柿沢謙二ブログ

薄荷

小学校2年生までは、大田区大森界隈に住んでいました。

駅でいえば、京浜急行の平和島。

第一京浜を渡った商店街の、入口から３件目で、本屋を営む祖母と暮らしていました。

この頃は、確か一日10円か20円のお小遣いをもらっていて、それはほとんど、その何件か先にあった「会津堂」というお菓子屋か、三原通りを渡った先にあった、鼻の横に大きなほくろのあるオバアチャンがやっていた、お好み焼き屋で使っていました。

お菓子屋で買うのは、たいてい油煎餅(今でいうところの歌舞伎煎餅)か、ビンの入れ物に入っていた薄荷飴。

確か、まんまるで、周りにザラメがコーティングされていた記憶です。

あのスースーする感じが好きでした。

さて、時は流れて、1980年代初め。

その頃には、大学生になっており、一丁前にデートなどもするようになっていました。

一生懸命アルバイトをして稼いだお金で、ガール・フレンドに、イタリアンを奮発。

しかし、無理してるのはしっかりと伝わっていたようで、レストランを出た後で、こう言われてしまいます。

 

「ごちそうさま。今度はあたしがご馳走してあげる。待ってて。」

 

そう言って、吉祥寺のサンロードの入口で立って待っていると、彼女がすぐに買ってきたのが、忘れもしないサーティワン・アイスクリームのチョコミント。

恥ずかしながら、それが人生で初めてのサーティワン体験でした。

これが、なんとも美味しかったんですね。

それまで、アイスといえば、バニラかチョコレート(もしくはストロベリー)しか食べた記憶がなかったので、あのスースーする味にビックリしたモノです。

それ以来、デートをする相手は、何人か変わりましたが、サーティワンのアイスクリームを食べるときは、今日まで一切浮気なしのチョコミント一筋。

今思えば、それは子供の頃に好きだったあの薄荷の味でした。

さて、それからまた時は流れて、6年前。

勤めていた会社が畑を所有していて、野菜を作りたければ、自由に使っていいという御触れが出たんですね。

その頃は、定年退職後は、百姓をやりたいと考えていた時期でしたので、真っ先に手を挙げさせてもらいました。

農業経験者の先輩二人に色々と教えてもらいながら始めた野菜作り。

最初は、一から十まで教わっていましたが、何せ基本が好奇心旺盛なもので、失敗覚悟で、二人が経験したことがないハーブにも挑戦。

とにかく、ホームセンターのガーテン・コーナーに行って、聞いたことのありそうなハーブの苗を片っぱしから買ってきて定植しました。

最初のトライでは、半分以上はダメにしてしまいましたが、そんな中でうまくいったハーブも何種類か。

そのうちの一つが、スペアミントでした。

梅雨が明ける頃、青々と茂った若葉の香りを嗅いでみると、どこか懐かしいいい香りです。

そう、あの薄荷の味なんですね。

カインズホームで、ハーブ用のポットを購入して、早速自宅で、人生初めてのフレッシュ・ハーブティ。

これが、またスースーして、美味しかったんですね。

カモミールや、レモンバームも、もちろん美味しかったんですが、個人的には、このスペアミントがダントツに相性がよろしい。

なんだか嬉しくなってしまって、会社の連中にも飲ませまくりましたが、基本的には女性陣のウケがよろしかったですね。

これは、たくさん栽培しておけば、この先いいこともあるかもしれないと、それ以来毎年栽培を続けている次第。

ミント系のハーブは、多年草なので、根づけば、あとは毎年春に新しい葉が伸びてきます。

コストパフォーマンスもバッチリ。

摘みたてのフレッシュ・ハーブが断然香りも芳醇ですが、摘み取ったものを部屋の中に吊り下げて乾燥させれば、そのままドライ・ハーブになってくれるので、今はほぼ年間を通して、スペアミント・ティが楽しめるようになりました。

そして、もちろん、いつでも女心を掴めるように、真空パックしたドライハーブも常備。

最近読んだ、宮沢賢治の童話「いちょうの実」にも、水筒に入れた薄荷水の描写がありましたね。

彼の父親は、地質調査に向かう息子の背嚢に、そっと薄荷糖を忍ばせておくような愛情あふれる人だったようです。

 

宮沢賢治ではありませんが、カキザワケンジとしては、務めていた会社には、スペアミント・ティを気に入ってくれた女性社員もまだ働いていますので、今シーズンのフレッシュ・ハーブを摘んだら、下心を込めて、届けてあげることにしましょう。

 

誰か文句ハッカ?

映画「ガール・ネクスト・ドア」

ガール・ネクスト・ドア

 

いわゆる「筆おろし」モノという映画のジャンルがあります。

童貞の少年が、艶っぽい年上の女性に、恋の手解きを受け、最後は童貞を奪っていただくというのが定番のストーリー。

自慢ではありませんが、映画を見始めた頃から、この手の映画は大好物でした。

そこそこにエッチな展開は、期待できるので、映画の善し悪しは、ほぼ関係なし。

それだけで、入場料の元は取れるという魂胆でした。

ただひとつだけこだわったのは、主演女優の好み。

そして、その女優は出来れば、Fカップ以上の巨乳。

これが、満たされていれば、映画の中身はほぼ問題にしませんでしたね。

 

何度見たかわからない「青い体験」「続・青い体験」のラウラ・アントネッリ。

これ一本で永遠のヒロインになった「おもいでの夏」のジェニファー・オニール。

「エマニエル夫人」よりもしびれた「プライベート・レッスン」のシルビア・クリステル。

今でも、一番好きな女優のジャクリーン・ビセットも、「経験」という筆おろし映画に出演しています。

その他、ナタリー・ドロンの「個人教授」、キャロル・ベイカーの「課外授業」などなど。

いやあ、恥ずかしながら、1980年代までは、とにかく見まくっていますね。

映画を見なくなってしまった1990年代以降も、この手の映画は、多くのスケベ映画ファンに支えられて、たくさん作られていたと思われます。

 

本作は、久しぶり見た「筆おろし」ものでした。

こちらも、還暦を超えてしまって、もうこういう映画を楽しめる歳でもないと思っていましたが、これが意外に楽しめました。

よかった、よかった。まだスケベ魂は健在のようです。

本作は、2004年製作と言いますから、今からはもう17年も前の作品。

登場人物が使っていた携帯が、かなり年代物のガラケイでした。

 

