柿沢謙二ブログ

映画「散歩する侵略者」2017年/WOWOW FILMS

Amazon プライムのラインナップにこのタイトルの作品があったのは知っていて、少々気になってはいました。

最近の映画に関しては、全く不勉強で、このタイトル以外の情報は全くない状態だったんですね。

僕の世代で(前期高齢者)で、このタイトルを聞くとまず反射的にピンと来てしまうのは、「ウルトラセブン」です。

第一次怪獣ブームにどっぷり浸かった僕らの世代としては、侵略者とくれば、全話異星人との対決を描いたウルトラセブンのイメージが強烈です。

その第32話のサブタイトルに「散歩する惑星」というのもあったりで、おそらくこの映画は、怪獣の出てこないSFパニックものだろうと勝手に思い込んでいました。

 

「ウルトラQ」のケムール人や、「ウルトラマン」のバルタン星人、メフィラス星人など、ウルトラセブン以前にも侵略モノの子供向けテレビ・ドラマはありました。

では映画はどうか。

日本で侵略を描いた映画というと、これもやはり怪獣映画の得意とする分野だったといえます。

 

しかし、アメリカに目を向けると、異星人による侵略系SF映画は、1950年代からありました。

代表的なものは、「遊星よりの物体X」「光る眼」「ボディ・スナッチャー/恐怖の街」などなど。

どの作品も、特撮視覚効果技術の向上に伴って、たびたびリメイクされています。

そして、どの作品にも共通しているのは、侵略者たちが、人間の体を乗っ取って、何食わぬ顔で、我々の隣人に成りすましているという設定です。

これは、直接的に宇宙人や怪獣を登場させなくても、自分たちの日常生活の中で、ミステリーとサスペンスを産める「美味しい」シチュエーションとして、過去にも多くの監督によって、手を変え品を変え、映像化されてきました。

 

ただ、立派に娯楽作品には成りえるものの、一般の評価としては、どこか子供だましのB級映画というレッテルを貼られがちでした。

 

とにかく、本作のタイトルからだけの印象は正直そんなところだったんですね。

 

しかし、まず本作の監督の名前を聞いて「ムムッ」と身を乗り出していまいました。

なんと、あの黒沢清監督ではありませんか。

1990年代から2000年代くらいまでは、個人的にはちょっと目を離せない監督でした。

「CURE」「カリスマ」「回路」「降霊」などは、ホラー映画ファンとして、この監督の映像センスに、一目置いていました。

2010年代以降は、ホラー映画から離れた映画も撮っていたりで、正直個人的には彼の新作を追う事は怠けていたのですが、ちゃんとこんな仕事もしていたと気づいたのは、恥ずかしながらつい最近のこと。

しかも出演者を見れば、長澤まさみ、松田龍平、長谷川博巳と単独でも主演を張れる一流どころがズラリ。

このキャスティングで、まさかB級SFパニック映画であるはずがない。

これは、黒澤清ファンとして見ておかなければならない1本を、完全に見逃していたなと反省した次第。

というわけで、ホラーの巨匠から、いまや「第二の世界のクロサワ」と評価されるまでになった日本映画の巨匠の2017年度の作品をいまさらながら鑑賞させていただきました。

 

この映画の元ネタは、前野知大氏が自分の主催する劇団のために書き下ろした舞台劇でした。

そして、上演後は、このオリジナル脚本をもとに前野氏自身がノベライズしています。

 

ある日自分の夫が、姿はそのままでも、まったく違う人物となって帰ってきます。

夫は宇宙人に体を乗っ取られており、地球人のマインドをリサーチするために、人間の心からいろいろな「概念」を盗み学習していきます。

この夫婦を演じるのが、長澤まさみと松田龍平。

送り込まれた宇宙人は合計3体で、残り2体とジャーナリストして接触していくのが長谷川博巳演じる週刊誌記者です。

宇宙人たちが、この3体が集めた「概念」の学習を終了すると、満を持して侵略が始まるという物語。

 

こうやって、ストーリーだけを述べてしまうと、なんだかちょっと陳腐な子供向けSFにも聞こえてしまいますが、それがそうならないのが黒沢演出の凄いところ。

 

この監督の過去作品から、個人的に学習していることは、ここぞというシーンでは、カメラは固定したまま動かさない、クローズアップにはしない、カットは割らないということ。

ですので、カメラの動きが止まって、長回しが始まると、こちらは「なにかが起こる」と身構えるわけです。

そして、この緊張感の後で起こることは、たいていはこちらの想像の上をいくショック。

これが、個人的には黒沢映画最大の魅力になっています。

 

まず映画の冒頭がこれでしたね。

宇宙人に体を乗っ取られた女子高生が、両親を殺し、血まみれになって道の真ん中をフラフラと歩いていると、はるか後ろから近づいてくる大型トラック。

普通ならクラクションを鳴らす運転手のカットでも入れたくなるものですが、「なにかが起こる」までは、カメラはフィックスにしたままの長回し。そして・・・

見事にしょっぱなから度肝を抜かれました。

 

長澤・松田夫婦の家に両親と喧嘩をした妻の妹が遊びに来ます。

記憶の怪しい義理の兄に、自分との関係を説明する妹を演じているのが元AKBの前田敦子でした。

彼女の説明を熱心に聞いている夫。

すると、彼は彼女の前に立ち「それもらうよ」といって、「E.T. 」よろしく人差し指を妹のおでこにチョコン。

すると、妹の瞳には涙があふれて、その場にヘタレこんでしまいます。

これで、彼女の脳内データから「家族」という概念がごっそりイレースされ、地球人学習中の夫の脳にインプットされるわけです。

上手かったのは、この後の前田敦子の演技。

「家族」という概念がごっそり抜け落ちた妹の人格の変化を、前田敦子が説得力抜群の演技で表現していました。

彼女の登場シーンは、これだけでしたが、この演技が、結局はこの映画の最後まで効いてくるんですね。

 

「概念」を抜き取られた人間に、どういう人格の変化が現れるのか。

 

「所有」という概念を抜き取られた青年。

「仕事」という概念を抜き取られた妻の仕事相手。

「迷惑」という概念を抜き取られた役人。

 

それにより彼らには人格障害が発生してしまうのですが、こういうネガティブな概念を抜き取られた彼らはどことなく幸せそうに見えたりもするわけです。

 

しかし、それが「愛情」だったらどうか。

　

異変を察知した国家の秘密チームに追われる夫婦は、教会に逃げ込みます。

教会の告知板には、「愛とはなにか」の説法を知らせるポスター。

中では、少年少女たちによる合唱団が、聖歌の練習をしています。

そこに現れるのが東出昌大演じる神父(牧師?)。

宇宙人は、神父から「愛情」という概念を抜き取ろうとするわけです。

 

これが目茶苦目茶苦茶怖いんですね。

何といっても、「寄生獣」で、顔色一つ変えず人間を捕食する怪物を演じた彼です。

その印象があるだけに、この神父から「愛情」という概念を抜き取ったら、どんなサイコパスが出現するのか。

前田敦子の演技を見ているだけに、見ている方はこれを勝手にリアルに想像してしまうわけです。

何を考えているのかわからない東出の爬虫類的な目が余計に恐怖をあおります。

 

結局教会では何も起こらないのですが、こちらは勝手に、映画の冒頭で見せられたような殺戮シーンが起こると想像してしまうわけです。

これは、キャスティングの妙といえるかもしれません。

 

そして、ここでは未遂に終わった「愛情」という概念のカット&ドロップが、映画のラストの効果的な伏線になってくるという仕掛けです。

 

長谷川浩巳パートは、かなり映画的な演出になっていました。

オリジナルの舞台劇は見ていないのですが、彼と二人の宇宙人とのパートは、最初こそ地味ではありましたが、次第に、アクションあり、銃撃戦あり、飛行機からの爆撃ありと、映画的にエスカレートしてきます。

最初は単なるネタとして彼らと接触していた記者が、次第に彼らにシンパシーを感じだし、やがてバディ感を育んでいくというまでの変化を、長谷川博巳が実に達者に演じていました。

彼が突如人々の前で辻立ちして、今地球は宇宙人に侵略されようとしていると、道行く人に訴えかけるシーンがあります。

もちろん、それに真剣に耳を傾ける人はいません。

今起こっていることに目をそむけ続けていると、世の中一体どういうことになるのか。

彼は危機感をもって、必死に人々に訴えかけます。

 

2017年といえば、安部長期政権の膿が、次第に白日の下にさらけ出されてきた頃です。

社会へのメッセージを仰々しく扱うのは、黒澤清監督の好むところではないとは思います。

しかし、ある程度そうならざるを得ないことは、この映画の性質上、黒澤監督も多少は覚悟していた気がします。

かつての、50年代のアメリカ映画のSF侵略モノが、あの当時吹き荒れていた「赤狩り」に対するカウンター・メッセージになっていたと、後の評論家が指摘していますが、映画はいつの時代にも、社会を映す鏡であることは否めない事実。

彼は警告した後でポツリとこういいます。

 

「OK。言いたいことは言った。後は君たちの判断次第。」

 

この瞬間に彼は、記者であることに決別し、宇宙人と運命を共にする決心をすることになります。

 

さて、地球人のリサーチを終了して、侵略者に攻撃を開始された地球はいったいどうなったのか。

二ヵ月後の世界で、これを説明する医者の役にキャスティングされていたのは、キョンキョン(小泉今日子)でした。

黒沢監督の作品としては、ドラマの「贖罪」で主演を演じていますが、本作のこの役はなかなかのもうけ役。

ワンポイントではありましたが、なかなかの存在感を出していました。

監督の過去の作品を見ると、ラストでビッグ・ゲスト登場という演出はいくつか見られますが、やはりニンマリしてしまいます。

冒頭でも語りましたが、日本では侵略モノ映画というと、やはり怪獣特撮映画の十八番だったという気がします。

一般映画でいえば、思い付くのは、岡本喜八監督の「ブルー・クリスマス」、松竹の「吸血鬼コケミドロ」くらいのもの。

西洋の歴史とは違って、日本の歴史で本格的な侵略が登場するのは、鎌倉時代の元寇と、江戸時代末期の黒船来航くらいですね。

敗戦のペナルティとしてのGHQ進駐はありますが、島国であるというロケーションが幸いしてか、そもそも「侵略モノ」が馴染まないというという事情は、他国に比べて圧倒的に外部からの侵略が少なかったという歴史が影響しているという気はします。

 

しかし、考えてみれば、新型コロナのパンデミックも、見方を考えれば、新型ウイルスという未知の物体からの侵略行為と捉えることもできます。

どんなに深刻な「侵略」があったとしても、基本はギリギリまで動こうとしないのが日本の体質であることは、ハッキリとしてきました。

世界中がどれほど危機感をもった問題に対しても、日本の初動の遅さは往々にして致命的なほどです。

もちろん「下手に動かない方が無難」というリスク管理もあるかもしれませんが、それが動くべき時に動かないというのリスクを上回るという気はしません。

 

侵略者たちが散歩しているうちに、やれることは、いくらでもあるということでしょう。

侵略してくる宇宙人に、お願いしたいことがひとつ。

 

今度この国の総理大臣になる人の頭から、「党利党略。私利私欲。」という概念を是非とも「もらって」くださいませ。

 

 

 

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追悼2023 Part 2 (5月～8月)

追悼2023　Part 2 (5月～8月)

 

さて、今年も余すところ8時間となりました。

年内に追悼し終えるか、微妙になってきました。

それでは、Part 2 です。

駆け足で、追悼してまいります。

 

春日三球　4月17日逝去　享年89歳

 

若い人たちは聴いたことがないかもしれません。かつて夫婦漫才の春日三球・照代として、結構テレビにも出ていた人です。

得意ネタは、「地下鉄漫才」。「地下鉄は、電車をどっから入れるんでしょう。考えるとねむれなくなっちゃう。」というのが定番のオチでした。

実も蓋もないですが、AIに聞いてみました。今は、江東区にある新木場車両基地から地下に入れるのだそうです。

改めて、心よりご冥福をお祈りいたします。合掌。

 

ヘルムード・バーガー　5月18日逝去　享年78歳

 

何んといっても、この人の魅力を際立たせたのは、イタリアの巨匠ルキノ・ヴィスコンティの映画でしたね。

その怪しいまでの美しさは、ヴィスコンティの演出で、芸術にまで開花したといえるでしょう。

二人は、ともにバイ・セクシュアルということで、惹かれ合い相思相愛の仲。

映画の枠を超えて、公私にわたり深く結ばれた関係でした。

ヴィスコンティは「若者のすべて」で、アラン・ドロンにもサインを送ったといいますが、彼はバイではなかったので、断られたそうです。

「家族の肖像」は、大学教授を演じたバート・ランカスターが、ヴィスコンティ自身がモデルになっていると考えると楽しめます。

改めて、心よりご冥福をお祈りいたします。合掌。

 

上岡龍太郎　5月19日逝去　享年81歳

 

後に参議院議員となる横山ノックらと、漫画トリオを結成。

関西を中心に活躍していた人ですが、後に東京へ進出。

僕の印象では、テレビを中心に、キレのあるコメントで、司会者として活躍していたというイメージです。

自分の芸が通用するのは20世までと公言して、2000年に芸能界を引退してしまいました。

芸能界にしがみつきたい芸人が多くいる中で、引き際が鮮やかだったのは憶えています。

改めて、心よりご冥福をお祈りいたします。合掌。

 

ティナ・ターナー　5月24日逝去　享年83歳

 

最も成功した女性ロック・アーティストとして「ロックの女王」と呼ばれていた人。

もともとは、アイク&ティナ・ターナーとして、60年代前半からヒットを飛ばしていました。

1971年の映画「ソウル・トゥ・ソウル　魂の詩」で初めて彼女のパフォーマンスを見たのですが、これはぶっ飛びました。

しかし、彼女がソロとして、ブレイクしたのは、80年代の前半のMTV全盛の頃。「プライベート・ダンサー」はよく聞きました。

改めて、心よりご冥福をお祈りいたします。合掌。

 

 

アストラット・ジルベルト　6月5日逝去　享年83歳

 

ボサノヴァといえばこの人。

彼女の声を初めて聞いたのは、「ゲッツ/ジルベルト」というアルバムでした。

スタン・ゲッツの艶めかしいテナー・サックスと、ジョアン・ジルベルトのナイロン・ギターに絡まる彼女のアンニュイなボーカル。

それがあまりに心地よくて、夏になると毎日のように聞いていましたね。

こういうボーカル・スタイルもありなんだと、思い知らされました。

今から思えば、後の「男と女」のスキャットも彼女のスタイルが原点。

日本でも、小林麻美や、原田知世に通じるウィスパー・ボイスに影響を与えていそうです。

改めて、心よりご冥福をお祈りいたします。合掌。

 

北別府学　6月15日逝去　享年65歳

 

