柿沢謙二ブログ

映画「散歩する侵略者」2017年/WOWOW FILMS

Amazon プライムのラインナップにこのタイトルの作品があったのは知っていて、少々気になってはいました。

最近の映画に関しては、全く不勉強で、このタイトル以外の情報は全くない状態だったんですね。

僕の世代で(前期高齢者)で、このタイトルを聞くとまず反射的にピンと来てしまうのは、「ウルトラセブン」です。

第一次怪獣ブームにどっぷり浸かった僕らの世代としては、侵略者とくれば、全話異星人との対決を描いたウルトラセブンのイメージが強烈です。

その第32話のサブタイトルに「散歩する惑星」というのもあったりで、おそらくこの映画は、怪獣の出てこないSFパニックものだろうと勝手に思い込んでいました。

 

「ウルトラQ」のケムール人や、「ウルトラマン」のバルタン星人、メフィラス星人など、ウルトラセブン以前にも侵略モノの子供向けテレビ・ドラマはありました。

では映画はどうか。

日本で侵略を描いた映画というと、これもやはり怪獣映画の得意とする分野だったといえます。

 

しかし、アメリカに目を向けると、異星人による侵略系SF映画は、1950年代からありました。

代表的なものは、「遊星よりの物体X」「光る眼」「ボディ・スナッチャー/恐怖の街」などなど。

どの作品も、特撮視覚効果技術の向上に伴って、たびたびリメイクされています。

そして、どの作品にも共通しているのは、侵略者たちが、人間の体を乗っ取って、何食わぬ顔で、我々の隣人に成りすましているという設定です。

これは、直接的に宇宙人や怪獣を登場させなくても、自分たちの日常生活の中で、ミステリーとサスペンスを産める「美味しい」シチュエーションとして、過去にも多くの監督によって、手を変え品を変え、映像化されてきました。

 

ただ、立派に娯楽作品には成りえるものの、一般の評価としては、どこか子供だましのB級映画というレッテルを貼られがちでした。

 

とにかく、本作のタイトルからだけの印象は正直そんなところだったんですね。

 

しかし、まず本作の監督の名前を聞いて「ムムッ」と身を乗り出していまいました。

なんと、あの黒沢清監督ではありませんか。

1990年代から2000年代くらいまでは、個人的にはちょっと目を離せない監督でした。

「CURE」「カリスマ」「回路」「降霊」などは、ホラー映画ファンとして、この監督の映像センスに、一目置いていました。

2010年代以降は、ホラー映画から離れた映画も撮っていたりで、正直個人的には彼の新作を追う事は怠けていたのですが、ちゃんとこんな仕事もしていたと気づいたのは、恥ずかしながらつい最近のこと。

しかも出演者を見れば、長澤まさみ、松田龍平、長谷川博巳と単独でも主演を張れる一流どころがズラリ。

このキャスティングで、まさかB級SFパニック映画であるはずがない。

これは、黒澤清ファンとして見ておかなければならない1本を、完全に見逃していたなと反省した次第。

というわけで、ホラーの巨匠から、いまや「第二の世界のクロサワ」と評価されるまでになった日本映画の巨匠の2017年度の作品をいまさらながら鑑賞させていただきました。

 

この映画の元ネタは、前野知大氏が自分の主催する劇団のために書き下ろした舞台劇でした。

そして、上演後は、このオリジナル脚本をもとに前野氏自身がノベライズしています。

 

ある日自分の夫が、姿はそのままでも、まったく違う人物となって帰ってきます。

夫は宇宙人に体を乗っ取られており、地球人のマインドをリサーチするために、人間の心からいろいろな「概念」を盗み学習していきます。

この夫婦を演じるのが、長澤まさみと松田龍平。

送り込まれた宇宙人は合計3体で、残り2体とジャーナリストして接触していくのが長谷川博巳演じる週刊誌記者です。

宇宙人たちが、この3体が集めた「概念」の学習を終了すると、満を持して侵略が始まるという物語。

 

こうやって、ストーリーだけを述べてしまうと、なんだかちょっと陳腐な子供向けSFにも聞こえてしまいますが、それがそうならないのが黒沢演出の凄いところ。

 

この監督の過去作品から、個人的に学習していることは、ここぞというシーンでは、カメラは固定したまま動かさない、クローズアップにはしない、カットは割らないということ。

ですので、カメラの動きが止まって、長回しが始まると、こちらは「なにかが起こる」と身構えるわけです。

そして、この緊張感の後で起こることは、たいていはこちらの想像の上をいくショック。

これが、個人的には黒沢映画最大の魅力になっています。

 

まず映画の冒頭がこれでしたね。

宇宙人に体を乗っ取られた女子高生が、両親を殺し、血まみれになって道の真ん中をフラフラと歩いていると、はるか後ろから近づいてくる大型トラック。

普通ならクラクションを鳴らす運転手のカットでも入れたくなるものですが、「なにかが起こる」までは、カメラはフィックスにしたままの長回し。そして・・・

見事にしょっぱなから度肝を抜かれました。

 

長澤・松田夫婦の家に両親と喧嘩をした妻の妹が遊びに来ます。

記憶の怪しい義理の兄に、自分との関係を説明する妹を演じているのが元AKBの前田敦子でした。

彼女の説明を熱心に聞いている夫。

すると、彼は彼女の前に立ち「それもらうよ」といって、「E.T. 」よろしく人差し指を妹のおでこにチョコン。

すると、妹の瞳には涙があふれて、その場にヘタレこんでしまいます。

これで、彼女の脳内データから「家族」という概念がごっそりイレースされ、地球人学習中の夫の脳にインプットされるわけです。

上手かったのは、この後の前田敦子の演技。

「家族」という概念がごっそり抜け落ちた妹の人格の変化を、前田敦子が説得力抜群の演技で表現していました。

彼女の登場シーンは、これだけでしたが、この演技が、結局はこの映画の最後まで効いてくるんですね。

 

「概念」を抜き取られた人間に、どういう人格の変化が現れるのか。

 

「所有」という概念を抜き取られた青年。

「仕事」という概念を抜き取られた妻の仕事相手。

「迷惑」という概念を抜き取られた役人。

 

それにより彼らには人格障害が発生してしまうのですが、こういうネガティブな概念を抜き取られた彼らはどことなく幸せそうに見えたりもするわけです。

 

しかし、それが「愛情」だったらどうか。

　

異変を察知した国家の秘密チームに追われる夫婦は、教会に逃げ込みます。

教会の告知板には、「愛とはなにか」の説法を知らせるポスター。

中では、少年少女たちによる合唱団が、聖歌の練習をしています。

そこに現れるのが東出昌大演じる神父(牧師?)。

宇宙人は、神父から「愛情」という概念を抜き取ろうとするわけです。

 

これが目茶苦目茶苦茶怖いんですね。

何といっても、「寄生獣」で、顔色一つ変えず人間を捕食する怪物を演じた彼です。

その印象があるだけに、この神父から「愛情」という概念を抜き取ったら、どんなサイコパスが出現するのか。

前田敦子の演技を見ているだけに、見ている方はこれを勝手にリアルに想像してしまうわけです。

何を考えているのかわからない東出の爬虫類的な目が余計に恐怖をあおります。

 

結局教会では何も起こらないのですが、こちらは勝手に、映画の冒頭で見せられたような殺戮シーンが起こると想像してしまうわけです。

これは、キャスティングの妙といえるかもしれません。

 

そして、ここでは未遂に終わった「愛情」という概念のカット&ドロップが、映画のラストの効果的な伏線になってくるという仕掛けです。

 

長谷川浩巳パートは、かなり映画的な演出になっていました。

オリジナルの舞台劇は見ていないのですが、彼と二人の宇宙人とのパートは、最初こそ地味ではありましたが、次第に、アクションあり、銃撃戦あり、飛行機からの爆撃ありと、映画的にエスカレートしてきます。

最初は単なるネタとして彼らと接触していた記者が、次第に彼らにシンパシーを感じだし、やがてバディ感を育んでいくというまでの変化を、長谷川博巳が実に達者に演じていました。

彼が突如人々の前で辻立ちして、今地球は宇宙人に侵略されようとしていると、道行く人に訴えかけるシーンがあります。

もちろん、それに真剣に耳を傾ける人はいません。

今起こっていることに目をそむけ続けていると、世の中一体どういうことになるのか。

彼は危機感をもって、必死に人々に訴えかけます。

 

2017年といえば、安部長期政権の膿が、次第に白日の下にさらけ出されてきた頃です。

社会へのメッセージを仰々しく扱うのは、黒澤清監督の好むところではないとは思います。

しかし、ある程度そうならざるを得ないことは、この映画の性質上、黒澤監督も多少は覚悟していた気がします。

かつての、50年代のアメリカ映画のSF侵略モノが、あの当時吹き荒れていた「赤狩り」に対するカウンター・メッセージになっていたと、後の評論家が指摘していますが、映画はいつの時代にも、社会を映す鏡であることは否めない事実。

彼は警告した後でポツリとこういいます。

 

「OK。言いたいことは言った。後は君たちの判断次第。」

 

この瞬間に彼は、記者であることに決別し、宇宙人と運命を共にする決心をすることになります。

 

さて、地球人のリサーチを終了して、侵略者に攻撃を開始された地球はいったいどうなったのか。

二ヵ月後の世界で、これを説明する医者の役にキャスティングされていたのは、キョンキョン(小泉今日子)でした。

黒沢監督の作品としては、ドラマの「贖罪」で主演を演じていますが、本作のこの役はなかなかのもうけ役。

ワンポイントではありましたが、なかなかの存在感を出していました。

監督の過去の作品を見ると、ラストでビッグ・ゲスト登場という演出はいくつか見られますが、やはりニンマリしてしまいます。

冒頭でも語りましたが、日本では侵略モノ映画というと、やはり怪獣特撮映画の十八番だったという気がします。

一般映画でいえば、思い付くのは、岡本喜八監督の「ブルー・クリスマス」、松竹の「吸血鬼コケミドロ」くらいのもの。

西洋の歴史とは違って、日本の歴史で本格的な侵略が登場するのは、鎌倉時代の元寇と、江戸時代末期の黒船来航くらいですね。

敗戦のペナルティとしてのGHQ進駐はありますが、島国であるというロケーションが幸いしてか、そもそも「侵略モノ」が馴染まないというという事情は、他国に比べて圧倒的に外部からの侵略が少なかったという歴史が影響しているという気はします。

 

しかし、考えてみれば、新型コロナのパンデミックも、見方を考えれば、新型ウイルスという未知の物体からの侵略行為と捉えることもできます。

どんなに深刻な「侵略」があったとしても、基本はギリギリまで動こうとしないのが日本の体質であることは、ハッキリとしてきました。

世界中がどれほど危機感をもった問題に対しても、日本の初動の遅さは往々にして致命的なほどです。

もちろん「下手に動かない方が無難」というリスク管理もあるかもしれませんが、それが動くべき時に動かないというのリスクを上回るという気はしません。

 

侵略者たちが散歩しているうちに、やれることは、いくらでもあるということでしょう。

侵略してくる宇宙人に、お願いしたいことがひとつ。

 

今度この国の総理大臣になる人の頭から、「党利党略。私利私欲。」という概念を是非とも「もらって」くださいませ。

 

 

 

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読書「僧正殺人事件」S・S・ヴァン・ダイン

本作はアメリカの推理作家S・S・ヴァン・ダインによって1929年に発表された長編推理小説です。

古典本格派ミステリーの代表作として、名前だけは知っていたので、図書館で探したところ、一般書棚にはなく、閉架書庫から1977年版の年季の入った文庫本を引っ張り出してもらいました。

クラシック大好きなミステリー・ファンとしては、もうこれだけでワクワクです。

本作は「僧正」というくらいですから、「ブラウン神父」シリーズよろしく、教会や寺院を舞台にした宗教色の強いミステリーかと思えばさにあらず。

登場人物の中には、宗教関係の人物も、敬虔なクリスチャンも一切登場しません。

「僧正」というのは、実はチェスの駒の一つであるビショップのことでした。

 

物語は、高名な物理学者ディラード教授の邸宅周辺で起こる連続殺人事件を描いています。

最初の被害者は、教授の妹に思いを寄せていた弓術選手ジョーゼフ・コクレーン・ロビン。

彼は心臓に矢が突き刺さった状態で発見されます。

そして殺された状況は、マザーグースにある散文詩と不気味なまでの合致を見せ、現場の郵便受けには、この散文詩に「僧正」と署名された、挑発的な書付けが入れられています。

 

本作がミステリー小説として圧倒的な魅力を放っているのは、なんといってもこの見立て殺人でしょう。

この手法は、後のミステリー作家がこぞって使うようになります。

個人的に思い浮かぶのは十代の頃に愛読した横溝正史作品。

「獄門島」では、マザーグースの散文詩の代わりに、俳句がつかわれていましたし、「悪魔の手毬唄」では、作者によって手毬唄が創作されていました。

 

本作においては、マザーグースの散文詩に誘発されるかのように、第二第三の見立て殺人が起こっていきます。

容疑者は絞られているのに、捜査陣はなかなか真犯人にたどり着けません。

犯人は一体何のためにこんな手の凝った殺人を繰り返すのか。

最後まで、フィロ・バンスたちを悩ませたのが、犯行の動機でした。

犯人は、引き続き、警察に挑戦をするかのように、犯行直後に「僧正」のサイン入りのマザーグースの散文詩を送り付けてきます。

なぜリスクを背負ってまで、そんなパフォーマンスにこだわるのか。

まるで、自分の知性と優秀さを自慢しているかのようにも見えます。

なるほど、ならば犯人はかなりの知識人か？

ところが、本作に登場する容疑者たちのほとんどが、それぞれの分野で名を馳せた知識人の面なんですね。

物理学者、数学者、大学講師、チェスの棋士などなど。

とにかく誰も彼もがそれなりに頭の出来はよろしい。

つまり、見立殺人をやらかすような人物としてはかなり怪しいわけです。

 

さてそこで、読者としては、一旦読書を中断して、AI にこんなことを聞いてみました。

21世紀のミステリーファンならではの楽しみ方です。

 

「見立て殺人なんて愚行をやらかそうとする犯人の心理を分析して？」

 

