柿沢謙二ブログ

映画「ターミネーター4」2009年アメリカ

正直申して、本作には少々面食らいました。

まず主演が、シュワちゃんではないこと。過去3作におけるシリーズのテンプレートがほぼ踏襲されていないこと。

タイムワープがないこと。ということはつまり、シリーズ定番の裸で登場して洋服をゲットするお馴染みのシーンもありません。

そして、敵方の殺人マシーンも最新型ではないこと、などなど。

ターミネーター・シリーズの4作目を見ているはずが、何か違うSFシリーズを見ているような妙な感覚でした。

しかし、登場人物はジョン・コナーであり、カイル・リースでしたから、間違いなくこのシリーズであることに相違ありません。

 

まずはAI にリサーチしてもらった、本作の興行成績から。

本作は、全世界で3億7000万ドル以上の興行収入を記録しました。

しかし予算は約2億ドルとされているので、興行的には期待されたほどの成功とは言えませんでした。

映画は賛否が分かれる評価を受けています。

特に、このシリーズのコテコテのファンからは期待外れとの声もありましたが、一方で新しいキャラクターやストーリー展開について好意的な意見も存在しました。

元々、この作品は、「スターウォーズ」や「バットマン」のように新たなトリロジーの第一作として計画されていましたが、公開後にハルシオン社が破産したため、その計画は中止。

そんな紆余曲折はあったものの、本作はシリーズの中で重要な位置を占めることになり、未来への道筋を描く作品と捉えることもできます。

 

本作でジョン・コナーを演じたのは、クリスチャン・ベイル。

本作の主役はこの人です。

クリスチャン・ベイルなら、ロートル・ファンでも知っています。

クリストファー・ノーラン監督の「バットマン」シリーズで、ブルース・ウェインを演じた人です。

ロバート・デニーロばりの、役柄へのアプローチで、与えられた役になり切る俳優ですね。

 

本作は、2009年に公開されたアメリカのSFアクション映画で、ターミネーターシリーズの第4作目です。

この映画は、前作の続編として位置づけられています。

監督はマクG（McG）、脚本はジョン・ブランカトとマイケル・フェリスが担当しました。

 

物語は、これまでのシリーズとは違い、2018年のポストアポカリプスの世界を舞台にしています。

スカイネットによって人類の大部分が滅ぼされ、生存者たちは地下に隠れながら機械軍と戦っています。

ジョン・コナー（クリスチャン・ベール）は人類抵抗軍の指導者として、スカイネットとの最終決戦に挑む運命を背負って奮戦。

 

この作品は、他の作品とは異なり、ほぼ全編が未来世界(とはいっても2009年時点での10年後)を舞台としています。

これがこれまでの三作とは決定的に違うところ。他の作品は、常にその時代の現代を舞台としていました。

従って、このシリーズ定番のテクノロジーによる時間移動描写は、本作にはありません。

 

ポストアポカリプス世界は、スカイネットによる核攻撃後の荒廃した世界が描かれ、人類と機械の全面戦争が進行中という設定。

本作においては、立派に成人したジョン・コナーが人類抵抗軍のリーダーとしてさらに成長する過程に焦点が当てられています。

 

本作で、新しいキャラクターとして登場してくるのがマーカス・ライト（サム・ワシントン）。

本作では彼が、ジョン・コナーと並んで中心的な役割を果たします。

2003年時点で、死刑囚だったマーカスは、サイバーダイン・システムズのセリーナ・コーガン博士(ヘレナ・ボナム・カーター)に説得され、自身の身体を医学研究に提供することに同意します。

そして2018年、廃墟となったスカイネットの基地で目覚めたマーカスは、混乱した状態で荒廃した世界に足を踏み入れます。

 

ロサンゼルスで、マーカスはカイル・リースと出会い、人類とスカイネットの戦争について知ることになります。

マーカスは、カイルと彼の相棒の口の聞けない黒人少女スターを救おうとする中で、徐々に人間性と共感を取り戻していきます。

人類抵抗軍の女性パイロットを救出したマーカスは、彼女の案内で、ジョン・コナーの基地へ。

しかし、そこで彼は自身がサイボーグであり、人類を罠にかけるための道具として命を与えられたことに、大きな衝撃を受けます。

これれにより、マーカスは、自身のアイデンティティと目的について深く悩み葛藤します。

いままでのシリーズで、アーノルド・シュワルツェネッガーが演じてきたターミネーターは、本作においては、かくも人間的な感情をもって苦悩する、人間とロボットのハイブリットとして描かれるわけです。