主演は、エリシャ・カスバート。

ほぼ存じ上げない女優さんですが、なかなか魅力的でした。

アメリカの人気テレビドラマ「24」に出演してブレイクしたことで、日本未公開だった本作が、急遽Blu-rayになったようです。

Amazon プライムにラインナップされていました。

主人公の高校生の隣の家に引っ越してきた美女が、ポルノ女優だったことで巻き起こる大騒動。

正直申して、この設定で相当過激なシーンも期待してしまいましたが、そちらはそれほどでも。

しかし、ヒロインの魅力で、そこにそれほどストレスは感じませんでした。

ラストのオチは、考えたなという気もしましたが、ツッコむのは野暮というもの。

ほぼセオリー通りの「筆おろし」もので無難にまとめたというところでしょう。

 

オタク系少年が、イイ女を落とすというドリーム・ストーリーは、昔よりも、むしろ今時の方がウケがいいのかもしれません。

映画「超感染 ファイナル・デッド」

超感染　ファイナル・デッド

 

韓国映画「新感染　ファイナル・エクスプレス」が、かなり面白かったので、便乗映画とは思いつつも見ることにしました。

しかし、冒頭のクレジットがハングルではなく、漢字でしたので、まずビックリ。

韓国映画でなく、本作は中国映画でした。

なるほど、経済成長著しい中国は、エンターテイメントにおいても、アメリカに迫ろうという意思は感じました。

まず、オリジナル・タイトルは「末世人间道」。

今は、便利なアプリがあるので、翻訳するとこれは「この世の終わり」という意味。

英語タイトルは、”Lost In Apocalypse”で、こちらだと「失われた黙示録」みたいなことでしょうか。

ですから、2018年製作の本作は、タイトル的には、やはり「新感染　ファイナル・エクスプレス」のヒットに便乗したのは、邦題をつける日本の映画配給会社の確信犯ということになりそうです。

設定も、あちらが特急一本貸切撮影なら、こちらは、ホテルが舞台。

主人公は、若い富豪に仕える運転手。

ボスの会議を地下駐車場で待つうちに、ゾンビに襲われているホテルの異変に遭遇。

ゾンビ映画のお約束で、ゾンビ出現の説明は一切ありません。

御一行様を助け出して、最後は、自分とボスとの一騎討ち。

中国映画ですから、最後はカンフー映画の見せ場も踏襲。

これは韓国映画にはあまりない見せ場。

役者の顔を全員知らないので、最初は誰が主人公なのか、わからないのですが、次第に彼にスポットが当たっていきます。

決して、イケメンではない、「普通のニイチャン」をヒーローにするあたりは、「ダイ・ハード」狙いだったかも。

そういえば、彼は途中から、ジョン・マクレーン刑事よろしく、ランニング・シャツ一枚で奮闘していました。

アクションの見せ場も、ビルの中でしたから、アクション映画のお手本として、大いに参考にしたかもしれません。

途中で、女の子を救い出して、守っていく展開は、「エイリアン2」でしょうか。

ハリウッド映画をお手本にしている感じが伝わってきます。

 

とにかく、中国の目覚ましい経済発展の原動力となったのが、徹底的に行われた海外技術の吸収でした。

オリジナル創作力においては、我が国同様乏しい中国は、元々「コピーする」「真似をする」という文化においては、えげつないまでのエネルギーがありました。

その是非については、分別くさいことも言いたくはなりますが、何よりもそうして吸収した技術をさらに自国内で発展させて、今やアメリカと肩を並べようかという、経済大国に躍り出た中国ですから、経済においても、文化においても、今や三流国以下に成り下がろうとしている落ち目の我が国が文句を言っても、もはや僻みにしか聞こえないというもの。

個人的には、中国映画といえば、中国オリジナルの香りを持ったチャン・イーモウ監督の「初恋のきた道」などが好みなのですが、本作のテイストは、完全にハリウッド・エンターテイメント。

おそらく、中国映画は、この分野においても、アメリカと肩を並べようと本気で企んでいるのかもしれません。

 

韓国映画は、ハリウッド映画に追いつけ追い越せとばかり、若い映画人たちを、国費でハリウッドに映画留学させて、積極的に映画文化の向上を、国策として力を入れてきました。

そんな若い監督の一人が、ソン・ガンボで、彼は韓国に戻ってから「半地下の家族　パラサイト」で、アメリカのアカデミー賞を受賞して、その期待に応えました。

もしかしたら、中国の若き映画人たちの多くも、ハリウッドで、「世界で売れる映画の作り方」をせっせとコピーしているかもしれません。

そうなれば、今や経済力では、はるかに韓国や我が国の上をいく中国ですから、そのうち「アリババ」や「ファーウェイ」のように、映画コンテンツにおいても、世界で通用する作品を作ってくるようになる日が来るのかもしれません。

 

まあしかし、それはそれ。

とりあえず、現段階においては、ゾンビ映画の実力においては、韓国の方が上だと言っておきましょう。

 

ん? 日本にも、世界に誇るゾンビ映画がある?

そうか、先日「カメラを止めるな!」を見たばかりでした。

うーん。

本作と「カメ止め」の比較は微妙ですね。

ちょっと、乗っている土俵が違う気がします。

「カメ止め」は、製作費が少ないことを逆手に取ったアングラ映画的アイデアで勝利した作品。

中国は、本作を見る限り、本格的なエンターテメントで挑んできていますな。

 

まあ、映画ですから、つまるところ「面白い」が全てではありますが。

 

映画「サボテンの花」

サボテンの花

 

「バーグマン踊る!!」

 

僕がこの映画のキャッチ・コピーをつけるなら、こういうことになりますでしょうか。

この映画の撮影時、イングリッド・バーグマンは、すでに54歳になっていましたが、一皮も二皮も剥けた、大女優のコメディエンヌぶりに、感慨も一入。

本作で、デビューしたゴールディ・ホーンの、圧倒的な魅力と、天性のコメディエンヌぶりに、ややもすれば、引きずり込まれてしまうそうな本作ではありますが、僕の年齢になりますと、ゴールディ・ホーンの少女アニメのようなクリクリ眼玉よりも、円熟のバーグマンの顔に刻まれたシワの魅力の方が、ギリギリのところで勝りましたね。

 

イングリッド・バーグマンといえば、ハリウッドで活躍した40年代には、「淑女」を体現する女優として、全世界の映画ファンに愛された人です。

しかし、そんな彼女は、そんなファンたちの期待を裏切るように、家族を捨てて、ロベルト・ロッセリーニとの不倫に走り、ハリウッドを追放されたことで有名です。

その後、ロッセリーニ監督の作品に出演を続けた彼女ですが、映画はヒットせず。

やがて、ロッセリーニと別れた彼女は、ハリウッドに復帰します。

そして、映画「追憶」で、「ガス燈」に続き、二度目のアカデミー賞主演女優賞。

この受賞のステージに彼女は現れませんでしたが、それから2年後の、アカデミー賞のステージに、プレゼンターとしてたった彼女は、客席からスタンディング・オベーションで迎えられました。