AI の解答は以下の通り。

 

犯罪心理学的な視点から、見立殺人の加害者に見られる主な特徴として以下が挙げられます:

 

1. 支配欲求と優越感

- 自身の知的能力を誇示したい欲求

- 捜査当局との知的な駆け引きを楽しむ傾向

- 他者を操作することで得られる満足感

 

2. 演出への執着

- 犯行を芸術作品のように演出する

- 細部へのこだわりが強い

- メッセージ性を重視する

 

3. 心理的特性

- 共感性の欠如

- 誇大性パーソナリティ傾向

- 反社会性パーソナリティ障害の特徴を持つことがある

 

4. 犯行の動機

- 社会への不満や怨恨

- 自己顕示欲

- 存在証明の欲求

 

なるほど。

鮮やかな分析です。しかしながら、こちらとしてはさらに混乱してしまいました。

なぜなら登場人物の誰もが、これに当てはまってしまうんですね。

頭を抱えながら再び小説に戻ります。

(ちなみに、このブログの2つの画像は2枚ともAIに作成してもらいました。)

 

ここで作者について少々。

実はこの人もかなりの知識人でした。泣く子も黙るハーバード大卒業のエリートです。

美術評論家として執筆活動に専念していましたが、第一次世界大戦による世情不安の中で、神経衰弱を煩い療養生活を余儀なくされます。

医者から仕事も学術書研究も禁じられますが、唯一許されたのが軽小説の読書でした。

それならばと、インテリの彼が選んだのがイギリスの本格ミステリー。

そうとなれば療養中の身、時間だけはたっぷりあります。

何といっても根が学者肌なので、彼は、療養生活の2年間で7000冊以上のミステリーを読破します。

そして、アメリカ人の彼は考えます。

ミステリーの生まれた国はアメリカなのに、英国ミステリーとの差は歴然。

とにかく、知的レベルが違いすぎる。わが国のミステリーのなんと陳腐なことよ。

そこで彼は一念発起します。

英国ミステリーにも劣らぬ、知的レベルの高いミステリーを書いてやろう。

休養充分の彼の頭は再びフル回転。たちまち数本のミステリー小説のプロットを練り上げます。

そして、病気療養を終えた1926年に、満を持して彼が発表したのがミステリー長編デビュー作「ベンスン殺人事件」でした。

これは、博学素人探偵フィロ・バンスの初登場作品でもあります。

そしてこれに続く「カナリア殺人事件」「グリーン家殺人事件」「僧正殺人事件」で、彼はインテリ・ミステリー小説化としての地位を確立。

元祖アメリカのミステリー小説のレベルを、イギリスの本格ミステリーと肩を並べるところまで押し上げることに成功します。

エラリー・クイーンやディクスン・カーなどの著名な米国推理作家たちは皆、ヴァン・ダインの背中を見ていたわけです。

 

とにかく本作における作者の知的レベルに対するこだわりは相当なものでした。

僕のような頭の回転の遅いミステリーフリークとしては、展開される犯罪トリックを理解するだけでいっぱいいっぱいになってしまうんですが、本書には本筋とは関係のない知的会話がふんだんに出てきます。

そのどれもが、1929年当時としては最先端の知見なんですね。

アインシュタインの一般相対性原理が予言した時空の歪みを観測したエディントン・チームの話題や、量子論の問題が、登場人物たちによって日常的に会話の話題にされています。

その意味では、殺人事件の舞台となったディラード家は、さしずめ、知的文化人たちによる学術サロンになっていました。

個人的には、つい先日物理系の入門書を読んだばかりだったので、まだ脳みその端っこに残っていた知識も微かに反応してうれしくなってしまいました。

アメリカのミステリーは、ハードボイルドだけではないぞと言う作者の気概が伝わってくるわけです。

 

物語の終盤、名探偵フィロ・ヴァンスが、この時代の科学的知見を全開にして、この事件の真犯人は絶対に数学に明るい人物であると言う推理を展開するくだりがあります。

正直、あまりに難解でついていけない論理展開なのですが、ミステリー小説を読んでいるのに、学術書を読んでいるような少々くすぐったい知的な快感はありました。

そうはいっても、これで事件が解決と言われてしまうと、煙に巻かれたような気がしてしまうのですが、その辺はご心配なく。

最終章では、僕程度の知的レベルでも、十分に理解できる納得の大円団が待っています。

 

チェスにおけるビショップの動きは、将棋でいえば角と似ています。

盤上を斜めにのみ移動することが可能で、そのルートが空いていればどこまでも駒を進めることができます。

その意味では、柔軟で強力な武器になる駒がビショップ。

そんなわけで、タフな私立探偵や、妖艶な謎の美女が登場しないこの知的なアメリカ製本格ミステリーを楽しみむ現代のミステリーファンの方におかれましては、視線を少々傾けて「斜め」目線から楽しまれるのがよろしいかと。

 

ヴァンダーイン！

 

斎藤元彦兵庫県前知事再当選に寄せて

ああ、ビックリした。

 

兵庫県知事選で、斎藤元彦前知事が大方の予想を覆して再当選されました。

この結果を、1ヵ月前に想定できた人がはたしていたでしょうか。

おそらくは、大手マスコミのほとんどが、この結果に大きな衝撃を受けていることと思います。

とにかく、誰がなんといおうと、この結果が間違いなく兵庫県民の民意であることは受け入れざるを得ないことは事実です。

 

いったい兵庫県では何が起きていたのか。

 

実は、個人的には大手マスコミの報道にはかなり以前から嫌悪感を持っていました。

特に政治関係のニュースには、政府から大きな圧力をかけられ、捻じ曲げられている印象を強く持っています。

そんなわけで、テレビを見なくなってからすでに10年。

その間にニュース・ソースとして、我が日常に台頭してきたのがネットニュースです。

主にYouTubeですね。

もちろん、その多くが個人による発信ですので、内容が玉石混合であることは承知です。

それを判断する目は求められるにしても、「あんたたち庶民は、何も考えずにこのニュースを信じていればいい」という中立公正を大上段に振りかざしたマスコミの偏向報道を暴力的に刷り込まれるよりは、はるかにましだという思いがあったわけです。

 

そんなわけなので、斎藤元彦知事現職当時のパワハラ疑惑や、公益通報者保護法違反のニュースに関しては、テレビで何が報道されていたかは知りません。

西播磨区局長の告発文書及び同氏の自殺、百条委員会のやりとりも、すべてネット動画を通じて知ったことです。

こちらとしても、かなり関心をもってチェックしていたので、我がスマホには気がつけば動画視聴動向のアルゴリズムを検知して、視聴動画の一覧にも、斎藤元彦の動画がズラリと並ぶことになりました。

 

性格がアマノジャクのもので、斎藤氏の知事としての資質を疑問視する動画ばかり見てみますと、そうではない動画はないものかと探したりするわけです。

しかし、少なくとも僕が探した範囲では、斎藤知事擁護派の動画は、ほとんど見当たりませんでした。

もちろん、YouTuberたちも商売ですので、動画の再生数が伸びる動画を出したくなるのは理解できます。

そうなれば人のバッシングは蜜の味。

たいしたファクトチェックもなく、受けそうな話題を針小棒大に膨らませて再生数を伸ばそうというのは個人経営YouTuberたちの本能です。

チラリとマスコミのニュース(テレビニュースも動画に上がっていますので)をのぞいてみると、相手が自分たちと直接利害関係がない相手だと、彼らも普段のうっ憤を晴らすかのように、徒党を組んで斎藤知事を吊るし上げるわけです。

 

いかがなものかとは思いつつも、やはり修羅場は面白いので、こちらもそんな動画をついつい見しまうわけです。

「パワハラ疑惑」「おねだり体質」も、ネタとしてはそれなりに面白いので、権力の魔力にとりつかれれば、そんなこともあるかとみているうちに、コチラの中にも知らず知らず、ネット情報で構築した斎藤元彦像が作り上げられていきます。

よくよく考えれば、これしきのパワハラなら、日本全国の県庁組織や大企業にはそこそこあるだろうなどとも思いつつ、それとは別にこの件に関しては、最後まで引っかかっていたことが一つ。

それは、斎藤元彦氏が、自殺した西播磨県民局長に対し、自分の責任を一切認めず、どれだけ詰め寄られても謝罪をしなかったという点でした。

「法的責任ではなく、道義的責任をかんじないのか」という記者の質問に対して、斎藤氏は「道義的責任の意味がわからない。」と終始答弁していました。

おいおい、人一人が死んでいるのに、それはないだろうというのが、動画をみていた僕の率直な感想でした。

 

斎藤氏は、百条委員会で証言した後、県議会議員全員から不信任決議を出され、それでも議会は解散せず、自動失職を経て、県知事選に再立候補を表明します。

そして、その直後から、県の主要な駅頭に立ち、県民たちに頭を下げ始めます。

ここでも、個人的な感想は、そこまでして知事の椅子にすがりつきたいのか。

知事の権力というのは、そんなに魅力的なのかということ。

もちろん、どんな状況でも、一定数の応援者はいるだろうと思っていましたが、それがこの知事選挙の最終日に、マスコミが報道することはなかった三宮駅前での最終演説で、あれだけの県民が集まる光景につながるとは想像していませんでした。

 

どうやら、当事者である兵庫県民には、僕ら外野席客には見えていなかった何かが伝わっている。

 

そう思い始めたのが、個人的にはやっと昨日のことです。

そして、本日YouTube動画を確認して知ったこの斎藤氏再当選の事実。

あわてて、いろいろな人の意見動画をチェックしてみたら、昨日までは見かけなかった(影を潜めていた?)、斎藤知事を応援する動画もチラホラ。

斎藤知事は、県政改革を推進しようとしたことで、既得権益にどっぷりつかっていた一部の県幹部や議員たちによってハメられたのではないかというわけです。

百条委員会自体も、この路線に沿って仕組まれた、斎藤元彦知事失脚ありきの出来レースとまで言われてしまうと、こちらも穏やかではありません。

この辺りの暴露に一役買ったのが、NHK党の立花貴志氏。

斎藤知事の応援のためという前代未聞の理由で立候補して、次々と証拠の音声データをさらし、斎藤知事の失脚は、マスコミと一部の県幹部によって捏造された事実によるものということを熱弁していきます。

二人の共闘はなかったというものの、立花氏の存在が、今回のこの選挙結果に決定的な影響を与えたのは間違いのないところ。

彼の選挙運動は、マスコミにはほぼ取り上げられることはありませんでしたが、彼の演説を聞きに行った県民には届いていたと見るのが妥当でしょう。

個人的にも正直この人には、いつでも「お騒がせ」の確信犯であるというイメージが付きまとっていたので、彼の演説はまともに聞いていませんでした。

 

しかし、今日になってわかったことが一つ。

押収された県民局長のパソコンから出てきたものの中身です。

もちろんそこには、マスコミや警察に流された問題の告発文書もありました。

そして、「転覆」や「クーデター」といった、公用のパソコンにあるには明らかに不適切な、現県政に対する反旗を翻すような文書データ。

これは、百条委員会でも、片山前副知事が触れていました。

そして、もう一つが、倫理的に問題のあると言われていた県民局長のプライベート・データです。

三点とも承知はしていたのですが、問題は最後の一つ。

この中身が個人的に想定していたものよりもはるかに衝撃的なものでした。

 

そこにあったのは、県民局長が10年にわたって、その人事権を悪用して、県の複数の女性職員に対して行っていた不適切な関係の強要。ありていにいえば不倫日記データ。

(そこには動画も保存してあったんだとか。ほんとかい?)

 

これが本当に、公用パソコンの中に保存してあったのだとしたら、話は根底から覆ります。

プライベートの保護もへったくれもありません。いや、むしろこれを隠蔽する方が犯罪でしょう。

まさにパワハラと言う犯罪の証拠物件に他なりません。

 

人の色眼鏡というのは恐ろしいもの。

そこに、本人にとって不都合なプライベートであることはわかっていましたが、なにせ県民局長は「パワハラ知事による被害者」というこちらの思い込みがあり、不都合とはいっても、そこにあったのは、人妻県職員に対する私的ラブレター程度のものだろうと勝手に思っていました。

このプライベートの件に関して、百条委員会の公聴の場で、その件に関して片山副知事が言及しようとした際、奥山委員長がその発言を制止するという場面も見ています。

しかしこれも、その思い込みのせいで、それは当然だくらいに思っていましたね。

 

ところがです。さあこれが、権力者が職権を乱用した不倫強要となれば、話はまったく別の次元にジャンプします。

動画に頻繁に流用されていた、県民局長の人のよさそうな笑顔が、全く別の顔をしたモンスターにも見えてくるわけです。

 

ミステリー小説が好きで、よく読むのですが、今回のショックは、ちょうど秀逸な叙述トリックで、それまでのすべてをひっくり返されるような衝撃がありました。

優れた叙述トリックでは、一度ひっくり返されてしまうと、今まで見てきた事実は、同じもののはずなのに、今までとは全く違う側面を見せてくるんですね。

公的パソコンの中身を説明しようとする見解は、自分たちの正当性を主張し、自分たちを守るためと見えていたものが、実は県民局長の不都合なプライベートを守っているようにも見えてきます。

県民局長の自殺についても、「一死をもって抗議する」というパワハラ被害者の叫びにも聞こえていましたが、これを知ってしまっては、これもまったく別のものに見えてきます。

そりゃあそうでしょう。こんな倫理的に問題のあるプライベートを公開されてしまっては、残りの人生どこに転職しようと生きていけるものではありません。

家庭崩壊も、火を見るより明らか。

つまり、彼の自殺は、決して抗議のためでなどではなく、ある意味では自業自得。覚悟の行為だったというわけです。

しかし、この自殺を、アンチ斉藤グループは巧みに利用しました。

県民局長の犯罪行為は隠蔽して、彼が自殺した原因の全て斉藤氏に押し付けたのです。

そして、マスコミがこの隠蔽に加担したことも、立花氏が提示した様々な証拠によって明らかになっています。

そこに、政治とマスコミ二人三脚による共同正犯が成立していた事は想像に難くありません。

 

斎藤知事ははたして、ハメられていたのか。

 