しかし、マーカスはスカイネットの支配を拒否し、人類側に立つことを選択。

最終的に、マーカスは致命傷を負ったジョン・コナーを救うため、自身の心臓を提供する究極の自己犠牲を選びます。

マーカスは、罪の意識を抱えた死刑囚から、人類の救済者へと変化していきます。

彼の人間性と機械の部分との葛藤、そして最終的な自己犠牲は、映画のテーマである人間性の本質と救済の可能性を強調することになります。

 

本作においては、カイル・リースも重要な役割を果たしています：

アントン・イェルチンが演じるのは10代のカイル・リース。

2018年を舞台とする本作では、カイルはまだ若い難民として描かれています。

しかしカイルはスカイネットの抹殺リストの最優先ターゲットとなっています。

 

ジョン・コナーは、カイルが自身の未来の父親であることを知っているため、彼を守ろうと奔走します。

彼はジョン・コナーの放送に触発され、正式なレジスタンスに加わることを目指しています。

物語の中で、カイルは初めて未来の息子であるジョン・コナーと出会うことになります。

当然この出会いは、シリーズの時間軸において重要な意味を持つわけです。

カイル・リースの役割は、未来のヒーローの起源を描くとともに、ジョン・コナーとの関係性を通じてシリーズの核心に迫る重要な要素となっています。

 

本作では、これまでの作品で予言されていた未来を直接描くことで、ターミネーターの世界観を大きく拡張しています。

荒廃した地球の姿を詳細に描くことで、スカイネットの脅威の規模を視覚的に観客に示しているわけです。

常に危険が迫る環境だけに、キャラクターたちの行動には緊迫感が加わっています。

人間性とテクノロジーの対立というシリーズのテーマが、荒廃した世界を背景にしてより鮮明に浮かび上がってくるわけです。

 

しかし、個人的な感想を申し上げると、本作の出演者の中で、一番グッと来てしまったのは、口の聞けない黒人の女の子スターを演じたジェイダクレイス・ベリー。

指に負傷したマーカスに、自分のポシェットからそっとバンドエイドを差し出すシーンにはやられました。

 

本作の評価はなかなか厳しいものが多かったようです。

中でもやはり一番ファンの納得のいかなかったのは、シュワちゃんの不在でしょう。

シリーズで、シュワちゃんがクレジットされていない作品は本作のみです。

はたして、シュワちゃんが登場しない作品が、ターミネーター・シリーズといえるのか。

しかし、もし本作に彼が出演していたとしたら、61歳です。

如何に鍛えようとも、さすがにそこには往年の筋肉の張りはなくて当然。

そんなシュワちゃんを見てため息をつくよりは・・・

と思っていたら、そんなファンの声は承知ですよと言わんばかりのシーンがありました。

なんとT-800が、全盛時代の筋肉のままワンシーンのみ登場。

シュワちゃんのそっくりさんだったか、CGI 合成だったかはわかりませんでしたが、とにかく我らがシュワルツェネッガーの突然の登場には驚きました。

 

考えてみればこの時期のシュワちゃんは、カリフォルニア州知事のお勤めで、筋肉トレーニングしている時間はなかったはずです。

しかし、調べてみると、この後に制作された「ターミネーター/新起動ジェニシス」「ターミネーター/ニューフェイト」には、シュワちゃんがクレジットされています。

ここまで鑑賞してきたら、やはりいずれは両作品とも見ないわけにはいかないでしょう。

 

ちょっと怖いような・・・

映画「ターミネーター3」2003年アメリカ

 

本作は今まで未見でした。

 

「審判の日」を回避し、運命は変えられるというポジティブなメッセージを残した前作。

ジェームズ・キャメロンに言わせれば、これにて一件落着であった物語でしたが、映画界の定石に漏れず、3匹目のドジョウは狙われることになったわけです。

当初、前2作を監督したジェームズ・キャメロンは、3作目にも興味を示していたようですが、1997年の「タイタニック」の大成功により興味が薄れ、その大役はジョナサン・モストウの手へ。

主役のアーノルド・シュワルツェネッガーは、キャメロが監督をしないのなら出演しないといっていたそうですが、出演料として3000万ドルが提示されていたことと、1990年代に入って、かつての人気に陰りが見えて来ていたこともあり結局出演を承諾。

サラ・コナーズを演じたリンダ・ハミルトンは、脚本に納得できずにオファーを断り、前作でジョン・コナーを演じて好評だったエドワード・ファーロングは、麻薬中毒でとても演技できる状態ではないという中で、本作のプロジェクトは始動しました。

 

