柿沢謙二ブログ

名曲の風景 檸檬

さだまさしのソロ3枚目のアルバム「私花集 (アンソロジー) 」に収録されている僕の好お気に入り。

1978年リリース。

曲のベースになっているのは、梶井基次郎の小説「檸檬」です。

僕は、小説よりも先にさだまさしの曲の方を聞いていたので、この小説の舞台は、御茶ノ水だとばかり思っていました。

小説の方の舞台は京都の老舗本屋「丸善」。

ちなみに「丸善」は、御茶ノ水にもありますので、それゆえ、歌の舞台に選ばれたのでしょうか。

歌詞に「盗んだ檸檬」というフレーズが出てくるので、ずっと後でこの小説を読んだ時には、「さあ、いつ盗む?」とドキドキしながら読んでいましたが、結局小説では盗みませんでしたね。

 

「喰べかけの檸檬聖橋から放る　　快速電車の赤い色がそれとすれ違う」

 

この曲の歌詞の一部。

この曲を聴くたびに、このイメージが頭に浮かんでいました。

それをイラストにしたのがこれ。

この曲が歌われた当時の快速電車の色は、こんなかんじでしたね。

でも、今は中央線快速は赤いストライプ、総武線快速も黄色のストライプに様変わり。

さだまさしはこの曲を発表するにあたって、聖橋から檸檬を放るのが社会現象になるかなと期待したそうです。

でもその度に、檸檬を盗まれたのでは、近くの八百屋がいい迷惑かも。

学生の頃は、駅前の「丸善」ではなく、神保町の古本屋街を歩くのが好きでした。

映画関係のマニアックな本をよく探してましたね。

僕の場合、神保町へ行く時は、たいてい、御茶ノ水駅から歩きました。

その度に、「スクランブル交差点を斜めに」わたりましたが、ガールフレンドと歩いたことは、残念ながらありません。

「青春たちの姥捨山」と歌われたあの界隈を、僕は買ったばかりの本を抱えていつも歩いていましたね。

まだカラオケなどなかった70年代。

Emで始まるこの曲は、難しいコードもなかったので、よく弾き語りで歌ってました。

時代は移り変わって、今やギターが出来なくてもカラオケで歌えます。

では、拙いカラオケですが、どうぞ。

 檸檬　カラオケ

ヴィヨンの妻 太宰治

オーディオブックで、運転しながら朗読を聞きました。

「ヴィヨンの妻」は、太宰が昭和21年から22年頃にかけて執筆。

放蕩の亭主に振り回されながらも、前向きに生きようとする妻「さっちゃん」の健気な物語。

イラストは、2009年に根岸吉太郎が映画化した『ヴィヨンの妻 〜桜桃とタンポポ〜』のスチールをお手本にしました。

しかしこの映画はまだ未見。

なので、このブログは、小説についての感想ということで、あえて、顔は描きませんでした。

あしからず。

本の挿絵のつもりです。

恥ずかしながら、本屋の息子だった割には、こういう名作はほとんど読んでおりません。

漫画ばっかり読んでおりました。

でも、こういう小説の挿絵を描く人にはなりたかったんですよね。

でも、挿絵書くなら、小説は読んでないと描けないんですけどね。

閑話休題。

さて、ヴィヨンて誰よ。

僕の場合は、まずそこからです。

てなわけで、まず 軽く　Wiki してみました。

調べてみると、フランスの詩人でしたね。フランソワ・ヴィヨン。

かなりヤンチャしていた人のようです。

強盗、障害、殺人までしでかした人ですから、ちょっとヤンチャくらいじゃ、すまないかもしれません。

かなりヤバい人。

15世紀のひとです。

放蕩詩人というより、暴走詩人ですな。

この物語の、作家のご主人も、かなり危うい人ですが、ご存知の通り、太宰も、無頼派と言われるように、堕落志望の危うい作家。

この「さっちゃん」の夫・大谷には、色濃く自分自身反を投影させているとみて間違いないでしょう。

とといいますか、プロフィールがまるで太宰ですよね。

こりゃ「さっちゃん」もいい迷惑です。

先頃、直木賞を受賞した漫才コンビ・ピースの又吉直樹然り、純文学をこころざす人たちには、なぜか神格化されているのがこの太宰治という作家。

彼の作品は、本作以外には、高校の現代国語の教科書に載っていた「走れメロス」しか読んでおりませんので、偉そうなことは言えませんが、なにか、こんな乱れた私生活を送っていても、自分は小説家なんだからいいだろう言われているようで、僕はあまりいい気がしないんですよね。

それもこれもみんな、自分の小説家としての肥やしになるんだよ。

そんなこと、彼はもちろん言っていないんでしょうが、そう聞こえてしまうものはしょうがない。

おいおい、太宰さん。

あんたが、そんなに自堕落なのは、小説のため?