そんな彼女の、波線万丈の人生は、もちろん知識としては知っていましたので、本作での「弾けっぷり」は、なんだかとても胸に沁みました。

そんじょそこらの女優ではない、あの「カサブランカ」のイルザが、ニューヨークのダンスホールで、流行りのステップに合わせて、若者たちや、踊りのプロであったゴールディ・ホーン(彼女の前職はダンサー)の前で、身をくねらせて踊ってくれるわけですから、こりゃいいものを見させてもらったという感じです。

 

40年代の、バーグマンの作品は、未公開作品以外は、ほぼ見ています。

しかし、ロッセリーニの元へ走って以降の彼女の作品で、今までに見たことのある作品は、1974年の「オリエント急行殺直事件」だけでした。

彼女は、この作品でも、アカデミー賞の助演女優賞を受賞しています。

ですので、彼女の出演したコメディ映画ということになれば、本作が初めて。

しかも、ケイリー・グラントを相手にするようなソフィスケイテッド・コメディではなく、完全に、シェクスピアの「じゃじゃ馬ならし」や「夏の夜の夢」を彷彿とさせるドタバタのスクリューボール・コメディ。

しかも、本作の脚本は、「お熱いのがお好き」「アパートの鍵貸します」などのビリー・ワイルダー監督作品の傑作コメディで名を馳せたI.A.L.ダイヤモンドです。

本作での彼女の役どころは、プレイボーイ歯科医師ジュリアン(ウォルター・マッソー)の元で働く、オールド・ミスの看護師ステファニー。

娘ほど歳の違うトニー(ゴールディ・ホーン)と結婚しようというジュリアンのために一肌脱いでいるうちに、トニーの隣人の青年や、患者たちともスッタモンダしていくという、慌ただしい展開。

最後は、お互いの気持ちに気がつき、結ばれるのはジュリアンとステファニー。

トニーは、その恋のキューピッドになるという展開です。

 

トニーが、ジュリアンが愛しているのは自分ではなく、ステファニーだとわかるシーンが秀逸でした。

それは、贈り物なんですね。

ジュリアンは、トニーのために高級なミンクのコートをプレゼントします。

喜び勇んで、それを身につけるトニー。

カメラは、コートを羽織ったトニーの姿を、上から下へゆっくり舐めます。

トニーはなんだか微妙な表情。

ピンクのサイケなドレスを着ているトニーには、このミンクは明らかに似合いません。

(多分サイズも大きかった)

トニーは、このコートを選ぶときに、ジュリアンの脳裏にあったのは、自分ではなく、ステファニーの姿だったと気がついてしまいます。

彼女はそのミンクをケースに戻し、「ジュリアンより」というメッセージと一緒に、ステファニーの元へ郵送してしまいます。

セリフでの説明は一切無しに、ビジュアルだけで、トニーの心の中を、観客に悟らせる見事な演出でした。

 

「サボテンの花」で、検索すると、ドラマの主題歌にも使われたチューリップの同名曲が先にズラリと並んで苦笑いしてしまいましたが、僕がチューリップの楽曲のなかで一番好きなのはこの曲です。

「サボテンの花」には、個人的な思い出も一つ。

実は、亡くなった母が花が好きで、鉢植えが家のいたるところにあったのですが、ある日ダイニングの一番目立つところに、サボテンの鉢植えが一つ置いてありました。

よく見ると、そのサボテンには小さな花が一輪。

めったに咲かない花が咲いたということで、お披露目された鉢植えだったのでしょう。

次の朝には、そのサボテンの鉢植えの隣にスケッチが一枚。

それは、父親が、そのサボテンの花をデッサンしたものでした。

そこで、すかさず、僕はそのスケッチに短歌を一首。

 

匂い立つ今サボテンの白い花育む人と幾年月を経て

 

母親も、それなりに嬉しかったと見えて、その夜のおかずは、僕の大好物であった、特大のチキンカツが、食卓には並びました。

マッチ

マッチ

 

100円ライターの登場以来、巷からはほぼ姿を消したのがマッチ。

アンデルセン童話の「マッチ売りの少女」なんて、今の子供達にはピンと来ないのかもしれません。

僕は、煙草を嗜みませんが、大学二年生だった19才の時、1年間だけタバコを吸っていた時期があります。

大学に行っても、授業は代返を頼み、近所の喫茶店で、友人たちとタムロしている時間の方がずっと長かったナマケモノ学生でしたので、一杯300円のコーヒーで、ダラダラと過ごすのには、やはり煙草は欠かせないアイテムでした。

一端のヘビー・スモーカー気取りの友人は、ジッポのライターなども持っていましたが、僕は、もっぱらマッチ派でした。

タバコは、当時の僕にとっては、嗜好品ではなく、完全なファッション・アイテム。

映画の中で、カッコよく使われていたのは、ライターよりも基本はマッチでした。

「カサブランカ」のハンフリー・ボガード。

「勝手にしやがれ」のジャン=ポール・ベルモンド。

「さらば友よ」のチャールズ・ブロンソン。

「アラビアのロレンス」のピーター・オトゥール。

などなど、マッチの登場する名場面は、あげればキリがありません。

 

さてそのマッチですが、ほとんど購入した記憶がありません。

当時はほとんどの喫茶店で、「マッチありますか」と聞けば、無料で、店のオリジナル・マッチをくれたものです。

会計のレジスターの横には、「ご自由にどうぞ」と、小洒落たバスケットに入れられて並んでいたものです。

喫茶店は、大学界隈だけではなく、池袋、新宿、渋谷と足を伸ばしていました。

当時は、喫茶店過当競争の時代でしたので、モーニングを頼めば、トースト食べ放題のサービスなども当たり前。

喫茶店巡りは、完全に道楽の一つでした。

当然のように、喫茶店マッチのコレクションは、増えていき、部屋の机の引き出しの一つは、完全にこのコレクションで占領されていました。

当時は、友人に紹介されて、週一で渋谷でバレーボールをやっていた関係で、渋谷界隈の喫茶店のマッチが特に多かったのですが、パルコの近くのビルの地下にあった「詩仙堂」という喫茶店のマッチは、特にお気に入りでした。

デザインのセンスが、抜群でしたね。

そのマッチは使うのが勿体無くて、未使用のまま、保存していました。

ここで、初めて飲んだのが「アイスココア」。

たっぷりとクリームがトッピングされていて、450円とちょっと高かったですが、ここで飲む時は、これに決めていました。

ネット検索したら、まだ営業していてビックリしました。

マッチのデザインの写真もありましたが、これはさすがに昔のとは違っていました。

 