兵庫県政には、長年の県政で積み上げられてきた不文律がありました。

それは、県知事の職には、常に総務省出身の官僚が就いていたこと。

そして、県知事が退いた後の椅子には、常に副知事が座っていたこと。

これが長い期間続けば、間違いなくそこには、利権の構造と、それを守ろうとする体質が常態化することになります。

そしていつしか、県職員も、その利権の構造の中にどっぷりと浸かって仕事をするようになります。

そんな、兵庫県政の流れの中で、2020年の県知事選挙で、当時の副知事候補を破って当選したのが斎藤元彦氏でした。

彼が公約通り、積年の利権の構造にメスを入れようとすれば、兵庫県庁が一丸となってそれを死守しようとすることは火を見るよりも明らか。

そんな県政を背景にして、今回の斎藤元彦知事の告発文書問題が仕組まれたと考えるのは、本日只今においては、ごく自然に納得できます。

 

今回このような民意が兵庫県民によって示されたことについては、もはや文句のつけようがありません。

関東に住む僕ごとき門外漢が、ネットソースからでは知りようもない兵庫県に漂う空気があったことは事実でしょう。

そして、それに突き動かされた兵庫県有権者の投票行動を、もはや大手マスコミも、兵庫県政も、コントロールできなくなっていたということを今回の投票結果が如実に物語っています。

 

この結果になってしまっては、斎藤元彦前知事失脚計画に加担していたという自覚のある者たちは、おそらく戦々恐々でしょう。

パワハラやおねだりネタの捏造に加担した者たち、兵庫県政に根付いた旧体制の利権の中で、甘い汁を吸ってきたものたち、条委員会で斉藤知事を追い詰めた各会派の議員たち、県民局長の悪行をわかっていながら見て見ぬふりした職員たち。

彼らがこの先どういうリアクションを取るのか。

これは野次馬からしてみればちょっと見ものです。

 

今回の選挙は、今まで起きそうで起きなかったことがついに起きたと言う印象を強く感じます。

大手マスコミと政治が共闘してコントロールしていた民意が、ついにコントロールできなくなるという事態が勃発したと言う事は間違いなさそうです。

思えば、政治やマスコミはある意味で国民をなめていました。

国民が政治に無関心なことをいいことに、国民の税金を自分たちの権力維持のために使い、影に隠れて好き放題。

そして、それがバレないように、マスコミを囲い込み、一緒になって、甘い汁をチューチュー吸っていたわけです。

 

まぁ、あまり大きな事はいいますまい。

つい昨日までは、僕自身もこの人の当選などありえないと、眉を顰めていた一人であることは間いありません。

今日になって、この選挙結果とひっくり返された事実を知って、いきなり手のひらを返したように斎藤氏を擁護しようなどとはやはり虫がよすぎます。

個人的に斎藤氏をバッシングした事こそありませんが、それをするなら、まずは斉藤氏にしっかり謝罪をしてからでしょう。

 

「申し訳ない。あなたを誤解していたようです。この民意を得た上は、どうか堂々と胸を張って兵庫県のためにご尽力ください。」

 

後は、何か新しい事実が発覚して、この結果がまたひっくり返らないことを祈るのみ。

アメリカの大統領選しかり、自民党の総裁選しかり、今回の兵庫県知事選挙しかり。

ここのところ政治に関する個人的な予想は見事に外れまくりです。

おそらくは大手マスコミも権力者たちも、自分たちの思うように、選挙民をコントロールすることは難しくなったと言う事は実感していると思われます。

そう考えると、これから行われる選挙は、何がどう転ぶかは全く予測不可能になってくると言う事。

考えてみれば、1票を投じる有権者の1人にとってこんな面白い状況はないともいえます。

 

国民が政治に関心を持ってしまったら、おそらくこの国には困ってしまう政治家がごまんといるはずです。

そんな政治家たちに一言。

あんたら、覚悟しとけよ！

 

映画「犯罪河岸」1947年フランス

 

ちょっと映画を見たくなったなという時に、チョイスする作品は、なぜか新作映画よりもクラシック映画に偏るのは、自分が歳をとったからでしょうか。

しかし、クラシック映画とはいっても、自分の細やかな映画リテラシーに、まるで引っかかってこない映画であれば、これはもはや僕にとっては新作映画に等しいわけです。

Amazonプライムには、そんな映画史の片隅に追いやられたような無名なクラシック映画を、無料で紹介する特定枠があるようで、これは僕のようなクラシック映画好きなニッチな映画ファンをかなり刺激してくれます。

温故知新。今の時点から改めて鑑賞すれば、古い映画にもそれなりの楽しみはあるもの。

そんなわけで今回は、終戦直後に作られた、フランス製のフィルム・ノワールを鑑賞してみました。

 

本作は1947年にフランスで公開された作品です。

主演はルイ・ジューヴェ、スザンヌ・デレア、シモーヌ・ルモン、ベルナール・ブリエ。

残念ながら、知っている俳優は1人もいませんでした。

但し、ルイ・ジューヴェだけは、学生の頃の愛読書であった和田誠氏の「お楽しみはこれからだ」の中で、氏のイラストとともに、かすかに記憶の片隅にあったのみ。

しかし、フランス版のwiki によれば、第二次世界大戦後のフランス映画界では高く評価され、1947年のヴェネツィア国際映画祭で国際賞を受賞しているとの事。

映画の先進国であるフランスでは、本作は、複雑な人間関係と緊張感あふれるストーリーが評価され、現在でもクラシックとして広く愛されているようです。

 

この映画が制作された1940年代後半、フランスは第二次世界大戦からの復興期にあり、社会には不安と厳しい現実が残っていました。

映画の背景にも、そうしたフランスの闇と光が映し出されており、クルーゾー監督が、戦争の影響や人々の葛藤を描くことで、戦後のフランス社会の内面に深く切り込んでいます。

この映画は、当時のフランス社会における道徳や価値観の変化を背景にしながら、陰鬱で複雑な人間模様を丁寧に描き出しています。

映画を見る限り、当時のフランスの庶民は、基本的に警察を嫌悪しており、捜査には協力的ではありません。

そのくせ、何か起これば、あんたたちは警察を頼ると、ルイ・ジューヴェ演じる警部は苦々しく吐き捨てています。

 

出演俳優に知っている名前はありませんでしたが、この監督の名前だけは知っていました。脚本も担当しています。

フランスのアルフレッド・ヒッチコックと言われた名監督。

その名はアンリ＝ジョルジュ・クルーゾー。

彼はサスペンスと心理劇を得意とする名監督で、『悪魔のような女』や『恐怖の報酬』といった作品でその評価を確立しました。

もちろん両作品とも見ていますが、共に超一級の娯楽映画です。

この二作品は、映画史の中でも一定の評価を得ている作品として、ともにリスペクトを込めて後にリメイクされています。

 

本作はそれ以前に作られている同監督の長編映画第三作目。

この作品においてクルーゾー監督は、殺人事件に振り回される人間の内面を丹念に描写し、フランス映画界における彼の地位を不動のものとしました。

特筆すべきは、やはり主演のルイ・ジューヴェ。

彼のキャラクター造形が、物語にリリシズムを与えています。

「刑事コロンボ」「古畑任三郎」よろしく、事件の概要が出揃ったところでの登場になりますが、その存在感は圧倒的です。

この人は、舞台俳優としての確固たる実績があり、彼の存在感は本作のリアリズムとドラマ性を高めています。

シュゾット・モーリスやベルナール・ブリエもまた、当時のフランス映画を支えた名優であり、何も知らないのは、今の映画ファンたちだけで、当時はそれなりに注目された映画であったわけです。

 

物語は、音楽ホールの歌手であるジェニーが、ある殺人事件の容疑をかけられるところから始まります。

彼女の夫であり、気弱で嫉妬深い音楽家モーリス、2人の友人である写真家のドラ。

そして刑事アントワーヌ・モランの四人の関係が、事件を通して複雑に絡み合っていきます。

ジェニーはドラに「私が殺した」と映画前半で告白しているので、形式としては倒叙ものと分類されそうですが、映画は最後に意外な展開を・・・・

 

舞台となる薄暗い警察署や劇場の裏側は、映画全体に重苦しい雰囲気を作り出し、終戦直後のフランスの空気感を表現していそうです。

しかし、個人的な感想を言わせてもらえば、クルーゾー監督が、主演女優に魅力的な俳優を起用しなかったのは悔やまれるところ。

やはり、女優は映画の華です。

そう思いながら、映画の資料をAIで検索してもらったところ、主役のスザンヌ・デレアは、当時の監督の恋人であったと言う事ですから、これは致し方ないかもしれません。まあ恋は盲目と言いますから。

ちなみに、後に監督の妻となったヴェラ・クルーゾーは、個人的には好きな女優でしたね。

 

公開当時、この映画は観客や批評家から熱烈に支持され、クルーゾーの傑作として称賛されたそうです。

ヴェネツィア国際映画祭で国際賞を受賞したのは前述の通り。

クルーゾーの冷徹で緻密な演出が、ヒッチコックにも匹敵するサスペンスの巨匠としての評価を与えています。

クルーゾー監督の演出が、ヒッチコックを嫉妬させたと言うのは有名な話。

本作は現在でも、フィルム・ノワールの代表作として評価は高く、映画ファンにとっては必見の作品とされています。

アメリカではこの映画が見直されて、2002年に限定上映されています。

 

未見でニッチなクラシック映画の中にも、まだまだこんな面白い作品が埋もれているとわかると、なんだか楽しくなります。

 

ところで、個人的に妙に引っかかった点をひとつ。

殺人を疑われる夫婦の友人ドラです。

彼女は、殺人罪で警察から疑われる2人を必死に守ろうとします。

殺人現場に行って、証拠隠滅まで図ろうとするわけです。

気になったのは、彼女がそこまでする動機です。

映画の中では、さりげなくジェニーに対して「あなたが好きだから」と言っているのですが、これが妙に引っかかりました。これってもしかして・・・

そう思って注意していると、ジェニーの夫に対しても、ドラはゆったりと、タバコをふかしながら意味深にこんなこと言っています。「私って普通じゃないから。」

 

クルーゾー監督が、確信犯的に、本作にLGBTQを仕込んでいたとすると、この時代を考えれば、本作はかなり先駆的作品であった可能性が高いですね。

 

そうであれば、まさにフランス映画の面目躍如​​​​​​​​​​​​​​​でしょう。

映画「去年マリエンバートで」1961年フランス

この映画は、いつかは見なければと思っていた映画のうちの一本です。

なかなか録画するチャンスには恵まれず、我が家のDVDの在庫にもなかったもの。

Amazon プライムの有料コンテンツで見つけました。

基本アマプラは、会員無料特典作品しか見てこなかったのですが、たまにはいいかと思い400円を払ってゲット。

こんな時代になってしまっては、TSUTAYA も GEO も商売にならないだろうなあなどと感慨にふけりながら、ポップコーンとソイラテを横において鑑賞いたしました。

 

監督は、アラン・レネ。

この人の作品で一番最初に見たのは、短編のドキュメンタリー「夜と霧」でしたね。

ナチス・ドイツのホロコーストを描いた作品で、見たのは高校生の頃。映像的にはかなりしんどい作品でしたが、歴史の勉強のつもりで見ています。

長編デビュー作品は、日本を舞台にした「二十四時間の情事」。

原題は「ヒロシマ・モナムール」で、これは日本人男性とフランス人女性の情事を、広島の原爆と被せて描くというシュールな作品。

この人は、そのキャリアを見ても、実験的な映画に挑むのが好きな監督といえそうです。

 

本作は、長編2作目となる作品ですが、その演出はかなりアバンギャルドです。

そしてかなり難解。

 

この映画はファンタジーか?

それともホラーか?

いや、もしかしたらSF?

 

映画の冒頭を見せられただけで、いろいろな思いが脳裏を錯綜します。

しかし、難解なのは映像表現であってストーリーはいたってシンプル。

ロココ調の宮殿のようなホテルに、正装の紳士淑女が集っています。

彼らに名前はありません。

このホテルにいる1人の女を、男が訪ねて行きます。

男は、あなたとは、去年マリエンバートで出会い、恋に落ちたということを告げます。

そして、一年後にこのホテルで再会することを約束したと。

しかし、女はそれは覚えていません。

男はその詳細をただ女に訴えるだけ。

ホテルには、女の亭主もいて、彼は去年の二人の情事に、おそらく気づいています。

さて、二人の不倫関係はどうなるのか・・

 

文章にしてしまえば、たったこれだけの物語です。

 

Wiki によれば、脚本のアラン・ロブ＝グリエは、黒澤明監督の「羅生門」にかなり触発された語っています。

「羅生門」といえば、人間のエゴイズムと真実の曖昧さを、極上のエンターテイメントに昇華させ、「世界のクロサワ」を世に知らせしめた大傑作。

アラン・ロブ＝グリエは、この映画のために4本の脚本を用意します。

男の視点、女の視点、女の亭主の視点、そして現代です。

彼はそのシナリオをシーンごとに刻み、シャッフルして、話のつじつまが合うように繋げていきました。

監督曰く、この映画は「非常に緻密に計算された作品で、曖昧さのかけらもない」

確かにそうかもしれません。

しかし、それが理解できるのは、この作品を作っている本人たちだけだろうという気はしてしまいます。

もちろん、この映画を何度も繰り返してみれば、監督の言う事は理解できるかもしれません。

でも、この映画を繰り返し見ようとするのは、立場上「わからない」とは言えない映画評論家の方々や、相当コアな映画ファンだけでしょう。

少なくとも、この映画を初めて見た人には、シナリオ設計上の緻密さが理解される事はなく、映画を見終わって残るのは、そのあまりにも独特すぎる映像表現の印象だけだろうと思われます。

 

僕が初めてこの作品に触れたのは、おそらく中学生の頃です。

当時は過去の名作をダイジェストで紹介するような映画紹介番組があったんですね。

今ならその役目はYouTube番組が担っています。

その中に、この映画の紹介もあり、その時の解説者が何を言っていたのかはもう忘れてしまいましたが、その映像だけは強烈に脳裏に刻み込まれました。

まるでマネキン人形のように、静止したまま動かないホテルの紳士淑女たち。

主人公が振り向くたびに入れ替わる衣装や背景。

哲学的でさえあるホテルの内装や庭園のシンメトリーな風景。

映画の中身などまるでわからなくても伝わってくるのは、まるで異次元空間に誘い込まれたような異様な空気感でした。

その印象だけを頭の片隅に置いたまま、気がつけば半世紀が過ぎてしまいましたが、今回改めて全編を鑑賞してみてもその印象は変わっていませんでした。

ただ、こちらもその間には多くの映画を見てきて、色々と能書きは語れる位の映画リテラシーは身に付けておりますので辛口な意見を少々。

 