しかし、そういう私生活の中から、「斜陽」「人間失格」「富嶽百景」なんていう傑作も生まれているわけですから、その良し悪しは、ちょっと微妙なところ。

でも、プロフィール読む限り、こんなめちゃめちゃな私生活でも許されちゃう職業って、やはり小説家くらいなものでしょうか。

要するに、作品もしくは芸を生業にしている人は強いということです。

そういう人は、自分はどうしようもなくても、創作した作品で評価される道が残っているからです。

クスリやっても、不倫しても、作品で勝負できる人はしぶとく生き残るもの。

そこへいくと、バラエティでお茶を濁す程度の、キャラだけで売っているタレントなんて、スキャンダル一発であっという間に沈んでしまいます。

よほどしたたかでないと、そこからまた浮き上がるのは至難の技。

まさに芸は身を助けるです。

そこへいくと、作家でも食べていける又吉直樹先生は大丈夫そうですね。

多少羽目を外しても、得意の筆で、それを肥やしにした作品を発表すれば、復活は容易いというもの。

でも、その相方の綾部くんは厳しいかな。

いかにも、女関係で羽目を外しそうですが、やっちゃったら最後、世間の目は厳しそう。

でも、それはしょうがない。

それが、芸のないタレントの辛いところです。

せめて、又吉先生に見捨てられないように、ついていくしかありませんね。

それがダメなら、あともう一つの方法があります。

それは「ヴィヨンの妻」を娶ること。

 がんばって。

 

名曲の風景 海を見ていた午後

「

 

「海を見ていた午後」は、ユーミンがまだ荒井由実だった頃の名曲。

1974年発売の彼女のセカンドアルバム「ミスリム」に収録されています。

歌詞にある「山手のドルフィン」は、今も現存するレストラン。

当時と同じ、JR根岸駅から10分ほど高台に登った場所にあります。

今でも、この名曲の雰囲気に浸りたいというユーミン・ファンが訪れるそう。

ただ、窓から見える景色は大きく変わってしまつているようです。

「ソーダ水の中を貨物船が通る」

懐かしい、この歌詞をそのままイラストにしてみたくなりました。

製作は、iPad。

ついでに調子に乗って、カラオケも収録。

これもiPad。

オヤジの道楽で申し訳ない。

 

海を見ていた午後　カラオケ

ドラマ「罪人の嘘」

 

WOWOWのオリジナルドラマ。

2014年の作品。

主演は、伊藤英明。ヒロインに木村佳乃。

このお二人、2016年には「僕のヤバい妻」で再び共演。

これは、大当たりしました。まだ見てませんが。

さて、この作品では、伊藤英明は、敏腕弁護士。

木村は女医で、二人は施設で育った幼馴染という説定。

幼児期の虐待が、その後の人生に大きな影を落とすという物語は、最近のドラマには、実に多いですなあ。

あれ?

感想のネタは、あったのですが、Mac の前に座ったら忘れてしまいました。?

なんだっけ?

