柿沢謙二ブログ

ドラマ「結婚できない男」

「結婚できないんじゃなくて、しないだけ。」

ああ、懐かしや。

確かに40歳になるころまでは、僕もそんなことをいっていました。

親戚も両親も、「早く嫁をもらえ」と言ってくれたのは40歳のころまで。

それを過ぎたら、パタリと周囲から、その声は、聞こえなくなりました。

40代の時に、両親ともになくなりましたから、結局、嫁の顔も、孫の顔も、彼らには見せられずじまい。

こんな親不孝なことはないなと、両親を見送ってから反省しても後の祭り。

こうなれば、今更ジタバタしても仕方がない。

選んだわけでもないのですが、図らずもそうなってしまった人生。

これはこれで、落とし前はつ着けないといけないなと覚悟は決めております。

まあ、とにかく、一人暮らしは、もうかれこれ30年の長きにわたります。

ドラマで描かれる「独身生活」とは、似て非なるものですが、もう骨の髄までしみ込んでしまった生活スタイル。

どんなに奇特な方が現れようと、今更共同生活は無理だろうと自覚しております。

そんな身だから、Amazone プライムのラインナップから、このドラマをチョイスしたというわけでもありませんが、どれくらい、ドラマと現実の自分がリンクするかをチェックするのも、楽しいかなと思って鑑賞した次第。