これは、スタンリー・キューブリック監督の「2001年宇宙の旅」を見た時にも感じたことなのですが、監督は意識的に映画を難解なものにしているだろうとピンときました。

「2001年宇宙の旅」は、1番最初のプロットではもっとわかりやすいSFエンターテイメントだったそうです。

実は、宇宙人が登場するようなプロットまであったとのこと。それは実際に撮影までされたそうです。

しかし、編集の段階に至って、キューブリック監督は映画が陳腐になることを嫌い、エンタメ性を徹底的に排除。

わかりやすい表現もバッサリとカットして、確信犯的に映画を難解なものに編集していったそうです。

こうすることで、キューブリック監督の斬新な映像は、それ自体が哲学的な啓示を表現しているような、深淵な映像体験に昇華しました。

もちろんこれは、アーサー・クラーク氏の監修による、それまでにのSF映画にはない革命的な宇宙表現が大前提にある事は言うまでもありません。

映像自体が陳腐なものであれば、この難解化作戦は間違いなく自爆します。

しかし逆に、それを下支えする映像がしっかりとしていれば、むしろ映画の内容は難解であればあるほど傑作と言う評価を受け、映像叙事詩として成立すると言うことを、キューブリック監督は心憎いほどに熟知していたと思われます。

難解な映画を、映画評論家たちはなかなか貶しにくいんですね。

アラン・レネ監督が、その意識を持っていたかどうかは想像するしかありませんが、本作は評論家たちの絶賛を受けて、ベネチア国際映画祭金獅子賞を受賞しています。

黒澤明の「羅生門」もこの賞を受賞しているので、ベネチアの人たちは、この手の映画が好きなかもしれません。

 

本作でデルフィーヌ・セイリグのすべての衣装のデザインを担当したのは、かの有名なココ・シャネル。

シャネルと言えば、女性を締め付けるコルセットを廃止した自由で快適な服装を世に提案したデザインのイノベーターであり、女性がパンツスタイルを楽しめるようにした功労者です。

装飾過剰なデザインを避け、モノクロームを基調としたシンプルさとエレガンスを追求した彼女のスタイルは、本作のモノクロ映像には映えていました。

今回鑑賞したリマスター版制作には、シャネルが出資していると言いますから、本作はシャネルのイメージ戦略にとってまだまだ宣伝効果の高いコンテンツであると言うことなのでしょう。

 

この映画が作られた1961年と言えば、フランスではヌーヴェルヴァーグが全盛期の頃でした。

映画の中に自由と言うエッセンスを取り入れたムーブメントではありましたが、本作の印象は、個人的にはフランソワーズ・トリフォーやジャン=ルック・ゴダールのタッチとは少々異質なものを感じます。

しかし、そうはいっても本作からは、フランス映画の香りはプンプンと漂ってきます。

こんな小難しい映画は、エンターテイメントに特化したハリウッドではまず作らないでしょう。

作るとしたら、やはりフランス映画しかないだろうと思います。

アメリカ映画のファンは、よくも悪くも単純明快です。

フランス人には、どこか映画文化の発祥の国としてのプライドがあるように思われます。

もちろんプライドだけではなく、映画を見る目も、リテラシーもそれなりに備わっているのは確実。

黒澤明や小津安二郎、最近では黒沢清といった映画監督を、ある意味では、日本国内よりも高く評価してきたのはこの国でした。

そのプライドがあるからこそ、本作のような難解な映画を許容する度量もあるのだと言う気がします。

 

「この映画を楽しめるようなセンスがないと、まだまだお子様ですよ。」

 

アラン・レネ監督からはそう言われているような気がしてなりません。

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

読書「硝子の塔の殺人」知念実希人

「『十角館の殺人』はまさに日本ミステリ界のマイルストーンでした。

それを皮切りに、法月綸太郎、有栖川有栖、我孫子武丸など錚々たる才能が日本ミ ステリ界に登場し、松本清張の活躍以来、縮小の一途をたどっていた本格ミステリの人気が一気に爆発して、新本格ムーブメントが起きたんですから」

 

本作は、ミステリーの解説書ではないコテコテの本格ミステリーです。

その中で、こうして日本の本格ミステリー誕生のリアルな経緯が説明されるわけです。

こちらは、中学高校時代に、松本清張や横溝正史、森村誠一のミステリーを読み漁ってからは、平成時代まるまるミステリーから遠ざかり、定年退職後になって、再びミステリーにハマっているという老人です。

そのまるまる抜け落ちた部分を、評論家ではなく、ミステリーの登場人物からご指導を仰ぐというのはなんとも不思議な気分。

ミステリーの愛好者でもある作者から、本作を通じてこう教えられているような気分でしたね。

 

「あなたが知らないうちに、日本のミステリーは、海外の古典本格ミステリーの伝統を損なうことなく、独自の進歩を遂げ、今や大輪の花を咲かせていますよ。」

 

まさにそうでした。

そして、本作自体が、その大輪の花となる極上のミステリーになっているわけですから、もう平身低頭です。

 

新本格ムーブメントだけではありません。

作者は、そこに至るまでの先達へのリスペクトも忘れていません。

少々長くなりますが、本作のトリックとは関係ない部分ですのでまるまる引用します。

 

「ただ、『十角館の殺人』で新本格ムーブメントが爆発する土壌を作ったのは、島田荘司なのは間 違いないでしょう1981年に刊行されたデビュー作『占星術殺人事件』は多くの本格ミステリ ファンを魅了しました。綾辻行人もその一人だったはずです。また島田荘司は自らも「斜め屋敷の 犯罪』や『暗闇坂の人喰いの木』などの名作を生み出す一方、綾辻行人、法月綸太郎、歌野晶午な ど新本格ムーブメントを担う若手作家を世に送り出しています。島田荘司がいなければ『十角館の 殺人』も生まれることなく、新本格ムーブメントも起こらなかったのではないでしょうか。また新本格ムーブメントを仕掛けた宇山日出臣、戸川安宣などの編集者の功績も忘れてはなりません。もちろん、鮎川哲也など、本格ミステリ不遇の時代を支えてきた・・・」

 

いやいや、作者のミステリー愛がこぼれ落ちそうです。

作家だけでなく、編集者にも実名で言及しているあたりはファンとして涙が出そうなところ。

ある意味では、我が国だけではない、180年に及ぶ世界のミステリーの総括といっても過言ではないくらいの価値が本作にはあるかもしれません。

とにかく、過去のミステリーの名作が、実名でこれでもかと登場します。

僕が読んでいる本も相当数あって、これを読んでいるのと、読んでいないのとでは、物語の理解度が違ってくるという仕掛けになっています。

僕が読んでいたミステリーは半分ほどでしょうか。

未読のミステリーがあったのが悔しいくらいでした。

老後の楽しみに、今後もミステリーは読んでいくつもりです。

しかし、世界に星の数ほどあるミステリーを全て読めるわけはありません。

その意味では本作は、極上の作品を教えてくれる格好のガイド・ブックにもなっておりました。

ミステリー・ファンなら、絶対にチェックしてみてください。

 

個人的に、今後の読書の参考にするため、本作に登場したミステリーは、しっかりとメモしましたので、ここで紹介しておきます。

もしも、これらをこれらの作品をすでに読んでいらっしゃる方は、そのミステリーが、本作のどんな場面で登場するのかを是非楽しんでみてください。

すべて、その内容がストーリーとリンクしています。

 

「ねじれた家」アガサ・クリスティー

「Yの悲劇」エラリー・クイーン

「毒入りチョコレート事件」アントニー・バークリー

「火刑法廷」ディクスン・カー

「モルグ街の殺人」エドガー・アラン・ポー

「まだらの紐」コナン・ドイル

映画「ナイブズ・アウト」

BBCドラマ「忌まわしき花嫁」

映画「ローラ殺人事件」

ドラマ「刑事コロンボ」シリーズ

「三つの棺」ディクスン・カー(第17章密室の講義)

「名探偵の掟」東野圭吾

「アクロイド殺人事件」アガサ・クリスティ

「そして誰もいなくなった」アガサ・クリスティ

「十角館の殺人」綾辻行人

「屍人荘の殺人」今村昌人

「パディントン発4時50分」アガサ・クリスティ

「鏡は横にひび割れて」アガサ・クリスティ

「火曜クラブ」アガサ・クリスティ

「空飛ぶ馬」北村薫

「ビブリア古書堂の事件手帖」三上廷

「珈琲店タレーランの事件簿」岡崎琢磨

「オリエント急行殺人事件」アガサ・クリスティ

「占星術殺人事件」島田荘司

「エジプト十字架の秘密」エラリー・クイーン

「焦茶色のパステル」岡嶋二人

「斜め屋敷の犯罪」「暗闇坂の人喰いの木」島田荘司

「時計館の殺人」綾辻行人

「探偵が早すぎる」井上真偽

「りら荘事件」鮎川哲也

「キングを探せ」「11枚のトランプ」「トランプ殺人事件」法月綸太郎

「踊る人形(シャーロック・ホームズの帰還)」コナン・ドイル

「狙った獣」マーガレット・ミラー

「数字を1つ思い浮かべろ」ジョン・バードン

「仮題・中学殺人事件」「9枚の挑戦状」辻真先

「最後のトリック」深水黎一郎

「神様ゲーム」麻耶雄嵩

 

さて内容です。

実は、本作で展開される連続殺人事件は、あまりにミステリーのテンプレートに沿ったもので、物語冒頭は正直リアリティが感じられませんでした。

本作は、あくまでフィクションとしてお楽しみくださいと最初から言われているような展開なんですね。

もちろん、それならそうで、こちらもそういうモードにスイッチを切り替えて、楽しませてもらいましょうと頭の中を整え直します。それもまた正しいミステリーの楽しみ方というもの。

しかし、そのいかにも古典ミステリー然とした事件の合間に、自分の知っているリアルなミステリー小説の情報などが挟まってくると、そのうちこちらは現実とフィクションの境目が怪しくなってくるんですね。

確かに「十角館の殺人」などにも多少そういった表現は多少出てきましたが、ここまで意識的に、リアルな現実世界を小説内にぶち込んでくるミステリーははじめてでした。

 

そして、これを巧みに利用したミステリーを、メタミステリーということも、実は本作で知ることとなります。

 

このロートルが知らぬ間に、いつのまにか、そういうミステリーの分野が確立されていたようで、実はそんなこととはつゆ知らず読んだ過去の作品の中にも、このジャンルに含まれる作品はありました。

本作ほど明快なものはありませんでしたが、例えば叙述ミステリーなどは、ある意味ではこの分野に含まれてもいいミステリーかもしれません。

 

メタ・ミステリーは、つまり物語世界と現実世界の境界を意識的に取っ払うという手法です。

これは一歩使い方を間違うと、ミステリー・マニアたちの顰蹙を買うことにもなりかねませんが、上手に使えば、物語は俄然面白くなります。

 

例えば、本作にはこんなセリフが登場します。

 

「私は綾辻行人になりたかったんだ。」

 

これを、ご本人が読んだらどんなリアクションになるのか。

そんなことを考えるだけでもニンマリです。

こんなのも出てきました。

 

「だからこそ君は、ハンニ バル・レクターでも真賀田四季でもなく、自らをモリアーティに見立てているんだよ」

 

ハンニバル・レクターは、ご存じ「羊たちの沈黙」に登場するインテリ殺人鬼。

真賀田四季は、最近読んだばかりの森博嗣のデビュー作「すべてはFになる」に登場する美貌の天才殺人鬼。

このキャラは、後に単独でシリーズ化もされています。

モリアーティは、もちろんシャーロック・ホームズの宿敵。

最後は一緒にホームズと共に滝に落ちて絶命します。

知っていれば、その分このセリフが何倍にも楽しめるという仕掛けです。

いや、たとえ知らなくても、これがメタ情報だとわかっていれば、スマホで検索すれば学習することも可能、

要するに、物語の情報が、次元を飛び越えてくる感覚は、それを知っているミステリー・ファンであればあるほど楽しくなるというわけです。

 

思わず本作のメタ・ミステリーとしての魅力ばかり語ってしまいましたが、もちろんそれだけではありません。

本作には、本格ミステリーとしての仕掛けも、二重三重に張り巡らされています。

 

この物語は、ミステリーを愛する大富豪の呼びかけで、地上11階・地下1階の「硝子の館」に集まった刑事、霊能力者、小説家、料理人など、個性的なゲストたちが繰り広げる謎解きと殺人事件を描いています。

物語を引っ張っていくのは、この富豪に殺意を抱いている医者と、自称名探偵と豪語するエキセントリックな男装の美女。

物語の舞台となる「硝子の館」は、長野県の北アルプスに位置し、13年前に起きたスキー場での暴行事件と関連する過去の事件が絡み合います。

ゲストたちは次々と起こる殺人事件に巻き込まれ、13年前の事件の真相が解き明かされていきます。

 

.まあまあ、とにかくその絵に描いたようなクローズド・サークルの舞台設定。

そのままアニメがRPGゲームにでもなりそうな立ったキャラ設定。

そして、硝子の塔で展開されるのは、趣向の凝った「ザ・密室殺人」。

なんといっても、この連続殺人を解明していく名探偵女子のなんとアニメチックなことよ。

彼女のこんなセリフがありましたね。

 

「犯罪現場は刺身のようなものです。」

 

「名探偵に常識を求めるなんて、それこそ非常識。」

 

いや、もちろんいいんです。

ミステリーの基本はなんといってもエンターテイメント。

こちらが納得出来る範囲で面白ければ、リアルすぎて面白くないミステリーよりはなんぼかましというもの。

多少謎解きが雑であろうと・・・・犯人の目星がついてしまいそうでも・・・

 

正直そんな思いも抱きながら、名探偵女史の謎解きのパートまで読み進めていきます。

まあ、これで大円団でも、一応は納得ラインには達していたという感想です。

そこで、ふと気になって、本書の残りページを確認するわけです。

すると、まだたっぷり物語が展開できるくらいのページが残っているんですね。

おや? これで終わりではないのか。

 

まさに、映画ならここでエンドロールでもおかしくないというようなシーンが訪れます。

 

ところが、そこからの怒涛の大どんでん返しがまさに圧巻。

確かに、いくつかの謎は説明なしのまま残っていたことは気が付きました。

しかし、そこからの展開は、その謎の解決ばかりではありませんでした。

驚くべきは、そこまでこちらとしては消化不良だった部分も含めて、見事にひっくり返されていくんですね。

仕込まれた伏線やロジックに破綻はありませんでした。

これぞまさに「ザ・大どんでん返し」。

おもわず、「ごめんなさい!　舐めてました」と反省するのみ。

作者は、本作の読者が、ある意味この名探偵女史の「謎解き」パートに、多少の不完全燃焼を感じているところまでをしっかりと計算に入れていましたね。明らかに確信犯でした。

ミステリー・ファンの思考回路を辱知しているあたりが実に憎らしい。

知念実希人恐るべし。

 

とにかく、この複雑に過去の事件とも絡まる、まるでDNAの螺旋構造をようなブロットを巧みに構築して、密室トリックあり、暗号トリックあり、アリバイ崩しありのトリックてんこ盛りで、雪中にキラキラと輝く硝子の塔のような極上のミステリーを仕上げた作者の筆力にはただ脱帽するのみ。

 

日本ミステリーの金字塔は、まさに硝子の塔だったと申し上げておきます。

 

最後に、個人的に一つだけ残った謎があるのですが、これが分かる人がいたら是非教えていただきたい。

 

「なるほど、探偵役が犯人というわけですか。なかなか面白い。けれどミステリ小説では、そのトリックはすでに様々な作品で使われていて、よほどうまく使わない限り読者に驚きを与えられない んですよ。そうですね、まず思いつくのはレー･････」

 

この後に続く作品名はなんだ!?