失礼。

映画「海を感じる時」

2014年製作の映画。

原作は、中沢けいのデビュー小説。

1978年に執筆されたものです。

原作者は、僕とほぼ同年代の人。

読んではいないのですが、この小説自体のセンセーションは、本屋の息子としてちゃんと覚えていますね。

現役女子高生が、等身大のセックスをリアルに描写。

今なら、ちょっと間違えれば、ケータイ私小説なんてカテゴリーでくくられてしまうかもしれません。

しかし、原作はちゃんと純文学として扱われ、群像新人文学賞を受賞。

内容が内容ですから、そうそうに映画化されても良さそうなものでしたが、映画になったのは原作発表から36年後でした。

主演は、市川由衣。

この人、清純派アイドルとしてはそろそろ限界と悟ってきたのでしょう。

この作品では、オールヌードも厭わない、腹をくくった体当たり演技。

スケベオヤジとしては、しっかり楽しませてもらいました。

これで、女優としては一皮剥けたというところでしょうか。

相手役は、岩松壮亨。

先日見たドラマ「銀と金」で、はじめて見かけたましたが、彼もまたこの役にはすっぽりと馴染んでおりました。

描写はかなりきわどくても、原作の青春文学テイストを出すために映画の演出は、奇をてらわず淡々と静かに進行。

完全にドラマではない、映画的な演出です。

正直申して、主人公・洋の恵美子に対する突き放した態度には、かなりイライラさせられたのですが、よくよく思い起こしてみると、僕たちが高校生だった頃は、そんなクールさが男としては、かっこいいんだというような風潮が確かにありました。

到底僕には、そんな芸当は逆立ちしてもできなかったのですが、あの頃のモテていた男たちには、共通してそんなスタイルが見受けられました。

「かっこつけてんじゃねえよ」

などと、腹の中では思いつつも、実際それで連中は確かに、もてていましたから、もてない方が文句を言っても始まりません。

僕らの世代は、世の中からはシラケ世代とよく言われたものです。

それは感情的になることを潔しとせず、何事につけてもクールに振る舞うこと。

ですから、当時の大人たちから見れば、それはなんとも可愛げなく映っていたのでしょう。

そしておそらく、そのイライラは、僕がこの映画で感じたものと同質のもの。

時代はめぐるというわけです。

僕らの高校生の頃は、セックスにはまだオープンというわけにはいかない頃で、当然やっている人はいましたが、みんなどこかコソコソとしていました。

案外それも、秀才タイプに多くて、どこか頭でっかちだったような気がします。

ですから、セックスが不純異性交遊ではなく、純文学になってしまうような空気が、あの頃はまだ確かにありましたね。

僕なども、けして奥手ではありませんでしたが、異性交遊は、まずは文通から始めるのが常でした。

さて、スケベオヤジの感想。

 

同じ素材を、AV監督が、コテコテのオジさん好みの、巨乳AV女優を起用して作ったらどんな作品になる?

不謹慎ながら、ちょっと、そんな妄想が頭をよぎりました。

 AV女優のお嬢さんに、もちろん演技力は期待しませんが、でも見てみたいなあ。

残念ながら、この映画の主演女優、少々おっぱいが・・・。

藪の中 芥川龍之介

1922年に発表された芥川龍之介の有名すぎる短編小説。

これを、僕は今回初めて、オーディオブックという形で読みました。

といいますか、聞きましたですね。

なんで、オーディオブックかというと、実は畑作業をしながら聞いたんですね。

短編とはいえ、歴史的傑作ですから、居住まいを正して、しっかりと読書すべきでしょうがさにあらず。

働きながらでも、空いている耳は何かに使いましょうという貧乏根性で聞いた次第。

文学ファンには怒られそうですがご勘弁を。

もちろん、「藪の中」は、作品の情報としては、かなり以前から刷り込まれていました。

なんといっても、あの有名な黒澤明の「羅生門」の原作ということで名高い作品。

そして、物語が関係者の証言だけで構成されるという形態。

その証言が、すべて食い違うという内容。

真相は、あえて提示しないで、未完のまま終了するという斬新さ。

一つの事象を複数の視点から見つめる、内的多元焦点化の手法を確立させた作品。

まあいろいろとね。

これだけこの作品に関して耳年増になっていますと、なんだかすでに読んでいたんじゃないかとも思ってしまいますが、確かに小説として接するのは今回が初めて。

それはやはり、多分に、黒澤明の「羅生門」の影響だと思われます。

黒澤明フリークですから、もちらん、「羅生門」ならなんども見ています。

ですから、この原作を聞いていても、頭に浮かんでくるイメージは、「羅生門」のシーンばかり。

まあ、それもやむなしというところでしょう。

 