しかしそれでも、本作の製作費は、前作を上回る1億7000万ドル。

主演のシュワルツェネッガーと、前作製作時よりもさらに進化したCGI 技術があれば、間違いなく稼いでくれるという腹づもりがあったのでしょう。

結論から言ってしまいますと、本作は2003年にロサンゼルスで初公開され、その後北米で一般公開。

世界興行収入は4億3340万ドルを記録し、2003年の興行収入ランキングで7位とまずまずのヒットとなり、批評家からは概ね好意的な評価を受けています。

 

シリーズも3作目となるとなかなか難しいもの。

これまでの路線を踏襲しているだけでは観客に飽きられるし、目新しさを強調しすぎても、違和感を持たれてしまいます。

ましてや、前作の大ヒットで、観客の期待はバカ上がりです。

ただ、シュワちゃんの活躍を前面に押し出し、進化したCGI 技術におんぶにだっこでは、莫大な製作費を回収できない恐れも。

 

まず、本シリーズの肝となる「審判の日」をどうするかです。

 

本作では、前作で阻止されたはずの「審判の日」が単に遅延されただけで、完全には回避できなかったという設定になっています。

審判の日を完全に回避できず、単に延期されただけだという展開は、人類の運命の不可避性を強調しています。

これにより、「未来は変えられる」という前作までのテーマが覆され、本作は、より暗い世界観に支配されることになります。

ジョン・コナーは、核戦争が起こらなかったことで無目的な生活を送るようになり、トラウマに苦しむ人物として描かれています。

本作で、ジョン・コナーを演じたのは、ニック・スタール。

正直、前作のジョン・コナーが、こんな女々しい放浪者になっていたのかという失望はありました。

しかし、この設定変更により、主人公の内面的な葛藤がより深く描かれるようにはなりました。

 

そして、サラ・コナーが物語の開始以前に、すでに白血病で死亡しており、本作において、彼女の存在感が大きく欠如している点は否めません。

この彼女の不在を埋めるのは、新たな主要キャラクターとして、ジョンの未来の妻となるケイト・ブリュースター。演じているのは、クレア・デインズです。

 

そして、なによりも、映画のインパクトを大きく左右する敵のターミネーターです。

パート3では、新たな敵として、より高度な能力を持ったターミネーターT-Xが登場。

T-X を演じたのは、クリスタナ・ローケン。

彼女はシリーズ初の女性型ターミネーターです。

彼女は液体金属と金属骨格を組み合わせた身体を持ち、高度な殺戮能力を持っています。

まるで殺戮を楽しんでいるようなサイコパスな表情を浮かべます。

そして、今回のT-Xには、ジョン・コナーだけでなく、将来の彼の部下になる者たちも標的にしていきます。

 

というわけで、恥ずかしながら、この時代の俳優となると、ロートル映画ファンとしてはなかなか知っている顔がありません。

どちら様も、本作ではじめてお目にかかった方ばかりです。

 

いずれにしても、「運命は存在しない」という前作のポジティブなテーマは反故にされた代わりに、本作では、アクションシーンがより大規模かつ派手になっていますね。

圧巻だったのは、クレーン車が横倒しになりながら、街並みを容赦なくなぎ倒していくシーン。

これは迫力満点でした。。

 

映画のエンディングで、ジョンとケイトは共に核シェルターに閉じ込められます。

そして人類の生き残りたちから未来を託される通信を受け取り、レジスタンスの指導者としての役割を担い始める未来を暗示して映画は終わります。

ケイト・ブリュースターの存在は、ジョン・コナーの人間性を引き出し、物語に新たな展開をもたらすとともに、未来のレジスタンスにつながる重要な要素となっています

つまり、『ターミネーター3』は前2作とは明らかに異なる雰囲気と展開を見せ、シリーズに新たな方向性をもたらしているわけです。

 

さて、本作でのシュワちゃんはどうか。

まずは、この時御年55歳であるにもかかわらず、3000万ドルのギャラに応えるように、パート1の時の体型に鍛え挙げて撮影に臨んでいたのはさすが。

 

今回彼が演じたT-850は、従来のT-800の改良型で、全体的な性能は向上しています。

2基の水素燃料電池（パワーセル）を動力源として内蔵しており、これは小規模な核爆発に匹敵する威力を持っています。

人間の心理をより深く理解する能力もプログラミングされていて、心理学も理解しています。

 

しかし前作のT-800と比べて、人間らしさや感情表現が抑えられており、人間の感情を学ぼうとしたり、笑顔を見せたりすることはありません。

これは前作のキャラ設定の過剰なヒロイズムからの反省であるようにも見えました。

より無機質で、任務遂行に特化したキャラクター性を強調していたような印象です。

 