広島東洋カープの、押しも押されぬエースだった人。

20世紀最後の200勝投手になっています。

抜群の制球力で、中日にはめっぽう強かった投手です。

改めて、心よりご冥福をお祈りいたします。合掌。

 

PANTA   7月7日逝去　享年73歳

 

 

実は、この人の楽曲はまだ一度もまともに聞いたことがありません。

ただ、1970年代から、日本のロックシーンには、たびたびその名が聞かれるアーティストでした。

頭脳警察や、PANTA&HAL は、その噂は、いろいろ何アーティストの口伝いで聞いてはいましたが、楽曲までは聴いていません。

なにかネタはないかと思って、Wiki してみたら、荻野目洋子、渡辺美里らと並んで、石川セリに提供した曲の中に、「ムーンライト・サーファー」がありました。

これは、昔から個人的には、大のお気に入りの一曲。

改めて、心よりご冥福をお祈りいたします。合掌。

 

ジェーン・バーキン　7月16日逝去　享年76歳

 

 

モデル、歌手、俳優などをこなすフランス人のマルチ・アーティスト。

ブリジット・バルドーをはじめとするフレンチ・ロリータのムーブベントのなかで、その魅力を開花させた人ですね。

パートナーは、セルジュ・ケンズブール。実娘はシャルロット・ケンズブール。ともに、各分野で活躍するマルチ・アーティストです。

改めて、心よりご冥福をお祈りいたします。合掌。

 

トニー・ベネット　7月21日逝去　享年96歳

 

 

この人といえば、1961年に大ヒットした「霧のサンフランシスコ」でしょう。

大変に息の長い歌手で、2014年にはレディ・ガガとのデュエット・アルバムを全米初登場1位にしています。

実は、僕が初めてこの人の名前を知ったのは、サミー・デイビス・ジュニアのショーで披露した彼のモノマネでした。

フランク・シナトラと並ぶ、アメリカを代表するエンターテイナーの一人です。

改めて、心よりご冥福をお祈りいたします。合掌。

 

無着成恭　7月21日逝去　享年96歳

 

この人の名前を知っているのは、50代以上の人たちでしょう。

晩年は出家して僧侶になっている人ですが、この人の名前を知らしめたのは、なんといってもTBSラジオの「全国こども電話相談室」。

子供たちからの質問に、レギュラー回答者として、28年にわたり解答し続けました。その東北訛りには、暖かい響きがありましたね。

改めて、心よりご冥福をお祈りいたします。合掌。

 

森村誠一　7月24日逝去　享年90歳

 

社会派推理小説の第一人者だった人。代表作は「人間の証明」「野生の証明」「悪魔の飽食」など。

70年代後半、横溝正史と並んで、角川書店が、大プッシュした小説家です。

我が実家は書店でしたが、文庫のコーナーには、彼の作品が平積みでズラリ。

それを片っ端から読んだ記憶がよみがえります。

改めて、心よりご冥福をお祈りいたします。合掌。

 

ランディ・マイズナー　7月26日逝去　享年77歳。

 

 

イーグルスの創設メンバーとして、ベースを担当していた人です。

1977年には、バンドを脱退しますが、後にソロとしても活躍。

彼の作品として、イーグルスとしてもヒット・ナンバーとなったのが「テイク・イット・トゥ・ザ・リミット」。

僕も大好きなナンバーで、カラオケではよく歌いましたね。

改めて。心よりご冥福をお祈りいたします。合掌。

 

ウィリアム・フリードキン　8月7日逝去　享年87歳

 

 

1970年代の初めに、ハリウッド映画の洗礼を受けた世代としては、この人は外せません。

1971年の「フレンチ・コネクション」、1973年の「エクソシスト」。

この2本を手掛けたというだけで、映画史に語り継がれる監督になった人です。

その後が、パッとしなかったのが少々残念ではありますが。

改めて、心よりご冥福をお祈りいたします。合掌。

 

ロビー・ロバートソン　8月9日逝去　享年80歳

 

伝説のロック・バンド「ザ・バンド」のギターリストだった人です。

この人の名前を初めて意識したのは、マーティン・スコセッシが監督した彼らのドキュメント映画「ラスト・ワルツ」でしたね。

このバンドは、僕よりも、ちょっと上の世代のロックファンにとても支持されている印象です。

改めて、心よりご冥福をお祈りいたします。合掌。

 

 

 

さて、9月から12月までの追悼は、Part 3で!  年内に間に合うか?!

追悼2023 Part 1 (1月～4月)

さて、本年度の畑仕事もひと段落して、昨日は丸一日お絵描きをしていました。

2023年に亡くなった方のイラストです。

何人かは、「iPad お絵描きギャラリー」として、Facebook にも投稿してきました。

しかし、今年も暮れようとしているこの年末に、亡くなった方のリストをあらためて眺めてみると、まだまだ「えーっ」という方がいらっしゃるんですね。

そこで、今回はそのご芳名を拝見して、個人的にその顔が浮かぶ方を、すべてイラストにしてみました。

そんなわけですから、俳優やミュージシャン、そしてスポーツ選手が中心になることはご容赦いただきます。

中西太氏や、杉下茂といった伝説のスポーツ選手も今年鬼籍に入られましたが、もちろん名前は存じ上げているものの、顔はパッとは浮かんでこなかったのでリスト外。

政治家、経済人、文筆家、漫画家といったジャンルの方にも、名前を聞いたことのある人はいましたが、顔を見てピンと来なかったので割愛してしまいました。

僕は、来年で65歳になりますが、まだ我が年齢以下で亡くなっている方は少ないようです。

ただ、少年の頃にあこがれていたり、記憶に刷り込まれている方が、いよいよその寿命を全うされる年齢になってきたんだということはひしひしと感じた次第。

 

さて、今年もいよいよ大晦日です。

どちら様も、それぞれの一年を振り返っていらっしゃることと思いますが、亡くなった方を偲びながら振り返るのも一興かと思います。

 

まず、Part 1 では、本年度の1月から4月にかけて亡くなられた方を取り上げます。

 

ジェフ・ベック　1月10日逝去　享年78歳

 

ご存じ「世界三大ギタリスト」の一人。僕はギター小僧ではありませんでしたが、「ブロウ・バイ・ブロウ」と「ワイヤード」は、結構シビれました。

改めまして、心よりご冥福をお祈りいたします。合掌。

 

高橋幸宏　1月11日逝去　享年70歳

 

YMOのメンバーの一人。彼はドラム担当でした。それ以前は、サディスティック・ミカ・バンドでも活躍していました。

ファッションやデザインにも造詣が深く、YMOのステージ衣装である中国人民服のアイデアは、彼の発案だそうです。

改めまして心よりご冥福をお祈りいたします。合掌。

デヴィッド・クロスビー　1月18日逝去　享年81歳

 

元々は、バーズのメンバーでしたが、後に結成したクロスビー・スティルス・ナッシュ & ヤングの方が有名ですね。彼らのアルバム
「デジャ・ヴ」のインパクトは強烈でした。

このアルバム・タイトル曲は、当時のラジオの深夜放送「セイヤング!」の「超心理学コーナー」のテーマ曲になっていて記憶に鮮明。

映画「小さな恋のメロディ」のラストに流れる「ティーチ・ユア・チルドレン」のハーモニーも、忘れられません。

改めて、心よりご冥福をお祈りいたします。合掌。

門田博光　1月23日逝去　享年74歳

 

この人の現役時代の試合は、オールスターくらいでしか見た記憶がありません。

パリーグの侍バッターという印象ですね。

特に後年の、ホームランしか狙わないというかんじのフルスイングは今の大谷に通じるものがありました。

しかし、それでいて、40歳を超えてからも成績が下がらなかったのはさすが。

通算本塁打と、通算打点数は、ともに歴代第三位の記録保持者です。

改めて、心よりご冥福をお祈りいたします。合掌。

鮎川誠　1月29日逝去　享年74歳

 

シーナ&ザ・ロケッツのギタリストとして有名。ヒット曲の「ユー・メイ・ドリーム」は、日本航空のテレビCMに使われていました。

YMOツアーには、ギタリストとして参加。スネークマン・ショーのネタにもされていました。

改めて、心よりご冥福をお祈りいたします。合掌。

バート・バカラック　2月8日逝去　享年94歳

 

1960年代のアメリカの映画音楽やポップスで、ちょっと洗練されたオシャレな楽曲だなあと思うと、たいていこの人の曲でした。

ディウォンヌ・ワーウィックや、カーペンターズがよく彼の曲を歌っていました。

中でも、映画「明日に向かって撃て!」のサントラ盤は秀逸。およそ西部劇とは思えないモダンな楽曲は必聴です。

あともう二曲。1967年製作の007のパロディ映画「カジノロワイヤル」のテーマ曲。そして、1969年の映画「幸せはパリで」の主題曲「エイプリル・フール」。いいですよ。

改めて、心よりご冥福をお祈りいたします。合掌。

松本零士　2月13日逝去　享年85歳

 

この人といえば「宇宙戦艦ヤマト」「銀河鉄道999」「キャプテン・ハーロック」ということになるでしょうが、これらの作品に歓喜したのは、僕らよりちょうど一回り下の世代です。

それよりも僕が印象に残っているのは、これより以前に少年マガジンに連載されていた「男おいどん」ですね。

「銀河鉄道999」の主人公鉄郎のキャラクターは、実はこの漫画の主人公・大山昇太のイメージをかなり踏襲しています。

改めて、心よりご冥福をお祈りいたします。合掌。

ラクウェル・ウェルチ　2月15日逝去　享年82歳

 

白状してしまいますが、この人の全盛期の強烈な肢体には、かなりクラクラさせられていました。

「恐竜100万年」「ミクロの決死圏」「100挺のライフル」など、みんな見てますが、正直申しまして、彼女のバストラインしか記憶にありません。

改めまして、心よりご冥福をお祈りいたします。合掌。

 

笑福亭笑瓶　2月22日逝去　享年66歳

 

正直言って、この方の芸歴は何一つわかっていないのですが、失礼ながらこの顔の記憶だけは鮮明でした。まさに、顔は芸人の名刺なり。

Wiki してみましたら、笑福亭鶴瓶の一番弟子がこの人とのこと。

な「魔法使いサリー」のよし子ちゃんのモノマネはかすかに覚えています。

改めまして、心よりご冥福をお祈りいたします。合掌。

大江健三郎　3月3日　享年88歳

 

恥ずかしながら、彼の著書はまだ一冊も読んでいません。

それなのに、この顔は憶えていました。

少年期は、本屋の息子でしたから、どこかで記憶にあったのでしょう。

川端康成以来26年ぶりの、ノーベル文学賞受賞者です。

改めまして、心よりご冥福をお祈りいたします。合掌。

 

扇千景　3月9日逝去　享年89歳

 

宝塚歌劇団出身の女優だった人ですが、後年は政治家として有名になった人です。

自民党の議員として、重要大臣ポストを歴任。

2004年には、女性としてはじめて参議院議長を務めています。

しかし、僕の世代で印象に残っているのは、フジフィルム「シングル８」のテレビコマーシャル。

「私にも写せます。」と微笑みかけていたのはこの人でした。

改めて、心よりご冥福をお祈りいたします。合掌。

 

ボビー・コールドウェル　3月14日逝去　享年71歳

 

 

1970年代後半から、80年代前半にかけての音楽業界の一大トレンドだったのがAOR。

その代表的なシンガー・ソング・ライターだったのがこの人です。

「風のシルエット」「ハート・オブ・マイン」などはこの人の作品。

女子を口説くための必殺曲として、密かに練習していたのを思い出します。

改めて、心よりご冥福をお祈りいたします。合掌。

 

 

団時朗　3月22日逝去　享年74歳

 

「帰ってきたウルトラマン」に変身していたのはこの人でした。

我が家に、はじめてカラーテレビがやってきた日に放送されたのが、この第1回目でしたのでよく覚えています。

その時は、団二郎というクレジットでしたね。そして役名は、なんと郷秀樹。

当時の男性トップアイドルを名前をそのまま使っていました。

残念ながら、この時にはもう中学生になっていましたので、「ウルトラマン」や「ウルトラセブン」ほどは、感情移入できませんでした。

改めて、心よりご冥福をお祈りいたします。合掌。

 

奈良岡朋子　3月23日逝去　享年93歳

 

1950年の劇団民芸の創立メンバーの一人。

宇野重吉、滝沢修の死後は、大滝秀治と劇団共同代表を務め、大滝の没後は劇団と法人の代表を務めていた人です。日本演劇界の重鎮。

数々の舞台や、映画、テレビドラマなどで、安定した演技力を見せてくれました。

改めて、心よりご冥福をお祈りいたします。合掌。

 

坂本龍一　3月28日逝去　享年71歳

 

 

元YMOのメンバーであり、音楽家としても、「ラスト・エンペラー」で、日本人としては初めてのアカデミー賞作曲賞を受賞しています。

地雷除去運動や原発反対運動にも積極的に関わり、日本のアーティストとしては珍しく、政治的な発言も積極的にしていますね。

個人的には、1982年の「い・け・な・いルージュマジック」で、テレビの生放送中、忌野清志郎と男同士のキッスを交わしていたシーンの印象が強烈です。

改めて、心よりご冥福をお祈りいたします。合掌。

 

畑正憲　4月8日逝去　享年87歳

 

ムツゴロウさんの愛称で親しまれる動物研究家。一流のエッセイストでもあります。

北海道に移住して、動物王国を設立。プロの雀士でもあります。

改めて、心よりご冥福をお祈りいたします。合掌。

 

ハリー・べラフォンテ　4月25日逝去　享年96歳

 

「バナナ・ボート」や「ダニー・ボーイ」の大ヒットで知られるジャマイカ出身の歌手。

「USA フォー・アフリカ」の提唱者でもあります。

「ウィ・アー・ザ・ワールド」の録音現場で、集まったアーティストたちが、彼へのリスペクトをこめて、「バナナ・ボート」を合唱するシーンは感動的でした。

改めて、心よりご冥福をお祈りいたします。合掌。

 

さて、5月～8月は、Part 2で!

