柿沢謙二ブログ

読書「シャドウ」道尾秀介

道尾秀介は、2004年に長編小説『背の眼』で第5回ホラーサスペンス大賞特別賞を受賞しデビュー。

2007年に本作『シャドウ』で第7回本格ミステリ大賞を受賞。

その後も数々の賞を受賞し、人気作家としての地位を確立しています。

クラシック・ミステリーしか知らないロートル・ファンなので、最近のミステリーは、読書系YouTuber のおすすめ動画を参考にしているのですが、本作の著者・道尾秀介氏を激オシする方はかなり多い印象です。

 

彼ら(あるいは彼女ら)が、口をそろえて言うのは、緻密な構成と巧みな心理描写で読者を魅了する道尾氏の作家としての手腕。

縦横に張り巡らせた伏線を回収していく鮮やかさと、あっと驚くどんでん返しはこの作家の真骨頂ですね。

特に、少年時代のトラウマや家族の秘密といった日常性をテーマとして扱った作品が人気を集めているようです。

彼を一躍新時代のミステリーの旗手として飛躍させたのは、2005年発表の「向日葵の咲かない夏」でした。

本当は先にこちらを読みたかったのですが、図書館ではなかなか借りられず、先に借りられた本作にて道尾秀介デビューすることにしました。

作者の弁によれば、本作は前作「向日葵の咲かない夏」に対する読者たちからのコメントに応えるつもりで構想を練ったのだそうです。

そのあたりの、作者の意図を知る上でも、前作は近々に手に取るつもりです。

 

さて、本作「シャドウ」もなかなかの読み応え。

読了後、作者自身のインタビュー動画もチェックしました。

あまり推理作家らしくない若者然とした方でしたが、1975年生まれなので、この人は今年49歳。

Wiki で確認する限りは、精力的に作品を発表し続けています。

2011年には、「月と蟹」で直木賞も受賞しているので、純文学作家としても本格派。

小説家としてのポテンシャルは、かなりのものだと思われます。

 

動画でも言っていましたが、この方のミステリー作家としての真骨頂はなんといっても巧みな叙述トリック。

このトリックは、密室トリックや、アリバイ・トリックと違い、文章そのものがトリックになっているので、難度が非常に高いもの。作家の腕が問われます。

叙述トリックは、登場人物たちにではなく、読者に対して直接放たれるわけです。

ですからトリックに多少でもほころびが見つかれば、読者からのブーイングは必至。

作者対読者のバトルといってもいいでしょう。

小説というメディアの特性を最大限生かした手法が叙述トリックですので、これは作者自身が「自分は小説家である」という職業に対するアイデンティティを強く意識している結果だと思う次第。

映像化はされにくいことを承知で、このトリックにこだわるわけですから、小説というメディアに対する思い入れはかなりある方だと想像します。

 

本作にも、見事な叙述トリックが仕掛けられていました。

そこで、読者を「えーっ」といわせてからは、読者をグイグイとラストまで引っ張って行っての、あっと驚くどんでん返し。

読了してみれば、あれも伏線、これも伏線と気づかされて、最後は脱帽。

少年と少女が主人公ということもあり、老人読者としては、ジュブナイルになってしまいはしないかという不安もありましたが、読了してみれば、それも取り越し苦労。

本作は立派な本格ミステリーでした。

 

小学校5年生の我茂凰介は、進行性の癌の再発で大好きだった母を亡くします。

そして、その直後から、幼い頃に見た幻影に悩まされるようになる凰介。

そんな凰介を支えるのは、父洋一郎。

その後、父の同僚の妻が飛び降り自殺をし、同級生でもあるその娘亜紀が交通事故で怪我を負います。

不幸の連鎖の中で、父洋一郎の精神が徐々に軋み始めていきます。

 

物語の紹介はこれくらいにしておきましょうか。

叙述トリックありといってしまうと、うかつに物語を紹介できなくなってしまうのが悩ましいところです。

 

ちょっと角度を変えてみましょう。

 

本作の最後には、執筆にあたって参考にした文献リストがありましたが、これからもわかるように、本作において筆者がアプローチしたテーマは、精神医療だったことがわかります。

これが物語の骨格にしっかりと組み込まれているので、精神医療に関するなかなか興味深いエピソードが本作では展開されています。

 

こんなキーワードがありました。

 

カプグラ・シンドローム。

 

これは家族・恋人・親友などが瓜二つの替え玉に入れ替わっているという妄想を抱いてしまう精神疾患の一種。

これは、洋一郎のデスクに置かれていた研究論文なのですが、いかにもミステリーの伏線になりそうでニヤリとしてしまいます。

 

コタール・シンドローム。

.