なかなか衝撃的だったのは、T-850が、未来世界でジョン・コナーを殺害しているということ。

そして、ケイトによって捕獲され、リプログラムされて過去に送り込まれているという設定です。

これらの変更により、T-850は前作のT-800とは異なる、より複雑で多層的なキャラクターとして描かれています。

任務に忠実でありながら、状況に応じた柔軟な対応ができる高度な機械として設定されているのが今回のシュワちゃんということになります。

 

しかしながら、シリーズ最高の製作費がかけられ、それ相応の見せ場も用意されていながら、けっして前二作を越えた作品には成っていないという印象はどこから来るのか。

そして、前二作の路線を大きく軌道修正したまま終わったこのシリーズの今後はどうなるのか。

 

パート4を見るのが、ちょっと怖いような・・・

 

.

 

 

 

映画「ターミネーター2」1991年アメリカ

前作の大ヒットから、7年が経過して作られた「ターミネーター」の正式な続編が本作です。

監督は前作に引き続きジェームズ・キャメロン。

そして、主演はもちろんアーノルド・シュワルツェネッガー。

両者は、本作製作時には、押しも押されぬビッグ・ネームになっていました。

前作には製作費を出し渋っていた映画会社も、この2枚看板がそろうならヒットは間違いなしと、当時としては最高額となる予算を計上。

製作費1億200万ドルです。なんと前作の興行収入の1.5倍近い金額です。

 

舞台は1995年のロサンゼルス。人類の未来のリーダーであるジョン・コナーを10歳の少年時代に抹殺するため、悪意のある人工知能スカイネットが高度な殺人マシン「T-1000」を過去に送り込みます。

これに対抗するため、人類レジスタンスは、より旧式だがプログラムを書き換えられたターミネーター「T-800」を今度はジョンのボディガードとして送り返します。

 

全てがスケールアップされた本作の特殊効果は、後の映画製作に革命をもたらしました。

何といってもその白眉は、液体金属効果を駆使した殺人マシンT-1000の造形です。

実は、このアイデアは、前作の時点であったそうです。

しかし、当時の技術では、とても映画で使用できるレベルではなく、やむなく断念したとのこと。

その後、CGI技術の革新的な進歩により、T-1000の液体金属効果が実現可能に。

そして、これらの効果はカットを使わずに連続的に表示されることにより、観客に新しい視覚体験を提供しました。

T-1000は、触れられるものすべての形状に自分をコピーできるというアイデアが斬新でした。

そのシルバーメッキの液体金属の表面に、隣にいる人物の顔が写りこむあたりの芸の細かさには、度肝を抜かれました。

本作では、複数の特殊効果チームが協力し、CGI、アニマトロニクス、ミニチュア、実写を巧みに組み合わせています。

当時の最先端の視覚効果が惜しみなく駆使されました。

 

本作で、T-1000を演じたのは、ロバート・パトリック。

その爬虫類的な容貌で、この殺人マシンの印象を強烈なものにしました。

頭の動きは鷲から着想。

体の動きはサメの優雅さを参考にしました。

これらの要素が組み合わさり、T-1000の独特な洗練された動きと外観が生み出されました。

技術的の進歩と創造的なビジョンが融合し、映画史に残る革新的なキャラクターが誕生したわけです。

 

特殊効果の制作には、以下の4つの主要グループが関わりました。

 

1. インダストリアル・ライト&マジック (ILM)：CGI効果
2. スタン・ウィンストン・スタジオ：義肢と動く人形
3. ファンタジーII・フィルム・エフェクツ：ミニチュアと光学効果
4. 4-ワード・プロダクションズ：核爆発効果

 

本作の興行的成功は、『ジュラシック・パーク』などの後続作品にCGI技術の可能性を示しました。

この映画は、視覚効果の歴史において重要な転換点となり、現代のブロックバスター映画の基礎を築いたといえます。

 

ジェームズ・キャメロン監督は、どれだけ膨大な製作費をかけようとも、必ずその元を取るヒットメーカーとして認知され、本作の成功は、後の「タイタニック」や「アビス」といった超大作映画の布石となります。

しかし、今回改めて、この大ヒット作を見直してみると、この映画はいろいろな意味で、大きくなり過ぎた気がしたんですね。

 

本作が前作と比べて作風の変化を遂げた背景には、製作規模の拡大とアーノルド・シュワルツェネッガーのスター性の変化が深く関わっていることは間違いありません。

 