 

 

映画「アパートの鍵貸します」1960年アメリカ

 

ビリー・ワイルダーが、二度目のオスカーを獲得した傑作ロマンティック・コメディです。

ちょうど今頃の季節にぴったりな一本です。

初めて見たのは、テレビ放送だったと思います。中学生の頃でしょう

テレビはまだ、一家に一台の頃だったと思いますので、おそらく父親と一緒に見ています。

かなり際どいお話ではありますが、ビリー・ワイルダーの絶妙な語り口で、中学生でも楽しめました。

我が父親は、ジャック・レモンがかなりお気に入りの俳優だったようで、彼の演技を評してこう言っていました。

 

「可笑しさの中にも、絶妙なペーソスがある」

 

中学生の僕には、そのペーソスとやらがなにものかはわかりませんでしたが、この年になるとそれなりに理解はできます。

笑いと表裏一体の哀感みたいなものと解釈すればよいでしょうか。

 

自分の出世とバーターにして、課長たちの愛人との逢引のために、自宅のアパートを提供する保険会社の社員バクスター。演じるのはもちろんジャック・レモン。

映画の冒頭は、このあたりのドタバタがテンポよく描かれていきます。

ただ日本の感覚でいいうと、この展開はちょっと首をかしげるところです。

わざわざ部下のアパートの一室をかりて不倫をするなんていう面倒なことをしないで、普通にラブホでも使ったらどうよと思うわけです。

しかし、世界広しといえども、エッチをする目的だけのためにあるホテルが、そこらじゅうにある国なんて、実は日本だけなんですね。

このあたりは、家が狭くて、プライバシーもへったくれもないという日本の家庭事情が大いに影響しているのでしょう。

 

映画の舞台は大都会ニューヨークです。

ラブホはなくとも、密会に利用できるようなオシャレなホテルはたくさんあったでしょう。

ただ、当時のホテルには、ホテル・ディテクティブというのがいて、愛人との密会や浮気調査を依頼され、不倫の証拠を収集するなんてことを仕事にしていたんですね。

お楽しみの尻尾を掴まれたくないお盛んな重役たちは、信頼できる部下のアパートを利用する方が、自分の地位を脅かされるリスクは、はるかに少ないと考えたわけです。

 

夜中に電話でたたき起こされて、渋々部屋を提供し、公園のベンチで、鼻水をすするバクスター。

そんな彼には、密かに思いを寄せる女性がいます。

それはフランというエレベーター・ガール。

演じるのは、シャーリー・マクレーン。

ベリーショートのピクシーカットでボーイッシュな彼女は、映画では21歳という設定でしたが、ちょっと気になって年齢を確認してみました。

1934年生まれのシャリー・マクレーンは、この映画撮影時で26歳ですね。

ちなみに、ジャック・レモンは、この時すでに35歳。

 

ある日、人事部長から呼び出されるバクスター。

日頃の苦労の甲斐あって、自分もこれでいよいよ昇進かと、足取りも軽く部長室をノックします。

そこで待っていたのは、シェルドレイク部長。

演じているのは、フレッド・マクマレイです。

ビリー・ワイルダー作品としては、彼の出世作「深夜の告白」にも出演していました。

その時の役は、保険会社勤務の営業マン役でした。

15年かけて、彼も同じ業界で出世していたと言うわけです。

シェルドレイク部長から、昇進の内示があるのを期待していたバクスターですが、彼の要件は違いました。

彼から、回りくどく言われたこと、それは、「悪いようにはしないから、自分にも鍵を」でした。

 

結局彼にも、アパートを提供することになるバクスター。この部長にも不倫相手がいたわけです。

実は彼は、社内でも有名なプレイボーイで、不倫相手の女子社員は、社内にも数人いました。

そして彼の現在の相手は、なんとバクスターが思いを寄せているフランでした。

 

これをバクスターが知るところとなる展開で、活躍した小道具がコンパクトです。

このコンパクトが、最初に登場するのは、フランとシェルドレイク部長が、別れ話をしているチャイニーズ・レストランのシーン。

フランが、涙でグチャグチャになったメイクを確認するシーンでさりげなく登場します。

この「さりげなく」が、伏線としてはかなり重要。

次に登場するのは、二人がバクスターの部屋で、密会した翌日です。

バクスターが、アパートのソファーの上に忘れてあったコンパクトを、部長室に届けに行くシーン。

そのコンパクトは、アパートでの二人の修羅場を物語るように割れてしまっています。

そして、3度目に登場するのが、昇進して個室を与えられたバクスターの執務室にフランが案内されるシーン。

ここで、有頂天のバクスターは、購入してきたボーラーハットを被って、フランに似合っているかどうか意見を求めます。

愛想笑いの彼女は、「お似合いよ」と、自分のコンパクトを取り出して、バクスターに渡します。

すると、そのコンパクトは割れていて・・

つまり、ビリー・ワイルダーは、シェルドレイク部長の不倫相手が、実はフランだということを、コンパクトという小道具ひとつで、観客に伝えてしまったわけです。

このあたりの語り口の見事さは、もちろん、初めて見たテレビ放送では、まったくわかっていませんでした。

2時間以上ある本編を、テレビ放送枠に収めるには、本編はかなりカットされていたはず。

伏線のための、さりげないカットならなおさらです。

やはり、この名監督の熟練の技を堪能するには、ノーカットで見るべきですね。

使われた小道具は、この他にも、テニス・ラケット、拳銃、シャンペン、重役用トイレの鍵、トランプ・ゲームのジン・ラミーなどなど。

これらを駆使して、ビリー・ワイルダーが、この時の相棒であるI.L.A ダイヤモンドと一緒に、練りに練った伏線が見事に回収されていく脚本は圧巻ですね。

今回再見してみると、新しい発見がたくさんありすぎて、ニンマリでした。

 

ちなみに、シェルドレイク部長を演じたフレッド・マクマレイという人は、テレビシリーズ『パパ大好き』で典型的なアメリカのよき父親を演じた俳優です。

このイメージが定着している彼に、ヘイズ・コード破りの、不倫部長役をオファーするあたりに、ビリー・ワイルダーのキャスティング・センスを大いに感じます。

この人は、「サンセット大通り」でも、サイレント時代の大女優であるグロリア・スワンソンに、その彼女自身を彷彿させるノーマ・デズモンドという役をキャスティングしています。

「お熱いのがお好き」では、強面のギャング・スターとしてイメージが定着していたジョージ・ラフトに、セルフパロディをやらせるようなキャスティング。

ワイルダーは、「意地が悪い」スレスレのキャスティングを、確信犯としてやっている節があります。

しかし、それによって、映画に絶妙な味わいが醸し出されてくるあたりはまさにワイルダー・マジック。

映画監督のキャメロン・クロウが、彼の映画術に心酔して、ワイルダーとのロング・インタビュー本「ワイルダーならどうする」を出版したのもわかる気がします。

 

本作は、１９６０年度のアカデミー賞で５部門を獲得しています。

作品賞、監督賞、脚本賞、美術賞、編集賞ですね。

スタッフ主要部門独占という感じです。

本作の美術を担当したのは、アレクサンドル・トローネという人。

この人の関わった作品としては、フランス映画の傑作「天井桟敷の人々」「霧の波止場」「北ホテル」などが有名。

戦前のフランスで、マルセル・カルネ監督の絶大な信頼を得ていた人です。

 

その彼が本作で、その職人技を披露したのは、バクスターが務める保険会社のオフィス・フロアの美術です。

彼は、遠くへいくほど、セットのサイズを小さくするという手法で、それほど広くないスタジオを、どこまでも続く広大なフロアに見せるというマジックを披露。

一番奥で動くエキストラは、背広を着た小学生だったといいます。

トリックアートとでも言うべき、職人技です。

この手法は、次第に、コストパフォーマンスを迫られるようになったハリウッドで、この作品以降定番の演出になったとのこと。

これは、映画評論家の町山智弘氏が、解説動画で熱弁していました。

 

俳優陣より、スタッフ陣に評価が集中したアカデミー賞でしたが、個人的な感想を言わせてもらえば、本作でのシャーリー・マクレーンの魅力は光り輝いていましたね。。

この人のデビューは、ヒッチコック作品の「ハリーの災難」でした。

バレエ・ダンサーから、女優に転職した人で、演技はもともとまったくの素人だった人です。

演技開眼したのは、まさに本作。ワイルダー監督には、相当鍛えられたようです。

クリスマス・イブの夜、バクスターのアパートで、シェルドレイク部長にプレゼントを渡すフラン。

しかし、彼女へのプレゼントを用意していなかったシェルドレイクは、何か買ってくれと裸の100ドル札を手渡します。

この時の、部長を見上げるフランの表情が、なんとも怖いのなんの。

ホラー映画級でした。

これは、男として、絶対に女性にやってはいけない行為だということは、初めて見た時、中学生だった僕にも理解出来ました。

後年、僕も付き合っていた女性と、クリスマスの夜に、プレゼントを交換することになります。

6年も付き合っていた女性でしたから、そろそろプレゼントのネタもつきかけていました。

何をプレゼントしたかは、もう忘れてしまっているのですが、僕がプレゼントしたものは、彼女にしてみれば、かなり微妙なものだったようで、言われたことはハッキリ覚えています。

 

「これいくらしたのかわからないけど、現金でもらった方が嬉しかったかも。」

 

その彼女とも、この翌年には別れることになりましたが・・

現実は、映画のようにはいきません。

 

さて、このクリスマスの夜に、バクスターのアパートで、フランは睡眠薬を飲んで、自殺未遂をしてしまいます。

約束の時間になって部屋に戻ったバクスターは、ベットで横たわるフランを発見。

アパートの隣人が医者だったこともあり、その素早い対応で彼女は一命をとりとめます。

 

48時間は安静と医者に言われた彼女は、バクスターの献身的な看護を受けますが、彼女が戻ってこないことを心配した義理の兄が、会社を訪ね、そのままバクスターのアパートに乗り込んでくるという展開に。

立場上、隣人の医師にも、義理の兄にも、自分の潔白を説明できないバクスター。

彼は、自分がフランを自殺未遂に追いやった女たらしであることを引き受けることで、シェルドレイク部長を守り抜きます。

そして、その甲斐あって、彼はついに部長補佐の椅子をゲット。

ついでに、この一件で、部長にとっては、やっかいなお荷物となったはずのフランも、自分が引き受けるという本懐成就の妙案を思いつきます。

ところが・・

 

このあたりから、ラストに向けての、たたみかける展開は、ワイルダー監督の傑作ミステリー「情婦」を思い出させますね。

回収されていく伏線は、映画マニアとしてはすべて説明したくなってしまいます。

しかし、それはここでは、やめておきましょう。

気になる方は、是非本作をご覧になってください。

「よく出来た映画」とは、こういう映画だということが、よくわかるはずです。

 

ただ、ニューイヤーズ・パーティの夜、シェルドレイク部長がふともらした言葉で、バクスターの想いを知った瞬間のフランの笑顔は一見の価値あり。

「サンセット大通り」ラストでの、グロリア・スワンソンの鬼気迫る形相にも、引けを取らないくらいのインパクトがありました。

彼女は、シェルドレイク部長をその場に残して、大晦日の街を全力疾走。

バクスターの部屋に駆け付けた彼女は、ソファーに並んで座り、トランプを配り始めます。

その彼女を見ながら、ついに愛の告白をするバクスター。

しかし彼女は、満面の笑顔を浮かべたまま、こういいます。

 

「はい、あなたの番よ。」

 

普通のロマンティック・コメディなら、ここはキスを交わして終わる展開てしょう。

しかし、そうはしないところが、実にいいんですね。

考えてみれば、この二人は、映画の中で、最後までキスすら交わすことがなかったことに気が付きます

それでいて、なんだか妙に艶っぽい映画を見せられたような不思議な印象が残るんですね。

このあたり、会話による艶笑コメディを極めたビリー・ワイルダー監督のいぶし銀の職人技。

映画は、脚本が八割と言う彼の面目躍如です。

 

とにかく、裸の100ドル札を受け取った時の彼女の鬼のような表情と、このラストの破顔一笑を持って、シャーリー・マクレーンは、この年のアカデミー賞の主演女優賞をゲットしていてもおかしくなかったと確信する次第。

 

良い映画を見た後は、大抵主演女優に感情移入してしまうタイプなのですが、これで年内いっぱいは、彼女の素敵な笑顔が頭にちらつきそうです。

映画「宇宙大戦争」1959年東宝

全盛期の東宝特撮映画は、すべて見ていると公式には豪語しておりました。

リアルタイムで映画館で初めて見た東宝特撮映画は1966年公開の「ゴジラ・エビラ・モスラ 南海の大決闘」だったと記憶しております。

この年は、テレビで「ウルトラQ」が放送された年です。

ですから、ちょうど第一次怪獣ブーム世代ど真ん中で子供時代を過ごしているわけです。

この年以前に製作されていた東宝特撮シリーズは、東宝のチャンピオン祭りでリバイバル上映されていたのでやはり映画館で見ています。

後はテレビ放映ですね。

怪獣が登場する映画は、ほぼ欠かさず見ていた記憶ですから、それでたぶん1954年の「ゴジラ」までは制覇しています。

ここで、「円谷英二」と「本多猪四郎」という名前は、完全に頭に刻みこまれました。

もちろん、両名が携わった作品は、「怪獣モノ」以外にも数多くあります。

 

子供の頃の実家の家業が本屋でしたから、いつでも最新の東宝特撮映画情報などはチェックできる恵まれた環境でした。

これらの資料で、怪獣メインの映画以外にも、東宝の特撮技術を駆使した映画が多数あることをインプット。

高校から大学時代にかけては、関東一円の名画座にまで活動範囲を広げて、東宝特撮モノは追いかけました。

 

ゴジラの第1作目から、第一次怪獣ブームが来るまでの東宝特撮映画は、観客のターゲットは、必ずしも子供だけではありませんでした。

なので、すでに怪獣映画からは卒業していた年齢ではありましたが、1960年代前半の東宝特撮映画は、青年期の年頃になっても結構楽しめました。

「地球防衛軍」「妖星ゴラス」「海底軍艦」など、怪獣がメインではない特撮映画は、たぶん大学生の頃に名画座で見ています。

「美女と液体人間」「ガス人間第一号」「マタンゴ」あたりは、もっと後のビデオレンタルの時代になって見た記憶です。

 

この辺りまで見てくると、そろぞろ東宝特撮映画はすべて見たと言っていいぞという気になっていたんだと思います。

これは、勉強はイマイチでしたが、怪獣の知識だけは誰にも負けないと自負していた、かつての怪獣少年のプライドですね。

因みに「ウルトラQ」「ウルトラマン」「ウルトラセブン」に登場した怪獣や宇宙人は、今でもすべて言えます。

まあ、この年になってはなんの自慢にもなりませんが。

 

さて、改めて東宝特撮シリーズのリストを見てみると、これは明らかに未見だと思われる作品が、実はまだ2作品ありました。

一本は、本多猪四郎が、「ゴジラ」で大ヒットを飛ばした翌年に監督をした「獣人雪男」。

ほぼ「ゴジラ」のスタッフで作られており、特技監督は、もちろん円谷英二。

東宝の特撮シリーズとしては、4作目に当たる作品ですが、興行的には振るわなかったようです。

そして、もう一本の未見作品が本作です。

これは自分でも気がつきませんでしたが、かつて録画したモノがDVDの棚に眠っていました。

 

本作は、怪獣は一切登場しないSF映画です。

作られたのは、1959年。これは僕の生まれた年ですね。

監督はもちろん本多猪四郎。特撮監督は円谷英二です。

今から64年前も前のSF映画ですから、今の視点から見ればどうしたって、それだけで上から目線になります。

映画を正しく評価するにあたっては、それはフェアではありません。

こういう映画の楽しみ方は、やはり、その時代の観客の目線になって見ることでしょう。

 