この名作「藪の中」は、短編であるにもかかわらず、その衝撃的内容ゆえ、小説本編をはるかに上回る量の研究書が書かれていますよね。

それは、未完のまま終わっているこの「藪の中」の真実はこうだと指摘するものであったり、芥川の本意はこうだと推察するものであったり。

多くの評論家、作家、知識人の知的好奇心を今尚刺激しているわけです。

未完だからこそ、補完したくなる人間のサガでしょう。

では、もしも、芥川がこの物語に、真実を書き加えていたら、「藪の中」の評価はいったいどうなっていたか。

おそらくは、未だに語られ続けるほどの名作としての評価は、与えられなかったのではないか。

僕はちょっとそんな気がしています。

つまりこの物語は、結論がないところが結論。

それが傑作たる由縁なんでしょう。

それでいいんだと思いますね。

芥川はあえて、結論が導き出せないように、登場人物の証言を構成した。

これは明らかに確信犯です。

そして、その謎を読者に対して、投げつけた格好で物語を終了しているからこそ、この短編は読者を惹きつける名作になりえた。

ミステリーの基本は、謎解きの大円団がラストにあってこそ成り立ちますが、それは推理フィクションの世界のお約束。

現実は、そう簡単に何もかもが丸く収まることはない。

すべてのものが、謎を多少なりとも含んだままで、世の中は回っている。

そもそも、人間はなんでもかんでも、答えを知りたがるし、見つけたがる。

それが悪い癖。

多少の謎があったところで、なんの問題があります?

いやむしろ、現実社会はそれでこそ自然というもの。

なにか、この小説を執筆している芥川は、のちのそんな騒動も見越した上で、ニヤニヤしながら筆をとっていたのではないかとさえ思います。

結論や主張を押し付ける物語は、エンターテイメントとしては二流。

読者の知的好奇心を上手に刺激してこそ、極上のエンターテイメントというもの。

そんな、芥川も、この短編を執筆した5年後に、「ぼんやりとした不安」を理由に自殺してしまいます。

話は変わりますが、スタンリー・キューブリックの大傑作「2001年宇宙の旅」。

映画至上、もっとも難解で哲学的と言われたこの作品。

撮影当初は、かなりコンセプトもテーマもはっきりとした映画だったそうです。

その通りに作っていたら、スピルバーグの「未知との遭遇」のような作品になっていたらしい。

しかし、キューブリックは、作り込んでいく過程で、わざとそのはっきりとテーマのわかる描写を削っていったらしいんですね。

つまりわざと、わからない映画にしてしまった。

これも確信犯です。

そして、その結果あの大傑作が出来上がった。

わざとわからなくしているというのは、彼の一流の演出だったというわけです。ました。

その結果、この映画の公開の後には、「藪の中」の出版後と、まったく同じことが起きました。

著名な映画評論家たちは、この映画の難解さに対抗すべく、広辞苑でしかお目にかからないような難しい単語を引っ張り出してきて羅列し、小難しい解釈をつけ、完全に自己陶酔して評論を書いて、評論家ヅラしていました。

おそらくキューブリックは、してやったりと、鼻で笑っていたかもしれません。

謎は謎でいいでしょう。

あえて解決してもなんの問題はない。

なんでもかんでも解決したがるのは、人間の悪い癖。

キュブリックが、「藪の中」を読んでいたかどうかはわかりませんが、どこか通じるものを感じます。

答えを提示する映画よりも、観客に考えさせる映画の方が、作品としては一流。

これは、小説についても、映画についても言えるエンタテイメントの法則かもしれません。

芥川もキューブリックも、一流のクリエイターはちゃんとそれをわかっていた。

そんな気がしますね。

とはいえ、すべてがそんな小説ばかりでは、やはり読者も疲れる。

中にはそんな作品があってもいいというくらいがちょうどいい按配なのでないでしょうか。

ちなみに、映画「羅生門」では、原作の証言の他に、志村喬演じる樵の証言を最後に再度登場させて、とりあえず一応の結論らしき内容を提示します。

しかし、そこにも嘘があるぜと指摘されるのがラスト。

芥川の原作は、真実が混沌としたまま未解決で終了するという、読者にとっては衝撃のラストで終わりますが、映画では、とりあえず、映画的収束があったということですね。

 

ところで、僕が実際に「藪の中」を知ったのは、実はさだましの「印象派」というアルバムに収められていた「検察側の証人」という曲の歌詞で聞いたのが最初。

この曲は、とあるカップルの別れを、それぞれの友人からの視点で語る内容が、そのまま歌詞になっている楽曲。

多元焦点化を駆使した歌詞は、僕の知っている限りではこの曲のみで、その歌詞の最後に「藪の中」という歌詞が出てきます。

アルバムタイトル通り、印象的な曲なので、聞いていない方は、ぜひは聞いてみてくださいませ。

果たして、フォークシンガーさだまさしが、この「一流」の法則を知っているかどうかは、「藪の中」。

ドラマ「ソドムの林檎」

 