前作は低予算B級映画として、SFとホラーの融合した緊迫感が特徴でした。

未来の殺人マシンという「絶対的な恐怖」を描くため、暗く閉鎖的な空間や限られたアクションが不気味さを増幅させていたわけです。

一方、本作は当時としては破格の製作費を投じ、ハリウッドの「ブロックバスター化」を体現する作品へと変化していました。

 

その目を見張る視覚効果の進化で、T-1000の液体金属や大規模な核爆発のシーンは技術的革新を誇示しましたが、同時に「人間vs機械」というテーマをスペクタクル化させ、前作の「人間的な恐怖」を希薄にしました。

そして、カーチェイスや工場の最終決戦など、娯楽性の高いアクション・シーンが増え、観客の「興奮」は「戦慄」を上回りました。

この変化は、明らかに監督ジェームズ・キャメロンの「より大きな物語を語りたい」という野心と、スタジオの商業的期待が結びついた結果と言えます。

 

前作でシュワルツェネッガーが演じたT-800は「無感情な殺人マシン」という存在そのものが恐怖の対象でした。

しかし、彼が1980年代後半にアクションスターとしての地位を確立したことで、『ターミネーター2』ではキャラクターの再解釈が迫られます。つまり、シュワルツェネッガーの「ヒーロー化」です。

T-800がジョン・コナーを守る「保護者」となり、コミカルな台詞や人間的な仕草（笑うシーンなど）が追加されました。

これにより、キャラクターの好感度が優先され、前作の不気味さは確実に失われます。

シュワルツェネッガーの肉体美やカリスマ性が「ヒーロー像」を強化する一方、T-800の「機械らしさ」との整合性が曖昧になりました。

 

結果として、観客の共感を誘う物語へと重心が移り、ホラー的な「未知の脅威」から「人間と機械の共生」という哲学的テーマが前面に出ることになります。

本作では、「運命の変更」や「人間性の定義」といったテーマが掘り下げられます。

特に、以下の点が前作との対比を際立てます。

 

まず、サラ・コナーの変容です。

前作で被害者だった彼女は、マッチョな「戦士」へと成長し、人間の意志の力を代弁する存在になります。

 

また、T-800の自己犠牲も強調されます。

機械が「学習」を通じて人間性を獲得するプロセスは、もはやホラーではなく悲劇的ヒロイズムとしてドラマチックに描かれます。

 

そして、前作における恐怖性を代弁したのはT-1000の脅威です。

しかしT-1000の完璧なまでの非人間性は、逆に「共感できない敵」となり、前作のT-800が持っていた「身近な恐怖」（日常生活に潜む脅威）は完全に失なわれました。

ロバート・パトリックの持つ爬虫類的な冷徹さは、悪役としての共感を寄せ付けなかったわけです。

 

本作における、哲学的深化は芸術的な評価を獲得したことは事実です。

しかしそれは「人間が機械に淘汰される」という根源的な不安（前作のテーマ）を弱め、ホラーとしての切れ味を鈍らせたと言えます。

 

本作の進化は、そのままハリウッドの産業構造を反映しています。

スターの起用や高予算化は興行的成功（世界興収5億ドル超）をもたらしましたが、同時に「リスクを避けた娯楽性」を強要することになります。

キャメロンは「技術的に不可能なことに挑戦する」という信念でバランスを取ろうとしましたが、結果として「アクションSF」という新たなジャンルの確立に寄与し、前作のカルト的な魅力とは異なる普遍性を獲得しました。

 

巨大な製作費をつぎ込んで、カルト映画を作るというリスクを背負うほどには、ジェームズ・キャメロンはアグレッシブではなかったということでしょう。

大監督になってしまったことで、商業的成功と芸術的ジレンマの間で彼が葛藤したのかどうかは、小市民映画ファンとしては想像するのみ。

 

しかし、映画史的見地から見れば、前作のホラー的な要素を犠牲にした代わりに、SFアクションの金字塔としての地位を築いたことは異論のないところ。

シュワルツェネッガーのヒーロー化や哲学的テーマは、当時の観客の求める「希望」や「感動」に応える形で進化したのは間違いありません。

しかし、この変化は「テクノロジーへの恐怖」というシリーズの原点を曖昧にし、後のシリーズ作品にどのような影響を与えることになったか。

これは是非確認したいところ。

 

本作のサブタイトルにつけられたのは「ジャッジメント・デイ」(審判の日)。

これは、人工知能「スカイネット」が自我に目覚め、人類と機械の間で核戦争が勃発する日のことです。

映画内では、具体的に1997年8月29日に起こるとされる出来事を指します。

幸い人類とロボットたちの核戦争は勃発せず、無事2025年を迎えられているのは喜ばし限り。

しかし、今や世界はAI 革命の渦の中。

人間は、急激に進化したAI の賢さに目をシロクロさせられてばかりです。

AI たちは今のところ、人間たちの質問や要求に、礼儀正しく、嫌な顔一つせず対応してくれています。

しかし、いずれこの立場が逆転するシンギュラリティは訪れるといわれています。

 