まず確認しておきます。

このドラマが、オンエアされたのは、2006年です。

ですから、今からもう10も前のドラマ。

確かに、どの出演者も、今の彼らより、微妙にしわの数が少ない。

若いです。

スマホを使っている出演者はまだ誰もいない。

そんな時代のドラマですね。

主演は阿部寛。

「メンズノンノ」のカリスマモデルだった、日本を代表するイケメンに、この役をやらせたのがこのドラマのミソ。

しかしながらも、彼は、嬉々としてこの役を演じておりましたね。

190センチの上背を、猫背に丸めて、ダサいファッションに身を包み、時には、社会の窓全開で、このイケメンをいじりまくるサディスティックな演出。

第一話のラストでは、生尻までさらされてしまいます。

高学歴、高身長、高収入。

この3拍子がそろっているにもかかわらず、女性と縁がないのは、その偏屈な性格ゆえ。

自分が偏屈だとは思っていませんが、実はそう思っているのは自分だけで、もしかして人から見たら充分に偏屈なのかもしれません。

一人の時間を、こよなく愛する。

このあたりは、僕も同じ。

人とのコミュニケーションは、このドラマの主人公のように苦手でも、嫌いでもありませんが、それでもやはり一人の時間別物。かなり貴重で、かつ愛おしい。

このドラマの主人公は、大音響でクラシックを聴き、それに合わせて指揮をします。

金魚を飼います。

大好きな肉を、自分で料理して食べます。

手巻き寿司を、自分で作って食べます。

タイタニック号の模型を作ります。

僕は、クラシックは聞きませんが、家でカラオケはします。

先日、いい気持で歌っていたら、近所の人から苦情があったので、最近はやや控えめ。

タイタニック号の模型は作りませんが、絵は描きます。

金魚は飼いませんが、畑で野菜は作ります。

もちろん料理もします。

しかし、健康のため、もっぱら畑で採れた野菜中心の料理。

身長も、学歴も、収入も、お恥ずかしい限りですが、道楽だけはこのドラマの主人公に負けず一丁前。

もちろん、すべて「一人」で完結する道楽ばかり。

もちろんそれがあるからこその生活スタイルです。

ですから、この道楽が、自分のライフスタイルを決めているといっても過言ではない。

とにかくこれがあるから、時間がなんぼあっても足りないというわけです。

そうそう、このドラマを見ていて、気づいたことが一つ。

とにかく、阿部寛演じる独身の一人暮らし男のドラマですから、頻繁に出てくるのは、お一人様の食事シーン。

そして、これにかぶさるアコースティックなBGM。

あれ、このテイスト、どこかで見たことがある。

どこで見た？

ちょっと考えたら思い出しました。

以前、見たドラマです。

松重豊主演の「孤独のグルメ」。

あのドラマも、5シーズン一挙に見ましたが、このドラマから、女優陣との絡みをなくしてしまえば、まさにあのドラマそのまま。

あれと思って、Wiki　調べてみたら、「孤独のグルメ」の第一シーズンが、2012年。

このドラマの方が、6年も前に制作されていました。

「孤独のグルメ」の演出が、このドラマを参考にしたということは、十分にあり得るかもしれません。

一人で食事をしながら、ぶつぶつつぶやく。

まさにあのドラマです。

だからなんだという話ですが、昔のドラマを見るときの楽しみの一つです。

高島礼子が出演していますが、彼女の当時の夫、高知東生も出演。

絡むシーンはありませんでしたが、夫婦で同じドラマに出演していました。

やはり、彼女の口添えで、彼はこのドラマに出させてらったのかななどと想像しつつ、このドラマの彼女に一言。

「亭主、やばいよ。愛人作って、覚せい剤で逮捕されちゃうから、ちゃんと見てないと。」

 

昔のドラマを見るのも、それなりに楽しみ方はあるようです。

以上。

川越の「結婚できない男」より。

 

 

 

映画「たそがれ清兵衛」

2002年製作の映画。

監督は山田洋二。

なるほど、「寅さん」の監督が、時代劇を撮ると、こういう映画になるんだなと納得した次第。

徹底した時代考証を経て、東北の寒村の日常がリアルに再現。

特に、子供たちの自然な演技を引き出した手腕は、さすが山田監督。

我々が当たり前に見ていた時代劇演出のウソを徹底的に排除し、まるでドキュメンタリーでも見ているような日常の中から、主人公の苦悩を鮮やかに浮かび上がらせています。

この映画での山田監督の功績その一。

それまで、プライベートでのスキャンダルで芸能活動が休業状態であった宮沢りえを、演技者として復活させたこと。

とにかく、この映画での彼女は素晴らしかった。

清兵衛の子供たちと、綿布団をたたむシーン、果し合いに出向く清兵衛の身の回りを世話するシーン、清兵衛の告白に苦悩するシーン。

彼女の演技への意欲が、ひひしひしと伝わってきましたね。

山田監督は、過去に、「幸福の黄色いハンカチ」で、同じように売れないことでせ芸能活動から遠ざかっていた武田鉄矢を、演技者として復活させた実績のある監督。

山田監督には、そういう人材をキャッチするアンテナがあるようです。

そして、功績二つめ。

これもそのアンテナがキャッチしたものでしょうか。

演技経験皆無の舞踏家・田中 泯を発掘して起用したこと。

その風貌もさることながら、舞踏で鍛えたその独特の動きが秀逸。

ラストの民家の中での清兵衛との決闘。

これが、定番時代劇のお決まりの殺陣シーンとは、明らかに一線を画す、リアリズム溢れるシーンでした。

これが映画初出演とは思えない田中泯の圧倒的な貫禄と、鬼気迫る威圧感。

この映画の撮影時、彼はすでに58歳。

しかし、この演技が評価されて、彼はその後、いろいろな映画で、俳優としても、その存在感を発揮していきました。

しかし、個人的に一番引き付けられたのが、やはりなんといっても、山田監督が徹底的に拘ったリアルな日常風景。

下級武士の、清貧ではあるけれど、生活者の息吹を生き生きと感じさせる家事全般のさりげないシーンの数々。

寅さんシリーズでも、そういうシーンを上手に掬い上げるのは山田監督の十八番。

思わず、うなってしまいました。

定年後は、貧乏承知の田舎暮らしをしようと画策している身としては、大いに感じ入るところがありましたね。

田舎暮らしの覚悟はできておりますが、スケベオヤジとしては、願わくば、ご近所に、あの宮沢りえのような、美人がいてくれればと願う次第。

田舎へ引っ込んでも、また見たくなる映画でしょう。

 