 

映画「愛の狩人」1971年アメリカ

 

久しぶりに見直しました。

 

映画の公開当時は、まだ小学生でしたので、もちろんロードショーでは見ていませんが、たぶん高校生になってから、どこかの名画座で見ていますね。

当時は、映画雑誌「スクリーン」「ロードショー」は欠かさず読んでいました。

そして、グラビアの映画紹介で、キワどいシーンのありそうな映画をもれなくチェック。

それを自分の映画ノートに書き出して、見たものを赤線で消していくなんてことをやっていました。

1970年代くらいになると、一般映画でも、バストトップまで見せてくれるくらいのサービスは、映画業界でも当たり前になってきました。

日本映画ですと、お色気映画は、日活ロマンポルノや、東映の時代劇ポルノなど、すべて成人映画に指定されてしまい、さすがに高校生にはハードルが高くなります。

ですので、動く女性のヌードを見ようと思ったら、どうしても洋画になります。

映画雑誌に掲載されるスチールで、お目当てのヌードシーンがあることかわかれば、どんなにB級の低予算映画でも見に行ったものです。

まだ、アダルトビデオなどなかった時代ですから、スケベ高校生がそのスケベ心を満たすには、手間も時間もかかったわけです。

 

もちろん、映画雑誌がヌード情報をすべて伝えてくれるわけではありません。

思いもかけずお気に入り女優のバストトップが拝めたという作品もあります。

今でこそ白状しますが、とにかく映画鑑賞の目的はかなり不純でしたので、そのうちに、映画のストーリーや、キャスト欄の情報だけで、お目当てのシーンがあるかないかを判断できるようになってくるんですね。

スケベの直観はナメたものではありません。

 

例えば、「ゴッドファザー」に出演していたシモネッタ・ステファネッリという女優がいます。

シチリア島に逃げたマイケル・コルレオーネと結婚して妻となるアボロニアを演じたのが彼女。

マイケルの目の前で爆死してしまう役です。

実は彼女の作品は、「ゴッドファザー」を見たのと同じ年にもう一本見ています。

イタリア映画で、その名も「黄金の七人/1+6エロチカ大作戦」。

ロッサナ・ポデスタ、シルバ・コシナというイタリア映画界の大物女優がお色気を競う映画でしたが、若い彼女が演じた純真な娘は、個人的にはとても印象的でした。

その彼女が、同じ年に公開された「ゴッドファーザー」にもクレジットされていたので、あの名作の何たるかも知らずに、個人的にはただ彼女目的で見に行ったんですね。

そして、そこで思いもかけず彼女のヌードを拝めることが出来て、コッポラ監督にはお礼を言いたいところでした。

映画「ゴットファザー」は、後にこれが映画史に残る傑作になっていると知り、あわてて何度か見直しましたが、最初に見たときには、正直アボロニアのかなり独特の乳首の印象しか残っていませんでした。

 

さて、本作「愛の狩人」も、そんなスケベ映画オタクのレーダーがしっかりとキャッチした映画の一本でした。

日本の映画会社がつけたこの邦題(確か同じタイトルのロマンポルノもあったような?)も秀逸でしたが、本作の原題は "Carnal Knowledge"。

翻訳ソフトの直訳によれば「肉欲の知識」ということですから、ずばりセックスを真正面から扱った映画ということになります。これを、あの当時の僕が見逃すはずがありません。

監督は、マイク・ニコルズ。

この人は、なんといっても1967年の「卒業」で名を馳せた名監督です。

元々この人は舞台演出監督出身なのですが、その前年に撮られた「バージニアウルフなんて怖くない」が映画監督デビュー。

この映画がなかなかすさまじい映画で、倦怠期の夫婦がひたすら罵り合うというだけの会話劇です。

彼はこの作品で、リチャード・バートンか、エリザベス・テイラーのどちらかに(未見なのでわかりませんが)、映画史上初めて　"Fuck!" 　という言葉を言わせています。

これはそれまでアメリカ映画界を自主規制していたヘイズ・コードに対して完全に反旗を翻した作品でした。

規制撤廃の引導を渡したのは1967年「俺たちに明日はない」や「卒業」だとされていますが、事実上は「バージニアウルフなんて怖くない」がそのきっかけとなっているのは間違いないところ。

このコードは、1968年に廃止されます。

 

そんな、既存のの倫理観をぶち壊すことでアメリカン・ニューシネマの旗手となった監督が、セックスに正面から取り組んだ作品を撮るというわけですから、これはスケベの血が騒いだのは言うまでもありません。

映画雑誌のビジュアル情報をチェックすると、まず目に入ったのは、あのサイモン&ガーファンクルの、アート・ガーファンクルが、キャンディス・バーゲンとキスをしながらそのバストに、服の上から手を伸ばすシーン。

もちろん、最近のAVのような激しいものではありませんが、これは当時としてはかなり強烈でしたね。

それまでの映画では、グラマー女優の魅惑のバストを誇張する演出というのはさんざん見てきましたが、たとえ服の上からでも男優が女優のバストに触れるというカットは、この映画で初めて見ました。

これは期待できる。

直感的にそう思ったのはよく覚えています。

 

そして、さらに強烈だったのは、アン=マーグレットでしたね。

この人は、60年代は、エルビス・プレスリーとの共演映画で人気を獲得した歌って踊れる女優でした。

そのフェロモンをまき散らすダイナミックなダンスで、「女エルビス」なんて呼ばれていました。

しかし、本作の彼女は、歌とダンスは完全封印。

そのグラマラスな肢体と、演技力のみで、愛に苦悩するリアルな女性像を演じていました。

 

特に衝撃的だったのは、彼女の巨乳に、ジャック・ニコルソンが顔を埋めていくシーンです。

(もちろんドレスは着ています)

これには、恥ずかしながら「なまつばごくり」でした。

それまでどれだけお色気映画を見てきていても、そんなエロいシーンにお目にかかったことはありませんでした。

僕の「おっぱいフェチ」は、この瞬間に誕生したといっても過言ではありません。

本作は、ジャック・ニコルソン演じるジョナサンと、アート・ガーファンクル演じるサンディの、学生時代から中年になるまでのおよそ20年に及ぶ愛と性の遍歴を描いたもの。

学生時代の二人の間で揺れる女子大生スーザンを演じたのがキャンディス・バーゲンです。

当時すでに34歳になっていたジャック・ニコルソンと、30歳になっているアート・ガーファンクルに演じさせる大学生というのは、今再見するとかなり無理があるのは否めません。

しかもサンディは、まだチェリー・ボーイという設定でした。

キャンディス・バーゲンは、撮影当時25歳で、これは女子大生でもギリギリセーフの年齢ですが、スクリーンの彼女はかなり大人っぽい印象。

髪を二つ編みにしたり、若く見えるように工夫はしていましたが、サンディに「君は処女かい?」と聞かれてうなずいているシーンでは、「それはないだろう」と思ってしまいました。

時間軸を戻れば、冒頭のダンスパーティのシーンでは、グレン・ミラーの「ムーンライト・セレナーデ」が流れていましたので時代はまだ1940年代でしょう。

もしかしたら、その時代の若者たちは、まだそこまでお盛んではなかったかもしれません。

 

スーザンは、ジョナサンがサンディの親友と知りつつ関係を持ちます。

純朴なサンディにしてみれば、これは完全にNTRの構図。

その三人との会話シーンで、スーザンは、これでもかというくらい笑い転げています。

このシーンを、マイク・ニコルズは、男性二人を画面に出さずに、ひたすらスーザンのアップのみのワンカット撮影で捉えます

二人の間で苦悩しているはずのサンディが、涙を流して笑っているシーンが延々と続くのですが、これが妙にリアルでした。

そして、サンディに自分のことを言えと迫るジョナサンに、最後は別れを告げられる電話のシーンでは、今度は大粒の涙が彼女の鼻先を伝って(確かにそう見えた)こぼれ落ちます。

この対比が強烈に効いていて、愛と性のモラルに苦悩するスーザンの心情と、男と女の愛と性の深淵は垣間見た気にはなれました。

 

しかし、男ども二人は・・・

 

さて、30代になったジョナサンの前に現れた女性は、アン＝マーグレット演じるボビー。

とにかく、その登場シーンから、黒いドレスにはちきれそうな彼女の胸の谷間が、大方の男性観客の目をくぎ付けにします。

そして、前記したその胸に、ジョナサンが顔をうずめるシーン。そして・・

 

二人はすぐに同棲を始めます。

しかし、最高のセックス・パートナーを得ても、縛られたくないジョナサンは結婚を承諾しません。

それでもボビーを籠の鳥にしておきたいジョナサン。

家事をほとんど出来ないボビーとの生活は、次第に殺伐としたものになっていきます。

ボビーを口汚く罵るジョナサンに、それでもボビーは結婚を懇願します。

 

サンディは、スーザンと別れ、シンディというパートナーを得ています。

ある日、ジョナサンのアパートに訪れた二人に、彼は夫婦交換を持ち掛けます。

ジョナサンは、シンディにあっさり振られますが、ボビーの寝室では・・・

そして、40代になったサンディは、まるで娘のような年齢の少女と付き合うようになり、ジョナサンは、高級情婦のもとへ。

 

これだけガッツリと大人の映画を見せられて、当時の映画オタクの高校生は精一杯背伸びして考えます。

男と女にとって、愛とはなにか。セックスとは何か。

 

まずは、男性の立場からです。

男性は進化論的な観点から考察すれば、まずは遺伝子を広めるために多くのパートナーを求める傾向があるということ。

これは、男性がより多くの子孫を残すための戦略に過ぎない。

また、社会的には、男性はしばしば競争的であり、ステータスや力を示すことが重要視されることが多い。

このため、愛と性に対する解釈も、自己の価値を高める手段として捉えられることがありがち。

本作のジョナサンを見れば、それは一目瞭然。

男の性欲は、長い人類の歴史の中で培われた遺伝子による生存戦略。

 

では、女性の立場からも考察してみましょう。

女性は進化的には子供を育てるために安定したパートナーを求める傾向がある。

これは、子供を育てるための資源や保護を確保するための戦略である。

社会的には、女性はしばしば感情的なつながりやコミュニケーションを重視する傾向があり、愛と性に対する解釈も、深い感情的な結びつきや信頼関係を重視するものとなる。

本作のスーザンも、ボビーも、愛と性を切り離せずに苦悩します。

 

愛と性の問題は女にとってはいつでも複雑怪奇、しかし男にとっては単純明快。

 

1934年にアメリカ映画界で導入されたヘイズ・コード（Hays Code）は、映画の内容を厳しく規制する自主規制基準でした。

映画の普及に伴い、その内容が社会に与える影響についての懸念が高まり、特に、暴力や性描写、反社会的行為を含む映画が増えたことで、宗教団体や公共道徳を守る団体からの批判が強まりました。

カトリック教会を中心としたこれらの団体は、映画が社会の道徳を堕落させると主張し、規制を求める声が高まりました。

映画業界は、政府による直接的な検閲を避けるために、自主規制を導入する必要があったわけです。

 

映画を広く大衆に受け入れてもらうために、映画界は、自ら進んで健全で品行方正という方向に舵を切りました。

しかし、こういった建前のモラルに支配されたお行儀のいい映画は、次第に観客には見透かされていき、映画産業は衰退していくことになります。

 

そしてそのカウンター・カルチャーとして登場したのがアメリカン・ニュー・シネマでした。

このムーヴメントは既存の倫理をことごとく破壊していき、喝采を浴びていきます。

「イージー・ライダー」しかり、「ソルジャー・ブルー」しかり「バニシング・ポイント」しかりです。

そして、セックスというモラルに対しては、ポルノ映画という直接的手段を使わずに、一般興業の映画として、真正面から向き合った作品として本作があるわけです。

 

よし、これくらい、愛と性の深淵について掘り下げ、本作の映画史的立ち位置を検証できていれば、この映画を語る資格はあるだろう。

当時の僕は、ただのスケベであること悟られないために、せっせとそんな理論武装をしていました。

 

しかし、本作を久しぶりに再見して再確認したこと。

それは、見終わってみれば脳裏に焼き付いていたのは、圧倒的なアン=マーグレットのバストの魅力でした。

愛と性の深淵もどこへやら。

ジョナサンは彼女のバストは「特大のDカップ」といっていましたが、あれは今の基準なら間違いなくGカップ以上。

その彼女が、ベッドに全裸で横たわって、ハンバーガーと紅茶をすすりながら新聞を読んでいるシーンや、あたりまえにブラジャーをつけるシーンがなんとも普段ぽくて艶っぽいことよ。

そして常に彼女のバストトップが、見えるか見えないかギリギリのカメラワークは、なんとも憎い限り。

巨乳AVをさんざん見てきた助平爺の目からも、十分すぎるくらいエロチックでしたね。

 

アン=マーグレット最高!