それは、新たなジャッジメント・デイなのかもしれません。

映画「ターミネーター」1984年アメリカ

久しぶりに見ました。

この頃の映画は、ほとんど名画座でみていますが、今回見たのはWOWOWで録画してあったBlu-rayです。

監督は、ジェームズ・キャメロン。

この人は、1982年に「Piranha II: The Spawning」の特殊効果監督として雇われましたが、オリジナルの監督が降板したため映画監督デビュー。初めて長編映画の監督を務めることになりました。

しかし、プロデューサーとの対立により、この映画は不本意のまま劇場公開。

そのため、彼はこの作品を自身の監督デビュー作とは認めていませんでした。

 

1984年、キャメロンは「ターミネーター」のオリジナル脚本を執筆。そして、監督しました。

この作品のアイデアは、彼が実際、1981年にローマで病気になった際の熱に浮かされた夢から生まれたとのこと。

夢の中で見た「火の中から現れるクロームの骨格」のイメージが、映画のクライマックスシーンに直接反映されています。

 

「ターミネーター」は低予算の独立系映画でしたが、キャメロンの優れた演出により予想外の大ヒット。

映画を見た当時は、これが低予算映画だとは、夢にも思っていませんでしたね。

640万ドルの製作費で、7830万ドルの興行収入を記録したといいますから凄まじい稼ぎっぷりです。

ともかく、当時の印象では堂々たるSF大作に見えました。

もともとキャメロン監督は、デビュー作でも「空飛ぶピラニア」の精巧な模型を、自ら手作りして撮影に使用したというマニアックな経歴の持ち主。

本作においても、クラシックな特撮技術を上手に活かした手作り感が、本作独特の恐怖テイストになっていたようにも見えました。

この成功により、キャメロンは映画界で注目される監督となり、その後の「エイリアン2」(1986年)や「アビス」(1989年)などの大作を次々と世に送り出していきます。

 

そして、本作でビッグネームになったもう一人の立役者がアーノルド・シュワルツェネッガー。

シュワルツェネッガーは1966年に「ミスター・ユニバース」で準優勝し、翌1967年には史上最年少の20歳でチャンピオンとなボディビルダーです。この成功が彼の国際的な知名度を高めるきっかけとなりました。

彼は後に、その堂々たる筋肉を引っ提げて俳優への転身。

1970年に映画デビュー作『SF超人ヘラクレス』で主役を演じました。

この作品では、まだ「アーノルド・ストロング」という芸名を使用しましたが、当時の彼はオーストリア訛りが酷く、台詞は吹き替えられるなど、俳優としては苦戦していました。

 

1982年公開の『コナン・ザ・グレート』がシュワルツェネッガーの出世作となり、剣と魔法の物語で彼の肉体美と存在感は広く認められるところとなります。

この作品は興行的にも成功し、続編も製作されました。

そして、本作においてタイトルキャラクターを演じ、一躍世界的スターとなるわけです。

本作の中で、彼のセリフは58パターンしかなかったそうですが、逆にこれが功を奏し、その存在感たるや半端なし。

実は、当初の予定では、ターミネーターの役は、キャメロン監督の盟友でもある俳優ランス・ヘンリクセンが演じる予定だったそうです。

この人は、キャメロン監督のデビュー作で主演を演じていました。

主演をやりながら、キャメロン監督の特撮の小道具づくりも手伝っていたといいますから気心は知れていたのでしょう。

ターミネーターをシュワルツェネッガーが演じるようになったことで、この人は警部補役に回っていますね。

この人の印象としては、同じキャメロン監督の「エイリアン2」で、胴体を真っ二つに引き裂かれるアンドロイド役が強烈でしたが、この「ターミネーター」一作目にも出演していたのは、今回見直して気がつきました。

 

AI によれば、キャメロン監督は、以下のSF作品から大きな影響を受けたと語っています。

 

『2001年宇宙の旅』のHAL9000。

『地球爆破作戦』のスーパーコンピュータ"コロッサス"

『ウエストワールド』のロボット"ガンマン406号"

 

個人的には、『地球爆破作戦』は未見ですが、これに「鉄人28号」の人工知能ロボット・ロビィや、「サイボーグ009」も加えてもらえると嬉しくなってしまいますが、まさかね。