こちらは、自分がすでに死亡している、存在しない、腐敗している、または血液や内臓を失っているという妄想的信念を抱く精神障害。

 

こんなのも出てきました。

 

確証バイアス。

 

仮説や信念を検証する際にそれを支持する情報ばかりを集め、反証する情報を無視または集めようとしない傾向のこと。つまり一度何かを思い込んでしまった脳は、偏ったエビデンスを集めがちだということです。

 

自分の幻想の中に出てきた人が死んでいくことに悩んだ鳳介が、それを父洋一郎に相談すると、父は小学校五年生の我が子に、これを諭すようにわかりやすく説明します。

読者はさすが、相模医科大学勤務のお父さんだと感心するのですが、これもまた見事にトリックの伏線でしたね。

 

そして、本作のタイトル「シャドウ」も、精神医療の文脈で使われる専門用語でした。

本作のクライマックスで出てくるワードで、これはがっつり真相に言及してくるので、ここでの説明は省きます。

 

この物語に個人的に引き込まれてしまった理由が三つあります。

 

ひとつめ。

 

実は、物語の少年と同じように、僕も子供の頃に、進行性の乳がんで母親を亡くしています。

本作の鳳介は10歳の設定ですが、僕の場合はその当時3歳。

母の記憶はおぼろげなのですが、少年期になにかの拍子に母親の映像が脳内でフラッシュバックされるという経験が何度かありました。

なにがきっかけでその現象が起きたのかはわからないままですが、フラッシュバックされる映像はいつも同じでした。

鳳介の母と、自分の母親の姿が、本作を読みながら見事にシンクロしてしまいました。

 

ふたつめ。

 

鳳介の母が愛読していたのが、宮沢賢治の「銀河鉄道の夜」に納められていたのが短編「よだかの星」だったという設定です。

この短編は10ページにも見満たない短編ですが、僕自身去年「あおぞら文庫」で読んで考えさせられた一遍でした。

拙い感想文は、本ブログにも掲載いたしました。

この短い寓話の中で、宮沢賢治の語りたかったことは何なのか。

この小説の中での愛読者である鳳介の母は、よだかは最後に鳳凰になったと信じ、その名前を我が子の名前にしています。

もちろん僕の考えたこととは違いましたが、小説の登場人物を通じて、宮沢賢治を共有した気がして、ちょっと嬉しくなってしまいました。

 

みっつめ。

 

これは全く個人的なことで、恐縮なのですが、鳳介の幼馴染で、本作のヒロインといってもいい水城亜紀に関してです。

彼女は小学五年生で、この物語の重要な局面で、初潮を迎えます。

もちろんその経験は僕にはありませんが、大学生の頃、ちょうど亜紀と同じ小学五年生の女の子の家庭教師をやったことがあるんですね。

ちょうどまるまる一年かけたアルバイトだったのですが、彼女の母親からある小冊子を渡されて、頼まれたことがあります。

その小冊子はなんと「初潮の手引き」。

学校から配布されたもののようでした。

これにはさすがにドキリとしました。

その母親にはこういわれました。

 

「説明しようとしても、あの娘はちゃんと聞こうとしないので、あなたから説明してみて。」

 

我が家は男三人の兄弟でしたので、この件に関する知識は当時の僕にはゼロです。

やむなく、その小冊子を熟読した上で、その子にとくとくと説明しました。

説明が彼女に伝わったかどうかは不明ですすが、その授業のあと、彼女がポツリと言ったことはよく覚えています。

彼女はこういいました。

 

「女って面倒くさいね。」

 

その時、小学校五年生の女の子が吐いた「女」という言葉の響きが、妙に生々しくてドキリとした記憶があります。

 

その教え子も、今はとっくに熟年女性になっているはずですが、本作の水城亜紀とイメージは、その彼女とがっつり被ってしまいました。

 

物語に、自分の経験がシンクロしてくると、どうしても引き込まれてしまいます。

その意味では、個人的にはとても貴重なミステリーと出会えたのかもしれません。

 

いずれにしても、特筆すべきは、この作者の少年少女の心情表現の巧みさです。

僕自身の10歳の頃の記憶を辿りながら、本作を読み進めましたが、いろいろと思い当るエピソードも多くて、グイグイと引き込まれていったのは間違いのないところ。

 