例えば、ナタール星人の冷却光線を浴びると物体が浮遊することを、日本人科学者がこう説明するシーンがあります。

「重力の本質は核振動であり、物質が絶対零度に近づくほど、核振動が微細なものとなる。したがって、絶対零度近くにまで冷やされた物体は無重量状態となる」

理系オンチではありますが、やや気になったので、AI に聞いてみました。

結果は以下の通り。

 

「絶対零度近くにまで冷やされた物体は、非常に高い真空状態になります。真空状態では、原子や分子の衝突がほとんどなくなり、物質の動きが非常に遅くなります。そのため、重力の影響を受けにくくなると考えられます。

しかし、これは重力が完全になくなるということではなく、重力の影響が弱まるということです。したがって、絶対零度近くにまで冷やされた物体も、完全に無重量状態になることはありません。」

 

つまり、これは映画製作時代にはまだ仮説であったものを、脚本の関沢新一が積極的に取り入れたということでしょう。

そういえば、ウルトラQの第5話「ペギラが来た」でも、この理論に基づくシーンがありましたね。

 

本作は「ゴジラ」が世に登場してから、5年後の作品です。

ゴジラが、アメリカでも大ヒットしたのはご存知の通り。

ゴジラ映画の元ネタになったと言われる「原子怪獣現わる」は、ゴジラの前年に作られました。

この作品は、「キングコング」以来、ハリウッド映画伝統の特撮技術であるストップモーション・アニメーションを駆使したものです。

特殊撮影を担当したのは、この道の第一人者レイ・ハリーハウゼン。

しかし、ミニチュアワークとハイスピード撮影を駆使した、日本特撮陣の作り出すリアリティは、完全に当時のハリウッド製特撮映画を凌駕していました。

当時の日本の特撮映画は、まさに世界の最高水準だったわけです。

 

そんなわけで、本作の撮影時には、円谷英二と本多猪四郎は、その名声をすでに世界中に轟かせていました。

この二人が関わるということが発表された企画段階で、アメリカから買い付けバイヤーが来日していたほどです。

映画も、アメリカ公開を意識していることは明白で、多くの外国人が出演するグローバルな作風になっています。

科学者たちによる国際会議の場面では、全員が日本語吹き替えでしゃべっているという不自然さはありましたが、まあここは苦笑い。

 

本作に怪獣は一切登場しないと申し上げました。

地球を侵略とようとするナタール星人も、宇宙服をきている姿こそ映りますが、素顔は見せません。

その代わりに、ふんだんに登場するのが、宇宙ロケット、月面探検車などのメカニック。

このデザインを担当したのは、小松崎茂です。

このひとは僕たち世代が夢中になったプラモデルの箱絵のメカニックデザインで有名な人です。

サンターバードのプラモデルの箱絵も、おおくはこの人の作品だったということですから、僕も知らず知らずのうちに彼の作品には触れているかもしれません。

 

円谷英二も、ゴジラ以前には、多くの戦争映画や、戦時中の国威発揚映画で、戦闘機の特撮シーンを撮っていました。

怪獣は登場しなくとも、メカによるバトルは、もともとは彼がその腕を磨いてきた得意分野です。

宇宙空間で、ロケットエンジンから煙が出ていたり、月面上を人が重力を考慮しない普通の歩き方をしていたりするのは、今の目線で見ると確かに稚拙には見えてしまいます。

(ところどころで、無理にピアノ線で釣ったりしてはいましたが)

しかし本作は、アポロ11号が月面に着陸して、アームストロング船長が実際に月面を歩く姿を見る10年も前。

スタンリー・キューブリック監督の「2001年宇宙の旅」で、ディスカバリー号が、スウィングバイを使って、音もなく宇宙空間を進む映像を見る9年も前の作品です。

そのあたりは考慮して評価するべきでしょう。

少なくとも、ウルトラマンの後番組として登場した、東映製作による「キャプテン・ウルトラ」の、あまりに子供騙しの宇宙描写に比べれば、かなり健闘しています。

 

すべてのSF映画を見ているわけではありませんが、「2001年宇宙の旅」が登場するまでは、円谷英二が描き出したこの宇宙映像こそが、世界のトップ水準のビジュアルであったかもしれません。

 

本作は、SFリテラシーが格段にレベルアップされた今の視点から評価するのではなく、東北の三大丸山遺跡のように、SF映画の発展を記録する上での重要な歴史的モニュメントとして鑑賞するべきではないかと思う次第。

クラシック映画を楽しむには、大いなる映画愛が不可欠だと思うわけです。

本作をむげに「ダセー」と酷評してしまうのは、あまりにデリカシーがなさ過ぎますね。

 

さて残るは、「獣人雪男」のみが東宝特撮映画の未見作品となりました。

資料によれば、ソフト化はされていないということなので、ここはAmazon プライムに期待いたします。

 

よろしくね。

 

 

 

映画「忠臣蔵 桜花の巻・菊花の巻」1959年東映

大石内蔵助というと、誰の顔が浮かぶか。

これは、年齢によって、浮かぶ顔はそれぞれかもしれません。

いやもしかすると、今の若い人たちにの中には、ピンとこないという人すらいるかもしれません。

僕の場合は、かなりはっきりしていますね。

 

それは、三船敏郎です。

 

この天下の名優は、実は映画で、大石内蔵助を演じたことはありません。

彼が、大石を演じたのはテレビドラマでした。

1971年にNETテレビ(現代のテレ朝)が放映した「大忠臣蔵」です。

ですからこの時の僕は、12歳の小学校六年生。

今やドラマは、ワンクール3ヶ月が当たり前ですが、このドラマは1年間まるまる全52回という長丁場のドラマでした。

1月から放送が始まって、ちょうどその年の12月14日に、討ち入りの回が放送されたのを覚えています。

 

放送は毎週火曜日の9時。たいていは父親と一緒に見ていました。

見終わると父親の講釈が始まるんですね。

若い頃は、映画青年だった我が父は、もっぱら俳優のウンチクを語るのが定番でした。

長谷川一夫の大石はどうだったとか、三船は昔の映画では俵星玄蕃を演じていたとか、月形龍之介の吉良は絶品だったとか云々。

 

その頃にはもう、特撮モノは卒業して、かなりマセガキだった僕は、この「大忠臣蔵」には、かなりハマりました。

当時のクラスメイトを、忠臣蔵の登場人物に置き換えて、漫画を描いていた記憶もあります。

クラスではかなりウケて、担任の先生にも感心されたのですが、内容は、完全にこの「大忠臣蔵」のパクリでした。

 

とにかく、1時間枠で、全52回という、大河ドラマなみの大作ドラマでしたから、忠臣蔵にまつわるエピソードは、この「大忠臣蔵」には、ほぼ網羅されていました。

そして、当時の僕でも知っているような有名俳優たちが、次から次へと登場してくるのもシビれました。(コント55号も登場)

映画全盛期においては、オールスター映画というと、忠臣蔵が定番みたいになっていた時期がありますが、当時のテレビドラマでこの豪華さはなかなかなかったと思います。

銀幕のスターであった三船敏郎が、はじめての本格的にテレビドラマで主演を演じるということもあって、NETも相当気合が入っていたのでしょう。

 

というわけで、数ある忠臣蔵関係の映像作品を比べるにあたっての物差しとなるのが、僕の場合はこの「大忠臣蔵」ということになります。

 

そして、今回しばらくぶりに見た「忠臣蔵もの」が、東映が1959年に当時の東映スター総出演で製作した本作です。

ちなみに、1959年は僕の生まれた年でもあります。

しかし見たのは今回が初めて。ずっとDVDの棚に眠っていました。

本作で大石内蔵助を演じたのは、東映の重鎮片岡千恵蔵。

浅野内匠頭には、萬屋錦之介。そして、吉良上野介には進藤栄太郎というキャスティングでした。

誰でも知っている顔としては、美空ひばり、大川橋蔵、東千代之介といったフレッシュなスターも顔を揃えています。

オールスター映画ということもあって、上映時間も3時間の大作です。

 

しかしながら、当時の東映スターたちそれぞれに花をもたせながら、赤穂浪士討ち入りのドラマをまとめるのはこの尺でも至難の技。

なにせ、忠臣蔵は、江戸時代からのライターたちが、腕を競って積み重ねられてきた珠玉のエピソードの宝庫です。

すべての逸話を盛り込むのはどだい無理な話ですから、何を選んで脚色するのかが、脚本家のセンスということになります。

見終わってから、そういえばあの話がなかったなというものがいくつかありましたね。

僕が好きなものだけでも、ざっと以下の通り。

 

赤穂浪士を守って拷問にも口を割らなかった、「天野屋利兵衛は男でござる」のシークエンス。

大石内蔵助が、立花左近の名を偽って東下りをする際、その当人と相対することになる緊迫のシーン。

四十七士に加えられなかった俵星玄蕃が、追っ手を阻むために槍を持って、両国橋で仁王立ちになるくだり。

おかる勘平の悲恋の件。

 

まだまだあるのですが、このあたりは、全部カットでしたね。

中でも一番残念だったのは、討ち入り当日に大石内蔵助が、浅野内匠頭の未亡人瑤泉院の屋敷を訪れるシーン。

屋敷の腰元の中に、吉良側のスパイがいることに気がついた大石は、断腸の思いで暇乞いをするという偽りを伝えます。

「忠義の心も忘れたか」と絶望し、席を立つ瑤泉院。

黙って辞去した内蔵助は、降りしきる雪の南部坂を静かに去っていきます。

すると内蔵助が置いていった旅日記を、盗み見ようとする女間者。それを退治したのは戸田局です。

そして彼女がそれを開くとそこには、四十七士の血判状が。

大石が訪ねてきた本当の意味を初めて悟った瑤泉院は、自らの愚挙を悔い、亡き夫の霊前に合掌。

 

これが、まるまるワンセットで、いわゆる「南部坂雪の別れ」という、忠臣蔵屈指の名シーンです。

僕の見た「大忠臣蔵」では、瑤泉院を演じていたのは佐久間良子でした。

かなりグッとくるシーンでしたが、本作ではそのシーンそのものはあったモノの、美味しいところはこれからというところでバッサリ。

やはり消化不良感は残りましたね。

しかし、この辺りは、尺の関係で、端折ってしまうのはやむを得ないところかもしれません。

つまり本作は、ドラマそのものを楽しむよりも、オールスターそろい踏みの映画として割り切って見るべきなのでしょう。

要するに「お祭り映画」なのですから、楽しみ方も違ってきていいわけです。

 

江戸の昔から、忠臣蔵は庶民に愛され続けてきました。

物語の大筋からは少し外れて、四十七士の一人一人にスポットを当てた、スピンオフドラマもたくさん創作されてきました。

いわゆる外伝と呼ばれるものです。

あの有名な「東海道四谷怪談」も、忠臣蔵の外伝として伝えられています。

とにかく、忠臣蔵に絡めて物語を書けば、その出し物は絶対に当たるわけですから、ライターたちは智恵を絞って、物語を膨らませてきました。

こうして、日本人の心情の琴線に触れる名物フィクションとして、忠臣蔵は様々なメディアで創作され続けてきたわけです。

 

ところでなぜ、浅野内匠頭は、松の廊下で刃傷に及んだのか。

これは、実は歴史的事実としては、はっきりとは解明されていません。

ただ「遺恨やみ難し」という言葉とともに、小刀を抜き、上野介の額に傷を負わせたという事実が明らかになっているだけです。

 

今回見た東映作品では、浅野内匠頭が、饗応接待指南役の吉良に対し、賄賂を送らなかった為に、怒りを買って、ひどい仕打ちをされたという設定。

この他にも、内匠頭の夫人に吉良が横恋慕をしたとか、赤穂藩秘伝の塩の製造方法を教えなかったとか、内匠頭の小姓に吉良がちょっかいを出したなどなど。

ここは作品ごとにいろいろな解釈があるようです。

赤穂藩士の教育係だった山鹿素行という儒学者の薫陶を受け、赤穂藩士たちは、尊皇崇拝を叩き込まれていました。

彼らは、将軍を最優先とする室町文化の流れを汲んだ高家筆頭の吉良とは、饗応接待の作法において決定的に対立していたわけで、これが遠因だったという説もあります。

 

忠臣蔵をほぼ一般常識として受け止めてしまっている僕ら以上の世代は、刃傷の理由がどの説を取ろうと、作品が面白くさえあれば、無条件で納得してしまうところがあります。

しかし、今の感覚で、この浅野内匠頭の刃傷事件を改めて再考してみると、なかなか理解に苦しむこともあるのかなという気になったりもします。

浅野内匠頭は、才気煥発なお殿様ですから、自分の立場のものが、殿中で刃傷沙汰を起こせば、お家は取りつぶしとなり、藩士たちは全員解雇となることはわかっていたはず。

それにもかかわらず、一時的な感情を自制することができずに、愚挙に走ったのは城主としてはあまりに軽佻浮薄。

私心を抑えきれず、結果として家臣たちを路頭に迷わすような殿様に、同情の余地はあるのか。

そんな考え方があっても然るべきでしょう。

 

さらにいえば、忠臣蔵は、日本で最大の仇討ち事件だと言われますが、そもそも仇討ちとはなにか。

その定義はこうです。

「主君・親兄弟などを殺した者を討ち取って恨みを晴らすこと。」

この定義に従えば、浅野内匠頭は、吉良上野介に殺されたわけではありません。

むしろ、その吉良を殺そうとした加害者なわけです。

そもそも、この忠臣蔵を仇討ち事件と定義すること自体がそもそも筋違いなのではないか。

浅野内匠頭に、切腹を命じたのは、当時の将軍である徳川綱吉です。

つまり、赤穂浪士が、仇討ちするべき相手というのは、本来であれば将軍綱吉ということになるわけです。

吉良上野介といえば、欲の皮の突っぱった、意地の悪い爺さんというイメージが、忠臣蔵のせいで定着してしまいました。

しかし実際の彼は、領地経営に関しては、治水事業や新田開発などの功績を残しており、三河では名君として評価されており、人気も高い殿様でした。

この人は二重の意味で、忠臣蔵による被害者だったかもしれません。

 

年末の風物詩ともいえた忠臣蔵が、いろいろなメディアから姿を消して久しい昨今。

このドラマが、ふたたびリアリティを持って、日本人に受け入れられるようになる時代は来るのか。

明治維新以降は、それまで室町時代に置き換えられていた忠臣蔵が、元禄時代に舞台を戻し、登場人物も実名で演じられるようになりました。

終戦直後には、GHQにおもねって、仇討ちに否定的な忠臣蔵も作られています。

1994年に作られた「四十七人の刺客」は、定番の松の廊下のシーンをバッサリとカットし、赤穂浪士を幕府に反旗をひるがえすテロ集団として描いています。

このように、忠臣蔵はそれぞれの時代を背景にして、変遷を遂げてきました。

もちろん作り手たちも、如何にして、時代に受け入れられる忠臣蔵を作るかに注心してきました。

 