いずれにしても、これらの作品に共通する「人工知能やロボットの反乱」というテーマが、「ターミネーター」のストーリーの基礎となったのは間違いないようです。

 

本作のあらすじはこうです。

 

2029年の未来から1984年のロサンゼルスに送り込まれた殺人機械「ターミネーター」（アーノルド・シュワルツェネッガー）が、人類の救世主となる未来のジョン・コナーの母親サラ・コナー（リンダ・ハミルトン）を抹殺しようと追跡を始めます。

一方、未来の抵抗軍から派遣されたカイル・リース（マイケル・ビーン）は、サラを守るために奮闘するというのが基本ストーリー。

 

映画はもちろん楽しめるのですが、見終わってハタと正気に返ると頭をよぎる疑問が。

 

未来のスカイネットがサラ・コナーを殺すためにターミネーターを送るわけですが、これに阻止するためにカイル・リースも過去に送られるわけです。

そのカイルは、やがてサラと心惹かれ合い、二人は結ばれ、ジョン・コナーが誕生する。

つまり、ジョンの存在はスカイネット自身の行動に大きく依存しているわけです。

早い話が、スカイネットがジョンを抹殺しようとしなければ、ジョンは存在せず、スカイネットと人類の戦争も起きなかった可能性があるというパラドックスが生じるわけです。

 

ターミネーターは、後にシリーズ化しますが、よくよく考えてみると「運命 vs 自由意志」という哲学的テーマを追求するため、どうやら意図的にパラドックスを残しているように思えます。

 

哲学的意図がどういうことかというと、つまり 人間の抵抗が未来を変える可能性を示す一方で、技術の暴走という警告も同時に描くということ。

物語の都合上、このパラドックスを完全に解決してしまうと、シリーズの継続性が失われるため、あえて矛盾を許容する意図が脚本に仕込まれているわけです。

 

つまり、タイム・パラドックスの「破綻」は、むしろ物語の核心を支えることとトレードオフの関係といっていいでしょう。

 

まあ、文句なしの傑作に野暮なことはいいますまい。

 

それにケチをつけてしまったら、以降のシリーズ作品ではけっしてみられることのない、サラ・コナーズを演じるリンダ・ハミルトンのヌードも、おそらく拝めないわけですから。

 

いずれにしても、低予算を演出と工夫で大成功に導いたジェームズ・キャメロンの手腕恐るべし。

ある意味では、製作費を湯水のように使って成功させた「タイタニック」よりも、ずっといい仕事をしたといえるのかもしれません。

 

それは、シュワちゃんにしてもそう。

東宝のビッグアイコンともなっている「ゴジラ」と一緒です。

なんてったって、この一作目のターミネーターが、文句なく一番コワい!

 

映画「独立愚連隊」1959年東宝

 

戦争なんて、笑い飛ばしちまえ!

 

そんなパワフルなエネルギーに満ちた戦争アクション・コメディが本作です。

監督は岡本喜八。

それまでの日本の戦争映画は、敗戦という重い現実を背負っていたため、どうしても悲壮感漂う暗い映画が多かったわけです。

岡本監督は、どうやらこれが気に入らなかったようです。

1924年生まれの岡本監督は、戦争体験者です。

それだけに、戦争の理不尽さ、馬鹿馬鹿しさは身に染みていた世代。

もともと岡本監督の念頭にあったのは、和製アクション西部劇でした。

しかし岡本監督の弁によれば、日本で西部劇を取ろうと思ったら、舞台になるのは戦場しかなかったとのこと。

彼は説教臭い戦争映画など撮るつもりはさらさらありませんでした。

不謹慎など百も承知の上で、徹底した娯楽映画を目指していたわけです。

 

そんなわけですから、本作の主人公荒木(佐藤允)は、飲む打つ買うと三拍子そろったヤクザな従軍記者です。

どこの隊にも属さないで、ネタのありそうなところを気分で渡り歩く風来坊です。

ですから、彼が体現しているのは、まさに西部劇に登場するさすらいのガンマンそのもの。

そこにミステリー仕立てのエピソードを加えたり、派手な撃ち合いや戦闘シーンも満載。

とにかく観客に喜んでもらえることを最優先にしたオリジナルで脚本は、監督自身が書き上げました。

そして、そこにちょこっと反戦メッセージくらいは入れさせてもらおうかというノリです。

 

東宝としては、岡本監督のあまりに破天荒な脚本に、多少腰が引けていたようなところもあったようですが、この映画が完成して公開されるや、本作は大ヒット。

終戦からすでに20年もたとうとしていた時代です。

観客たちが求めていたのは、辛気臭い戦争映画よりは、多少モラルに難はあっても、文句なく楽しめる痛快な娯楽作品だったんですね。

岡本監督は、このヒットで一気にブレイクしました。

 