2013年製作のWOWOWドラマ。

木嶋佳苗という名前を憶えているでしょうか。

当時は、かなり騒がれ、メディアでも報道されましたね。

結婚詐欺の常習犯で、その挙句の果てに、婚活サイトで知り合った三人の男たちを殺害したという毒婦。

裁判の結果、死刑を宣告されました。

その彼女による首都圏連続不審死事件から着想を得たフィクション作品がこれ。

とにかく、この小太りで不細工なアラフォー女が、男たちにもてたというわけです。

定職も持たないのに、男たちに貢がせたお金で、都内のかなり高級なマンションに住んでいたというのだから女というのはわからない。

貢いだ男たちは、やはり彼女になんらかの魅力を感じていたのでしょう

いろいろと考えさせられる事件でした。

さて、ではこれをいかにドラマにするのか。

複雑な人間を描くのがドラマなのですが、実はドラマには、実に明快で簡単な法則が一つ。

それは、ビジュアルに魅力のある美男美女が主演でなければ、視聴率は取れないということ。

いかに木嶋佳苗が話題性にあふれた素材であるとはいっても、やはり彼女のビジュアルでは、当然ながらドラマの視聴率は取れません。

でも、そんな彼女を、視聴率を取れる美人女優に演じさせたら、内容が内容なだけに、それこそあまりに嘘くさい。

見ている方がシラけます。

ではどうするか。

なるほど、考えましたね。

そこでこのドラマでは、ヒロインを二人登場させます。

一人は、かつてみんなから美人と言われた女の子。

それが交通事故で、顔面に傷を受け、人生が一変してしまう。

父親との近親相姦などの末、自分の過去の痕跡を消して、東京ら出て行く際に、整形手術を受けます。

彼女が医者に言うセリフ。

「ブスにしてください。」

もう一人の女性は、美人の母親に生まれたのに、ちっとも美人ではなく育った女の子。

そのことで辛酸を舐めた彼女もまた整形手術を受けます。

母親の写真を出して、彼女が医者に言うセリフ。

「この人をもっと綺麗にした顔にしてください。」

このまったく対極的な女性二人を、木嶋佳苗の事件に絡めて、女性たちにとっての大きな問題である「美しい」「醜い」というテーマにドラマは切り込みます。

これって、意外に、今までありそうでなかったテーマでした。

そもそもすへてのドラマに共通して言える嘘が、ひとつ。

それは、登場人物がみな不自然にビジュアルが魅力的なこと。

もちろん実際には、そんなことはあり得ないわけです。

視聴率を取るにはやむを得ないのですが、やはりこれが、明らかにドラマからリアリティを奪っていると僕は思っています。こちらからすれば、そんな美男美女が、そう何人も揃うわけがないだろうとう話です。