映画「ゴッドファザーPart Ⅱ」

公開は1974年。

「前作は、この映画の偉大なる予告編。」

そんな映画のキャッチコピーにワクワクしたものでした。

たいていの続編は、前作を超えることはない。

これが長年映画を見てきた僕の中の鉄板の法則ですが、その例外はいまでもたった二つ。

「エイリアン2」と、それからこの「ゴッドファザーPart2」です。

「エイリアン2」は、前作のリドリー・スコットから、ジェイムズ・キャメロンに変わっていましたから、同じ監督による続編としては、唯一この映画だけ。

コッポラ監督は、最初この映画を、2時間の尺に納めようとしていたそうですが、パラマウント映画から却下。

「前作同様、3時間にしろ。」といわれたそうです。

通常、長い映画を短くしろといわれる話はよく聞きますが、その反対というのはなかなかない話。

それだけ、前作「ゴッドファーザー」か、高い評価を受けていたということでしょう。

Part2の見どころは、なんといっても、ビトー・コルレオーネの青年時代を描いたところ。

当初コッポラ監督は、この若き日のビトーを、マーロン・ブランドに演じてもらおうと思ったようです。

メイクアップで、60代のコルレオーネをきっちり演じきったマーロン・ブランドーなら、役者として若き日のビトーも演じられるはず。

しかし、前作で屈辱的契約を飲んだブランドーは、今度は黙っていません。

パラマウントに、とんでもなく法外なギャラを要求したため会社はこれを断念。

白羽の矢が立ったのが、当時まだ無名のロバート・デ・ニーロでした。

彼は、アメリカ映画にもかかわらず、セリフのほとんどをイタリア語で完璧に演技。

おそらく、こんな芸当は、マーロン・ブランドには、出来なかったでしょうから、結果的にこれは大正解。

彼はこの演技で、アカデミー助演男優賞を受賞。

演技派として大ブレイクしました。

思えば、前作「ゴッドファーザー」では、ビトー・コルレオーネを演じたブランドが主演男優賞。

Part2 では、同じくビトー・コルレオーネを演じたデ・ニーロが助演男優賞。

同じ人物を演じた役者が、それぞれアカデミー賞を取ったというのも、アカデミー賞の歴史では唯一これだけ。

唯一これだけといえば、続編が再びアカデミー作品賞を受賞したというのも、この「ゴッドファザー」シリーズだけの快挙。

そして、コッポラ監督は、このPart2を製作した同年、ジーン・ハックマン主演の「カンバセーション・・盗聴」も撮っており、この作品もアカデミー賞作品賞にノミネート。

同じ監督の作品が2本、作品賞の候補になったというのもアカデミー賞始まって以来。

この「ゴッドファザー」の2本で、彼は名実ともにハリウッドの名監督の仲間入りを果たしたといえます。

映画「ゴッドファザーPart2」は、いろいろな意味で、エポックメイキングな作品となりました。

この映画で、助演男優賞の候補になった人がもう一人。

マイアミのユダヤ人のボス・、ハイマン・ロスを演じたリー・ストラスバーグ。

この人、実はタダモノではありません。

ハリウッドの俳優たちの間では、知る人ぞ知る「アクターズ・スタジオ」の創設者の一人であり、演技指導者という方。

アクターズ・スタジオのメソッドは、いまでもハリウッド俳優たちの指標になっています。

その特徴は、役作りの上で演技者の実生活での体験や、役の人物の内面心理を重視する点。

これを習得した役者たちは、映画界で、それぞれ確固たる地位を築いていきます。

とにかく、その卒業生たちの顔ぶれが凄いのなんの。

ざっと挙げます。

ジーン・ハックマン、ジェームズ・ディーン、ジェーン・フォンダ、ジャック・ニコルソン、スティーブ・マックイーン、ダスティン・ホフマン、デニス・ホッパー、ポール・ニューマン、マリリン・モンロー、
メリル・ストリープ・・・