さて、クリント・イーストウッドの「荒野の用心棒」を見て、カッコイイと思ったのが、ちょっと長めのマッチを取り出して、靴の裏か何かで吸って火をつけるシーンです。

「荒野の七人」では、ユル・ブリンナーもやっていました。

あれは、普通のマッチではできません。

普通に出回っているマッチは、いわゆる「安全マッチ」と言われるもの。

マッチ棒の先についている頭薬を、マッチ箱の脇についている側薬部分で擦って火をつけるタイプです。

マッチの起源は17世紀のヨーロッパです。

比較的低音度で発火する性質の黄燐を利用して作られましたが、当初のマッチは、自然発火してしまうという欠点がありました。

これでは危ないので、改良されたのが赤燐マッチです。

この赤燐で擦らないと、マッチ棒だけでは発火しないようにしたわけです。

これが、いわゆる「安全マッチ」。

しかし、どこで擦っても火がつく便利さも捨てがたく、こちら仕様で改良されたのが「硫化燐マッチ」。

西部劇などで、頻繁に登場するのは、このタイプです。

このタイプのマッチは、日本ではなかなか手に入らないかったのですが、これを上野のアメ横にあった米軍グッズの店で発見。

これを、しこたま買い込んで、家で密かにカッコよく、タバコに火をつける練習をしたものです。マッチ棒の頭薬の先に、発火剤みたいなものが付いていましたね。

何事も、カタチから入るタイプでしたので、タバコの持ち方や吸い方も、マッチを散々無駄遣いして、そこそこ研究しましたが、元々がそれほど好きではなかったようで、長くは続きませんでした。友人たちには、よくこう言われたものです。

 

「おまえのは、吸ってない。ふかしているだけ。」

 

結局タバコは、1年間だけでやめてしまったので、マッチとの付き合いもそれきりになりました。

 

マッチといえば、もう一つ、祖母の思い出があります。

小学校二年までは、東京の下町で祖母と暮らしていたのですが、商店街でしたので、結構近所付き合いがあったんですね。

当時は、お裾分けを上げたり、もらったりも多かったのですが、いただいたお裾分けの器をきれいに洗って返すときに、なぜか祖母はその中に、マッチ棒を数本入れていたんですね。

子供心になんだろうと思ったものですが、これはずっと後になって判明いたしました。

これは、マッチに燐と共に使われている「硫黄」を「祝う」と引っ掛けた語呂合わせだったようです。

なかなか粋な習慣でしたね。

 

100円ライターは、確かに安価で便利ですが、やはり風情にかけます。

昭和ノスタルジーと言われそうですが、喫茶店でタバコを吸うなら、やはり、ライターではなく、マッチがマッチしています。

 

 

映画「黒部の太陽」1968年日活

「雪が見たい」

 

そう思ったのは、真夏の8月のことでした。

もちろん、北極か、南極か、ヒマラヤにでも行けばいつでも見られるのでしょうが、たった一日の休日でそれを実現する方法があるか。

ネットで色々と調べていたら、一箇所だけ可能性がありそうな場所がありました。

それが北アルプス立山黒部の標高の高いところ。

もちろん、本格的な山登りで挑むのは無理ですが、ここは1971年に、立山黒部アルペンルートが開通していて、乗り物を乗り継いで、標高2450mのところまで、ほぼ普段着で行けたんですね。

高速を飛ばして向ったのが、2010年の8月19日のことでした。

立山駅からケーブルカーで美女平に登り、高原バスに乗り換えて、室堂まで登ったところで、山肌に根雪を確認。

触ることはできませんでしたが、一応目的を達成しました。

せっかくここまできたので、トロリー・バスとロープウェイを乗り継いで、大観峰から黒部湖へ降りて、黒部第四ダムまで足を伸ばしました。

通称黒四のダムは、関西電力の管轄で、当時逼迫していた関西方面の電力事情問題を解消すべく、黒部川に建設された水力発電専用のダム。

「世紀の難工事」といわれ、およそ5年の歳月をかけ、171人の殉職者を出しながら完成しました。

これをもとに書かれた小説が「黒部の太陽」。

そして、この小説を原作に、当時の日本映画としては、空前のスケールで製作されたのが本作です。

主演は、石原裕次郎と三船敏郎という、当時の日本を代表するビッグスター。

工事同様、映画製作においても、当時としては、空前の製作費をかけて作られた映画です。

映画は大ヒットしましたが、個人的には未見でした。

真夏でも涼しい黒部渓谷のその雄大な景観にも圧倒されましたが、これが冬であれば、また違う感動があるかも。

空前の大工事に思いを馳せつつ、これは、帰ったら「黒部の太陽」は見ておかねばなるまいと心に決めたんですね。

 

ところが当時、この作品のDVDが、TSUTAYA に行っても、GEO に行っても見当たらず。

よくよく調べてみたら、版権を所有していた石原プロが、ビデオ化を拒否していたとのこと。

テレビ放映もあったようですが、短縮版で相当部分がカット。

2014年になって、やっとBS日テレでノーカットが放映されたのものを録画しましたが、残念ながら、これがコマーシャル入りで4時間の長尺。

録画したはいいものの、当時は忙しくて、なかなかこの長い映画をゆっくり見る時間もありませんでした。

そのまま、引き出しにしまってあったBlu-rayを、今回やっと引っ張り出してきたというわけです。

 

映画は、黒四ダム工事を成功させるために不可欠であった、関電トンネルの開通が物語のメイン。

この第三工区を担当したのが、「熊谷組」で、他の工区を担当した土木建設会社「間組」「大成建設」なども、みんな実名でした。

特に、物語のクライマックスになったのは、フォッサマグナ特有の破砕帯の突破。

北アルプスの潤沢な水分がたっぷり染み込んだ岩盤から冷水が噴出してくるわけですが、この撮影は苦労したようです。

 

出演者のタイトルロールも、ビッグネーム順ではなく、「工事に関わった全員が主人公」という意図で、あいうえお順だったのも印象的。

映画は今回が初めての観賞でしたが、NHKで放送された「プロジェクトX」で、この黒四ダム工事が取り上げられた時は、涙をウルウルさせながら、しっかり見ています。

そういえば、この番組の主題歌「地上の星」を歌った中島みゆきが、紅白歌合戦で、黒部の関電トンネルをバックに歌っていましたね。

 

今改めてこの映画を見ると、色々と楽しい発見もあります。

まず、三船敏郎と志村喬という黒澤映画の名コンビが、カラーで同じ画面の中にいるのを初めて見ました。

黒澤作品の数多い名作の中で、二人は多く共演していますが、その全てはモノクロでした。

石原裕次郎は、本作の4年後に、ドラマ「太陽にほえろ!」に出演しますが、あの刑事たちの中でチョウさんを演じた下川辰平とのツーショットがあって、これには秘かにニヤリ。