とにかく、江戸時代以来の日本人が、この物語を愛し続けてきたことは事実です。

集団が心を一つにして、本懐を達成するというカタルシスが、日本人の大好物であることだけは、どうやらまちがいのないところ。

今年のスポーツ界の白眉ともいえるWBCでのオールジャパンの活躍によ世界一獲得。

そう考えれば、この熱狂の裏にも、忠臣蔵を愛してきた日本人のDNAが脈々と息づいていたと考えるのも一考かもしれません。

討ち入りの後、主君浅野内匠頭の墓前に報告するために、泉岳寺までの道程を、勝ち鬨をあげながら行進した赤穂浪士たち。

 

これに、なぜか大谷翔平のガッツポーズが重なります。

映画「IT／イット THE END “それ”が見えたら、終わり。」2019年アメリカ

本作の原題は "IT : Chapter Two"。

スティーブン・キングの原作小説では並行して描かれていた、前作から27年後の物語です。

正式な続編であり、完結編でもあります。

前作を見ていない方は、完全ネタバレになっていますので、注意してください。

 

前作で13歳だった「負け犬クラブ」のメンバーたちも、すでに40歳となり、デリーの街を出てそれぞれの人生を送っています。

映画の冒頭は、前作のキッズたちの、誰がどの大人になっているかを整理するのに、少々戸惑いました。

Amazon プライムで続けて見てもそうでしたから、本作を見ようという方は、前作をサラリと復習してから観ることをお勧めします。

 

本作について語るには、やはりどうしても前作のラストは触れなければならないでしょう。

キッズたちの奮闘で、深い井戸の底に転落していったペニーワイズ。

彼らは、自分たちが力を合わせれば、ペニーワイズを撃退できることを身をもって体験しました。

そして、もし27年後、ふたたびペニーワイズが、デリーの街の子供たちを襲い始めたら、どこにいても集まろうと誓い合います。

全員が手のひらをガラスの破片で切り、その手をつなぎ合います。

 

そして、27年後。(2016年)

 

ついに、デリーの街にあの悪魔が帰ってきます。

映画の冒頭の最初の惨劇は、ちょっと意外でした。

襲われるのは、前作同様、子供なのかなと思っていたら、れっきとした大人のゲイのカップルでした。

お祭りの最中に、人ごみの中で、キスなんかもしていましたから、完全に今時のアメリカです。

しかし、こういうカップルを、毛嫌いして、暴力的になるのも今時のアメリカ。

二人は、そんな暴徒たちに襲われて、一人が川の中に突き落とされてしまいます。

そして、その彼を救いに行った男が川辺で見たものは、水からすくい上げた相方に、かぶりつくペニーワイズの姿でした。

 

この冒頭のシーンは、実際に1984年にメイン州であったヘイトクライム事件がモデルになっているそうです。

この事件に、衝撃を受けたスティーブン・キングは執筆中だった小説にさっそくり入れます。

また本作のアンディ・ムスキエティ監督も、このシークエンスの重要性を認識して、映画の冒頭で、あえて事件通りにシーンを再現しています。

ちなみに、原作小説では、「負け犬クラブ」のメンバーのリッチーとエディが同性愛の関係が明らかになるクダリがあるそうです。(AIリサーチ)

しかしこちらは、映画では、明確には描かれていません。

 

事件を聞いて、現場に向かったのは、「負け犬クラブ」のメンバーのマイクでした。

他のメンバーはみんな街を出ているのですが、彼一人だけは、街に残っていました。

マイクは、食いちぎられた死体が残されていた現場の、橋桁に大きく書かれた文字を見て、愕然とします。

 

"Come Home ! Come Home !"

 

それは、再び現れたペニーワイズから、「負け犬クラブ」への挑戦状でした。

マイクは、少年時代に誓い合ったことを胸に、メンバーに連絡を取ります。

 

「すぐに街に戻れ。」

 

それが何を意味しているかを、メンバーたちはすぐに理解しました。

こうして、今は40歳になったかつての「負け犬クラブ」のメンバーたちは、ペニーワイズとの決着をつけるために再びデリーの街に戻り、再会を果たします。

 

さて、前作は、キッズたちと、ペニーワイズの死闘を描いた冒険活劇ホラーでした。

いじめ問題も背景に織り込んだ、辛口のジュブナイル映画として成功したわけです。

しかし、本作では、40歳になろうという、れっきとした大人たちを主人公にしているわけですから、さすがにジュブナイルというわけにはいきません。

そこで、ホラー映画という体裁を取りながら、本作がベースとしたテーマは、メンバーそれぞれの、人生のトラウマとの対峙です。

それぞれが抱えた問題や悩みをペニーワイズは熟知しています。それが彼の好物なんですね。

メンバーたちは、ペニーワイズと戦いながら、同時に自分自身の人生とも決着をつけることを余儀なくされていくわけです。

 

これを、メンバー7名全員(スタンリーのみは集合前に自害)、ひとりひとり丁寧に描いていくので、本作の上映時間は、169分もの長尺になりました。

本作には、キッズ時代のフラッシュバックも多用されるので、前作のキャストは、回想シーンでそのまま全員登場します。

さて、今更ですが、ペニーワイズです。

この殺人ピエロを演じたのは、スウェーデン俳優のビル・スキャルスガルド。

特典映像で、彼自身が語っていましたが、彼には2つの顔芸があるんですね。

1つはあの下唇。

ちょうど、あのアントニオ猪木がファイティングポーズをとって、「このヤロウ。」と言うときのあの下唇です。

素顔であれをやると、普通にギャグになってしまいますが、ピエロのメイクをした後で、あの唇でニタリと笑われると、身の毛がよだつ顔になるから不思議です。

そしてあのよだれ。あれもポイントの高い恐怖演出でした。

それからもう一つはあの黒目です。彼はスウェーデン人ですから、正確には青目ですね。

いわゆる瞳孔のことです。

彼はあの部分を左右別々に動かせる特技があると語っていました。

瞳孔は通常は連動して動くようになっているものですから、確かに別々に動かれるとドキリとします。

恐怖演出の鉄則の1つとして、「モンスターには、見たことのない異常な動きをさせる」と言うものがあります。

もちろん、最新のCG技術を駆使すれば、眼球位はいかようにも動かせるのでしょうが、やはり生でやられると怖いものです。

ビルは、この2つの顔芸を上手にミックスさせて、なんとも不気味なペニーワイズ像を構築していました。

監督の話によれば、よりリアルな恐怖のリアクションを出演者たちからゲットするために、撮影現場では、ピエロのメイクをしたビルを、隔離していたそうです。

 

本作のクライマックスでは、ペニーワイズは完全にクリーチャー化してしまいました。

ああなってしまうと、個人的には、もはやホラー映画という気がしません。

それよりも、むしろ、ゴジラやキングコングのようなモンスター映画として楽しむ方が、この映画は正解かもしれません。

ちなみに、映画でははっきりと言及されていませんが、原作の小説の中では、ペニーワイズの正体は、異星人と明かされています。

これも、スティーブン・キングの圧倒的な筆力で、読者を納得させてしまうのでしょうが、映画でこれを描かなかったのは賢明な判断だったと思います。

小中理論によれば、恐怖演出のもう一つの原則は、「モンスターは得体が知れないほうが怖い」です。

正体がわかってしまうと、恐怖というものは半減してしまうものです。

 

かつて、ペニーワイズと戦った、とある部族の儀式を行うために必要な、それぞれの思い出の品を探しに、メンバーは、デリーの街を彷徨します。

(このシークエンスには、古道具屋の店主としてスティーブン・キングも登場)

そんな彼ら一人ずつに、ペニーワイズは、その傷口をえぐり出すようなエグい方法で、容赦なくおそいかかります。

何とか思い出の品をゲットしたメンバーは、再び集合し、ペニーワイズとの決戦に挑むというのが本作の展開。

少年の日に深く心に刻んだ誓いは、大人になった彼らの胸にも脈々と息づいていたというわけです。

 

ホラーシーンの解説を文章でするほど野暮なことはないと思いますので、これはもう見てもらうしかありません。

もちろん、新しい恐怖演出のアイデアが斬新であればあるほど、そのホラー映画の評価はあがるもの。

しかし、これだけ星の数ほどのホラー映画が世に送り出されていると、そうそう斬新なアイデアが出てくるものでもありません。

そこで、旧作のアイデアを上手に加工して、再利用するという手法が増えてくるのはやむを得ないところ。

本作もその点は例外ではなく、古今東西のホラー映画のアイディアを、これでもかと詰め込んできましたね。

僕のようなクラシック映画ファンにとっては、元ネタが思い当たるたびに、いちいちニンマリさせられてしまいます。

これをパクリだなどという野暮なことは言いません。元ネタ探しという楽しみ方も、映画にはあると思っています。

監督のアンディは、よほどのホラー映画マニアだと推察します。

 

元ネタ探しは、気がついただけでも以下の通り。

 

シャワー室で襲われて、カーテンのリングが外れていくと言うカットは「サイコ」。

腹部に、文字が現れていくのは「エクソシスト」。

壊れた扉から顔をのぞかせるのは「シャイニング」。("Here's Johnny!"といってました)

鏡の部屋での追いかけっこは、「上海から来た女」。ブルースリーの「燃えよドラゴン」のラストもこれでした。

こちらを向いている手前の人物の、ずっと奥の方で、画面を横切る怪しき物陰。(あの老婆の異様な動きにはゾゾ)

これも意外と怖いのですが、これは清水崇監督が好きなやつです。

ジャパニーズホラーでよく見かける演出ですね。

「死霊のはらわた」のサム・ライミ監督テイストは数知れず。

大小様々なクリーチャーやゾンビとの肉弾戦は、もはやアメリカンホラーの王道です。

ジャパニーズ・ホラーでは、幽霊は現れては消えるの繰り返しで、接触バトルはほぼありません。

しかし、アメリカン・ホラーでは、そこはガチンコの肉弾戦が展開されるので、主人公たちはみんなボロボロ。

 

フィジカルでも、メンタルでも、激しい消耗戦を展開したのち、もちろん、ペニーワイズは彼らに息の根を止められます。

そうならなければ、この映画が終わらないことも理解できます。

「正義は勝つ」のハッピーエンドは、アメリカ映画では鉄板のお約束です。

 

しかし、ここからは個人的感想。き

 

見終わってみると、本作に、やたらと登場する「殺せ。殺せ。」コールが、やたらと気になってしまったんですね。

怪物に立ち向かう6人もそうです。「ぶっ殺す」を連発して荒っぽいことこの上ないというのが正直な感想。

相手が「得体の知れない怪物」ペニーワイズであってもです。

正義さえ背負っていれば、悪い奴はぶっ殺して構わないと言うアメリカ的モラルが、かなり強烈に滲み出ている気がしました。

おそらく、そういう結末にしないと、ファンは納得しないのでしょう。

でも「平和で温厚な」日本の百姓からすると、もっとスマートのやり方はないものかいなと思ってしまいます。

とにかく最終的には、彼らに葬られることになるペニーワイズですが、あれほど憎々しかった彼が、最後は可哀想になるほどでした。

 

ペニーワイズを仕留めるまでのたたみかける盛り上げ方は、さすがハリウッド映画と感心します。

しかし日本人の感性としては少々ズレを感じるんですね。

自分が平均的日本人と言うつもりもありませんが、主人公たちにも、いくばくかの怖さを感じてしまいました。

映画の冒頭、映画の脚本家になっていたビリーが、用意したバッドエンドを監督に拒否されるくだりがあります。

ビリーは、それを渋々リライトさせられるわけですが、映画を見終わってみると、このシーンが妙に印象的に残っていました。

 

本作は、大人になっても続く、変わらぬ友情の物語でもあります。

これもアメリカ人が大変好むテーマです。

映画の最後で、マイクがビリーに、ちょっと言いよどんでから告げますね。

「アイ・ラブ・ユー、マン」

もちろんビリーもそれに答えます。

 

中学三年の時、当時のクラスメイトたちと別れ難く、サイン帳を交換しあって、しばらくはそれを宝物のように持っていました。

映画の中で、ベンのサイン帳には、ベバリーのメッセージしか残っていませんでしたが、こちらにはそれがビッシリ。

僕は、自分に回ってきたサイン帳には、全てこう書きました。

 

「XXXX年X月X日の日曜日の午後一時。日比谷公園の噴水前で会いましょう。」

 

もちろん、そんなことは書いた本人さえ忘れていたのですが、このXデイが近くなったある日、偶然このサイン帳を読み返したんですね。

そのサイン帳の最後のページには、自分で書いたXデイのメモが残っていました。

中学卒業からすでに10年経っていましたから、こちらもいい大人です。

まさかこれをまともに覚えてる人はいないだろうとは思いましたが、さすがに言い出しっぺとしては気になります。

結局、このXデイに、僕は、日比谷公園の噴水前に行くことにしました。

結果は・・・

 

もちろん、そこにはかつてのクラスメートは、一人も現れませんでした。

しかし不思議なことに、僕自身はそれが悲しくも、寂しくもなかったことだけは覚えています。

その時に僕の脳裏をかすめたセリフが、きしくも、本作の最後で、ペニーワイズが言ったセリフと同じだったんですね。

 

「おまえたちも、大人になったよな。」

 

この映画のヒットのせいで、ピエロを怖がる子供たちが増えたそうです。

しかし、それほど心配することはありませんよ。

君達も大人になれば・・・

映画「IT／イット “それ”が見えたら、終わり。」2017年アメリカ

 

「ホラーの帝王」スティーブン・キングが1986年に発表した小説を原作とした映画です。

 

まず邦題タイトルに一言。

映画の原題は、ズバリ"IT"だけです。

これに「“それ”が見えたら、終わり。」というサブタイトルはちょっと余計ではないかという気がしてしまいます。

同じホラー映画「死霊館」シリーズには、「 悪魔のせいなら、無罪。」というサブ・タイトルがついてるものもあります。

こちらの場合は、シリーズ8作目ということもあって、原題にも"The Devil Made Me Do It" というサブタイトルがついています。

しかし、これに「 悪魔のせいなら、無罪。」というサブタイトルを当てるのも、やはり、センス不足を感じます。

それとも、逆にこれが今時のセンスなのか。ロートルには理解不能です。

 