しかしそうはいっても、ブスが主演のドラマが視聴率を取るとも思えません。

では、このドラマの場合はどうするか。

なんといっても、その「美」と「醜」がテーマとなるドラマです。

キャスティングがキーポイントになるのは必至。

そこで、オファーされたのが寺島しのぶ。。

彼女のキャスティングが絶妙でした。

不細工で小太りのアラフォーという設定を壊さずに、その上で視聴者の関心も損なわないビジュアル。

それがこの役には求められるのですが、彼女は見事にクリアしました。

とにかく、ブスというオファーを断らないのですから、彼女もまた役者としての肝が座っています。

彼女の母親は、言わずと知れた藤純子。現在は、また女優業にもカムバックして、名前改め富司純子。

往年の東映大人気任侠映画「緋牡丹シリーズ」のお竜さんです。

女だてらに片肌脱いで、ヤクザな男たちを向こうに回し、大立ち回りを演じる、小股の切れ上がった姉御。

僕よりもう少し上の世代のおじいちゃんたちが夢中になった東映の看板美人女優でした。

そんな母親をもつ彼女もまた、「美しい」「醜い」ということに関しては、敏感な少女だったかもしれません。

「私は、母親のように華はない。」

彼女がそう思っているかどうかはわかりません。

でも、そんな母親を持ったばかりに、普通の家庭に生まれていれば、もつことのなかったコンプレックスに、彼女が苛まれていても決して不思議ではないでしょう。

彼女が女優になってからは、大胆なラブシーンのある映画にも多く出演。

母親は大反対したようですが、それはつまり母親が女優であれば絶対に受けなかった仕事ということ。

それを受けたというところに、やはり彼女なりの覚悟があったのだという気はします。

自分は母親と同じ舞台の上では戦えない。

そんな思いが彼女にはあったかもしれません。

ましてや、ブスの役なんて、絶対に普通の美人女優なら大スターならやりはしない。もちろん若い頃の母親が受けないことも当然。

ならば、私はやりましょう。

なにかしら、そんなモチベーションが、彼女が演じたこのドラマの主人公にも、心情的にリンクしていたような気がします。

彼女の他に、この役を引き受けるような女優っているかなと考えましたが、ちょっと見当たりませんね。

そして、その対極の、かつてブスだった女の子の方を演じたのは、普通に美人女優の木村文乃。

もちろん、綺麗な女優さんです。

しかし、役柄とは不思議なもので、やはりこの美しさは、整形後の顔というのがわかっていると、これもまた感情移入できないもの。

その意味では、彼女はこのドラマでは、その美しさが逆に仇になって、少々損をしている感じが否めません。

面白いドラマというよりは、興味深いドラマです。

昔から、よくある男に対する質問。

「性格の悪い美人と、性格のいいブス。どっちが好き?」

これに対しては、僕はいつでも躊躇なしにこう答えています。

「もちろん、性格の悪い美人。」

こちらのビジュアルは棚に上げて言わせてもらってますが、これはこの歳になってもまだ揺るがしがたい本音なので、おそらくもう一生変わることはないでしょう。

この先、自分の隣に美人ではない女性が寄り添っていることがあったとしても、それはあくまで妥協の結果ということです。

しょうがない。

世の中には、身分相応というものがあります。

その場合は、自分の器量を恨んで、ひたすら我慢するのみ。

美人妻に恵まれない、世の中の男の大半はそうなのではないでしょうか。

ですから、男の浮気は未来永劫なくならないことも確信しています。

これをコントロールできるのは、やはり理性だけでしょうね。

結婚というセレモニーは、そんな危うい男たちに、覚悟を決めさせる儀式であるとさえ思っています。

まあ、そんなことを言っているから、未だに独り身なのでしょう。

「美人は三日で飽きるが、ブスは三日で慣れる」

こんなこともよく言われますが、僕はこれにも眉唾。

なんだか、もてない男たちの負け惜しみに聞こえてしまいます。

ちなみに、現在の木嶋佳苗被告。

決定的な証拠がない中、検察側の地道な状況証拠の積み重ねと、本人のまるで反省していない言動などから、第一審からの死刑判決が覆されていません。

しかし、彼女はその死刑を回避しようとするどころか、反対に早期執行を願い出ているとのこと。

わかりません。どこか超然としています。

彼女は、収監されている東京拘置所を自身のブログで「小菅ヒルズ」と呼んでいます。

そして、彼女には支援者グループもあり、その差し入れが、また半端ではないとのこと。

そして、極め付けは、こともあろうに、獄中にいながら結婚・離婚・再婚までやってのけてしまったこと。

彼女がその容姿で、いまだにモテ続ける理由は確かに存在するのでしょう。

しかし、僕としては、その理由を理解したいとは思いませんが。

 