本作が書かれた2004年当時は、仕事で毎日パソコンと向き合っていましたので、本作に出てくるパソコンや周辺機器の描写はリアルに理解できます。

クラシック・ミステリーには、出てこない小道具なので、やはりこれは新鮮です。

パソコンやスマホなどの機能を活かしたトリックには興味があるところですが、こういったデジタル機器の進歩は日進月歩。

ですので、気の利いたトリックを思い付いても、すぐに陳腐化してしまうリスクはあるのかもしれません。

 

道尾秀介氏のミステリー作家としての実力を、まずは本作において確認することが出来ました。

次に何を読むか。

道尾氏の作品ラインナップを眺めているだけでも、なんだか楽しくなってきます。

 

シャドウする?

 

 

映画「質屋」1964年アメリカ

 

社会派シドニー・ルメット監督のなんとも重量感たっぷりの映画です。

ハリウッド映画のような快活なエンタメ性はほぼ皆無。

いかにもニューヨークでつくりましたと言わんばかりの知的で、自虐的で、辛辣なテイスト。

見終わっても爽快感はなく、ドローンとした鬱屈感が靄のようにかかり、得体のしれないデブリがクッキリと体内に残るのがわかりました。

 

それもそのはず。

本作は、第二次世界大戦のホロコーストを生き延びた中年男が、ニューヨークの裏町で質屋を経営しながら、その恐怖の体験をフラッシュバックさせながら生きていくという物語です。

その男ソル・ナザーマンは、ユダヤ人です。

アウシュビッツ強制収容所で、妻子を殺された彼は、一人生き延びてしまい、大学教授だった地位も捨て、ニューヨークに渡ります。

 

妻の妹一家と一緒に暮らすナザーマンですが、彼は完全に心を閉ざし、誰であろうと心を開くことはありません。

そんな彼が、世の中で唯一信頼を置くものはマネーのみ。

質屋という商売が、実に効果的にそんな彼の心情を浮き彫りにしていきます。

店には、日銭にも困る客たちが、まがい物を携えて換金に訪れます。

その客とナザーマンの間には、常に金網のネットが横たわります。

この金網が、彼がアウシュビッツで見た、彼と世の中を隔てる鉄条網にも見えるわけです。

 

ナザーマンを演じているのは、ロッド・スタイガー。

この人は、本作の3年後に、ノーマン・ジュイソン監督の「夜の大捜査線」で、アカデミー主演男優賞を獲得している名優です。

正直あの映画を見たときには、主演男優ならシドニー・ポワチエの方だろうと思ったものですが、この作品を見て納得しました。

 

本作での、彼の迫真の演技は、まさにアカデミー賞ものでした。

 

調べてみたら、彼はこの作品で、ベルリン国際映画賞で主演男優賞と、英国アカデミー賞の主演男優賞を獲得していますね。

おそらく、米国のアカデミー賞も、彼の本作での熱演は十分に認めていたのでしょうが、この映画の描くテーマが、あまりにセンセーショナル過ぎて、躊躇したのだという気がします。

1964年といえばまだアメリカ映画界自体が、ユダヤ人問題を正面から描けるほど成熟していなかった時代です。

ましてや、この映画には人種問題や、当時のニューヨークでは当たり前だったゲイの文化も微妙に描かれています。

極めつけは、ヌードですね。

 

本作は、僕のようなスケベにとってはエポックメイキングな作品でした。

当時はヘイズコードでガチガチに縛られていたアメリカ映画界において、当然のことながら、映画の中で女性のバストを露出ざることはタブーでした。

しかし、シドニー・ルメット監督は、本作におけるヌードは、僕らスケベを喜ばせるためのものではないと主張。

このシーンは、映画の演出上絶対に不可欠なものとしてヘイズコード規制を強行突破。

アメリカ映画史上で一番最初に女性の乳首を、スクリーン上に登場させたエポックメーキングな映画となりました。

(ちなみにヨーロッパ映画では、1950年代からヌードシーンは登場しています)

 

しかし、監督の言う通り、この作品でのヌードに、エロチック要素は皆無。

どうしても金の必要な黒人女性が、ナザーマンの前でヌードになるのですが、彼の脳裏にはそこからア突然アウシュビッツの光景がフラッシュバック。

そして、ナチの親衛隊の宿舎に裸で待たされるユダヤ人女性たちの中に、彼は自分の妻の姿を見つけてしまいます。

その妻はすでに正気を失って放心状態。

ナザーマンは、黒人女性に金を渡し、服を着させて帰らせます。

 