洋画の宣伝部が、タイトルでもお客を呼ぼうと、かなり苦心して邦題をつけてきたケースは過去にもあります。

有名なところでは、「007ロシアより愛をこめて」に「007危機一発」。

ビートルズ映画の「A HARD DAY'S NIGHT」に、「ビートルズがやってくるヤァ!ヤァ!ヤァ!」なんてのもありました。

なかには、原題よりも、はるかにセンスがいいという邦題もありましたよ。

"Butch Cassidy and the Sundance Kid"が、「明日に向かって撃て!」。

"Bonnie and Clyde"に、「俺たちに明日はない」などなどですね。

タイトルを強調するのに"!"を使うのならまだ理解できるのですが、「、」「。」が入ってしまうのは、古い映画ファンとしては、如何なものかと思ってしまいます。

過去には2013年の「桐島、部活やめるってよ」とか、2016年のアニメ「君の名は。」もあるにはあります。

でも、まだこれなら映画のタイトルとして多少のセンスは感じられるのですが・・

昨今は、アダルト動画コンテンツにも、中身をそのまま文章にしているようなタイトルが目立ちます。

もちろん、その方が売り上げには貢献するというデータがあるからこその傾向なのでしょうが、例えエロコンテンツではあってもそこにはセンスのかけらも感じられません。

本作も同様、せっかくそれなりの製作費を投入した堂々たるホラー映画作品が、このサブタイトルで、陳腐なB級映画が漂ってしまうのは否めないところ。

ああ、もったいない。

 

発表された原作小説は、なんと原稿用紙3800枚という大作です。

厚めのハードカバーで、上下巻。しかも1ページは、二段構成。

もちろん、僕は読んでいません。

物語は、27年に一度、アメリカの片田舎デリーという町に現れては、子供たちを襲って食うというピエロの姿をした悪魔の物語です。

その名は、ペニーワイズ。

では、悪魔はどうして、ピエロの姿形をしているのか。

スティーブン・キングは、はっきりと明言はしていないようですが、これにはジョン・ゲイシー事件の影響が色濃く投影されているようです。

この男は、アメリカのシリアル・キラー。そして、そのターゲットは少年たちです。

資産家でもあった彼は、度々パーティを開き、その都度ピエロのカッコをして、子供たちを物色していました。

そしてターゲットをゲットすると性的暴行を加えた上で殺害。その数は33人にも登ったと言います。

彼は、後にキラー・クラウンと呼ばれるようになります。

我が国で明るみに出たジャニー喜多川による少年たちへの性的暴行が、頭をかすめます。

 

小説版では、1958年と、それから27年が経った1985年の二つの時代が並行して描かれています。

もちろん登場人物は、1958年に13歳だった少年たちが、1985年には、そのまま40歳の大人になっているわけです。

この原作小説は、その後、1990年にミニドラマ化されています。

そして、それから27年が経過した2017年に、本作が映画化されたわけです。

 

映画版は、原作小説の構造をガラリと変えてきました。

二つの時代を同時並行で描くのではなく、それぞれの時代を「第一章」「第二章」に分けて別々に描きます。

本作は、その「第一章」ですね。映画の設定では、1989年。

「第二章」は、2年後の2019年に、「IT／イット THE END “それ”が見えたら、終わり。」として製作されます。

ですから、こちらの時代設定は、2016年ということになります。

本作の主要キャストである6人の少年たちと、1人の少女は、13歳(くらい?)という設定。

このキッズたちが、力を合わせて、ペニーワイズに立ち向かっていくというのが、第一章のストーリーの骨子となります。

 

そうなってきますと、すぐに頭に浮かんできたのが、同じスティーブン・キング原作の映画化である「スタンド・バイ・ミー」。

キッズたちの友情を描いたドラマという点では、本作はかなりこの映画に近いテイストです。

リーダー格の二人が、後に文筆家になるというのも同じ設定です。

本作は、ホラー映画というくくりで語られがちですが、個人的には、ホラー映画というよりも、冒険活劇ジュブナイルものの比率が高い気がします。

 

そして、悪魔退治と同時に、もうひとつ浮かび上がってくる本作の大きなテーマが「いじめ」です。

このキッズたちは、自分たちでチームを作っていますが、そのチーム名が「負け犬クラブ」(LOSER'S CLUB)

要するに「いじめられっ子クラブ」というわけです。

トイレの個室で上から汚水をかけられたり、腹にナイフで名前を刻まれそうになったりと、残飯に顔を押し付けられたりと、あちらのいじめは、どれもかなり暴力的です。

「いじめ」といえば、スティーブン・キングの出世作となった「キャリー」は、その少女版でした。

 

いじめられるだけではなく、どのキッズも、家庭に様々なトラウマとなる問題を抱えています。

リーダーのビルの弟ジョージーは、映画の冒頭で、本作最初のペニーワイズの犠牲者になってしまいます。

ビルは、雨の中、弟を一人で遊びに行かせてしまったしまった自分の責任を痛感し、悩んでいます。

紅一点のベバリーは、家庭の中で父親から、性的暴行を受けています。

火事で家族を失った黒人少年マイク、過干渉の母親に行動を縛られるエディ、聖職者の息子として宗教的抑圧にさらされるスタンリー。

太めのオタク少年ベンは、図書室にこもって町の資料を読み漁っているうちに、デリーの隠された秘密を知ることになります。

メガネのリッチーは・・

 

というふうに、それぞれ問題を抱えたキッズたちですが、その背後には、実は同時に、必ず問題ありすぎの大人たちが描かれています。

この映画に登場する大人たちは、ことごとく怪しく、そして怖いんですね。

ベンが、過激ないじめっ子上級生ヘンリーに、道端で暴行を受けていても、そこを車で通りかかった老夫婦は、まるで何も見なかったように通り過ぎてしまいます。

町のあちこちに、行方不明のポスターが貼られても、大人たちは無関心。

デリーという町だけが、全米での子供の失踪率が異様に高いという事態にも、大人たちはどこか他人事でよそよそしいわけです。

 

子供達のいじめがエスカレートする背景には、それを見て見ぬ振りをする周囲の無関心がある。

自分にさえ害が及ばなければ、後は誰がどうなろうと、触らぬ神に祟りなし。

ペニーワイズが、この町の子供をターゲットに選んだ理由は、これをわかっているからとも読めるわけです。

 

ペニーワイズは、7人のキッズそれぞれのトラウマを熟知しています。

そして、そのウィークポイントを、えぐるように、一人一人別々に攻撃をしかけてきます。

現実だか幻想だかわからないペニーワイズの攻撃に、キッズたちは次第に精神の均衡を失っていきます。

しかし、これがペニーワイズの常套手段だと気付いた「負け犬クラブ」の面々は、全員で協力すること約束。

すべての事件が地下に下水道がある場所で発生していることをつきとめ、それが集まる場所「井戸の家」へと向かいます。

 

とまあ、こう書き連ねてくると、だんだん本作がホラー映画という気がして来なくなるわけです。

そもそも、ハリウッドの多くのホラー映画は、純粋にホラー映画の枠には収まらないものがほとんどですね。

ホラーだけでは、注いだ製作費の元を取れるエンターテイメントにはならないとという暗黙のルールがあるかのようです。

アメリカ人のDNAには、「正義は勝つ。悪は滅びる。」というマインドが、間違いなく埋め込まれています。

一人一人では立ち向かうことはできないけれど、全員が手を携えて協力すれば、どんな悪魔も必ず退治できる。

恐怖そのものよりも、悪を打ち倒すカタルシスの方がメインになっていれば、もうそれはホラー映画の枠を超えています。

 

ペニーワイズの、キッズたちの団結を破壊しようとする周到なアタックに、一度は仲間割れをして退散する「負け犬クラブ」の面々。

しかし、友情で結ばれた彼らは、大人たちを蹴散らして、再び集まり・・

こういったアメリカ映画鉄板のドラマツルギーを経て、いよいよ映画はクライマックスの最終決戦へと向かいます。

 

日本のホラー映画には、「怖い!　ゾゾゾ!  キャー!」だけを観客に届けられれば上等。余計なものはいらない。そんな潔さがあります。

下手に、それ以上のエンターテイメントにしようと手を加えて、恐怖パートを目減りさせては主客転倒だろうと理解しているわけです。

もちろん、ハリウッド大作のようなべらぼうな製作費はかかっていないからこそ、筋を通せるこじんまりとした理屈かもしれません。

 

しかしながら、本作を見てはっきりと確認できたことが一つ。

それは、1990年以降のジャパニーズ・モダンホラーの影響が、本作にはいくつも散見できたこと。

日本映画は、間違いなくハリウッド映画に影響を与えていました。

「リング」で見たあれも、「呪怨」で見たそれも、あの映画のアレも・・

どれも上手くアメリカ風にアレンジはしてありますが、ジャパニーズ・ホラーのアイデアが、本作にはいくつも登場してきました。

是非、映画を見て確認してみてください。

日本のホラーテイストは、ちゃんとアメリカでも通用するということなのでしょう。

日本人としてはちょっと嬉しくなってしまいます。

 

さて実は、原作小説には、映画にはない、ちょっと信じられないシークエンスがあるのだそうです。

ペニーワイズの策略に、仲間割れをしていたキッズたち。

この状況を見かねたベバリーは、男子全員にある提案をします。

それは、一人ずつ自分とセックスをしてくれというもの。

彼女は、それによって、みんなが、自分の体を通して、再び心が一つになると信じたわけです。

この描写は、原作ではかなりのページ数を割いて、詳細に書かれているとのこと。

もちろん、天下のスティーブン・キングが、その圧倒的な筆力で描くわけです。

そんじょそこらのエロ小説とは次元が違うかもしれません。

 

もちろん、健全なるジュブナイル映画に仕上げた本作には、このシーンは当然ありません。

あるのは、ビルとベンが、それぞれ一度ずつ、ベバリーとキスをするシーンがあるだけ。

 

ここで思うこと。

もしも、この原作の映画化権を、アメリカではなく、お金のない日本の映画製作会社がゲットすることが出来たとしたら。

はたして、このシーンは、映像として使うか。使わないか。

セックス・シーンですから、もちろんお金はかかりません。

しかも、その映像効果は、撮りようによっては、スペクタクル・シーン以上のインパクトはあります。

昔から、B級ホラー映画と、エロの相性は非常によろしいという実績があります。

キッズたちの年齢は、やや微妙ですが、少々アダルトに寄った「イット」も、オジサンとしては、なかなか興味のあるところ。

製作費がない状況で、本作を映画化するなら、案外このシーンはありかもしれません。

 

もともと、スティーブン・キングという人は、自分の小説を、スタンリー・キューブリックのような一流志向の監督に高次元処理をされるのを嫌う人です。

それよりは、もっとベタで一般受けをするエンターテイメントに徹したホラー映画が好きな人なんですね。

もちろん、この原作を執筆している頃には、ホラー作家として彼の名声はすでに世に知れ渡っていました。

当然、執筆中のこの小説もいずれ映画になるとは確信していたでしょう。

キッズたちの、セックス・シーンも、そんな妄想に頭を膨らませて書いていたかもしれません。

 

その意味では、このシーンを一番見たかったのは、実は原作者自身だったかも。

おまえもだろ?

 

いや残念ながら僕は、巨乳熟女フリークですので・・・

 

 

 

映画「ミッション・インポッシブル/フォールアウト」2018年アメリカ

 

トム・クルーズ製作主演による、人気スパイ映画シリーズの第六作目です。

 

本作の売りは、危険なアクションを、スタントを使わずに、すべてトム自身が演じるというもの。

しかも、そのトムは、本作公開時56歳です。

いまや、特撮シーンは、CG全盛の時代です。

しかし、これをすべてナマで演じるという彼のこだわりが、このシリーズの人気を支えていることは明白。

もちろん、彼もそれは百も承知で、加齢による身体能力の劣化に抗うように、今回もまたまた危険なスタントに果敢にチャレンジ。

製作権を持つ彼が、「自分がやる」と言っている以上、もはや「やめて」という人は、誰もいないのかもしれません。

 

ちょっと気になって、彼のことをWiki してみたのですが、三人目の妻であるケイティ・ホームズと協議離婚した後はずっと独身。

愛娘の親権も母親に持って行かれたようで、今は養育費だけを払っているようです。

つまり、彼の危険極まりない映画撮影を、心配して止める家族はいないという状況。

通常なら、守りに入ってもいい年齢にもかかわらず、彼がいまだこれだけ危険な映画作りにのめり込むのは、このプライベートの影響もあるのかもしれません。

まあ、ゲスの勘ぐりということで。

 

ハリウッドは、スタントマンの地位が高いことで有名です。ギャラを比較してみても日本映画と比べると雲泥の差があるそうです。

スタントマンの労働組合もあって、撮影時の待遇もいいと思います。

怪我や、時には死亡するリスクを背負って、カメラの前に立つわけですから、例え数秒のカットでも、映画への貢献度が大きいのは納得するところ。

また映画を作る側も、主演俳優の怪我によって、莫大な製作費をつぎ込んだ作品が製作不能になるリスクを避けたいという事情があります。

アクション映画に主演する俳優の多くは、撮影に入る前には、危険な撮影はスタントマンに任せるという契約にサインをさせられるそうです。

 

危険なスタントを売りにしていたアクション俳優というと、まっさきに頭に浮かぶのはジャッキー・チェン。

彼も、ハリウッド進出を果たした際には、この契約書にサインをさせられたそうです。

しかしそのために、自分が思うようなアクション・シーンが撮れなかった彼は、結局一度は香港へ撤退することになります。

 

そんな映画文化が基本のハリウッドで、主演俳優自らが、スタントマンを使わずに、危険なシーンを演じるというスタイルは異彩を放ちます。

もちろんそれが可能なのは、主演であるトム・クルーズ自身が、映画の製作権を持っているからこそできること。

そして、そのシーンを決行するための、莫大な保険料も支払える財力が彼にあるからです。

普通の映画俳優ではそうはいきません。

 

とにかく、観客の度肝を抜くアクション・シーンありきで撮影は始まります。

トムが、こんなアクション・シーンを撮りたいと決めた時、まだシナリオは何も決まっていないそうです。

そして、どんどんとアクション・シーンだけが撮られていき、シナリオ作成は、後からそれを繋いでストーリーにするというスタイル。

ですから、このシリーズの脚本作りには、与えられたアクション・シーンという素材を上手く使う「つじつま合わせ」の才能が問われるわけです。

トムが、前作から引き続きクリストファー・マッカリーを監督に指名しているのも、彼にこの才能があるのを認めたからなのでしょう。

予告編にはあった、前方からくる大型トラックとあわや正面衝突というシーンが、本編にはありませんでした。

これは、迫力あるシーンではありましたが、残念ながらシナリオには上手く組み込めなかったのでしょう。

こんなもったいないアウトテイクが、本作には他にもまだありそうです。

 