ドラマ「銀と金」

アマゾンPrime　で鑑賞したので、昔のドラマなのかと思ったら、今年製作のドラマでした。

製作はテレビ東京。

こちらの原作は、コミック。

僕は、漫画はほとんど読まなくなってしまったので、流行りの漫画には疎いのですが、オリジナルビデオの「闇の帝王　銀と金」というパッケージは見たことがありました。

こちらの主演は中条きよしでしたね。

さて、ドラマの方は、リリー・フランキーが平井銀二を演じます。

主演の森田鉄雄を演じるのは、岩松壮亨。

リリー・フランキーは、本職の役者ではありませんが、善良な市民も演じれば、凄みのあるヒール役もこなす器用な人です。

お話は、裸一貫からマネーゲームで、巨額な金を手にしていく青年の物語。

中でも、しびれるような展開で、手に汗握らせるポーカー編と、麻雀編が秀逸でした。

もちろん、そんな大金をかけてギャンブルをしたことはありませんが、いずれも遊んだ経験はありますのでそこそこ楽しめました。

ギャンブルは強くないという自覚がありますので、プライベートでは、極力近づかないようにしています。

おそらく、勝っているときよりも、負けたときの「引き方」が潔くないような気がするんですね。

まあ、その筋の人たちから見れば、完全にカモの部類に入るでしょう。

ですから、君子危うきに近寄らず。

クワバラクワバラです。 

キャンブルには手を出さないで、こういうドラマを見て楽しむことにいたします。

ドラマ「震える牛」

2012年に放映されたWOWOW製作のドラマ。

主演は三上博史。

監督は、鈴木浩介。

好評を博した「下町ロケット」のスタッフで作った社会派ミステリー。

ベースにあるのは、巷を騒がせたBSE問題と、食品偽装問題でした。

国内ではじめてBSE感染牛がは見つかったのが2001年。

雪印食品、日本ハムの牛肉食品偽装が発覚したのが2002年。

ミートホープ社の食品偽装が発覚したのが2007年。

僕などは、食品偽装などされても、気づかないでたべてしまうクチですから、あまり被害者意識というものはないのですが、嫌な人は嫌なんでしょう。

実際、古い肉と新しい肉の味の差がわかる人なんて、おそらく一握りの食の専門家たちだけ。

大抵の人は、表示を見ないと、その真贋はわからないのだと思います。

それを提供する側もわかっているから、我が国の食品偽装は後を絶たない。

そういう業者の味方をするわけではありませんがも正直もうして、そのあたりのところ、日本人は潔癖すぎる国民という気がします。

あの賞味期限というやつも、正直どうなのという気はしています。

実際、生活レベルの実感では、賞味期限が少々過ぎたくらいで、食べられなくなる食品なんてほとんどありません。。

多少味の劣化はあるにせよ、ちゃんと胃袋には入る。

腹を下したりもしない。

貧乏性な僕としては、それがわかっていて、捨ててしまうのはどうかと考えてしまいます。

あれは「賞味期限」ではなく、「美味しく食べられる期限」です。

ならば、それを食べるか食べないかは、あとは消費者の自己責任。

それでいいのではないでしょうか。

だって、冷蔵庫に入れておくうちに、賞味期限が切れてしまったなんてことは多々ありますよ。

もちろんそうなったら、捨ててしまう人もいるのでしょうが、僕はまず捨てません。

口にして、大丈夫そうなら、味の多少の劣化は気にしません。

それで、お腹こわしても、もちろん文句はいいません。

それよりも、買ってきたものを、食べずに捨てるということの方に罪悪感を感じてしまいます。

お店の方でも、賞味期限が切れたら、廃棄処分にするところがほとんど。

ぼくはむしろ、そちらの方が問題なのではという気がしてしまいます。

だって、日本の食料自給率は40%に満たないわけです。

そんな国が、はたして、そんなもったいないことをやっていてもいいもんだろうか。

そんな気がしてしまいます。

これは贅沢と潔癖という名前の病気ではないか。

日本の食品業界が年間に廃棄する食品で、飢餓で苦しむ人をどれだけ救えるのか。

日本の食品業界は、美味しくて新鮮なものを安く消費者に提供するのが使命でしょう。

それはそれでいいです。間違っちゃいない。

でも、美味しくて新鮮なものは安くなくていいんです。

それが欲しい人は、ちゃんと高いお金を払うべき。

でも高いお金を払えない人は、美味しくなくても新鮮でなくても我慢する。

それが健全な市場原理というものです。

それを、安いものしか買わないくせに、いいものも欲しがるという消費者のわがままな声と消費活動が、生産者たちのモラルをいびつに歪めてしまうのです。

あんたたちにそれがわかるの?