これはまさに監督のおっしゃる通り。

このヌードを見て、ニンマリするスケベはいないでしょう。

 

とまあ、本作は、このヌードも含めて、1964年当時のアメリカでは、あまりにも内容がセンセーショナル過ぎました。

故に、本作でのロッド・スタイガーの熱演はスルーされ、3年後に再びまな板に載せられたという気がするわけです。

「夜の大捜査線」も、人種問題を扱った社会派作品ではありましたが、「質屋」ほど辛口ではなく、映画的なエンターテイメントも溢れた娯楽作品になっていました。

わかります。

こう作らなければ、ハリウッドでは映画にさせてもらえないのでしょう。

これなら、シドニー・ポワチエには申し訳ないけれど、「質屋」の熱演も加味して、今回はロッド・スタイガーが主演男優賞でもいいだろうということになったのではと推測する次第。

 

いずれにしても、一本映画の中で、一人の男の変遷ぶりを、見事なメーキャプと、アクターズ・スタジオ仕込みの巧みな演技力で表現して見せたロッド・スタイガーは、やはり凄いと言わざるを得ません。

本作には、ニューヨークのロケシーンが多用されています。

これがモノクロ映像とよくマッチしていて、実にリアルで、ドキュメンタリー・タッチに仕上がっていました。

どこをどう切り取っても、煩雑で薄汚いナマのニューヨークが浮き彫りになっています。

ナザーマンの心象風景と見事に重なります。

質屋の内部のシーンも、いろいろなものが雑多に並べられていてカオス状態。

そして客と店を隔てるように仕切られた金網。

これらの風景が、時折挿入されるアウシュビッツのシーンと、違和感なくシンクロしていくんですね。

このあたりの計算された映像は、撮影のボリス・カウフマンの手腕といえます。

 

「夜と霧」という、ホロコーストのドキュメンタリー映画に衝撃を受けた記憶がありますが、あれを思い出していしまいました。

アウシュビッツのトラウマ映像を巧みな編集で、現在の映像のカットバックする手法も見事でした。

映画前半では、ほとんどサブリミナル効果くらいの短い挿入カットが、映画の後半に行くにつれて、次第にそれが何のシーンであるかが分かるようになっていく構成です。

広島原爆投下を題材にしたアラン・レネ監督の「二十四時間の情事」のカットバック手法も意識していたかもしれません。

 

Wiki には、「人間不信となって心を閉ざしていた男が絶望から立ち直っていく姿を描いている」と書かれていましたが、見終わってみればこれは完全に違うとわかります。

最後は、自分を師匠としてあがめるプエルトリカンの青年が、自分を撃とうとした不良仲間の銃弾により射殺されてしまうという展開。

その遠因が自分にあることを知ったナザーマンは、伝票受けの針で自分の手を貫こうとしますが、それも出来ずにニューヨークのスラムを彷徨。

申し訳ないですが、本作はどこまでも救いのない映画でした。

 

Wiki で知った情報がもうひとつあります。

あのモーガン・フリーマンが、スラム街の黒人役でエキストラ出演していたらしいんですね。

これは全然気が付きませんでした。

確認したいという気もしたのですが、さすがに本作を続けてもう一度見るのはシンドいのでやめました。

 

一度心に焼き付けられたトラウマは、そう簡単にはなくなるものではありません。

一生その人の人生には暗い影を落とすことになるのでしょう。

アメリカに渡って、質屋を開業するくらいではなかなか難しいでしょうね。

これでもし、きれいさっぱりトラウマが、なくなるのだとしたらそれはたぶん。

 

質流れ・・・

 

 

映画「テキサスの五人の仲間」1966年アメリカ

 

騙されるのが好きな人なんていないでしょう。

もちろん僕もそうです。

悪意を持って、あるいは金銭を巻き上げる目的で、他人をだまそうとする者たちを通常は詐欺師といいます。

 

日本の刑法においては、詐欺罪は第246条に規定されていますね。

 

簡単に言ってしまえば「人を欺いて財物を交付させた」場合に成立します。

 

刑法第246条では、詐欺罪に対する罰則として「10年以下の懲役」が定められています。

罰金刑はなく、有罪判決を受けた場合は懲役刑が科されます。

 