 

そしていつだって、いい女とエッチすることだけを考えている男たちは、サイテーと言われてもしょうがないでしょう。

ジョナサンもサンディも、芸能界のセックス・スキャンダルのゴシップを賑わすタレントも、結局皆ロクなもんじゃありませんが、そういう自分自身もほぼ同じ穴の狢であることは明白。

彼らにモノ言う資格など、僕にあろうはずがありません。

 

「愛の狩人」たちは、たいていは自分で仕掛けた罠に自らハマって、最終的には身動きが取れなくなるということは、どちら様もどうかお忘れなく。

 

 

。

 

 

 

 

 

映画「おもいでの夏」1971年アメリカ

久しぶりに見直しました。

夏を思い返したくなるこの時期に見ると、やはりこの映画は本当にいい。

20代前半までで、おそらく数回は見ていると思います。

鑑賞したのはすべて関東一円の名画座ですね。

当時は、「ぴあ」という、情報誌がありましたので、この映画が見たくなると、上映館を探して、埼玉県から日帰りで行ける範囲の映画館なら、どこへでも出かけた記憶があります。

本作は1971年に公開されたアメリカ映画です。

監督はロバート・マリガン、脚本はハーマン・ローチャーが担当しました。

この映画は、ローチャーの回顧録に基づいており、思春期の少年のひと夏の経験を描いています。

ローチャーの回顧録は文庫本にもなっており、これも当時しっかりと読んでいます。

物語は1942年の夏、ニューイングランドのナンタケット島を舞台に展開します。

主人公のハーミーは、友人のオシーとベンジーと共に島で過ごすことになります。

彼らは性への好奇心が旺盛な思春期の少年たちです。

ハーミーは、丘の上の一軒家に住む美しい人妻ドロシーに魅了されています。

ドロシーの夫が戦争に出征した後、ハーミーはひょんなことから彼女との接近遭遇に成功。

彼女の海岸沿いの自宅に呼ばれるまでになります。

ある晩、ハーミーが彼女の自宅に訪れると・・・

いわゆる思春期の少年の「筆おろしもの」とカテゴライズされる映画は、あの当時かなりありました。

とにかく、映画を見る動機はかなり不純でしたので、その手の映画は片っ端から見ていましたね。

たいていは、主演女優のエロティックなシーンが期待できるので、まず見逃していないはずです。

映画を作る方も、僕のようなスケベを映画館に呼び込む標的にしていますので、そのサービスが行き届くほど映画はB級になっていくという悲しき宿命でした。

しかし、そのカテゴリーの中にあって、本作には映画史に残る名作の香りが漂っていました。

もちろん、監督であるロバート・マリガンの、ノスタルジックを前面に押し出した格調高い演出に依るところも大きいでしょう。

本作を永遠の名作にすることに大きく貢献した要因は二つあると思っています。

その一つは、間違いなく、ミッシェル・ルグランによるテーマ曲の素晴らしさでしょう。

このテーマ曲の、本作への貢献度は計り知れません。

今、前期高齢者の年寄りとなった自分が、久しぶりに本作を鑑賞しても、このテーマ曲が流れるシーンは、もう無条件で胸が締め付けられます。

おそらく、このテーマ曲の、胸キュンBGMとしての威力は、生涯ベストワンの位置を下りることはないと確信出来ます。

多感な思春期の頃に刷り込まれた音楽体験は、それくらい強烈だということでしょう。

1987年に、当時はまだ高価だったビデオ・カメラを購入して以来、毎年秋風が吹くこの時期には、撮りためた「おもいでの夏」の映像をせさっせと編集していました。

そして、そのエンディングには、かならずこのテーマ曲をBGMとして使っていたことを思い出します。

まだ、YouTubeなどは、影も形もない頃でしたので、編修した動画は、毎回会社の同僚たちを呼んで上映会をしていたことを、つい昨日のことのような思い出しております。

この映画のサントラ盤アルバムも探し回りました。

まだAmazon もなかった頃でしたので、新宿駅西口の中古レコード・ショップで目指すLPレコードを見つけたときには、小躍りして喜んだ記憶があります。

今もこのブログを書きながら、テーマ曲を聞いていますが、気が付けばパソコンを打つ指先が止まっていますね。

そして、本作を永遠の名作にすることに大きく貢献した要因のもう一つは、なんといっても本作の主演女優ジェニファー・オニールの魅力です。

彼女が本作で演じたドロシーは、当時、ティーン・エイジャーだった僕のハートをガッチリと鷲掴みにしてしまいました。

あの当時、名画座のスクリーンで、ジェニファー・オニールの姿を見つめる僕の顔は、おそらくあの15歳の少年ハーミーを演じたゲイリー・グライムスのとろけるようなヤニ下がり顔よりも、締まりがなかったとような気がします。

映画とは、日常ではお目にかかることのない魅力的な美女を堪能する娯楽という、僕の映画に対するポリシー形成に、おおいに貢献したのが本作であることは間違いありません。

この映画で、彼女にハマってからは、彼女の出演する映画は、公開されれば片っ端から追いかけましたが、あのドロシーには二度とあえませんでした。

映画の面白さに主演女優の美しさや魅力が貢献することは多々ありますが、本作の場合はそれけににとどまらない印象です。

映画と主演女優の魅力が、明らかに化学反応を起こしているんですね。

これはもう理屈ではありません。

同じ脚本、同じスタッフでもしこの映画を作ったとしても、主演女優がジェニファー・オニールでなければ、それは全く違う印象の映画になっているような気がします。

そういう作品にめぐり逢えた女優も幸運なら、この時期にこの年齢のジェニファー・オニールを獲得できた映画自体もラッキーだったと思います。

「ローマの休日」のオードリー・ヘップバーン、「冒険者たち」のジョアンナ・シムカス、「小さな恋のメロディ」のトレイシー・ハイド、「ロミオとジュリエット」のオリビア・ハッセイ。

たった一本の映画で、永遠のミューズになった女優はたくさんいますが、本作のジェニファー・オニールも間違いなくその一人だと思います。

 

ただ、それはもしかしたら、映画女優としては不幸なことだったかもしれませんが。

さて、本作にはハーミーとドロシーのひと夏の出来事同時に、15歳の「猛烈トリオ」によるおバカ騒動が描かれていきます。

思春期の少年たちの「おバカ騒動」といえば、セックスがらみなのは古今東西一緒でしょう。

とにかく、頭の中は、エロい妄想ではちきれんばかりだったというのは、個人的にも大いに心当たりがあります。

仲間の一人ベンジーの家にあった写真解説付きの性医学書をこっそり持ち出して、メモを取りながらかじりつくというシーンがありました。

これは似たような思い出があります。

わが実家は実は書店でした。

性医学書は並んでいた記憶はありませんが、全編オールカラーのグラビア書籍「HOW TO SEX」のことは、よく覚えています。奈良林祥という医学博士による医学書という体裁なのですが、挿入写真はかなり刺激的でした。

これを閉店後の店に下りて行って、夜な夜な眺めていたんですね。

本屋の息子であることの幸福を心の底からかみしめていました。

しかし、そういう密かな楽しみがあると、これを黙っていられないのが悲しい性。

その本から得た知識を友人たちに自慢気にひけらかすことになります。

するとそれを聞いて、あきらかに、コチラにすり寄ってくる連中がいるわけです。

彼らの目的はひとつ。

「今度おまえんちに行くから、その本を見せろ」というわけです。

どういう目的であるにせよ、友人が増えることについては悪い気はしませんので、こちらは彼らのために、前日そっと店からクスねてきたその本を部屋に隠しておき、遊びに来た彼らに見せるわけです。

彼らは、その本を食い入るように見る。こちらは、両親や弟たちが、突然この部屋に入ってこないか、外の気配に全神経を集中させる。

まるで、この映画にもあるようなシーンを、こちらも個人的にリアルに経験しているわけです。

なんだよ。

中学生がスケベなのは、埼玉もアメリカの片田舎も一緒じゃねえかと、妙に安心させられました。

実は、同じ時期、我が家にはドロシーもいました。

実家の本屋で、パートのアルバイトをしてくれていたS子さんです。

彼女は、岩手県から出て来ていて、当時の我が家から徒歩で10分程度のところに、お兄さんと一緒に住んでいました。

この人がジェニファー・オニールに負けず劣らず綺麗な人だったんですね。

両親が話していたのを盗み聞きしたところによれば、当時で年齢は22歳。

どこか東北弁のアクセントが抜け切れていない話ぶりを本人が気にしていたかどうかは不明ですが、それが妙に魅力的でした。

当時の僕はマセた高校生でしたので、突如我が家に現れたミューズには、いろいろな意味で困惑しました。

高校のクラスにも、美人はもちろんいましたが、それよりももっと身近なところに現れた年上の女神の魅力は圧倒的でした。

今から考えてみると22歳は決して大人ではないかもしれませんが、クラスメイトの女子に比べて、彼女は圧倒的に「大人の女」でしたね。

あの当時の、僕の彼女に対するアプローチは、涙ぐましいものでした。

デートに誘うなどということは絶対にしません。

僕がしたことは、彼女の休憩時間になる4時から4時30分の間に、家に戻ってくること。

これのみです。

しかも、それが毎日では、両親にいらぬ勘繰りをされるので、二日に一遍、もしくは三日に一遍という、いかにも偶然とおもわれるようなアルゴリズムを作って、彼女の休憩時間を狙いすますわけです。

目的は一つ。それは、その休憩時間に、彼女に笑ってもらうこと。それだけでしたね。

とにかく、自分が女性にもてるための最大の武器は、「楽しい人」と思われることだけだと思っていましたので、ここにはこだわりました。

彼女にも通じそうなネタを思い付けばメモしていましたね。

そして、彼女にウケたネタは、当然そこから広げていきます。情報収集も怠りません。

後に付き合うことになる女性たちとも、デートの際、会話の話題に困ったことがなかったのは、この時期の彼女と過ごした時間で培われたものだと断言できますね。

とにかく、彼女はよく笑ってくれました。

S子さんとは、実は一度だけデートをしたことがあります。

といっても、僕が誘ったわけではありません。

我が家は、本の他に、文房具も扱っていたのですが、その見本市に二人で行って来いと送り出してくれたのは両親でした。

場所は赤坂プリンス・ホテル(だったような?)。

招待客にはフルコースの食事も用意されているという豪華なイベントでした。

基本は店主夫婦そろっての招待なのですが、フルコースと聞いただけで母親がおじけづいたわけです。

願ってもないチャンスでしたので、「面倒くさいなあ」という姿勢は崩さないまま、内心ではガッツポーズ。

とにかくこの日のために、着るものも靴も新調しました。

このあたりは、ドロシーの家に訪れる約束を取り付けたハーミーとまったく一緒のノリです。

フランス料理のフルコースなど、もちろん僕も食べたことはありませんでしたが、これはしっかりと事前に学習しました。

複数おかれたナイフとフォークは、外側から順番に使うこと。目の前に一品ずつ出された料理は食べきらないと次の料理が出てこないこと。

もちろんネット情報などなかった時代ですが、我が家は本屋です。

実用書のコーナーには、フランス料理のマナー本も、しっかりと置いてありました。

赤坂までの電車のアクセスも、しっかりと時刻表の「首都圏国鉄地下鉄案内図」を頭に叩き込みました。

帰りは新宿によって、ゲームセンターに彼女を案内するという青写真もバッチリ。

本作のハーミーよろしく、高校生の僕は、完全に背伸びしまくりで、この一日彼女をつつがなくエスコートすることに全神経を集中させていました。

当日我が家に現れた彼女は、今までに見たことのないお洒落な装い。

これを我が両親に思い切りいじられた彼女は、顔を真っ赤にしていました。

駅で彼女の分の切符を買って渡そうとすると、彼女がポツリと一言。

「わたし東京行くのなんて初めてだから。ちょっと怖いなあ。頼りにしてるからね。」

当時の彼女は、僕よりも4歳か5歳年上でしたが、この時だけはこちらが年上の気分でした。

この思いがけない東京デートは、なんとかつつがなく終了。

最後、新宿駅に向かうまでの道を、彼女は僕のリクエストを快く受け入れてくれて、腕を組んで歩いてくれましたね。

S子さんは、僕が大学生になってからしばらくすると、突然店をやめてしまいます。

それを聞いたのは、両親からでした。

理由は、結婚が決まったからとのこと。

彼女にそんな相手がいたなんてことは、こちらとしては、まさに寝耳に水。

そんなわけで、結局彼女とは、今思い返せば「別れ」の挨拶もしていません。

映画の中のドロシーは、別れの朝、ハーミーに手紙を残していましたがそれもなし。

彼女の家はわかっていましたが、訪ねていく理由も勇気も持ち合わせていませんでした。

もうその彼女も考えれば今は70歳近いはずです。

おそらくは、東北訛りの抜けきらない「いい」おばあちゃんのはずです。

こちらも負けず劣らず年輪を重ね、高血圧と頻尿に悩む前期高齢者になり果てているわけですが、悔しいのは彼女がこちらの記憶の中では、永遠にあの時のままだということ。

しかも、その20代前半の彼女は、その年齢のままで、永遠に魅力的な「年上の女性」であり続けるということですね。

この「おもいでの夏」に主演したジェニファー・オニールも、撮影時の年齢は22歳。

しかし、この映画でドロシーの虜になった映画少年たちにとっては、たとえ自分たちがいくつになろうとも、彼女は永遠に「年上の女性」なんですね。

今65歳になって、改めて本作を見直しても、この映画を始めてみたときの切ない思いが見事に蘇ります。

ドロシーの家に訪れるハーミー。そして彼はテーブルの上に広げてある電報を読んでしまいます。

「あなたのご主人はフランス戦線において、名誉の戦死を遂げ・・・」

奥の部屋から泣き腫らした顔で現れるドロシー。

彼女は何も言わずに、レコード盤に針を乗せます。

静かに流れだす、ミッシェル・ルグランの旋律。

ハーミーはふり絞るようにドロシーに言います。

 