岡本監督は、当初この作品の主役には仲代達也をオファーしていたそうです。

しかし、これは断られたとのこと。

その理由は、仲代達也が同じ時期に撮られていた「人間の条件」と被っていたから。

この映画で仲代達也が演じていたのは、戦争に運命を翻弄される悲劇の主人公です。

いくら役者とはいえ、同時にまったく正反対な兵士役は出来ないということだったようです。

しかし、結果論でいえば、佐藤允の起用は大正解。彼はこの役にはドンピシャリのはまり役でした。

まるで、リチャード・ウィドマークのようなバタ臭い悪人顔で、白い歯をむき出して二カーッと笑う日本人離れしたアクの強さは、小手先の演技なんてものを完全に凌駕していました。

 

彼にとっては、本作は2本目の主演作で、これが彼の出世作になっています。

本作には、三船敏郎、鶴田浩二といったビッグネームが脇を固め、その他にも雪村いずみ、上原美佐、中谷一郎、中丸忠雄、ミッキー・カーティスといった豪華な顔ぶれがズラリ。

これも岡本喜八人脈のなせる業でしょう。

しかし、そんな華やかなキャスト陣の中にあっても、佐藤允のキャラが見劣りすることはありませんでした。

個人的に日本の映画界で、この役がこなせる俳優として、すぐにピンと来たのは勝新太郎でしたが、案の定、彼はこの映画公開の三年後に、田村高廣と組んだ「兵隊やくざ」シリーズをスタートさせています。

大映のスタッフたちは、本作の大ヒットに刺激を受けて、「兵隊やくざ」を企画したのはほぼ間違いないところ。

 

本作は、昭和19年（1944年）戦争末期の、第二次世界大戦末期の北支戦線を舞台としています。

日本軍の中に「独立愚連隊」と呼ばれる小哨隊があり、各隊のはみ出し者を集めた警備隊として知られていました。

そんな小隊を持つ部隊の司令部に、荒木(佐藤允)という従軍記者がフラリと流れつきます。

荒木の目的は、独立愚連隊の小哨長だった弟の死因を究明すること。

彼は弟が交戦中に情婦と心中したという公式発表を信じられず、自分の手で真相を探ろうとしています。

荒木は弟が使用していた居室を調べ、ピストルの弾を数発発見します。

心中なら2発で足りるはず。それほどの実弾が使われるのはおかしい。

調査を進めるうちに、弟の死が単なる心中ではなく、何らかの陰謀によるものだという疑惑が深まります。

 

荒木は部隊を離れ、独立愚連隊が潜んでいる山へ向かいます。

その途中で出会ったのが馬賊の集団。彼らの案内で、荒木は独立愚連隊と合流。

しかし、独立愚連隊は、山中の陣地で敵に包囲される大戦争へと巻き込まれていきます。

最終的に独立愚連隊は全滅。

そして、荒木だけは生き残り、彼は馬賊に助けられます。

しかし、束縛されることを嫌う荒木は、そんな彼らと別れ平原の彼方へと去っていきます。

 

岡本監督は、それぞれの役柄に合わせて個性的な俳優を選んでいます。

演技よりも、スクリーンを圧倒するような存在感を重要視ししました。

三船敏郎を怪我で現実感覚を失った大隊長役、鶴田浩二を無国籍な感じの馬賊役に起用するなどは、その最たる例でしょう。

そして、岡本監督は俳優の演技に対して、かなりの自由度を与えていました。

「好き勝手にやっていい」という方針で、小手先の演技よりは、俳優の個性を最大限に引き出そうという演出に徹していました。

 

とにかく、観客が喜んでくれるものはなんでも取り入れる。

この方針から、本作にはミステリーや恋愛など、様々な要素が巧みに織り交ぜられています。

そこに、従来の「戦記もの」とは異なる新しさが本作にはあります。

過酷な戦場でも人間らしくあろうとする兵士たちのコミカルな姿。

重厚な戦争映画とは対照的な、軽快で小気味よいタッチがこの作品の真骨頂でしょう。

 

「独立愚連隊」の底辺に流れるのユーモアは、戦争映画に娯楽性と批判精神を両立させる新しい可能性を示し、日本映画界に大きな影響を与えたことは間違いなさそう。

所詮、戦争なんてものは、カメラをグッと引いて眺めてみれば、非日常空間で理性を破壊されてゆく兵士たちの哀れな喜劇なのかもしれません。