刑法上は詐欺罪は一般的に思うよりも重い犯罪とされており、詐欺行為が発覚した場合には厳しい処罰が待っているといえるでしょう。

 

口八丁手八丁の詐欺にひっかかるのは、ひっかかる人間の危機管理意識が甘いから。

昔は偉そうにそんなことを言っていましたが、最近はそんなことも言えなくなりました。

それほど巧妙とも思えないようなフィッシング詐欺にまんまと引っかかってApple のパスワードを盗まれてしまったのが、つい三年ほど前のこと。

金額の被害が出ているのに気づいて、慌ててApple やクレジット会社に連絡。

必死に事情を説明したところ、同様の詐欺事件が多発していたようで、そのあたりも考慮して、被害金額は全額返還されました。冷や汗が吹き出る事件でしたね。

寿命が縮む思いをしましたが、結局犯人はわからずじまい。

この事件で、それまでの「詐欺には強い」という根拠のない自信は見事にひっくり返されました。

 

お恥ずかしい話をしてしまいましたが、以上申し上げたように実生活では憎むべき詐欺ではありますが、こと映画の中の詐欺となると話は違ってきます。

映画というものは、ある意味で観客を上手に騙すことが、極上のエンターテイメントになるという側面があります。

映画の醍醐味の一つに、「どんでん返し」がありますが、これが見事に決まっている映画の多くは、映画史にその名を遺す傑作になっていることが多い。

映画ファンにとっては、巧みなミスリードで物語を引っ張り、最後で「あっ」といわせる「どんでん返し」映画はたまらないものです。

映画という娯楽は、通になればなるほど物語の先読みをして、自分の映画リテラシーの高さを確認したくなってしまうもの。

しかし、多くの傑作は、その予想のさらに上をいくサプライズがしかけられているのが常で、僕程度の映画マニアは、簡単にその術中にハマり唸ってしまいます。

「やられたあ!」と思わず膝を叩いてしまうのですが、なんのなんの、これがなかなかの快感なんですね。

実生活で騙されるのはノーサンクスですが、この快感があるのなら、映画やドラマでは、どんどんと騙してくれと思ってしまいます。

 

むしろ、こちらから透けて見えてしまうような陳腐な騙しの方は、エンターテイメントとしては二流で、「出直してこい」ということになりかねませんが。

 

さて、「どんでん返し」もある意味では観客をだますというトリック映画ですが、これをさらに詐欺という犯罪行為にフォーカスして、エンターテイメントにしたのがコンゲームというジャンルの映画です。

 

最近の邦画では、長澤まさみ主演の「コンフィデンスマン」シリーズがこのジャンルの嚆矢ですが、誰でもが思い当るコンゲーム映画の大傑作といえば、1974年製作のジョージ・ロイ・ヒル監督作品「スティング」でしょう。

ギャングの親分から「いっちょカモろう」という、一味の詐欺テクニックの鮮やかさは、それが犯罪と分かっていても拍手喝采もの。

この作品は、アカデミー賞作品賞にも輝きましたから、この分野を一躍映画エンターテイメントの最前線に押し上げたという意味でも画期的な作品でした。

 

というわけで、大変前置きが長くなりましたが、この「スティング」が作られるよりも、8年ほど前に作られたこのジャンルの隠れた佳作が本作「テキサスの五人の仲間」です。

主演はヘンリー・フォンダ。ジョアン・ウッドワード。

監督は、フィルダー・クック。

この人は、残念ながらこの作品以外の監督作は知りません。

もともとは、1962年に作られたアメリカのテレビ・ドラマが原作だそうです。

 

西部劇ではありますが、本作にはインディアンも登場しませんし、ガンファイトもありません。

舞台となるのは、酒場の奥まった一室。

ここに、年に一度、街の金持ちたち五人が集まって、大金をかけたカードゲームが行われます。

行われるカードゲームはポーカー。

デジタル・ゲーム全盛時代の若者たちはほぼ知らないかもしれませんが、僕ら前期高齢者世代ならば、ギリギリ、リアルで遊んだことのあるトランプ・ゲームでしょう。

ポーカーゲーム最強の手である、ローヤル・ストレート・フラッシュの名前くらいはどちら様もご存じかもしれません。

 

配られた五枚のカードで役を作るのですが、一度だけカードを交換するチャンスがあります。

そして、確定した手にチップを賭けていきます。

自分の手が良ければ、強気でチップを賭けられるわけですが、相手が自分の手では勝てないと思って下りてしまうと、たとえその役が相手よりも良かったとしても、賭けたチップは全部持っていかれてしまいます。