それが生産者たちの偽らざる声ではないでしょうか

「この牛肉は、新鮮ではないので、食品添加物を使用しています。なので格安です。」

そんな食品表示なんてまず見かけません。

でも、僕はむしろそちらの方がはるかに親切だと思いますよ。

いわゆる「ワケあり表示」が、こちらは、お金がないんですから、その理由に納得出来れば承知しようというものです。

それで下痢になったりしなければ、多少の味のけ劣化はいいよというところです。

日本は、現実問題、食品を輸入に頼っている国なのですから、食べ物に対して、もう少し謙虚であるべきだと思いますよ。

それを、お金さえ払えば、捨てようが捨てまいが、文句はないだろうという態度がそもそも不遜というもの。

安くてまずいもの、多少味が劣化してしまったものでも無駄にはしない。

そんな意識の方が、むしろ大切ではないでしょうか。

そして、そうなってしまった素材を、美味しく食べるにはどうすればいいか。

日本という国の立場を真摯に考えれば、むしろそういう技が、もっと出てきていいと思います。

そんなレシピがもっとあっていい。

僕などは、それこそ料理の醍醐味だという気がしてしまいます。

おっと、ドラマの感想のはずが、話は大きくそれてしいました。

失礼。

そうそう、このドラマ、BSEを出してしまう牧場の牧場主役で竜雷太。

彼が、牛肉を下ろす大手スーパーの社長に、小野寺昭が出演。

二人が顔を合わせるシーンはありませんでしたが、僕の世代の視聴者にはニヤリでしょう。

あの「太陽にほえろ!」のゴリさんとデンカですよね。

 

ドラマ「三谷幸喜 short cut」

2012年製作のWOWOWドラマ。

わお、さすが三谷幸喜。これをやってくれていましたか。ニンマリです。

なにがニンマリか。

なんといっても、このドラマの特筆するべきことは、完全ワンシーン・ワンカットで撮られているということ。

これに尽きます。

三谷幸喜は、やはりこの「完全」というところに、こだわったんでしょうね。

ワンシーン・ワンカットで思い出されるのが、あのヒッチコック監督の名作「ロープ」。

1948年の作品です。

ヒッチコックという監督も、こういう挑戦は嫌いではないタイプの監督です。

「ダイヤルMを廻せ」では、3D映画などにもいち早く挑戦しています。

この「ロープ」は、あの当時で、映画丸々一本ワンシーン・ワンカットに挑戦した意欲的作品。

やるならこの人でしょう。さすがヒッチクック。

しかし、これ厳密に言うと「完全」ではありませんでした。

映画の冒頭。タイトルバックの流れるシーンは、部屋から通りを見下ろすショット。

タイトルロールが終わると、そのカメラは、殺人の起こる部屋の窓へパン。

悲鳴が聞こえるところでカットが部屋の中へ変わります。

ですから、ヒッチコックの「ロープ」は、正確に言えば、「ワンシーン・ツーカット」で撮られていました。

さらに、もっともっと、厳密に言ってしまいますと、当時の映画用のカメラは、フィルムが15分程度分しかはいりません。

なので、技術問題として、この映画の尺73分のワンカットというのは当時の映画撮影方法ではまだ無理でした。

そこでヒッチコックは、出演者の背中とか蓋の大写しで、画面が一瞬真っ黒になるカットを意図的に入れて、そこでカメラのフィルムを入れ替え、観客には、ワンシーン・ワンカットに見えるように工夫していた訳です。

もちろん、ヒッチコックファンなら、これは常識。三

もちろんそれを三谷監督が知らない訳がない。

なので、彼は「ワンシーン・ワンカット」の「完全」にこだわったのでしょう。

ヒッチコックの頃には無理だったことが、カメラの進歩で今では可能になった。

ならば、それをやるなら僕しかいないだろう。

三谷監督がそう思ったかどうかは、定かでありませんが、そんな気概がこの作品の全編ににあふれていました。

得てして、自由に撮れる映画よりも、いろいろと制約のある映画の方が、作り手は知恵をしぼるもの。

結果、いい映画ができるという例はたくさんあります。

主演二人の実力が、またそれを可能にしたとも言えましょう。

三谷監督の脚本も秀逸ですが、見ている方は、物語進行そのものよりも、映画をワンカットで撮る様々な工夫にいちいちニヤリ。

「反則」があったら突っ込んでやろうというような気持ちで見ていましたが、映画は見事にラストシーンまで完全ワンカット。

見事でした。

なにか、ギネスの審査員になったような気分で楽しんでいましたね。

コメディ映画でありながら、ワンカットを気にして見ていると、なにやらドキュメントを見ているような気分にもさせられました。

 

さて、そこで次に気になること。

では、はたして、このドラマの中で、どこまでが脚本で、どこまでがアドリブなのか。

今度はそれがやたら気になりだしました

入念なリハーサルは繰り返したと思われますが、はたして撮影がそのとおりにいったのかどうか。

しょうがない。もう一度みるとしますか。