後に、「男はつらいよ」で3代目の「おいちゃん」を演じた下條正巳が、山を離れていく労働者の一人を演じていましたが、まだ髪は真っ黒でした。

本作には、当時民藝を率いていた名優宇野重吉も出演していますが、息子である寺尾聰が、実際に実子の役で親子共演。

寺尾は、後に石原プロのテレビドラマ「西部警察」で、裕次郎と共演しています。

 

黒四ダムを訪れてからは、もう10年以上経ってしまいました。

あの日、放水し始めたダムの水の上に、綺麗な虹がかかったのを思い出します。

 

訃報 田中邦衛

訃報　田中邦衛

 

先月の24日に、田中邦衛さんが、老衰のため、亡くなっていたことが、今月になって報道されました。

田中邦衛さんといえば、日本中ほとんどの方が、「北の国から」の黒板五郎を思い浮かべることでしょう。

年配の方であれば、「若大将」シリーズの、青大将でしょうか。

このシリーズの役名は、石山新次郎でした。

もちろん、「仁義なき戦い」の5作にも出演。

味とクセのある脇役として、映画にも、ドラマにも、数えきれない作品に出演されていた彼が、初めて主演したドラマが、倉本聰脚本による「北の国から」。

これで、国民的役者になったのは、ご承知の通りですが、彼のフィルモグラフィを見ながら、僕が一番初めてこのの人を見た作品は何かと辿ってみました。

 

テレビなら、1966年のフジテレビ製作の「若者たち」でしょうか。

ドラマの中身は、まるで覚えていませんが、あの有名すぎる主題歌は覚えています。

あの頃のテレビは、まだ一家に一台の時代。

我が家は、住み込みの店員さんもいた本屋でしたので、夜7時からの1時間は、子供にチャンネルの優先権がありましたが、それ以降は、大人の時間でした。

このドラマは、月曜夜8時からの放送でしたので、まだ子供が寝る時間には早く、アニメを見た流れで、そのまま一緒に見ていたこともあったかもしれません。

田中邦衛の特徴のありすぎる顔は、山本圭の顔と一緒に、微かに記憶があります。

YouTubeで、動画を確認しましたが、意識こそしていませんが、おそらくそれが、俳優・田中邦衛との初対面だったと思われます。

映画ですと、1965年からの「網走番外地」シリーズ。

そして、もっと古いところでは、1960年製作の黒澤明監督作品「悪い奴ほどよく眠る」で殺し屋を演じていたのは、ハッキリと覚えているのですが、これは両作品とも、実際に見たのは、大学生になってからの名画座にて。

ですから、1978年以降ということになります。

さらに、たどっていったら、はっきりと小学生の頃に、映画館で見た記憶のある映画の中に、彼の出演作品を見つけました。

「ゴジラ」シリーズではありません。

この人は、東宝の作品には数多く出演しているのに、なぜか特撮怪獣映画からはお声がかかっていないんですね。

それは意外にも、松竹作品でした。

当時大人気だったポップス歌手の黛ジュンが主演した「夕月」という映画です。

この映画で、黛ジュンの相手役として抜擢されたのが、つい最近まで、千葉県知事だった森田健作。

彼は、ボクサーの役でした。

この映画で、田中邦衛は、青年医師の役でした。

但しこれは、後に録画したDVDで確認したことで、恥ずかしながら、映画館で見た記憶には、まるで残っていませんでした。なにせ10歳でしたからね。

とにかく、主演の黛ジュンばかり追っかけていた記憶です。(この人の歌は、好きでした)

 

大学生だった頃に映画三昧をしていた頃には、スクリーンの中では、田中邦衛を俳優として意識し始めていましたが、1981年に初放送された「北の国から」は、実はリアルタイムでは見ていません。

僕が、「北の国から」に、ハマったのは、後のスペシャル・ドラマ「北の国から’84夏」を見てから。

ラストで、ラーメン屋のあの名シーンがあるやつです。

そこからは、特番があるたびに追っかけ始めましたが、レンタル・ビデオ・ショップが街にぼちぼちと出来始める頃になってやっと、最初の全26話の連続シリーズを一気に見たというながれですね。

 

「定年退職したら、田舎へ行って農業をやりたい」と漠然と考え始めるきっかけになったのが、このドラマであったことは、ほぼ間違いありません。

冬の北海道をグルリと一周してきたのも、間違いなくこのドラマの影響。

去年は、酪農研修で、実際に北海道に一週間滞在してきました。

今現在、僕自身は、定年退職して、予定通り、まずはそろそろと農業の真似事みたいなことを始めていますが、あの「北の国から」というドラマの五郎役を、もしも高倉健、藤竜也、中村雅俊といったスター俳優が演じていたら、おそらく、こんな老後にはなっていなかったと思われます。

これは単に、田中邦衛という役者が、黒板五郎という役に与えたリアリテイと存在感の賜物でしょう。

 

脚本の倉本聰が、黒板五郎という役に、「候補の中で一番情けない男」田中邦衛を抜擢してくれたことに、今は心から感謝申し上げる次第。

 

この名優の逝去に、心からの哀悼を捧げたいと思います。

 

ご冥福をお祈りいたします。有難うございました。そして、お疲れ様。合掌。

映画「ライムライト」

ライムライト　1952年アメリカ

 

チャップリンの映画の有名どころは、ほぼ見ている気になっていましたが、よくよくフィルモグラフィを眺めてみると、本作が未見であることに気づきました。

新しい映画も見たいところですが、やはり当たり外れはあります。

そこへいくと、評価も定着している往年の名画は、安心してみられます。

映画マニアを自称する以上、やはり「見ておかなければいけない作品」は、見ておきたいところ。

まだまだ、見逃している傑作はありそうです。

 

さて本作は、1952年製作。

この映画を見ているうちに、なぜか黒澤明監督の「夢」を思い出していました。

「夢」といえば、黒澤監督の、最晩年に作られた作品。

スティーヴン・スピルバーグの協力を得て、作られたオムニバス映画です。

映画のテーマは、まさに黒澤明監督が見た「夢」そのもの。

もちろん、それなりのクゥオリティもあり、楽しめた映画でしたが、やはり往年の傑作と比べると「老いた」という印象は残りました。

そして、それと同時に思ったことは、この「夢」という映画が、黒澤監督の残した30本の作品の中では、最もプライベートな作品であるということ。

それはそうですね。

自分の見た夢を映像化しているわけですから、考えてみれば、これは究極のプライベート作品と言っていいでしょう。

自主映画ならまだ知らず、そんじょそこらの監督では、どこもお金を出さない企画のはず。

何が悲しくて、他人の見た夢なんか楽しめますかという話です。

しかしもちろん、そこは天下の黒澤明。

最終的には、きちんと、万人が楽しめるエンターテイメントに仕上げていますが、考えてみれば、映像作家として、これくらい贅沢な作品はないのかもしれません。

黒澤監督の、揺るぎないキャリアがあったればこそ、この映画は成立したといっても過言ではないと思います。

「ライムライト」も、ここが同じ。

映画史に残したチャップリンの輝かしい足跡があったことが大前提で、成立した映画かなという気がしました。

つまり、本作は、黒澤明監督の「夢」同様、極めてチャップリンの「私的映画」という側面が強い作品だということです。

 