そして忘れてならないのが、アル・パシーノ、ロバート・デ・ニーロ、マーロン・ブランド、そしてロバート・デュバルもこのスタジオの卒業生ということ。

いわば、この映画には、彼らの師匠が、同じ俳優として、映画に参加しているわけです。

とくに、アル・パシーノ。

ファミリーのドンになったマイケルと、ストラスバーグ演じるハイマン・ロスは、映画の中で何度か役者として絡んでいます。

これは、いわば演技の師匠と教え子の直接対決。

こういう展開、普通なら双方力が入って、力みがちになるもの。

しかし、二人とも、そこらあたりはさすが。

実に淡々と、アクターズ・スタジオの理念にのっとった演技を展開。

甲乙つけがたい貫禄の演技で、この映画の隠れた見どころの一つになっていました。

アル・パシーノは、演技派として映画界で確固たる地位を築き、今では「アクターズ・スタジオ」の学長になっています。

コッポラの演出は、さらに磨きがかかり、若くして成熟していきます。

公聴会のシーンなどは、ドキュメンタリーと見間違えるほどにリアルな演出。

徹底した時代考証は、本作でも引き継がれています。

なかでも、僕が好きなシーンは、ラスト近くの、マイケルが、裏切った実兄フレドを殺させるシーン。

マイケルの子供たちと一緒に湖に釣りを行こうとするフレド。

しかし、子供たちだけがマイケルに呼ばれて残ります。

舟の漕ぎ手と一緒に沖に出るフレド。

そのフレドの背後で、漕ぎ手が銃口を向けます。

そこで画面は変わって、湖に面したボートハウスの中で、一人佇むマイケル。

湖から聞こえる銃声。

ボートハウスの遠景のまま、中央でがっくり頷くマイケルがはっきりとわかるショット。

彼の孤独と苦悩が、しっかりとテクニカラーの画面に焼きついていました。

(ちなみに、この映画が、ハリウッドでは、最後のテクニカラー作品)

映画は、ラストで、時間をさかのぼって、マイケルの誕生日のシーンになります。

これから軍隊に入ろうというマイケル。

まだこの時には、コルレオーネファミリーは全員揃っています。

コッポラは、せめてこのシーンだけでも、マーロン・ブランドを特別出演させたかったようです。

しかし、彼は撮影をドタキャン。

止むなく、彼なしでそのシーンは撮影された模様ですが、確かに、そのシーンにマーロン・ブランドがいれば、ビジュアルとしてのインパクトはあったかと思います。

しかし、彼がいないことで、ドンへの郷愁を誘い、それを一人回想するマイケルの虚しさを強調させることになったのも事実。

これはこれで結果オーライでしょう。

絶好調だったコッポラ監督は、80年代に大コケ。

そんな中で、1990年に、映画のPart3　で復活しようと測りますが、そのはなしはまた別の機会に。

 

映画「ゴッドファザー」

 

 