これがこのゲームの面白いところ。

つまり、自分の手があまりよくなくても、そんなことはおくびにも出さず、いい手であることをシラっと演じ切り、ハッタリだけで、相手を下させてしまうことも可能なわけです。

もちろん、全員を下させてしまえば、その手は相手に開示する必要はありません。

つまり、ポーカーというゲームは、メンバー全員に、そこそこいい手がいき、全員が自分の手がこの場で一番だと思って、賭け金がどんどん吊り上がっていくという展開が、最もスリリングだといっていいでしょう。

 

これを理解した上で、この映画を見ると、本作が実によく出来ていると感心します。

 

1896年、街きっての5人の金持ちが酒場に集まり、年に一度の恒例のポーカーゲームを開きます。

ゲームが続けられる中、旅の途中のメレディスと妻メアリー、息子ジャッキーが、幌馬車でホテルに立ち寄ります。

ポーカー好きでギャンブル依存症だったメレディスは、妻の努力で今は賭け事からは足を洗い、10年間で貯めたお金を元手に、新天地で農場を買って、家族水入らずで暮らす予定でした。

そんなメレディスでしたが、ふとポーカーゲームのことを知り見学を申し出てしまいます。

心配そうな息子のジャッキー。

しかし、見ているうちにメレディスのギャンブル熱に火がついてしまいます。

そして彼は、家族の制止も振り切ってポーカーゲームに参加してしまいます。

 

しかし、ギャンブルの女神は彼には微笑まず、メレディスの持ち金はやがて尽きてしまいます。

そんな中、彼の手に配られた五枚のカード。

そこには、人生最高の一手が並んでいました。

しかし、その場では、他の五人の手中でもいい手が完成しており、彼らもこのゲームを下りません。

レートは次第に吊り上がり、もはやメレディスの賭けるチップが底をつきます。

 

カメラは、メンバーのカードの手は一切映しません。

追っているのは、自分の手を見入る役者のクローズ・アップのみ。

ある意味、この場面はこの映画のサスペンスを盛り上げる最大の見せ場なのですが、やはり主演のヘンリー・フォンダの顔芸が頭一つ抜きんでていましたね。

 

ここまでくれば引くに引けないメレディスは必死になりますが、全財産を換金してもゲームを続行できるだけのチップが集められません。

万事休すというところで、さらにメレディスを心臓発作というアクシデントが襲います。

駆け付けた医者は、彼を自宅に搬送させますが、その際、メレディスの手にあった五枚のカードは妻のメアリーに託されます。

ちなみに、この医者をやっていた俳優がバージェス・メレディス。

あの映画「ロッキー」で、ロッキーのトレーナー役をやっていた俳優です。

 

意を決して、5人の待つポーカーのテーブルに座るメアリー。

彼女は毅然としてこういいます。

 

「私には、自分たちの全財産を守る義務があります。さあ、ルールを教えてください。」

 

唖然とする5人。

しかし、5人が場に賭けただけのチップをテーブルに乗せないとゲームが続けられないことを理解したメアリーは、この5人を引き連れて、酒場の前の銀行に向かい支配人に融資を交渉します。

当然のように担保を要求する支配人に、メアリーは状況を説明した上で、自分の手の中にある5枚のカードを提示します。

一度は面食らって、融資を断る支配人ですが、数分後、メアリーへの融資金を携えて、ポーカー会場にさっそうと登場。

メアリーの隣に陣取って、場の賭金をさらに吊り上げさせます。

これで5人のギャンブラーたちは一気に戦意喪失。

結局勝負に挑むことなく、全員がゲームを下りてしまい、メアリーはその場のすべてのチップを手に入れます。

 

家に帰ったギャンブラーの一人ヘンリー・ドラモンド(ジェイソン・ロバーツ)は、これから結婚式を開けようという娘婿に向かってこう言います。

 

「おまえの結婚の目的は、俺の財産だろう。悪いが俺には自分の娘の女としての価値はよくわかっている。

おまえがあいつにまともな愛情をもつとは思えない。お前のために言う。女房にする女はきちんと選べ。

おまえを幸せにしてくれる女はきっとどこかにいる」

 

明らかに、ドラモンドは、絶体絶命の亭主のために、ギャンブルの修羅場に身を投じて、家族を救ったメアリーに心を動かされていたことは間違いありません。

 