「つじつま合わせ」ということなら、今回はかなりその要素が濃厚なストーリーになっています。

まずイーサン・ハントをめぐる女性たち。

本作には、前作に引き続き、実力派エージェントとしてイルザ・ファウスト(レベッカ・ファガーソン)が、組織から新たな任務を与えられてイーサンの前に現れます。

そして、三作目で大活躍をし、前作にもチラリと登場した、イーサンの妻ジュリア(ミッシェル・モナハン)も登場。

加えて、本作でのヒロインとして新たに登場するのが、ホワイト・ウィドウ(ヴァネッサ・カービー)。

彼女の役どころは、美しき武器仲買人。第一作目で、登場したマックス(ヴァネッサ・レッドグレイブ)の後を引き継いだ娘という設定です。

加えて、黒人女優のアンジェラ・バセットが、CIA長官として登場。

彼女たちが、誰が味方か敵なのかわからないような展開でストーリーが進行するので、話はかなりややこしくなります。

そして、今回スパイ映画おきまりのマクガフィンとなるのは、プルトニウム。

これを巡って、様々なアクションが展開されます。

ちょうど「ゴースト・プロトコル」と「ローグ・ネーション」を合わせたようなお話になっていますね。

このブログを書くのに、本作を都合二回見たのですが、ストーリー展開は正直よくわかりませんでした。

でも、楽しむにあたっては、それで問題がないのがこのシリーズのすごいところ

まあ、どうしても、「つじつま」が気になる方は、Wiki でも読んでみてください。

僕の場合は、一作目を見た後、シリーズの途中をすっ飛ばして、いきなり本作を見てしまったので、人物相関が理解できず、結局シリーズを最初から見直してしまいました。

恥ずかしながら、本作登場の謎の男ジョン・ラークの正体がめまぐるしく変わって、結局彼が誰なのか、いまだにわかっていません。

 

というわけで、まずは本作の目玉となるアクション・シーン。

映画の冒頭で、トム・クルーズは、いきなりヘイロー・ジャンプに挑んでいます。

ヘイロー・ジャンプというのは、高高度降下低高度開傘のパラシュート降下のこと。

AI に聞いてみます。

 

航空機で高度約30,000フィート（約9,000m）から自由落下し、高度約300～200フィート（約90～60m）でパラシュートを開傘する降下方法のこと。

HALOは、主に特殊部隊が敵地に極秘潜入する際に用いられる戦術です。

高度の高い空気抵抗により、降下速度が約200km/hにも達します。

また、気圧が低いため、酸素マスクや防寒着などの装備が必要となります。そのため、HALOを行うには、高度な技術や体力が求められます。

 

このジャンプを習得するために、トム・クルーズは100回を超える降下訓練を実施したそうです。

本当にスタントなしかと疑って、このシーンには目を凝らしましたが、彼の顔がはっきりとわかるカットから、空中への飛び出しまでは間違いなくワンカットでした。

彼のアクションにスポットがあたりがちですが、その彼の表情をファインダーに捉えながら、トムの前を後ろ向きで降下しているカメラマンが、考えてみればスゴイ。

このジャンプで着地したのは、パリのナイトクラブのあるビルの屋上でした。

見ている時は気になりませんでしたが、見終わってから、ふと我に返ると、ただのナイトクラブなら、わざわざこんな方法でなくても、もっと違う潜入方法はいくらでもありそうです。

ヘイロ・ジャンプで、潜入する必然性は皆無。

潜入したナイトクラブでイーサンは、得意の変装で、プルトニウムの買い手であるジョン・ラークになりすますべく、彼を待ち伏せてトイレで格闘。

しかし、この東洋人(リャン・ヤン)がめっぽう強くて驚きます。

トイレ内部を破壊しまくって、二人かがりでかかっても、ノックアウト寸前。

そこに、銃声一発。このピンチを救ったのが、イルサでした。

もちろん・イーサンは今回もロンドンを全力疾走します。

そして、その勢いで、ビルからビルも大ジャンプ。

しかし、メイキング映像によれば、トムはこの着地で、右足の足首を骨折。

それを瞬時に悟った彼は、同じジャンプは二度と出来ないと判断し、ビルからよじ登り、走り出すまでをそのまま演じています。

クルーズはすぐに病院に搬送され、手術を受けます。

医師からは「6か月から9か月の休養が必要」と診断されたそうですが、クルーズは「6週間で撮影現場に戻りたい」と強く希望。

リハビリに励みました。

映画では、足を引きずっているカットから、何事もなかったように、全力疾走のカットが続きますが、撮影は結局4ヶ月間中止されたそうです。

映画のクライマックスは、ヘリコプター二機による空中決闘。

イーサン・ハントは、核爆弾の起爆装置を起動させたまま逃亡しようとする敵のヘリコプターの吊るした荷物に飛び移ったまま、カシミールのシアチェン氷河の上空に舞い上がります。

そして、振り落とされそうになりながらも、乗組員二人を蹴散らし、操縦桿を奪って敵を追います。

このシーンのために、トムはヘリコプターの免許を短期間で取得していますね。

そして、まだヘリ操縦初心者にもかかわらず、きりもみ落下や、超低空飛行などの危険な操縦をこなしています。

それだけではなく、役者として演技をしながら、しかもカメラの操作まで行っていると言いますから、驚きます。

トムは「トップガン:マーヴェリック」では、アメリカ軍の戦闘機 スーパーホーネットを、実際にパイロット・ライセンスを取得して操縦しています。

ヘリコプターならわけはないかもしれません。

ラストは、断崖絶壁での、タイマン一騎打ち。

起爆装置の解除ははたして、間に合うのか・・(間に合うに決まっていますが)

 

というわけで、CG映像全盛の昨今の目の肥えた観客に、あえて、本物のアクションの重量感やリアルさで挑んでいる本シリーズ。

確かに、本物のアクションの迫力は、本作でもヒシヒシと伝わってきます。

もちろん、それをトム自身が演じていることが観客に伝わるようなカットが多用されているわけです。

観客がこれを望んでいることを、トム・クルーズは、確実に理解しています。

トム・クルーズ自身も、本気かどうかは知りませんが、こんなことを言っていました。

 

「ハリソン・フォードを見習って、80歳になっても、このシリーズを続けていきたい。」

 

しかし、普通に考えて、CGに頼らないナマのアクションをこなすのは、如何に身体能力に優れたトムというども限界はあります。

そして、加齢による肉体の劣化は避けられるものではありません。

前作までは、鍛え上げた肉体を惜しげもなく晒していましたが、本作ではそれがなかったのもやや気になるところ。

いやでも刻まれる顔や筋肉のシワをCGで消して、スクリーン上で、若々しいイーサン・ハントを演じ続けることも、今後の映画技術では可能なのかもしれません。

しかし、そこまでして、彼がこの役にこだわるかどうかは悩ましいところ。

その限界を感じているからこそ、今年公開された新作の「ミッション・インポッシブル」は、二部構成で、撮影期間を空けずに来年パート2が公開されるということなのでしょう。

 

これは「バック・トゥ・ザ・フューチャー」のパート2と、パート3の撮影が同時に行われたのとほぼ同じ理由のはず。

そう考えれば、このシリーズもいよいよ来年で打ち止めということかもしれません。

 

気になることが一つ。

 

前作の感想で、旧オリジナル・ドラマ「スパイ大作戦」の丁々発止の総合頭脳戦のテイストが戻ってきたと述べました。

しかし、本作では、再びスーパー・ヒーロー、イーサン・ハントの超人的活躍が前面に押し出された、それ以前の路線が完全復活しています。

映画の中で何度もイーサンが言うセリフがあります。

 

「なんとかする。」「やり遂げてみせる。」

 

要するに、そこには勝利から逆算した綿密な計画性はなく、あるのは気合と、いきあたりばったりの偶然の結果だけということになるわけです。

普通のアクション映画ならそれでいいのかもしれません。

しかし、「スパイ大作戦」のファンだった身からすれば、それだけではやはり消化不良です。

とれだけ、脚本のつじつまがあっていようと、アクションだけでは、スパイ映画の王道ではないだろうというのが、クラシック映画ファンとしての偽らざる気持ちではあります。

 

本作にも、敵を欺くトリックがいくつか登場します。

相手からプルトニウムの情報を引き出した瞬間に、合図とともに病院の部屋の壁が倒れて・・・。

確か、今村昌平のセミ・ドキュメンタリー映画「人間蒸発」でも同じようなシーンがありました。

トムの迫力あるアクション・シーンに比べれば、実に地味なシーンではありますが、こんなサプライズが、個人的にはけっこうポイントが高かったりします。

とにかくイーサンの活躍が、映画の中で、超人的になればなるほど、なぜか覚える一抹の不安があります。

気合はわかるんですが、どこか意地になっているようで、痛々しいんですよ。

 

例えばですよ。

今はもう、還暦も超えてきたトム・クルーズが、自分の肉体の衰えを自覚し、その年齢に見合ったスパイ像を演じるようになったとします。

演技力もあるトム・クルーズですから、老スパイの悲哀だって、ちゃんと演じられるはず。

肉体アクションから、過去の経験を生かしたいぶし銀の頭脳派になるわけです。

要するに、イーサン・ハントは、「刑事コロンボ」にキャラ・チェンジが出来るかという話です。

当然、彼ならそれはできます。

やろうと思えば、そんな設定の単発映画なら、普通に作ってしまう気がします。

しかし問題なのは、そうしたら、このシリーズの、イーサン・ハントを見たい観客は、果たしてついてくるのかということ。

いやいや、そんなイーサン・ハントは見たくない。やはり、いくつになっても現役感バリバリのスパイ像を演じてほしい。

シリーズのファンたちが実際どう思っているのか。これは悩ましいところですね。

 

やはりその答えのカギを握るのは、興行成績ということになるのかもしれません。

しかしながら、本作「フォールアウト」は、イーサンの超人的活躍大復活で、めでたく前作までの興行成績を塗り替えています。

であれば、この路線のまま、突っ走っているはずの「デッド・レコニング」の観客動員数はどうなるのか。

これは興味のあるところです。

 

56歳といえば、黒澤明の「生きる」の志村喬よりももっと上。

笠智衆は、「東京物語」の時の実年齢は49歳です。

「宇宙戦艦ヤマト」の沖田艦長の当初の年齢設定は52歳。

普通に生きていれば、誰もが枯れてきて当たり前の年齢です。

かくいう自分も、老後のために、野菜作りの修行を始めた年齢が56歳であります。

そう考えれば、とにもかくにもトム・クルーズの現役感は恐るべし。

 

まさに彼の映画製作そのものが、「ミッション・インポッシプル」です。

 

もはや、止まらない列車に乗ってしまった感のあるトム・クルーズ。

40代の頃から始めた山登り上りの経験を思い出します。

最初は低い山から始めるわけですが、その頂上に立った達成感は心地よく、体中をアドレナリンを駆け巡るんですね。

そしてこう思うわけです。

「今度はもっと高い山を。」

要するに、快感なんです。気持ちいい事は人間はそう簡単に止められない。

その意味では、トム・クルーズは、危険なアクションの中毒患者なのかもしれません。

 

ここまでの6作は、すべてAmazon プレミアムで鑑賞しました。(DVDも持っていますが)

新作は、まだ有料なので、いずれ無料配信になったら、ゆっくりと鑑賞させていただきます。セコくて申し訳ない。

還暦越えのトムの活躍は、いずれまたじっくりと鑑賞いたします。

 

 

 

 

 

 

 

映画「ミッション:インポッシブル/ローグ・ネイション」2015年アメリカ

 

トム・クルーズ製作主演による大ヒットスパイ映画シリーズの五作目です。

 

前作から4年経っていますので、トム・クルーズは53歳ですね。

007シリーズで二代目ボンドを演じたロジャー・ムーアは、最後の007作品「美しき獲物たち」を撮ったときに58歳でした。

彼の場合、派手なアクション・シーンはほぼスタントマンが演じており、彼はラブシーンとユーモア担当でしたね。

しかし、トム・クルーズは、この年齢になってもまだまだ体を張ったアクションを信条にして映画を製作しています。

その現役感は半端じゃありません。

すべてのアクションシーンをスタントなしで演じるのはだんだんと厳しくなってきているようですが、それでもここぞというシーンは自分で演じていますね。

本作のアイコンにもなっている「ここぞ」のアクション・シーンは、映画の冒頭のアバン・タイトルでいきなり登場。

滑走路を走り出している輸送機に飛び乗り、扉にしがみついたまま離陸するというとんでもないアクションです。

本作くらいからは、YouTubeにもたくさんのメイキング映像がアップされています。

それを見ると、トムはワイヤーを体にくくりつけているだけで、このシーンに挑んでいますね。

当初の予定では、翼に足を踏ん張っている予定だったようですが、風圧で完全に浮き上がってしまっています。

一度離陸したら、着陸するまではその態勢でいなければいけないわけなのですが、彼は完璧なカットを撮るためにこの撮影に数回チャレンジしたそうです。

恐るべきプロ根性。

今時の特撮技術なら、CGでこのシーンを撮ることも可能なのだそうですが、やはり彼がこだわったのは生身のアクション。

主演の彼が製作権を持っているからこそ出来るアクション・シーンは、やはりこのシリーズ最大のセールス・ポイントというわけです。

通常の映画出演契約では、こんな危険なシーンは、映画を完成させたい製作者からはストップがかかります。

彼は監督にこう言ってアクション・シーンに挑んだのだそうです。

「パニックになっているように見えてもカメラを止めないで。それは演技だから。」

 

本作で、トムが指名した監督は、クリストファー・マッカリー。

1995年に作られたミステリーの傑作「ユージュアル・サスペクト」の脚本を書いて、注目された人です。

以降は、シリーズ以外のトム・クルーズの作品で脚本を書いたり、監督をしたりしていますね。

このシリーズは今まで、一作ごとに監督を変えるというスタイルでしたが、本作以降はすべての作品を彼に監督依頼しています。

よほど、相性が良いのでしょう。

映画監督としてのキャリアは、これが3作目ということですので、前作のブラッド・バード同様トム・クルーズによる大抜擢と言えるでしょう。

 

大抜擢といえば、本作のヒロインであるイルサ・ファウストを演じたレベッカ・ファガーソンもそう。

彼女の本作以前のキャリアは、Wiki してみた限り4本しかなく、特に目立った作品ではありません。

トム・クルーズは、過去にもニコール・キッドマンを、オーストラリアで発掘し、自らの主演作「デイズ・オブ・サンダー」のヒロインに抜擢。

ハリウッド・デビューさせ、大女優への先鞭をつけたという実績があります。(夫にもなっています)

レベッカにとっては、本格的なアクション映画出演ははじめてのこと。

この映画にキャスティテングされてからは、演技よりは、半年間みっちりとアクションやバイクの操縦などを練習したそうです。

その甲斐あって、本編では、トム・クルーズも圧倒するような華麗で勇ましいアクションを披露しています。

 

このシリーズには、これまでにも魅力的なヒロインは何人も登場してきました。

しかし個人的な感想を言わせて貰えば、レベッカ・ファガーソンは、これまで登場したどのヒロインよりも魅力的でしたね。

とにかく、敵か味方かわからないという「謎の女」ぶりが、僕のような60年代のスパイ映画に感化されてきた世代にはたまりませんでした。

彼女に助けられたり、裏切られたりを繰り返す中で、次第に彼女に惹かれていくイーサン・ハント。

おいおい、君には、3作目で命がけで救った奥さんジュリアがいるだろうとも思ってしまいましたが、それも許せるくらい魅力的なヒロインでした。

 