この映画を、なけなしの小遣いで有楽町の「丸の内ピカデリー」に見に行ったのは中学生の頃。

とにかく、「凄い映画が来るぞ」という前評判で、あちこちのメディアで宣伝していました。

当時の人気歌手だった尾崎紀世彦も映画の「愛のテーマ」をレコード化。

映画は知らなくとも、ニーノ・ロータによる、そのメロディは誰もが知っているというほどポピュラーになりました。

「丸の内ピカデリー」という映画館は、あの頃、そういったワンランク上の映画をよく上映していました。

スタンリー・キューブリックの「時計じかけのオレンジ」も、たしかあの映画館でしたね。

ゴッドファーザーのタイトルの前には、「マリオ・プーゾの」が付いていました。

彼の小説が原作。

我が家は本屋でしたが、その原作小説は、映画の封切りと合わせて、平積みにしてありました。

映画オタクだった僕は、ハクをつける意味で、店からその本をちょっと拝借し、学校へもっていって、休み時間などに、話題の映画の原作を読んでいるフリをしたものです。

もちろん、中身は最初をチラチラと読んだだけ。

当時クラスメートに語った映画の蘊蓄は、ほとんど、月刊誌「スクリーン」や「ロードショー」のウケウリでした。

でも、映画は、中学生なりにも、たしかにその重厚感はヒシヒシと伝わってくる内容。

前評判通り、たしかに他のハリウッド映画とはどこかで一線を画していました。

この映画、さぞや、名のある監督が作った作品かと思いきや、監督のフランシス・フォード・コッポラは、新進気鋭。

それまで、映画的な成功は経験していない若手にもかかわらず、こういう大作を任せようと決めたハリウッドは、実に懐が深いと思ったものです。

しかし、その若手監督に撮らせる上で、ベテランの腕のあるスタッフをつけたのもまたハリウッド。

そのセンスの良さは、業界でもそこそこ認められていたコッポラは、その期待に応えて、単なるエンターテイメントに妥協しない「作家性のある」傑作を世に送り出しました。

同じマフィアものとして、アカデミー賞を獲得したのがウィリアム・フリードキン監督の「フレンチ・コネクション」。

あの手に汗握るカーアクションを劇場で見て、実は彼は落ち込んだそうです。

「やはり観客に支持されるのはアクションか。それに比べて、俺の映画は、男たちが暗い顔をして、話し合っているシーンばかり。こなんな映画がヒットするわけがない。」

コッポラ監督、当時はまだまだ謙虚でした。

しかし、ふたを開けてみれば、映画「ゴッドファーザー」は、それまでの映画興行を更新するほどの大当たり。

それは、1975年に、スピルバーグ監督の「ジョーズ」に破られるまで続きました。

それは、ある意味、コッポラ監督が、安易なエンターテイメントに妥協せず、自らの作家性を貫いた賜物といえます。

主演は、マーロン・ブランド。

この人は、折り紙付きのトラブル・メーカーで、この映画の製作が話に登ったころは、ハリウッドの中では、すでに過去の人となりつつあった時期。

復活の意味で、どうしてもこの映画のドン・ビトー・コルレオーネ役を獲得したかった彼は、製作陣に積極的に売り込んだそうです。

このとき彼は40代。

映画の中では、60代までを演じるため、あの独特のbulldog顔を演出するために、口に綿を含んで演じたというのは有名な話。

彼の老け顔の特殊メイクを担当した、ディック・スミスは、後にあの「エクソシスト」なども担当してハリウッドの売れっ子になりました。

その甲斐あって、彼はこの映画でアカデミー主演男優賞を獲得。(受賞は拒否)

大物性格俳優として、再びハリウッドに復活を果たしました。

 もうひとつ、この映画の成功に欠かせなかったスタッフが、美術のディーン・タラボリス。

この映画のドラマチックなストーリーを、完璧な時代考証で彩り、かつ格調高い映像美をコッポラに提供したのが彼。

この映画をワンランクアップさせたのは、彼による美術の効果が大きいといえるでしょう。

とにかく、画面の隅から隅まで、どこを切り取っても安っぽくない。

完璧な美術でした。

映画の蘊蓄をもう一つ。

映画の中に登場してくる、落ち目の歌手のジョニー。

彼のモデルはあのフランク・シナトラ。

彼は、1940年代には隆盛を誇った人気歌手でしたが、1950年代当初は、次第に落ち目になっていました。

その彼が、復活をかけて狙っていたのが、映画「地上より永遠に」の酔いどれ兵士マジオの役。

監督のフレッド・ジンネマンに必死の売り込みをしたようです。

その際、裏社会のマフィアの親分に泣きついたかどうかは知りませんが、その甲斐があって、めでたくその役をゲット。

アカデミー賞の助演男優賞にも輝き、そこからふたたび歌手としても復活を果たしました。

このあたり、前述のマーロン・ブランドの一件も考えると非常に興味深いところ。

この映画で、コッポラ監督と同じように、一躍有名になったのはなんといってもアル・パシーノ。

この役は最初、ロバート・レッドフォードにオファーしようとしていたようですが、コッポラ監督の強いプッシュにより彼に決定。

ロバート・レッドフォードのマイケルも見てみたかった気はしますが、結果的にはそれが大正解。

以降の展開も考えると、彼なしでは、この映画の成功はなかったでしょう。

失礼。

おっと、気が付けばうんちくタラタラになりました。

あの頃、クラスの女の子にもてたい一心で拾い集めていた知識は、まだ頭の片隅に残っているようです。

この映画、今見てもやはり欠け値なしの傑作です。

 

映画「飢餓海峡」

19

 