チャップリンといえば、「モダン・タイムス」で、来るべき機械化社会を予測して痛烈に批判し、「独裁者」では、ヒットラーの全盛期にも関わらず、とことん茶化すことで溜飲を下げ、「殺人狂時代」では、戦争を痛烈に皮肉って、最後は赤狩りでアメリカを追放されてしまった反骨の映画作家。

彼は、極め尽くしたパントマイム芸と、「笑い」という最強の武器で、何者にも忖度せず、「おかしいものはおかしい」と、作品を通じて、言い続けてきた人です。

その彼が作った本作は、明らかに、これまでの作品とは毛色が違いました。

風刺は封印し、極めてセンチメンタルに、主人公カルベロに、チャップリン自らの人生を投影させて作ったプライベート作品。

そんな気がしました。

言葉は多少悪くて申し訳ありませんが、本作にはチャップリンの「個人的言い訳」が、色濃く反映されている気がしましたね。

つまり、本作を傑作にすることで、自分の人生そのものも肯定したかったというモチベーションが働いていたと思うわけです。

前置きが長くなりました。

つまり、それが当時63歳のチャップリン演じた落ち目の老道化師カリベロと、当時21歳のクレア・ブルームが演じたバレリーナとの切ない恋愛物語になったというわけです。

 

「申し訳ない。今回の作品は、自分の好きなように撮らせてもらいます。面白くするから許して。」

 

チャップリンのそんな声が聞こえてきそうでした。

 

チャップリンといえば、その生涯で、4度の結婚をしていますが、その相手全てが、チャップリンとは、20歳近くも年の離れた「少女」たちであったことは有名。

最初の妻ミルドレッド・ハリスは12歳違いでしたが、結婚当時チャップリンは29歳で、彼女は17歳。

その次の妻リタ・グレイは、結婚当時16歳。年齢差は、19歳。

3番目の妻は、「モダン・タイムス」で共演したポーレット・ゴダード。

共演時に彼女は25歳でしたが、年齢差は21歳。

4番目の妻ウーナ・オニールは、チャップリンの死を看取った最後の夫人でしたが、彼女がチャップリンと結婚したのは18才の時。

その時チャップリンはすでに、55歳でしたから、その年齢差は37歳ということになります。

チャップリンのこの少女趣味を、どうのこうのと論じるつもりはサラサラありません。

なんと言われようと、最後の妻ウーナとチャップリンは、スイスで34年間の幸せな余生を過ごし、たくさんの子宝にも恵まれたけです。

 

最終的には、最愛の伴侶を得たチャップリンですから、愛に歳の差は関係ないことはしっかり彼自身が証明したわけで、これはこれで「めでたしめでたし」。

そんな彼が、そのキャリアの最終番で、初めて自分の内側に、カメラを向ける気になったのは、映画作家としてやるべきことは、すでにやったという彼なりの自負があったからこそ。

そんな気がしました。

本作には、それを象徴するシーンがあります。

自分のパントマイム芸が観客にまるでウケず、うなだれて楽屋に戻ったカリベロが、呆然としたまま、鏡の前で、ピエロのメイクを落とします。

今まで、顔に濃い白粉を塗りたくって放浪紳士を演じてきたチャップリンが、初めてスクリーン上で、その「素顔」を晒した瞬間でした。

 

チャップリンといえば、映画のトーキー化ムーブメントにも、最後まで抵抗した人でした。

「映画は、言葉がなくてもちゃんと伝わる。」

これが、終生彼の信念であったと思います。

世の中すっかりトーキーの時代になっていた1936年に作った「モダンタイムス」でも、彼がトーキーを取り入れたのは、キャバレーで自らが歌うシーンだけ。

しかも、その歌詞は、どこの国の言葉ともわからない、チャップリンのデタラメ造語でした。

「独裁者」においても、チャップリンの仕掛けたギャグは、ほとんどがサイレント。

そして、そのラストにおいて、当時の世界の映画人の誰もが避けた、独裁者ヒットラーに対する痛烈な批判だけを、7分半にわたってしゃべり倒しました。

1952年に作られた本作は、さすがに普通のトーキー映画になっていましたが、それでも、「お笑い」のシーンは、「ノミの調教」にしろ、盟友バスター・キートンとの無言のコンビ芸にしろ、やはりパントマイムには拘っていました。

バスター・キートンとのシーンは、この映画のハイライト。

世の中どう変わろうと、自分たちが極めてきた芸はこれなんだという、チャップリンの強い信念が、ヒシヒシと感じられました。

当時、金銭的に苦しかったキートンに、この映画へオファーへすることで、助けの手を差し伸べたあたりもチャップリンらしいところ。

わかっていても笑ってしまう「可笑しさ」の裏には、彼らの永年のキャリアに裏打ちされた至極の芸があります。

僕ら世代が、子供時代に熱狂したドリフのギャグの原点も、ここにあることは痛感しました。

ホストが、ゲスト・タレントをいじりまくるトークで、笑いと視聴率をとるだけの、昨今のチープなバラエティ番組には、申し訳ないが「芸」のかけらも感じられません。

 

老齢のカリベロが、若いテリーを励ます、プラトニックな愛が核となる本作には、チャップリンならではの宝石のような人生の名言が、散りばめられています。

 

「人生はすばらしい。怖れの気持ちさえ持たなければね。人生で必要なものは、勇気と、想像力……そして少しばかりのお金なんだよ」

 

“Yes, life can be wonderful, if you're not afraid of it. All it needs is courage,Imagination, … And a little dough”

 

「人生は美しく、高貴なものだ、たとえクラゲであってもね。」

 

“Life is a beautiful, magnificent thing. Even to a jellyfish.”