基本的に僕は、映画というエンターテイメントは、日常ではそう簡単にお目にかかれない美女の魅力を楽しむものだと思っているところがあります。

映画のヒロイン(時には脇役のこともありますが)の魅力に当てられると、一気にその作品が輝き出すということは僕の場合ちょくちょくあります。

この作品も、そんな一本になりましたが、見ているうちにハタと、その理由に思い当たりました。

本作の彼女のキャラクターが、まるで「ルパン三世」の峰不二子なんですね。

時には華麗なドレスを纏った淑女、時には黒づくめの衣装の怪盗。

そして本作では、黒のレザージャケットに身を包み、BMW Motorrad S1000RRにまたがってモロッコの高速道路を疾走しますが、まさにその勇姿が峰不二子のイメージそのもの。

クリストファー・マッカリー監督は、「ルパン三世」をかなり意識していたか。

あるいは、峰不二子のモデルにもなったと言われているフランス映画「あの胸にもう一度」(英語タイトル:"The Girl On A Motorcycle)のマリアンヌ・フェイスフルを意識していたか。

これは、監督自身に聞いてみたいところです。

 

映画のタイトルになっている「ローグ・ネーション」とは、直訳すれば「ならずもの組織」みたいなこと。

1990年代末において、主にアメリカが、イラン、イラク、アフガニスタン、リビア及び北朝鮮を称して「ならずもの国家(ローグ・ステイト)」などと公言していました。

テロリズムに対する支援、あるいは大量破壊兵器の拡散(アメリカは違うのかい?)などを行うとされる国家ですね。

映画の場合は、国家ではなく、かつて諜報部員として活躍していた各国の腕利きのエージェントを極秘裏に囲い込み、テロも辞さぬ極悪組織を作っていたという設定。

このローグ・ネーションは、「シンジケート」と呼ばれ、それを裏からコントロールしていたのはイギリスの諜報組織MI6という設定です。

しかし、事実上のこのシンジケートの指揮していたのは、ソロモン・レーンという極悪非道の人物。

このソロモン・レーンをいかにも、憎々しく演じていたのがショーン・ハリス。

この敵役のキャラが立っていれば、立っているほど、この手の映画は面白くなるものです。

 

ヒロインがかっこよく、敵役も適役(ウマイ！)となれば、主演も負けて入られません。

冒頭の輸送機しがみつきシーンもそうですが、トム・クルーズのアクションも炸裂です。

実際のウイーンのオペラ座で撮影した、バックステージでの格闘シーン。

ここでは、観劇中のオーストリア首相が暗殺者に命を狙われるのですが、なんとスナイパーが三人。

その中の一人がイルサです。

劇場では、人気オペラの「トゥーランドット」が上演されていますが、この中の楽曲「今夜は誰も寝てはならぬ」の歌唱が一番高音となるところが狙撃の合図になります。

つまり、楽曲が盛り上がるにつれて、狙撃へのサスペンスも盛り上がるという上手い演出ですが、これはクラシック映画ファンなら誰もがピンときます。

そうです。ヒッチコックの1956年作品「知りすぎた男」にある有名なシーンへの完全なオマージュですね。

そして、この「誰も寝てはならぬ」は、以降イルサの登場シーンには、アレンジを変えて、度々登場しますから、意識していると面白いかもしれません。

混乱の劇場の屋根から、二人は抱き合ったまま飛び降りますが、このシーンが映画の初撮影だったレベッカ・ファガーソンに、トム・クルーズはこう囁いたそうです。

「ようこそ。IMFへ。」

 

本シリーズでは、敵のアジトに忍び込んで大切なデータを奪取するというのが毎回見せ場になります。

今回の現場は、モロッコ。

そこでイルサと合流したイーサンたちは、作戦を決行。

ベンジー(サイモン・ペグ)を、データ室に潜入させるために、イーサンは水槽になっている冷却施設にジャンプして潜入し、ベンジーの本人確認データと差し替えるというアクション。

酸素ボンベも背負えない状況で、イーサンはすべての作業を、自分の呼吸の続く３分以内に終えなければなりません。

ギリギリのところで、データの差し替えに成功したイーサンですが・・・

そして、この後に展開されるのが、モロッコ市街での激しいバイクと車のカーチェイスです。

まあまあ、ド派手に協賛メーカーBMWご自慢の最新高級車をクラッシュさせまくりますが、よほど運転には自信があるのでしょう。

かなりのシーンで、トム自身がハンドルを握っていますね。

隣でわめきまくるベンジーが、とてもいいアクセントになっていました。

イーサンたちを裏切って、データを奪ってバイクで逃走するイルザですが、この追跡劇の結末に、この映画で僕が、一番好きなシーンがありました。

一緒にバイクで追ってくる敵のエージェントを蹴散らした後は、二人だけのバイク・チェイスになります。

一瞬見えなくなったイルサですが、彼女は突然追ってくるイーサンの前に、立ちはだかります。

イーサンは咄嗟に、バイクのハンドルを切り転倒。そのまま動けなくなります。

それを黙って確認するイルサ。その表情がなんとも言えず絶品でした。

一流のスパイなら、状況から考えて、そのままイルサを轢き殺し、顔色一つ変えずにデータを取り戻していてもなんの不思議もない場面です。

しかし、イーサンは、一瞬の判断で、それよりも彼女の命を優先したわけです。

そして、もちろん彼女も、自分の命と引き換えに、そのことを確認したということ。

このシーンで、二人は自分たちの背景を越えて、信頼しあったといえます。

一言もセリフのないアクションシーンだけで、これだけのことを表現してしまうのですから、これはあっぱれ。

そして、イルサは走って来た道をゆっくりとバイクで戻っていきます。

これが、ラストで効いてきますね。

さて、ここからラストに向けては怒涛の展開になります。

 

ベンジーは、イルサに奪われたデータをちゃんとコピーしていました。

そのベンジーが敵のシンジケートに、拉致されてしまうという展開になります。

そしてクライマックスに向けては、前作までのように圧倒的なアクション・シーンはかなり封印されてきます。

展開されるのは、オリジナルの「スパイ大作戦」のような、緻密でスリリングな、イーサン・チーム対シンジケート組織による完全な頭脳戦です。

これが若いファンたちにどう受け止められるかはわかりませんが、僕のようなコテコテのクラシック派には、実にたまらない展開でした。

そのミッションを、ざっと説明すればこんな感じでしょうか。

 

「おはようイーサン君。今回君達が入手したデータには、シンジケートの重要な機密が入っている。

しかし、このデータは厳重にロックされており、これを解除できる人物は、世界でただ一人英国現首相だけである。

しかも、君達の仲間ベンジー諜報員は、シンジケートに拉致されている。

首領のソロモン・レーンは、ベンジーの命と引き換えに、24時間以内に、ロックを解除した状態のデータを持ってこいと言っている。

そこで、君の使命だが、このデータのロックを解除した上で、それを敵に奪われることなく、ベンジーを救出し、ソロモン・レーンを逮捕することにある。

例によって、君もしくは君のメンバーが殺され、あるいは捉えられても、当局は一切関知しないのでそのつもりで。

なお、このテープは・・・」

 

ここからは、鉄壁のチームワークあり、意外などんでん返しあり、おなじみの変装マスクをガバッと脱ぎ去るカタルシスありで、スパイ映画の醍醐味満載です。

前作までの、超人的なイーサンのフィジカルに頼ることのない、騙し騙されのスパイ映画王道のスリリングな展開が楽しめますね。

ラストでソロモン・レーンが捉えられるシーンも、映画の冒頭でイーサンが、シンジケートの罠にかかったシーンがちゃんと伏線になっていてニンマリでした。

オリジナルの「スパイ大作戦」では、毎週こんなラストに、「カッケー」としびれていたものです。

そして、イーサンとイルサの恋の行方は・・

 

というわけで、次回は「フォール・アウト」で。

トム・クルーズは、56歳です!

映画「ミッション・インポッシブル/ゴースト・プロトコル」2011年アメリカ

トム・クルーズ主演の人気スパイ映画シリーズ第4弾です。

 

彼の体を張ったアクションが売りのこのシリーズですが、なんといっても、その主役の彼が本作では、なんと49歳です。

自分の49歳の頃を思い出すと、とにかく若い頃のように動かなくなった体に、悶々とした日々を送っていたことが昨日のことのように思い出されるわけです。

自慢ではありませんが、若い頃は、バク転やバク宙がさらりとこなせる身体能力を持っておりました。

しかしその年齢になると、さすがにそれをやったら、怪我をするぞと言う自覚が芽生え始め、やろうと思えば、いつでもできると言う自負を、理性で抑え始めるようになった頃でもあります。

年齢を重ねれば、肉体は劣化していくと言うことを、いやでもわかり始めるわけです。

しかし、本シリーズの製作権を持つプロデューサー兼主演俳優である。トム・クルーズは、映画はヒットさせなければいけないと言う使命感から、自らの肉体にムチ打つことに躊躇することがありません。

本作でのトム・クルーズのバディは、今までにないほどマッチョに仕上がっていました。

 

前作以上に、観客の度肝を抜くアクションを自らがこなすことを至上命題としたトム・クルーズが、今回挑んだアクションもまた凄まじいものでした。

なんと今回、彼がダブルスタントを拒んで、自ら演じた命がけのアクションは、ドバイにある世界一の高層ビルブルジュ・ハリーファの外壁をよじ登ると言うもの。

よじ登るだけではなく、その外壁を走り、ジャンプをすると言うわけですから気合が違います。

彼が今回指名した監督はブラッド・バード。

初めて聞く名前でしたので、Wikiしてみました。

なんと、意外や意外、アニメ畑の人でした。

本作の前に撮られた作品が、ピクサーアニメーションスタジオの「レミーのおいしいレストラン」。

その前が同じく、アニメ作品の「Mr.インクレディブル」。

実写映画の監督は、本作が初めてという人です。

プロデューサーとしては、かなり思い切った指名ですが、こういう大抜擢はハリウッドではよくあります。

指名の理由は、CGを駆使した3Dアニメだからこそできる、とんでもアクションのテイストを、実写映画の中で発揮してもらおうと言うことだったかも。

裏を返せば、トム自身がの年齢によるアクションシーンの劣化を、自覚し始めていたと言う事かもしれません。

どこでどういうCGイフェクトが使われていたかを見定める眼力は、僕にはありませんが、そんなわけで、本作には少なくともこれまでの作品よりはCG処理が多く使われていた印象です。

 

そのかわり、登場する作戦遂行用のギミックは、かなり凝っていました。

機密資料奪取のため、クレムリンに潜入したイーサンとベンジーが使用したのがCG背景偽造装置。

これは、オリジナルの「スパイ大作戦」のテイストがムンムンで、楽しませてもらいました。

撮影機能付きコンタクトレンズや、壁面吸着グローブなども登場。

サプライズ場面で使用される、定番の変装マスクは、今回のミッションでは使用されませんでした。

通常の変装では、すぐにトムだとわかってしまいますね。

本作では、高性能スマホも登場。

iPhoneがアメリカで発売されたのが、前作の公開された翌年ですので、もうこの頃にはかなり巷には浸透していたはずです。

ベンジーが使っていたPCはApple製品でしたので、おそらく使われていたのはiPhoneでしょう。

個人的にiPhoneを使用しだしたのもちょうどこの頃でした。

その時には、この作品はまだ見ていませんでしたが、持っただけで、ジェームス・ボンドになったような気分になったものでした。現実が、スパイ映画に追いついたというワクワク感がありました。

 

本作のストーリーの骨子は、核戦争を意図的に起こして、世界をリセットさせようと言うクレイジーなテロリストの野望を、イーサンたちのチームが阻止すると言うもの。

本シリーズの2作目は、007シリーズ「ロシアより愛をこめて」を意識した作品だと申しましたが、その流れで言えば、本作は「007サンダーボール作戦」がベースにあったかもしれません。

スパイ映画において、主人公たちが核爆発を阻止すると言うストーリーは、ある意味では王道です。

「サンダーボール作戦」は、スペクターが、NATOから奪取した原爆を、ジェームズ・ボンドが奪還すると言うシンプルなストーリーでしたが、さすがに2011年のスパイ映画ともなるとその辺の核事情はかなり複雑。

核弾頭そのものだけではなく、発射コードやら、人工衛星やら、映画的マクガフィンも複雑になっていて、正直言って僕のような単純な頭ではなかなか追いついていけませんでした。

 

しかし、アクション映画に、理屈は関係ありません。

わかっていてもいなくても、こちらとしては、ハラハラドキドキさせてくれる映画的カタルシスを味合わせてくれれば文句なし。

クレムリンに潜入したイーサンたちよりも先に、核弾頭の極資料を盗み出したテロリストは、証拠隠滅のためにクレムリンを爆破してしまいます。

その濡れ衣を着せられてしまったのがイーサンたちのチーム。

ちょうどその時、ロシアに訪れていたIMF局長は、IMFがロシア側にテロリストとして疑われていることを告げ、応援はできないが、自力でそのその濡れ衣を晴らせと言う指令を出します。

 

これがタイトルにある、「ゴースト・プロトコル」です。

「君もしくは君のメンバーが、殺されあるいはとらわれても当局は一切感知しないので、そのつもりで。」

お馴染みのこの文句こそが、つまり「ゴースト・プロトコル」そのものと言うわけです。

これが理解できれば、難しい事はわからなくても、映画を楽しむ分には問題ありません。

本作のタイトルを「ミッション・インポッシブル4」にするのではなく、固有の名前をつけていくのは、この後のシリーズでは定番になりますが、この辺も007シリーズの影響は大きいかもしれません。

イーサンたちのチームは、本部からの応援を得られない中で、たった4人と持ち出してあった装備だけでテロリストに立ち向かって行きます。

考えてみると、今回のイーサン・チームのミッション遂行は、どれもまともに完遂していません。

どのミッションも、すべてテロリストに先をこされています。

それを散々見せられた後で、もうダメかという最後の最後で間一髪、メンバーたちのチームワークで核爆発を阻止するという展開には、なかなかのシビれるものがありました。

まさに、このラストのために、練り込まれた脚本でしたね。

 

ただ、個人的には、このラストよりも、エンディングでチームが再会するシーンの方が好きですね。

このシーンでは、前三作でイーサンの相棒を務めたルーサーが登場します。

メンバーは次の任務を引き受けて、一人一人去っていきます。

そしてもう一人・・・

おっと、それが誰かは申しますまい。

 

それは是非、「M:I Ⅲ」を見た後で、本作をご覧になって確認してみてください。

 

では、「ローグネーション」でまた。