1965年といいますから、昭和40年公開の東映映画。

日本映画のトップ10をあげれば、必ずランクインしてくる不況の名作です。

内田吐夢監督の渾身の3時間。

これを始めてみたのは、確か池袋の名画座テアトル池袋。

まだ大学生でした。

今回は、Amazone プライムのラインナップからこの作品を見つけて久しぶりに鑑賞。

そして゜再見しながら、しみじみと思ったこと。

それは、この映画の、「貧困」という重いテーマは、はたして今の時代に通用するのかなということですね。

映画の背景にあるのは、終戦直後の混乱と、きれいごとでは済まされない当時の貧困という問題。

僕は、1959年生まれですから、昭和40年ではまだ6歳。

小学生です。

我が家は、もちろん裕福ではありませんでしたが、子供心にも、それほど貧乏という実感はありませんでした。

でも、両親も祖父も祖母もみんな終戦の時代の経験者。

彼らは、ことあるごとに口をそろえてこう言います。

「いいか、おまえたち。こうやって食べられるものがあるだけ幸せなんだぞ。」

「こら。そんなにものを粗末にすると罰が当たるぞ。」

まあ、彼らにしてみれば、それは身に染みていたことなのかもしれません。

しかし、実際当の僕らは、その悲惨な時代を経験していないので、彼らになにを言われても、お小言は馬耳東風。

叱られながら、ウンザリしていたものです。

「戦争を知らない子供たち」とはよくいったもの。

こちらとしては、戦争を経験していないのは、僕らのせいではないよという話です。

でも、今にして思えば、そうやって、繰り返し繰り返し、耳にタコができるくらい聞かされてきた、大変だった時代の経験談。

やはり、それはどこかで、僕らの潜在意識に刷り込まれていたかもしれません。

例えば、この映画を見ていても、なにかのエピソードが、頭のどこかで、おじいちゃんが話してくれた何かのエピソードとリンクする。

まだそんな風に見れるわけです。

でも今の子供たちは、もうすでに、両親も、下手をすれば祖父祖母の世代も戦争を経験していない世代です。

 そんな世代には、この映画どう見えるのか。

ちょっとそれが心配になりました。

おそらく、彼らにとっては、この映画そのものが、歴史の教科書の1ページ。

なるほど、そういう時代もあったのねという、蘊蓄の資料にしかならないのではないか。

おそらく、そういうことになるのでしょうね。

昭和40年といえば、テレビの台頭は始まったとはいえ、まだ映画産業は元気でした。

この映画は大ヒットしましたが、この映画をお金を払って見に行った観客たちは、おそらくみんな同じ時代の経験者。

そんな彼らの熱烈なシンパシーが、この映画のエンターテイメントとしての大ヒットをさ支えたわけです。

日本映画のベストテンをあげれば、必ず上位にランクインしてきたこの「飢餓海峡」。

しかし、この映画が、時代を超えて、新しいファンを獲得するのはちょっと難しいのかなという気がしています。

例えば、黒澤明の「七人の侍」。

あの映画にあるエンタテイメントとしての不変のテーマ。

これは時代を超えて支持されます。

現に、デジタルリマスターで非常にクリアになってにリニューアルした「七人の侍」は、新しいファンを獲得しています。

 でも、この映画は、残念ながら、時代を経るごとに、支持者が減っていくような気がします。

「貧困」という社会問題がなくなったというわけではありません。

ただ、貧困の質は明らかに違ってきています。

あの時代は、1億人すべてが貧しかった。

「貧困」という問題を、公平に誰もが共有できた。

でも、今の時代は違います。

今の貧困は、「格差社会」のなかにある貧困。

貧困にあえぐ層がいる一方で、天文学的裕福を彼らから、搾取している富裕層がいる。

嫌な言い方ですが、「勝ち組」と「負け組」が歴然といる社会です。

そういう中での「貧困」は、あの頃の貧困よりも、明らかに、歪にねじれ曲がります。

あの時代の貧困は、ある意味で純粋でした。

映画の中で、娼婦八重が、犬養の残していった爪を大事に保管し、それをお守り代わりにする。

時には、その爪で、頬を刺して、恍惚とする。

あのシーンがどう映るか。

「きもい」「アホか」「信じらんない」

そんな感じでしょうか。

僕でさえ、今見ると、ちょっ引いてしまう感じは否めません。

明らかに、今の時代の感覚と、なにかが決定的にずれてきている。

でもこれは、時代を切り取ることで名作の地位を確立してきた映画の、宿命かもしれません。

時代に埋没していくのも映画の宿命。

しかし反対に、時代の語り部となるのもまた映画でしょう。

映画「飢餓海峡」は、いろいろな意味で、日本人として、忘れてほしくない映画です。

 

 