というわけで、本作はここで終わっても、そこそこ楽しいコメディ映画であったはず。

 

ところが・・・・・

 

この先はもちろん語りません。VODにも挙がっている映画ですので、是非ご覧になって楽しんでくださいませ。

 

しかし、このジャンルの映画が、西部劇の中で展開されるという意外性。

そして、主演俳優ヘンリー・フォンダの、役者としてのキャリアを逆手に取ったキャスティングの妙。

ヘンリー・フォンダは、本作の後の「ウエスタン」という西部劇で、キャリアの中ではじめてといえる極悪非道の悪役を演じています。

このあたりも興味深いところ。

興味深いといえば、メアリーを演じたジョアン・ウッドワードは、「スティング」の主演俳優の一人ポール・ニューマンの奥様ですね。

 

見終わってみれば、なんといっても秀逸だったのは、本作の邦題タイトルです。

本作のオリジナル・タイトルは、"A Big Hand for the Little Lady"

直訳すれば「奥様の手に大きな手が」みたいなことでしょうか。

しかし、これにつけられた邦題が、「テキサスの五人の仲間」。

最初は正直よくありがちな味もそっけもない邦題だなと思ってしまいました。

映画を見始めると、すぐにこの五人が誰のことなのかは想像がつくわけです。

ところがです。

映画を見終わってみると、なんとこの五人が見事に入れ替わっているんですね。

これには感心しました。

 

邦題自体がどんでん返しになっているという実に秀逸なタイトルでした。

ここまで書いてしまうと、勘のいい方なら当たりがついてしまうかもしれませんが、ネタバレだろうと突っ込まずに、是非映画をご覧になってご確認ください。

 

いやあ、映画で騙されるのは実に気持ちのいいもの。

是非とも、こんな映画感想文ごときに騙されることのなきよう。

映画「マリグナント 狂暴な悪夢」2021年アメリカ

 

監督は、ジェームズ・ワン。

この人のキャリアを見ていると、監督としての優秀さもさることながら、ホラー映画ビジネスの才覚に長けた人なんだなあとつくづく思います。

この人の出世作といえば、ホラー映画としては異例のヒット・シリーズになった「ソウ」です。

最新作を含めれば、9本ものシリーズ作品が製作されていますが、この人が監督をしたのは、一作目だけ。

二作目以降は、監督を他の人に譲り、自分は製作総指揮にまわっています。

「インシディアス」「死霊館」というホラー映画王道の館モノをヒットさせると、これもシリーズ化され、「ソウ」シリーズと同じく、以降の作品の監督は譲り、自分は製作にまわっています。

映画を成功させたら、その後もシリーズにはしっかりと関わりながらも、自分自身はやりたい作品を追及してゆくというのは、ちょっとカッコいいといえばカッコいい。

 

ある時期のワン監督は、ホラー映画の監督だとレッテルを貼られることが嫌だった模様で、2013年に「ホラー映画卒業」を宣言。

サスペンス映画やスーパーヒーロー映画にも進出していきます。

巨匠と呼ばれる監督がたどる道ですね。

ワン監督は、そんな作品でもヒットを飛ばしていますので、もともとがエンタメ映画を作るセンスには並々ならぬ才能がある人なんだと思います。

しかし、この人が圧倒的な才能する発揮するのは、やはりホラー映画です。

あれこれやってみて、本人自身もそれに気づいたのではないでしょうか。

 

そんな彼が、前言を撤回して、再びホラー映画に戻ってきたのが本作です。

グルリと一周回って、再びホラー映画に戻ってきたジェームズ・ワン監督は、ホラー映画の垣根を超えるクリエイターになっていました。

とにかくこの監督の凄いところは、観客が自分に何を期待しているかを理解していること。

そして、そんなこちらの想定の、さらに上をいく映像をこれでもかと詰め込んでくれるところです。

要するにサービス精神が旺盛なんですね。

 

ホラー映画には、ショック・シーンの斬新なアイデアがあればそれでいい。

ドラマ性も、ミステリー要素も不必要。

派手に人が死んで、グロテスクな怪物が暴れまわってくれれば、余計なものはいらない。

ホラー映画ファンにとってはそれでいいのかもしれませんが、もはやワン監督は、それだけでは満足できなかったようです。

 

本作は、ホラー映画であるばかりでなく、どんでん返しのあるミステリー映画でもあります。

そのうえ、バディ・スタイルの刑事アクションでもあり、SF映画でもあります。

監督自身が、この映画のスタイルを「ジャンル・ブレンダー」と表現していますね。

 