「お悔やみを・・」

ドロシーは、ハーミーの肩に頬をうずめます。

レコードに合わせてゆっくりと身を寄せて踊る二人。

ハーミーの目からも自然に涙がこぼれ落ちます。

ドロシーは、やさしくハーミーにキスをして、ゆっくりと寝室へ。

そして、服を脱ぎ、ハーミーの胸に身をゆだねるドロシー。

一つになった後、ドロシーはガウンを羽織り、テラスに出て煙草をくわえています。

家を去ろうとするハーミーの背中に、ドロシーがいいます。

「おやすみ。ハーミー。」

この二つのセリフの間に流れていた時間は10分42秒(ちゃんと計測しました)です。

この間に、聞こえる音声は波の音だけ。

余計なセリフは一切排除した静かなラブ・シーンは心に残ります。

次の朝、ハーミーがドロシーの家を尋ねると、もうそこに彼女の姿はありません。

ドアには、ハーミーに当てた彼女からの手紙が。

ハーミー。私は実家に帰ります。

わかってください。せめてもの書置きです。

昨夜のことは弁解しません。

時がたてばあなたにもわかるでしょう。

わたしはあなたを思い出にとどめ、あなたが苦しまないことを望んでいます。

幸せになってください。ただそれだけ。

さようなら。　　ドロシー

夫の死の知らせを聞いた夜。

なぜドロシーは、15歳の少年とベッドを共にしたのか。

そして家を去るハーミーの背中を見つめながら、ドロシーは何を思っていたのか。

実は今の今まで、そんな大人の女の心の機微なんて、映画の中のハーミーはわからなくとも、自分自身はわかったつもりでいたんですね。

ところがどっこい。

今回何十年ぶりに本作を再見してドキリとしてしまいました。

この時のドロシーの気持ちは、実は今もよくわかっていないということに気がついてしまいました。

僕の答えは明らかにどれも陳腐です。

そのどれもこれもは、全てあの10分42秒の静かな波の音に呑み込まれてしまいました。

どうやら、死ぬまでにもう一度くらいは、この映画を見る必要がありそうです。

女心の深淵は、そんなに浅いものではないようです。

映画「妻は告白する」1961年大映

 

若尾文子といえば、大映の看板女優だった人ですね。

大映といえば、僕らの世代ではなんといってもガメラ・シリーズ。

それから「大魔神」を代表とする時代劇特撮シリーズ、そして「座頭市」「眠狂四郎」シリーズといったあたりは、映画館で見ていた記憶はあります。

しかし、それらのヒット・シリーズでは、この人にお目にかかることはありませんでした。

これらの大映映画を子供向けとすると、この人の活躍した映画は、いわば大人の映画部門。

「女が愛して憎むとき」「獣の戯れ」「悶え」「帯をとく夏子」などなど。

ざっとタイトルを拾っただけでも、あきらかに成人男性をターゲットにしたお色気系メロドラマがホームグラウンドだった女優です。

肌の露出や、きわどいベッドシーンに頼らずに、当時の男性映画ファンを虜にしたのは、彼女のその美貌に匹敵するくらいに魅惑的な声だったと思います。

彼女の女優としての声は唯一無二。これだけで大女優の資格ありと思う次第。

 

しかし、彼女が出演した映画は、自分でも意外なほど見ていません。

パッと思い浮かぶのは、寅さんシリーズ第六作「男はつらいよ純情編」。

そして、川島雄三監督のブラック・コメディ「しとやかな獣たち」くらいのもの。

彼女が、その美しさで、男性ファンのハートを鷲掴みしていた絶頂期に、自分がまだ子供だっことがまず悔やまれます。

後に、これだけのスケベおやじになるわけですから、もう少し早く生まれていて、思春期ド真ん中で彼女の映画を映画館でみていたとしたら、おそらく大ファンになっていたことは想像に難くありません。

彼女の出映画作品は、テレビ放送で見た記憶はありません。

かなり刺激的なタイトルの作品が多かったので、テレビで放送されることはなかったのだろうと推察します。

本作も、これが若尾文子の代表作の一本であることは承知していました。

いつかは見ようと思ってDVDは持っていたものの、ずっと引き出しの中で眠っていたわけです。

まだまだこういう映画がたくさんありますので、長生きはしたいもの。

 

さて、若尾文子は、1933年生まれ。

この映画が撮影されたときの彼女は28歳でした。

これは、DVDの特典映像のインタビューでも本人自身が語っていましたが、この映画が彼女の女優人生の転機になったとのこと。

女優の28歳といえば、もう娘役は難しい年齢。

大人の女性を演じられる女優にならなければ、その後の女優人生は厳しいものになる。

彼女にしてみれば、そう思い始めていたタイミングでめぐり逢ったのが本作だっそうです。

この役をちゃんと演じられなければ、今後の自分の女優人生はない。

そう思った彼女は、これを千載一遇のチャンスととらえ、この台本をもらった時から、抱えるようにして読み込み、この薄幸のヒロインに、自分の女優人生を賭けたと語っていました。

 

監督は増村保造。

この人は、大映入社後、イタリアに渡り、ルキノ・ビスコンティやフェデリコ・フェリーニに師事して帰国したというエリート監督で、若尾文子とのタッグ作品は全部で20本。

全盛期の大映の屋台骨を支えていた監督です。

もちろん、女優としての彼女の力量を誰よりも熟知していた監督ですから、娘役からの移行期を迎えていた彼女の苦悩もそれなりに理解していたのでしょう。

華やかな彼女の容姿を、本作では、地味な黒系の着物で包み、実年齢よりも年上に見えるように演出したのも彼の計算でした。

28歳の彼女にこの役を用意し、「愛にすがりつく女の情念」を見事に引き出し、大人の女優として開花させたのはこの監督の業績でしょう。

 

本作以後1960年代の彼女は、川島雄三監督などにも鍛え上げられ、女優として様々な映画賞を総ナメにしていきます。

美人女優が、演技にも開眼したら、もはや向かうところ敵なし。

彼女は、大映の看板女優として、京マチ子や山本富士子と肩を並べ、日本の映画界を代表する大女優として、絶大な人気を誇ることになります。

 

しかし、個人的には、リアルタイムの彼女は、かろうじてソフトバンク・モバイルCMの白戸家のおばあちゃんのイメージがあるのみ。

彼女が増村監督とコンビを組んだ作品群には、まだまだ見ておきたい彼女の全盛時代の佳作がたくさんありますので、美人女優には目がない映画ファンとしては、Amazon プライムのラインナップに期待したいところです。

 

さて、本作の原作は、円山雅也の小説「遭難・ある夫婦の場合」。

断崖絶壁を、ザイルで結ばれた一組の夫婦と青年の三人が登っていきます。

足元を滑らせ落下する夫、それに巻き込まれるように絶壁に宙づりになる妻。

青年は、岩にしがみつき、必死で二人を支えます。

しかし、宙づりになった二人を引き上げるのは困難。

このままでは、青年はいずれ力尽きて、三人もろとも崖下に転落かるしかありません。

この時、妻の手にはナイフが一本。

ザイルの上部を切れば、夫婦はそろって転落。

ザイルの下部を切れば、夫だけが転落。

この切迫した状況の中で、妻が選択したのは後者でした。

果たして、この妻に夫殺しの殺人罪は成立するのか。

映画はこの事件の裁判のシーンからスタートします。

この裁判で争われるのは、いわゆる「緊急避難」。

緊急避難条項が定められている法律は、主に刑法です。

 

刑法第37条1項には、「自己又は他人の生命、身体、自由又は財産に対する現在の危難を避けるため、やむを得ずにした行為は、これによって法益を侵害した場合でも、罰しない。」と規定されています。

これはどういうことか。

つまり、自分の命や他人の命、身体、自由、財産が今まさに危険にさらされているときに、その危険を避けるためにやむを得ず他の法益を侵害した場合、この行為は法律では罰せられないということです。

 

この緊急避難が認められるためには、以下の要件を満たす必要があります。

 

まさに今現在の危難があること。

要するに、それが 未来の危険ではなく、今まさに危険が迫っている状態であることを意味します。

そして、避難の意思があること。

危険から逃れようとする意思がなければならないこと。

最後に、補充性の効かない要件であること。

つまり、他の方法では、この危険を回避できない場合に限られること。

 

法律を文章で聞いても、なかなかピンとこないと思いますので、緊急避難の例を挙げてみます。

 

例えば、火災現場から人を救出するために、他人の家を壊す行為。

理由もなく他人の家を壊す行為は、通常器物損壊罪に問われますが、そこに火災現場から人を救出するという正当性があれば、この行為は罪に問われないということです。

 

暴漢から身を守るために、相手を殴る行為も、正当防衛と同様に緊急避難が認められる可能性があります。

また、溺れている人を助けるために、他人の土地に無断で侵入するような行為も、緊急避難が認められ、罪を問われないケースがあります。

 

ならば、本作のケースは、どう判断されるか。

裁判が進むにつれ、この夫婦の間にはすでに情愛はないことが明白になり、この登山の前に、夫に対して生命保険がかけられていたことが判明。

しかも、青年と妻の間に、情交があったことが疑われます。

 

自分の命を守るために、夫とつながっているザイルを切ったことは、果たして殺人なのか。

それともやむを得ない「緊急避難」にあたるのか。

 

裁判では、妻に「無罪」の判決が下ります。

 

青年には婚約者がいましたが、彼は心身ともに疲弊した妻に寄り添ううちに、この妻を愛するようになり、二人は結婚の約束をします。

 

しかし・・

 

映画は思いもかけないラストを迎えますが、この妻が青年に捨てられたくない一心で、雨の中、ずぶぬれで青年の会社に現れるシーンが圧巻でした。

まさに、若尾文子が演技開眼した瞬間を目撃したような衝撃でした。

実は、彼女のインタビューによれば、このシーンは、映画の撮影にクランクインした初日のファーストカットだったとのこと。

台本を読み込んできた彼女の気合も、まさにマックスだったろうと想像します。

映画を見終わって冷静に考えてみると、この映画のヒロインはあまりに薄幸で、彼女のような華やかな美貌の女優が演じるのはリアリティに欠けるという思いはありました。

ちょっと嫌味ではないかという気にもなってしまうわけです。

生活苦から、30歳以上も離れた父親のような男と結婚し、子供を産むことも拒否され、愛情のない結婚生活を送り、心から愛した男も・・・・

 

こういう境遇の女性をもっとリアルに演じられる庶民的女優(容姿もそこそこ)は、当時の大映にもそれなりにいたはずです。

しかし、映画というものは不思議なもので、このドラマに下手に説得力を持たせてしまうより、この美人女優をとことんサディスティックに追い詰める方が、映画的には魅力的になるものなんですね。

 

思い出してしまったのは、カトリーヌ・ドヌーヴの1966年出演映画「昼顔」。

ルイス・ブニュエル監督は、この作品で、ドヌーヴをサディスティックに攻める演出をしているのですが、やはりこれも、彼女が絶世の美女だからこそ、観客(特に男性)は、ゾクリとしたわけです。

 

本作のあのシーンも、彼女以外の女優が演じていたとしたら、普通にホラーだったかもしれません。

 

ちなみに、本作で妻の弁護を担当したの弁護士を演じたのが根上淳。

この人は、「帰ってきたウルトラマン」で、MATの二代目隊長伊吹竜を演じていた人。

そして、強面の検事を演じたのが高松英郎。

この人は、小学生の時に夢中になったスポ根ドラマ「柔道一直線」で、一条直也の師匠・車周作を演じていました。

ヒロインと愛し合う青年を演じていたのは川口浩。

この人は、大好きだったTBSドラマ「キイハンター」にも顔を見せていましたが、後に「水曜スペシャル」の「川口浩探検隊」で、お茶の間の人気者になった人。

クラシック映画を見るときの楽しみは、こういう知った顔に会えることです。

当時は五社協定がありましたから、大映作品に登場するのは概ね大映の専属俳優たちです。

見たことはあるけれど、名前が出てこないという顔も多々あり、なんの映画のどのシーンに出ていたのかを思い出すのは、なかなかいい脳のトレーニングになりましたね。

 

青年の婚約者を演じたのは馬渕晴子です。

個人的には、1975年「祭りの準備」での、主人公の母親役の印象が強いのですが、本作ではキリッとした会社重役令嬢役。

彼女は本作ではなかなかのもうけ役でした。

青年に裏切られたにもかかわらず、裁判では妻を無罪に導く重要な証言をします。

 

そして、本作の最後は彼女のこの一言。

 

「結局あなたは、誰も愛してなんかいなかったのよ。サヨナラ。」

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

映画「バイオハザード」2002年アメリカ

 

Amazon プライムで鑑賞しました。

老後のためにと、撮りためたDVDが5000枚近くあるのに、なぜか実際に「老後」になってみると、引き出しのDVDを引っ張り出してくるよりも、Amazon プライムの映画を見てしまうのはなぜでしょうか。

鑑賞し終わってから、もしやと思い、Excelで作ったDVD在庫リストを確認したところ、なんと本作もきちんと録画してあるではありませんか。これでは、何のために録画してきたのかわかりませんね。とほほです。

 

サラリーマン現役時代は、さすがに忙しくて、学生の頃のようには映画を見れておりません。

それで、WOWOWに加入してからは、せっせと録画だけはしてきたわけです。

録画リストだけはマメに作っていきながら思っていたことは、定年退職をしたら、この映画を一本ずつじっくり鑑賞し、見た映画については、ブログに感想を書き残す。

映画オタクだった学生時代はマメにそうしていたわけですから、時間にゆとりが出来たらそれをまた再開しようと考えていたわけです。

意識していたのは、クラシックの傑作で見逃しているものはマメに追いかけようということ。

最新作も全く見ないというわけではありませんが、サラリーマンになってからは映画館で見た映画は数えるほどしかありません。

ちょっと待てば、WOWOWでやってくれるという貧乏根性が働きましたね。

但し、ホラー映画だけは、根が好きですので、比較的最近のものでもよく見ていました。

もちろん、「ゾンビ」映画も大好物です。

本作についても、近未来ゾンビ映画くらいの認識でいましたが、見るならまずはシリーズ1作目だろうということでチョイスした次第。

 