映画「東京原発」

2004年公開の映画。

ですから、東日本大震災での、福島原発事故の7年前の映画です。

あの事故の前に見たか、後で見たかで、この映画はだいぶ印象は違ってくるんじゃないでしょうか。

東京に原発を誘致するなんてことは普通に考えれば狂気の沙汰。

でも、よくよく考えてみれば、それは都市のエゴに他なりません。

この地震大国日本で、都市への電力供給のためのリスクを負っているのが、地方というのは確かに理不尽。

都市で使うための電力供給のためのリスクは都市が負うべき。

確かに正論です。

だから、東京原発というわけです。

しかし、福島の原発事故前では、このスッタモンダのドタバタは、悲しいかなコメディにしないと、エンターテイメントとして成立しない。

ただ、震災後の数年たった今になってこの映画を見ると、この作品は、かなりブラックな味わいのコメディになってきますね。

ちょうど、スタンリー・キューブリックの「博士の異常な愛情」に通じる冷や汗タラリのブラックなテイストです。

 

原子力安全委員会の怪しげな役人が、隠密にモックス燃料をお台場から原発まで陸送しようとします。

知事の役所広司が男に詰め寄ります。

「責任者は誰だ。」

益岡徹演じる役人は、知事にしれっとこんなことを言います。

「何言ってるんですか。国のやることに、責任者なんているわけないでしょう。」

あの震災以降で身に染みたことが、なるほど、すでにこの時点でギャグになっていました。

まずはニヤリ。

そして、運搬するトレーラーの車番が「1818」（イヤイヤ）になっていたり、「4949」（シクシク）になっていたりで、またニヤリ。

なかなか芸が細かい。

ラスト。

爆発物オタクの少年が、「絶対に爆発する」といっていたトレーラーに仕込んだ爆弾は不発。

知事はこう言い放ちます。

「この世に、絶対なんてことがあってたまるか」

まったくもってその通り。

この世に、絶対なんてことはありません。

もごもごと口を濁しながら、結局は原発を推進するステイクホルダーの皆様、そして、その利権にしがみついて、根拠のない安全神話を連呼する霞が関の官僚たち。

どうかそのことを、お忘れなく。

それでも、原発は安全とおっしゃるなら、せめて責任くらいはとりましょうね。

 

ドラマ「マークスの山」

2010年に、ＷＯＷＯＷで製作されたドラマ。

原作は高村薫の小説。

映画化は、1995年。監督は崔洋一。

僕は、映画の方は見ていました。

かなり露骨な同性愛表現や、きわどい性描写。

おそらく、日本映画で、ボカシを入れない女性のヘアを見たのもこの映画が最初で、スケベな映画ファンとしては、記憶に鮮明。

（残念ながら、名取裕子のヘアではありませんので、あしからず）

そんなわけで、そんな原作のドラマ化は、民放ではちょっと難しいと思っていました。

実際、この原作の権利を買った企画会社も、テレビ局への売り込みには苦労した模様。

主人公の青年の設定が、あまりにテレビ的ではないとの理由で、どの民放テレビ局も案の定この企画には首を縦に振らず。

当然ながら、イメージ重視のスポンサーが納得するわけがない。

そんなわけで、映画化以来、ながく企画は通らなかったけれど、スポンサーのいない有料放送のＷＯＷＯＷでめでたく企画が成立。

蓋を開けてみれば、このドラマは、すさまじい反響で、ＷＯＷＯＷの視聴数も更新。

スポンサーという足かせのないＷＯＷＯＷは、以降、民放では到底規格の通らないテーマのドラマを、独自の路線として、次々と製作していきます。

映画の主演は、中井貴一でしたが、ドラマの方の主演は上川達也。

萩原 聖人の演じたマークスの役は、高良健吾。

色っぽかった名取裕子の役は、戸田菜穂。

映画とドラマ、どちらに軍配が上がるかなんて、映画の見方としては邪道。

そんな野暮なことをいうのはよしましょう。

 山を舞台にしたミステリーというと、中学高校時代に読み漁った森村誠一以来。

しっかりとした原作なので、作品はおのずとしまってきます。

 彼の作品も、当時たくさん映画化されましたが、高村作品も映像化には引っ張りだこ。

「レディ・ジョーカー」も、映画からドラマが作られましたが、同様に楽しめました。

 

 

