作長編は、去年すでに読了済みです。

それよりもっと前の作品はないかAI にリサーチしてもらったら、すぐにこの作品を教えてくれました。

作者は、イズレイル・ザングウィル（Israel Zangwill、1864年1月21日 - 1926年8月1日）。

恥ずかしながら、このリサーチで初めて知った方です。

この人は、イギリスの作家、劇作家、そして政治活動家であり、特にユダヤ人の生活やシオニズム運動に深く関わった人物として知られているとのこと。

ユダヤ人コミュニティの生活を描写した作品を何冊か著しているのですが、同時に推理小説もいくつか書いているという才人ですね。

 

本作はが発表されたのは、1892年。

ですから、シャーロック・ホームズの活躍した時代とほぼ重なります。

ちなみに、ホームズ・シリーズでの密室モノとして有名な「まだらの紐」も同じ年に発表されています。

本作は、密室殺人をメインにした長編(中編?)としては、最初期の作品といえるでしょう。

この作品は、ロンドン東部の労働者階級地区であるボウを舞台に展開され、ヴィクトリア朝時代の社会的背景を踏まえながら進行します。

スモッグに霞んだ空、ガス灯の仄暗い光、馬車の列、ゴシック様式の建物、馬車の蹄の音、街頭で叫ぶ売り声。

ホームズ・シリーズでおなじみの、あのロンドンが舞台です。

 

物語は、未亡人で下宿屋を営むドラブダンプ夫人がちょっと寝坊した朝、下宿人で労働者階級の権利擁護者として知られるアーサー・コンスタントを起こそうとするところから始まります。

しかし、彼女が何度呼びかけても応答がなく、不安になった彼女は近所に住む退職刑事ジョージ・グロッドマンに助けを求めます。嫌な予感に怯えるドラブダンプ夫人。

夫人に促されてグロッドマンが部屋の扉を破ると、内部は鍵と内側から掛けられたボルトで完全に閉ざされており、その中でコンスタントが喉を切られて死亡しているのが発見されます。

そして、その部屋からは凶器が見つかりません。

果たしてアーサー・コンスタンスは、自殺をしたのか?  殺されたのか?

ビッグ・ボウで起きた事件の噂は、たちまちロンドン中に、広がっていきます。

 

事件の調査にはグロッドマンとスコットランドヤードの現役刑事エドワード・ウィンプが関与しますが、二人は互いに反目し合うライバル同士。

容疑者として浮上したトム・モートレイクは、被害者と前夜に口論していたことが判明しますが、彼にはアリバイもあり捜査は難航します。

 

ちょうど本作が発表された頃、ロンドン東部では、あの有名な切り裂きジャック事件（1888年）などが発生し、治安維持が課題となっていた時期。

当然このあたりの時代背景は、本作の舞台であるイーストエンドにも反映されています。

 

『ビッグ・ボウの殺人』は19世紀末イギリス特有の社会問題や文化的背景を巧みに取り入れています。

1件の密室殺人事件のトリックだけで、長編の尺を引っ張るのはなかなか至難の業。

作者は、読者を飽きさせないよう、ユーモアなどもふんだんに織り交ぜて、この密室事件をどんどん膨らませていきます。

労働者階級と社会的不平等、犯罪と治安問題、科学と合理主義、大衆文学としての娯楽性など、多面的な要素がこの物語には意識的に組み込まれ、ストーリーに深みを与えています。

物語の中盤になると、一気に被害者を中心とした人間関係が広がりだし、読者はこの巧妙なミスリードに混乱させられます。いったい犯人は誰だ?

 

しかし結局、最初の容疑者のモートレイクが警察に捕らえられ、彼は被告席へ。

物語の後半では、この裁判の模様が中心に描かれていきますが、このあたりの展開は「ユダの窓」と一緒ですね。

モートレイクは12人の陪審員に結局有罪の判決を下され、死刑が確定します。

しかし、彼の冤罪を信じて疑わない市民たちが、死刑執行の命令を下す内務大臣の屋敷に押し寄せて・・

 

物質的なトリックだけでは、全編を引っ張るのは難しいと考えた作者は、本作の中でいろいろな仕掛けを用意しています。

ネタバレにならないように、文章からそのニュアンスだけ。

 

「半面の真理を意図的に世間の目にさらしておくのは、世間の目を完全にくらます最も確実な方法なのです。」

 

「ビッグ・ボウの怪事件の鍵は、女性心理なのです。」

 

「見ることは信ずることと諺にありますが、たいていは、信ずることが見ることになるのです。」

 

「人間の目というものは、見たいと思っているものしか見ません。多くの場合、期待している通りにしか見ないのです。」

 

本作のトリックは物理的な仕掛けと心理的な要素を組み合わせた巧妙なものです。

真相が明らかになった時、「黄色い部屋の秘密」のトリックを思わず思い出してしまいました。

密室殺人を扱ったミステリーは、最初期からかなり完成度が高かったといえるでしょう。

読者へのフェアなヒントも十分に含まれており、本作が、後の密室殺人事件を扱った作品に多大な影響を与えているのは確実。

これはネタバレにはならないと思うので言ってしまいますが、本作には、事件を解決する名探偵は登場しません。

モートレイクを裁く裁判官も警察も、結局真実にはたどり着けません。

紹介した意味深なセリフを吐きながら、最後に事件の真相を読者に披露するのは、あっと驚く真犯人その人。

 

これは本当にビッグりしたなボウ!