2002年に公開された映画「バイオハザード」（原題: Resident Evil）は、日本のゲーム会社カプコンが開発した同名のサバイバルホラーゲームを原作としています。

実は、前期高齢者世代としては、まずこの辺りでお手上げです。

自慢ではありませんが、ゲームという文化には、まるでかすらずに生きてまいりました。

インベーダーゲームの洗礼は受けましたが、ゲームに夢中だったのは、その後に来るギャラクシアンまでですね。

その後のビデオゲームはほとんどプレイした記憶がありません。

弟たちがファミコンは持っていましたが、何をやっても彼らに勝てなかったので、兄貴のプライドが邪魔をして、そんな子供の遊びなんてやってられるかと放棄して以来、ほぼ日本のゲーム文化には背を向けて生きてきました。

 

実は、1996年にカプコンから発売されたゲーム版「バイオハザード」は、映画的にはゾンビ映画の大ファンだったこともあり、一度だけプレイしたことはあります。

それがゲームセンターだったか、友人の家だったかは忘れました。

ただ、次々と襲ってくるゾンビたちに、なすすべなくやられて、ファースト・ステージ(?)をなかなかクリアできずに、すぐに放り投げた記憶だけが残っています。

 

学生時代はカードゲームには、そこそこの自信があったのですが、そんなスキルなど、まるで役に立たない時代になっているということに気が付くのが遅すぎましたね。

「明らかに人より劣るものには手を出さない」という主義でしたので、以降の人生では、「スーパーマリオ」にも「ドラゴンクエスト」にも「ファイナル・ファンタジー」にも一切ノータッチを貫き通してきました。

 

この世にはもっと面白いものがたくさんあるのに、部屋にこもってゲームなんてやってられるかというわけです。

ところが、これがどうやら大変面白いらしいということになってきました。

 

なんと、日本のビデオ・ゲームを原作にした、アメリカ映画が作られてしまったわけです。

「スーパーマリオ　魔界帝国の女神」「ストリート・ファイター」「トゥーム・レイダー」「モータル・コンバット」などなど。

これらの映画に、アンジェリーナ・ジョリーや、ジャン＝クロード・ヴァン・ダムといった、ハリウッドの一流どころを担ぎ出してしまうわけですから、映画を作る側から見ても、日本のビデオゲームの映画化には、それなりの勝算があったのでしょう。

日本のゲーム・クリエーター恐るべし。

平成の時代になってからは、映画的に面白いことは、どうやらゲーム画面の向こう側にあるぞということになってきました。

このブームに乗るのを拒んだ身としては、以降肩身の狭い人生を送ることになったことだけは申し上げておきましょう。

 

「バイオハザード」は、1996年にカプコンから発売されたゲームが原作です。

このゲームは、プレイヤーがゾンビやモンスターと戦いながら謎を解き、脱出を目指すサバイバルホラーとして大ヒットしました。

映画版は、このゲームの世界観を忠実に再現しつつ、独自のストーリー展開を加えています。映画の成功により、続編が次々と制作され、シリーズ化されました。

 

本作はその1作目です。

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この映画は、ポール・W・S・アンダーソンが監督・脚本を務め、ミラ・ジョヴォヴィッチが主演を務めました。

映画は、巨大企業アンブレラ社が所有する地下研究施設で発生したウイルス漏洩事故を描いており、ウイルスによってゾンビ化した人々との戦いが繰り広げられます。

 

偉そうなことは言いません。

AI の知識の受け売りだけ述べておきます。

 

「バイオハザード」シリーズは、世界中で高い評価を受けています。

特に、ゲームの緻密なストーリー展開やリアルなグラフィック、恐怖感を煽る演出が評価され、サバイバルホラーというジャンルを確立しました。

 

主演のミラ・ジョヴォヴィッチは、映画「バイオハザード」シリーズでアリス役を演じ、その美しさと強さで多くのファンを魅了しました。

彼女は、ウクライナ生まれのアメリカ人女優で、モデルとしても活躍していました。

 

とまあ、こんなスーパー・モデルのような女優も、このゲームにどっぷりハマり、自らアリス役を熱望し、この役を勝ち取ったといいます。

ですからこの方も多くのこのゲームのファンと同様、その入り口で排除された僕のようなポンコツとは違い、数々のサバイバル戦を勝ち残り、その深淵な世界観をたっぷり堪能したのでしょう。

 

彼女は体中に生傷を作って、この映画の過酷な撮影をやり切ったといいますから、相当に気合は入っていたと思われます。

 

結局彼女は、この映画の監督と結婚して、3人の子供も設けているといいますから、もはや「バイオハザード」なくしてはありえない人生になっているということですね。

 

どうも個人的には、ゲーム・コンプレックスがあるせいか、ゲーム原作作品というだけで素直に楽しめないところがあります。

ミラ演じるアリスは、映画の最後には自分の格闘能力に覚醒して、ゾンビたちをバッタバッタとなぎ倒していきますが、なにせファースト・ステージで、ゾンビ達に食い殺された身としては、そんなアリスにただ嫉妬するのみ。

 

言っておきますが、あいつらとジン・ラミーをやれば勝てる自信はあります！

映画「キングコング対ゴジラ」1962年東宝

 

ゴジラの怪獣対決シリーズで、ゴジラの名前が後に来るのは本作だけです。

(訂正。「モスラ対ゴジラ」があるとのご指摘をいただきました。陳謝)

巨大怪獣としては、先輩格となるキングコングに敬意を表したというところでしょう。

キングコングの権利を所有するRKOとライセンス提携をして、鳴り物入りで製作されたのが本作。

僕がこの映画を初めてみたのは、大宮東宝白鳥座だったことは今でも覚えています。

東宝チャンピオン祭りでしたね。

Wiki によれば、本作は1970年と1977年に再上映されているとのことですが、僕が見たのは1970年です。

当時は11歳で小学校五年生。怪獣オタク真っ盛りの頃です。(もちろん当時オタクという言葉はありませんが)

併映だった「巨人の星」や「アタックNo.1」もうっすらと覚えています。

但し、この時の上映はWiki によれば、96分の本編を73分に縮めた短縮版。

なので、完全版を見たのは、今回が初めてかもしれません。

 

東宝30周年記念の娯楽大作なので、当時の東宝の人気スターがキャスティングされています。

高島忠夫、藤木悠、佐原健二などが男優陣。

いま改めて若い頃の高島忠夫を見ると、二人の息子(政宏、政伸)のDNA元であることが歴然。

似てるんだよなあ。

藤木悠とのコンビが、まるでハリウッドのコメディを見ているようで、本作のムードメーカーになっていました。

 

女優陣の方は、浜美枝と若林映子。

後の「007は二度死ぬ」のボンドガールに抜擢された二人ですから豪華です。

浜美枝は、東北に向かう特急でゴジラに襲われたり、キングコングに捕まって、国会議事堂へ連れていかれたりと、とにかく悲鳴を上げっぱなし。さんざんな目に合っていました。

モンスターの手の中で恐怖の悲鳴を上げるヒロインというわけですから、ここはスタイルのいい浮世離れした美女が映えるというわけで、浜美枝がキャスティングされたのでしょう。

電車の中でキングコングに襲われるシーンは、最新作の「ゴジラ-1.0」の浜辺美波に引き継がれていました。

浜美枝は、本家本元「キングコング」のスクリーム・ヒロインのフェイ・レイのオーバーアクトを、かなり意識した演技になっていましたね。

彼女の怪獣特撮作品の出演は、本作と「キングコングの逆襲」の2本しかありませんが、この作品の印象が強烈で、もっとたくさんの怪獣モノに出ていたような印象になっています。

もちろんボンド・ガールの彼女もよかったですが。

 

但し、個人的には、浜美枝よりもインパクトがあったのは、ファロ島の原住民で、チキロ少年の母親役だった根岸明美でした。

当時の日本では、なかなか珍しい肉体派女優で、黒澤明の「生きものの記録」「どん底」「赤ひげ」などにも出演していましたね。

セリフらしいセリフはほとんどない役なのですが、なかなかセクシーなダンスを披露してくれていました。

お色気では、浜美枝を凌いでいました。

 

重沢博士役は平田明彦。この人といえば、なんといっても「ゴジラ」の芹沢博士。

ゴジラ・シリーズでは「ゴジラ」以来、8年ぶりの出演となりましたが、以後怪獣特撮シリーズでは、知性派脇役として欠かせない存在になりました。

東部方面隊総監に田崎潤、第二新生丸船長に田島義文などのシリーズ常連役者が顔をそろえたのも本作からです。

以降、東宝のドル箱となっていった怪獣特撮シリーズのフォーマットが完成したのは、この作品かからだといえそうです。

 

本作の男性脇役で特筆すべきは有島一郎。

この人が怪獣特撮モノに出たのはこの一本ですが、本作のコメディ・リリーフとしては、完全に主役の高島・藤木コンビを食っていましたね。

加山雄三の「若大将シリーズ」では、若大将の父親役でその名を知られた人気喜劇役者です。

怪獣対決は、最初は熱線放射がない分だけキングコングが劣勢でしたが、電気ショックで帯電体質になってからはパワーアップ。

ゴジラといい勝負になっていきました。

とはいえ、東宝としては、どちらが勝っても負けても困ってしまうというお家事情があります。

というわけで、最後は熱海城を破壊しながら両者もつれ合って海に転落。

リングアウトの引き分けという苦肉のラストでした。

当時映画館で見たときは、子供心にもモヤモヤ感が残ったのは覚えています。

大人の事情は、当然ながら今なら理解できますね。

 

ちなみに、怪獣が取っ組み合うシーンは、通常は高速度撮影して重量感を出すのがミニチュア撮影が定番なのですが、本作では逆にカクカクとした不自然な早回し的カットが、何度か登場します。

これは、前作「ゴジラの逆襲」の際、スタッフが誤って、コマ落としの微速度撮影の設定をしてしまったのを、特技監督の円谷英二が面白がって採用したもので、本作でもその方法は意図的に採用されています。

この辺りが、天才ならではのセンスなのでしょう。

ビートルズのジョン・レノンが、"I FEEL FINE" のイントロで、アクシデントで起きたフィードバックの音を面白がって、そのまま採用したのによく似ています。

 

とにかく本作は大ヒットをして、邦画の興行成績を塗り替えることになります。

当時はこの映画に、子供も大人も楽しんだわけです。

しかし今や特撮はCGによるデジタルVFXが主流の時代です。

山崎貴監督版「ゴジラ-1.0」のアカデミー賞を獲得したVFX技術を見てしまうと、さすがに着ぐるみのミニチュア撮影は、どれだけお金をかけてセットを作ったものであっても、残念ながらチャチに見えてしまうのは致し方ないところ。

山崎監督は、インタビューで、もしもまたゴジラを作る機会を与えてもらえるのだったら、次作は怪獣対決ものにトライしたいとおっしゃっていました。

ゴジラの相手がキングコングになるかどうかはわかりませんが、何年か先に、最新VFXによる怪獣バトルの新作を見せられたら、本作の評価はどうなってしまうのか。

 

我々第一次怪獣ブーム世代はおそらくそれほど無下には評価を下げないと思います。

チャチだろうが、時代遅れだろうが、当時リアルタイムで胸をときめかせた記憶で、とにかくノスタルジックには浸れます。

なけなしの小遣いで、戦闘機や戦車のプラモデルを購入している世代ですから、ミニチュアのセットに対する思い入れはそう簡単には消し去れません。

温故知新。

この映画の大ヒットがあったればこそ、そのエモーションを再び現代の映画ファンに、現代の技術で伝えたいというモチベーションが生まれたことは間違いのないところ。

 

しかし、やや心配なのは、子供たちは正直だということ。

 

彼らにとっては、もはやVFXによる特撮映像が当たり前だということです。

超リアルで高解像度なRPGで、エイリアンとも、ゾンビともネッ上でバトルしているのが、今の子供たちです。

僕らは、イマイのプラモデルの稚拙な部分をイマジネーションで補完しながら遊んでいましたが、その補完した映像よりもさらにリアルで高解像度な映像の中で彼らは日夜バトルしているわけです。

もしかしたら、そんな彼らにとっては、ミニチュアは、仮想現実としては、もはやショボいだけの存在かもしれません。

「ジュラシック・パーク」を見て、もはやリアルに動くダイナソーたちが当たり前になった子供たちが、レイ・ハリーハウゼンのダイナメーション特撮でつくられた「アルゴ探検隊の冒険」を見て、同じようにハイテンションになれるかという話です。

 

昭和の怪獣映画には、郷愁も思い入れもない彼らが、はたして本作をどう評価するのか。

個人的には、それにはかなり興味があります。

昭和の30年代前半までは、怪獣特撮映画は、大人も子供も楽しんでいました。

それが次第に、子供を意識したエンターテイメントになりながら、観客数を減らしていった東宝怪獣映画。

しかし、山崎監督による最新のゴジラが、この令和の時代に、再び大人も子供もそれぞれの視点から楽しめる娯楽映画を復活させてくれました。

 

間違いなく、山崎版は、平成以降のゴジラ作品としては群を抜くクゥオリティでした。

個人的には1954年の第1作目のゴジラと肩を並べる傑作だと思っています。

では、ファースト・ゴジラ・ショックから、8年を隔てて復活したゴジラ映画には、どんなジャッジが下されるのか。

 

その判定は、20年後のゴジラファンにゆだねるべきだろうと思います。

もちろん、その頃の怪獣マニアたちの、特撮リテラシーは格段に上がっているはず。

本作と、現段階の最新ゴジラが、同じ特撮怪獣史のレールに乗っけられたときに、本作の立ち位置はどのようなものになるのか。

 

とにかく、リアルタイム世代にまともな評価は下せそうにありません。

「面白い」と「懐かしい」は、オールド映画ファンにとっては本当に紙一重です。

多感な頃に焼き付いた印象は、やはり毛穴から染み込んでいるようです。