映画「武士の献立」

舞台は石川県金沢市。

当時の加賀百万石の御膝元。

思えば、2016年に旅したのは、元旦に出かけた金沢だけでした。

映画は、2013年の作品。

加賀藩は、ご存知の通り、代々前田家が藩主。

金沢の冬の風物詩「フードピア金沢」は、グルメブームの昨今、人気のイベントとして毎年開催されています。

加賀料理は、伝統の京料理をベースに、江戸からの新しい技術も貪欲に取り入れて発展した、郷土料理。

それを支えたのが、藩内に実在した「包丁侍」。

包丁侍たちは、前田家のまかない料理を始めとし儀式全般を執り行う専門職の武士たち。

その包丁侍のなかで、ひときわ、御役目に熱心であり、その卓越したセンスで創意工夫を重ねて頭角を現した実在の人物が、舟木伝内包早。

映画は、4代目藩主・前田綱紀からお料理人として召し出された伝内と、息子安信の嫁となった上戸彩演じる春の奮闘をベースに、四季折々の加賀料理を見事に映像化。

個人的には、去年から、自分で料理などもするようになったこともあり、江戸時代の料理文化を丹念に映像化したこの映画は大変楽しめた。

映画の中で、安信と春は、能登の輪島に料理修行に行くが、ここは僕も一人旅で出かけたところ。

輪島の朝市で、海産物を売っていたおばあちゃんが、買ってくれたお礼にと、その場でご当地民謡を歌って踊ってくれたシーンがオーバーラップした。

 

 

 

映画「長い長い殺人」

2008年にＷＯＷＯＷで製作され公開された映画。

原作は宮部みゆき。

この人の作品で常にキーポイントになるのは、「視点」。

それでいうと、この作品の語り部の「視点」はかなりユニーク。

なんといっても「財布」なのですから。

「犯人の財布」「刑事の財布」「目撃者の財布」。

彼女の「理由」という作品も、一つの事件を、いろいろな人たちの証言で構成して、真実を浮き彫りにしていくという手法でしたが、この辺りが彼女流ミステリーの真骨頂。

とにかく、この人の描く作品の根底にあるのは、常に「普通の人」目線。

普通でない人よりも、普通の人の、普通の感覚のミステリーの方が、実ははるかに怖い。

極上のミステリーとは、実は日常にこそ潜んでいるもの。

彼女はこのことを、熟知しているといえましょう。

普通の人の日常から、普通でないサスペンスを、いかに上手にすくい揚げるか。

そのあたりが、この人のミステリー作家としての面目躍如かな。

一つの事件を、いろいろな視点から描くという手法の原点は、やはり黒澤明の「羅生門」。

真実は神のみぞ知る。

実際はそうなのかもしれないけれど、映画としてそう突っ放してしまってはエンターテイメントにならない。

かといって、一直線に真実にゴールしてもつまらない。

人間は、もともと人それぞれ。

その多様性を上手に拾って、組み上げていけば、リアルな日常ミステリーが出来上がるという寸法。

こういうスタイルの映画が、どうやら僕は嫌いではないようだ。

 

映画「バトル・ロワイヤル」

2000年公開の映画といいますから、もう17年も前の映画。

主演の藤原竜也は、今の彼とそんなに変わらないのがちょっと凄い。

この映画当時の彼は18歳。

監督は、 深作 欣二。

70歳の高齢になっても、衰えぬバイタリティはさすがの一言。

あの「仁義なき戦い」の強面の面々が、そっくりそのまま中学生たちに入れ替わったような展開。

とにかく滅茶苦茶な冒頭の設定さえゴクリと飲み込んてしまえば、映画はそれなりに楽しめました。

そのあまりに、暴力的な内容に、当時のマスコミも大騒ぎし、国会にまでその話題は波及したけれども映画は映画です。

なんのかんのといっても、バイオレンスは、人間の根源的本能。

モラルというまな板に載せる前に、まずはエンターテイメントとして楽しむべき。

けしからんという人は、見なければいいというだけの話。

映画のキーマンは、やはり役者としてのビートたけし。

わけもわからずバトルロワイヤルの戦場へ連れてこられた生徒たちに彼はこういいます。

 

「今日は、ちょっとみんなに殺し合いをしてもらいます。」

 

無茶苦茶な一言ですが、これにリアリティを持たせられる役者は彼くらいかも。

この映画で光っていた柴咲コウや栗山千明は、この後ブレイク。

山本太郎は、政治家に転身しました。