 

正直に申しますと、本作を若い頃に見なくて良かったなという気がしています。

もしも、テリーに近い年齢でこの映画を見ていたとしたら、いかに、チャップリンといえども、「それはないだろう」と思ったかも。

しかし、個人的には、来年になれば、チャップリンがこの映画を作った時と同じ年齢になります。

こうなると、勝手なもので、感情移入も、多分にカリベロの方に傾きます。

今なら、チャップリンが、プライベートにおいて、「少女のように若い妻」たちに何を求めたのかも、理解できるような気がしますね。

自分に、もしもカリベロのように、妙齢のお嬢さんから間違って愛されるような事件が起こったら、どうなるか。

果たして、自分はその時に、「映画の中の」カリベロのように、自分を律して、プラトニックを貫けるか。

クラゲよりは、多少は高等であるという自負はありますが、恥ずかしながら、その自信は、まったくありません。

マイケル・ジャクソンは、チャップリンのようにはなれませんでしたね。

 

「あなたにとっての最高傑作は?」と記者に問われて、チャップリンはこう答えています。

 

「ネクスト・ワン!」

 

もしこの質問が、本作の前にされていたとしたら、どうだったか。

チャップリンは、こう答えた後で、おそらく彼は「次はちょっとご勘弁を」と、照れ臭そうに笑っていたかもしれません。

 

それでも、完成させてみれば、本作を立派な傑作に仕上げてしまうあたりは、やはりチャップリンです。

読書「40年前の東京」

 

図書館で借りてきた本です。

サブタイトルが、「春日昌昭のトウキョウ　昭和38年から昭和41年」というモノクロの写真集ですね。
タイトルは「40年前」ですが、本書は2006年に出版された本ですので、今から遡れば実際にはおよそ60年前の東京ということになります。
ちょうど昭和39年に開催されたオリンピックに呼応するかのように、地響きをたてて、東京の街が様変わりしていった様子が、克明に活写されています。
春日氏は、その空気を肌で感じながら、何か「使命感」のようなものに駆られて、東京のいろいろな街に出かけては、シャッターを切りまくったようです。
ちょうど、この時期は、僕も東京に住んでいました。
8歳で、埼玉県に引っ越しましてきたのが昭和42年。
それまでは、東京都大田区大森のダウンタウンに住んでいました。
本書にも、蒲田駅界隈の写真が何枚も掲載されていますが、その頃はまだ子供ですので、記憶にあるのは、京浜急行の平和島駅から大森駅にかけてくらいまで。
ただ、子供心にもよく覚えているのは、町のあちらこちらに、上映中の映画のポスターや看板が貼られていたこと。
今のように、インターネットなどない時代ですので、みんなこれを見て映画館に行っていた時代です。
この写真集を眺めて、改めて確認しましたが、とにかくどれも気合が入っています。
いわゆる「成人映画」のポスターも、当たり前に貼ってありましたし、普通の映画であったても、かなり扇情的だったんですね。
中身はともかく、ポスター、看板に限っていれば、明らかに今よりも迫力満点でした。
もちろん子供には見に行けない映画でしたが、そんな「そそられる」ポスターの前に立って眺めながら、勝手にあられもないことを妄想していたマセガキでした。
とにかく、僕がこの頃になりたかった職業は、漫画家ともう一つが、映画の看板描き。
今でも、ブログで映画レビューする際に、下手なイラストを描きたくなるのも、この頃の影響が大きいと思います。
毎日通う畑は、東京都青梅市がありますが、青梅の街には、すでに映画館はないのに、古き良き時代の映画の看板が飾ってあり、これを「街おこし」の一つににしています。
僕のようなクラシック好きな映画マニアとしては、見てるだけで幸せになりますね。

もちろん、我が家の壁にも、所狭しと、映画のポスターが貼ってあるのはいうまでもありません。

映画「暴力脱獄」

本作の邦題のセンスのなさには、かなり多くの人がブーイングしているようです。

日本の映画会社が、作品のテーマよりも、より扇情的に観客を映画館に呼び込むということの方に、重きを置いた結果ということでしょうね。

僕の知る限り、本作は間違いなく「いかがなものか」邦題のベスト3には入ります。

一つは、ビリー・ワイルター監督の1957年作品「情婦」。

これは、タイトルで、ネタバレさせてどうするんだという噴飯モノ。

アガサ・クリスティの原作通りに「検察側の証人」で何の問題もない作品でした。

もう一つあげれば、「007」シリーズ第二作の「007 危機一発」でしょうか。

「一髪」をわざわざ「一発」にしたのは、当時のユナイテッド・アーティストの宣伝部にいた水野晴郎氏の考案によるものということですが、これも原題の「ロシアより愛をこめて」のままの方が、なんぼかスマートでマシでした。

本作も、”COOL HAND LUKE” のままの方が、どれだけしっくりしていたか。

 

当時はすでに大スターだったポール・ニューマン。

この人は、アカデミー賞主演男優賞の、ノミネートには常連でも、オスカーには届かず、「無冠の帝王」なんて呼ばれていましたが、本作で演じたルーク・ジャクソン役は、最もオスカーに近づいたと思われる彼の代表作。(この20年後に「ハスラー2」で主演男優賞を取りました)

日本ですと、やはり「明日に向かって撃て」とか「タワーリング・インフェルノ」が代表作のように言われますが、本国アメリカでの評価は、圧倒的にこの役です。

ポール・ニューマンの死を、アメリカの新聞が報道した時の見出しは、”Cool Hands Luke is dead” であったほど。

 

2003年6月に、AFIが発表した「アメリカ映画100年のヒーロー」の中で、誰もが知っている名だたるアメリカ映画のヒーローに混じって、このルーク・ジャクソンは30位にランクインしていました。

ちなみに、このランキングの一位は、「アラバマ物語」で、グレゴリー・ペックが演じた黒人差別に立ち向かう弁護士アティカス・フィンチ。

インディー・ジョーンズやジェームズ・ボンドを抑えての一位ですが、これは日本人にはなかなかわかりにくい、アメリカ人ならではの感覚なのだと思います。

そして、本作の主人公であるルーク・ジャクソンも、同じように、日本人よりは、アメリカ人に受け入れられやすいヒーローだったと言えるような気がします。

日本だけの投票なら、絶対にこの二人はランクインしていないはず。

 

映画のテーマとして、日本人には、実感としてなかなか理解できないものの一つは、やはりキリスト教でしょうか。

差別問題もその一つでしょうが、もう一つ。

これは、本作の重要なテーマにもなっているもの。

それは自由に対する権利の主張というやつですね。

とにかく、欧米の人たちは、「自由」には、驚くほどセンシティブです。

これは、良くも悪くも、決定的に、日本人には欠けている感覚だという気がしています。

日本人は、民主国家でありながら、国が自粛しろと言えば、黙ってそれに従い、マスクをしろと言えば、誰も文句も言わずにいうことを聞く、自由には案外鈍感な国民です。

中国のように強権を発動させなくても、国民自らが律することが出来る民度の高さ。

言いたいことがあれば、アメリカのようにすぐにデモを起こすなどということもなく、面倒くさいことは国に匙を投げてしまう挙句に、その要請には黙って従い、そのお偉いさんが、調子に乗って、ノーマスクでどんちゃん騒ぎをしても、文句も言わず、すぐに水に流してあげられる物分かりのいい国民。それが日本人です。