面白いのは、監督自身がイタリアン・ホラーの影響を受けていることを告白していること。

イタリアン・ホラーといえば、ダリオ・アルジェントやルチオ・フルチに代表されます。

その大きな特徴は、鮮血の美学を前面に押し出した、誇張された殺人シーンをウリにしていること。

このジャンルの作品は、ジャッロ映画とよばれています。

しかも映画の中で殺されるのはたいていは美人で、しかも多くの場合はヌードというのがお約束になっていたので、個人的には好きなジャンルでした。

高校くらいまでは、こういう映画を見に行かない限りは、動く女性のヌードに触れる機会はそうそうありませんでした。(ちなみに本作にヌードは登場しません)

 

そして、もうひとつ。監督はデビット・クローネンバーグの影響も語っています。

クローネンバーグ監督の確立したジャンルは「ボディ・ホラー」として有名。

もっとも成功した例としては、1986年の「ザ・フライ」が挙げられます。

とにかく、人間の肉体をいじりまくる独特のホラー演出には、多くのコアなファンの支持があります。

本作においては、映画の冒頭でいきなり、意思を持った悪性腫瘍を、人体から切除するというオペシーンが描かれますが、このあたりはまさにボディ・ホラー。

 

ちなみに、本作を鑑賞しながら、脳裏をかすめたのは、日本が世界に誇る漫画家・手塚治虫氏の代表作「ブラック・ジャック」の影響でした。

あの漫画の主要キャラだった「ピノコ」を覚えているでしょうか。

双子の姉の体のこぶ（奇形腫）の中に脳や手足、内臓等がばらばらに収まった状態で登場し、摘出後、ブラック・ジャックにより一人の女児として組み立てられたのがピノコでした。

ピノコはかわいい少女キャラでしたが、本作では、切り取られた悪性腫瘍は、ガブリエルというモンスターになって狂暴化し、人を殺しまくるわけです。

医療を背景にしたホラー映画といえば、ブライアン・デ・パルマ監督の「悪魔のシスター」を思い出しますが、これも、ワン監督が、本作のオリジナル・ストーリーを構築する上で大いに参考にした映画だったかもしれません。

 

本作にはJホラーの影響もうかがえます。

ヒロインが怪しげな物音を聞いて、屋敷内を歩き回るシーン。

その背後をパタパタと何者かが走り抜けます。

こちらはおもわずギョッとするわけですが、これはトシオ君演出ですね。

清水崇監督の出世作「呪怨」で見たショック演出です。

 

ワン監督は、勉強している人なんだなあとつくづく感心します。

そして、いろいろなジャンル作品から得たアイデアやインスピレーションを、自作の中に効果的に落とし込むセンスが群を抜いているんですね。

おそらくこの人は、今後もずっとアカデミー賞にはソッポを向かれ続けるのでしょうが、ファンたちの期待には応え続けていく気がします。

ヒッチコックではありませんが、餅は餅屋です。それで上等。

下手な色気は出さずに、得意な分野を突き詰めてほしいと思いますね。

 

本作のクライマックスは、正体を現したモンスター・ガブリエルの圧巻の殺戮シーンです。

この怪物に、警察署内で大暴れをさせ、警官たちを次から次へと殺しまくるというシーンは、ジェームズ・キャメロン監督の「ターミネーター」を髣髴とさせますが、驚くべきはガブリエルの圧倒的なその身体能力。

通常、モンスターの絶対にありえない動きは、CGで表現してしまえば訳はないのでしょうが、ワン監督はこれを潔しとはしません。

実際に体の柔らかいアクション俳優をモンスター役に起用して、「異様な動き」に圧倒的なリアリティに持たせ、恐怖を盛り上げています。

 

ネタバレは承知で書いていますが、これはミステリーでなくホラー映画です。

どんなに文章で説明しても、見ないことには絶対に理解不可能。

これを読んでから本作を見たとしても、そのサプライズがマイナスになることはないと確信します。

Amazon プライムで、見れますので是非ご覧くださいませ。

もうこれを見せられただけで、ホラー映画ファンとしてはおなか一杯。

ごちそうさまでしたという感じです。

 

今回登場したモンスターのガブリエルは、ホラー・アイコンとしてはかなり魅力的でした。

このガブリエルをメインにした、マリグナントが、またまたシリーズ化される可能性は高そうです。