自由を主張して、声をあげ、目をつけられ、押さえつけられるよりも、多少の不満はあっても、黙っていうことを聞いていた方がなんぼか楽だという「お行儀」の良さが、日本人のDNAの中には、しっかりと織り込まれているように思われます。

ですから、一般的な日本人の感覚としては、本作の主人公ルーク・ジャクソンのように、何度捕まって、人間性を破壊されるような拷問を受けても、脱走することを諦めない彼の行動は、かなり理解に苦しむ行動に映るのかもしれません。

しかも、本作のルークには、脱獄するための目的すらないのです。

日本でこの手の物語が作られるとするなら、必ず家族のためとか、恋人のためとか、友人のためとか、脱走するための、お涙頂戴の動機なり、バックボーンが描かれるはず。

しかし、ルークは、そうではありません。ただ体制に反発するためだけに、脱走を繰り返します。

そこにあるのは、それをやめてしまったら、もう自分は自分でなくなるという切実な思いがあるだけ。

ただそれだけのために、非人間的な、刑務所の管理体制に、たった一人で立ち向かっていくわけです。

そして、特筆すべきは、ルークのその戦いには、悲壮感が、カケラもないこと。

どんなに、過酷な体罰を与えられようと、彼はいつでも「笑って」いるわけです。

そんな彼の魅力に触れながら、刑務所の囚人たちは、一人一人が徐々に人間性を取り戻していきます。

刑務所というところは、シャバで犯罪を犯した悪党が罪を悔い改める場所です。

本来ならば、そこで行われる苦役も、非人間的管理生活も、辛く苦しい罰でなければ意味がありません。

しかし、そこに閉じ込められた囚人たちは、このルークという、一人の型破りな男のために、その生活を楽しみ始め、次第に笑顔になっていくのです。

これは、管理する側から見れば、ある意味では恐怖です。

当然、このルークは彼らにとっては、目の上のたんこぶ。

やがて、彼らにとって、ルークは看過できない存在となっていき・・・

そんな彼の魅力に、真っ先にやられてしまったのが、刑務所の囚人たちのボス的存在だったドラッグライン。演じたのは、ジョージ・ケネディ。

日本では、「人間の証明」「復活の日」にも出演していたお馴染みの俳優ですが、彼はこの作品の演技で、アカデミー賞助演男優賞を獲得しています。

 

本作には、このルークを、イエス・キリストとシンクロするように演出するシーンが随所に見られます。

けれど、当のルーク自身は、脱走した先の教会で、その神を「親父」と呼びながら、自分は見捨てられているのかどうかを問いかけます。

しかし、彼は余裕綽々。

 

「まあ、どうでもいい。悪いが、俺はあんたは信用していないぜ。」

 

そんなセリフがあった訳ではありませんが、やはりその背後にあるのは、ニーチェのあの有名な言葉。

 

「神は死んだ」

 

脚本家のドン・ピアースという人は、強盗容疑で実際に刑務所に収監された経験を持つ人でした。

その彼が、この脚本に、ニーチェの「実存主義」を意識したのかどうかは分かりませんが、ただキリスト教的な背景は、かなり周到に意識的に織り込んだことは伺えます。

この「神」というテーマも、正直に申して、日本人にはなかなか理解が難しいところ。

そりゃあ、そうです。

なんと言っても、八百万の神の国ですので。

 

映画の冒頭で、このルークが犯した犯罪というのも、やや理解に苦しみます。

彼は、ビールを飲んで酔っ払いながら、駐車場のパーキング・メーターを次々に破壊するわけです。

そして、逃げるわけでもなく、その場で現行犯逮捕。

その程度の罪ですから、彼に課せられた刑期もほんの2年間。

普通に考えれば、たった2年なら黙ってお行儀良く服役していればすぐに社会復帰できます。

しかし、ルークは、その2年間を待つことを潔しとしません。

これは、いったいどういうことだと考えます。

彼は、先の戦争では、たくさんの勲章を受けた戦場の英雄という設定でした。

よくよく考えれば、彼のこの不可解な犯罪は、その戦争体験によって、PDSDになっていることを暗示していたのかもしれません。

奇しくも、この時期は、アメリカが、次第にベトナム戦争の泥沼にハマっていく時期と重なります。

母親の死をきっかけに、彼は何かに取り憑かれたように、脱走を繰り返し始めます。

その先のことは何も考えず、ただ脱走することだけに、自分の生きがいを見い出していくわけです。

「体制に飲み込まれるということ」は、死ぬことと同じ。

反体制の狼煙をあげない奴は、飼い慣らされて尻尾を振るポチ同然。

日本人的感覚では、ややもすれば、空気を読めない、わきまえない、面倒くさいやつと思われがちなこんなヒーローが、「自由を愛する国」アメリカでは、永遠のヒーローになるというわけです。

そして、ヒーローは、何をする時にでも、常に快心の笑顔なのです。

 

この映画がなければ、間違いなく「ショーシャンクの空に」は作られていません。

1974年にジャック・ニコルソンがオスカーを獲得した、ミロス・フォアマン監督の「カッコーの巣の上で」も、病院という管理社会に反発する患者の物語でしたが、映画の奥に流れるテーマは同じものでしょう。

映画俳優として、常にポール・ニューマンを意識していたスティーヴ・マックウィーンが、本作の彼のカッコ良さに、焦りを感じて、同じく脱走を繰り返す囚人を演じたのが「パピヨン」だったのではないかという気にもさせられます。

 

日本人的感覚ですと、ただむやみに体制に反抗すればいいというものでもないだろうという気持ちがなくはありませんが、国がどんなにコロナ政策の失敗を繰り返しても、自分たちの利権だけを守ることに執心していても、モラルハザードを崩壊させ、虚偽、隠蔽、改竄を繰り返しても、結局のところそれを許してしまうことで、気がつけば自分の首を締めて青息吐息しているという我々の現状を考えれば、今日本に必要なヒーローは、こんな男かもしれません。

 

しかし、残念ながら、ゆで卵を1時間で、50個食べてみせる政治家は、我が国にはいそうもありません。

気がつけば、政治家も官僚も、自分の保身のために、権力に媚びへつらい、忖度する輩たちだけ。

そして彼らは、こちらが文句を言おうものなら、したり顔でこういうんでしょうね。

 

What we've got here is failure to communicate.

 

「こいつはコミュニケーションのとれん男だ！」

あちゃー! これじゃ、ポール・ニューマンには見えない。

ジョージ・ブッシュ!!