柿沢謙二ブログ

映画「散歩する侵略者」2017年/WOWOW FILMS

Amazon プライムのラインナップにこのタイトルの作品があったのは知っていて、少々気になってはいました。

最近の映画に関しては、全く不勉強で、このタイトル以外の情報は全くない状態だったんですね。

僕の世代で(前期高齢者)で、このタイトルを聞くとまず反射的にピンと来てしまうのは、「ウルトラセブン」です。

第一次怪獣ブームにどっぷり浸かった僕らの世代としては、侵略者とくれば、全話異星人との対決を描いたウルトラセブンのイメージが強烈です。

その第32話のサブタイトルに「散歩する惑星」というのもあったりで、おそらくこの映画は、怪獣の出てこないSFパニックものだろうと勝手に思い込んでいました。

 

「ウルトラQ」のケムール人や、「ウルトラマン」のバルタン星人、メフィラス星人など、ウルトラセブン以前にも侵略モノの子供向けテレビ・ドラマはありました。

では映画はどうか。

日本で侵略を描いた映画というと、これもやはり怪獣映画の得意とする分野だったといえます。

 

しかし、アメリカに目を向けると、異星人による侵略系SF映画は、1950年代からありました。

代表的なものは、「遊星よりの物体X」「光る眼」「ボディ・スナッチャー/恐怖の街」などなど。

どの作品も、特撮視覚効果技術の向上に伴って、たびたびリメイクされています。

そして、どの作品にも共通しているのは、侵略者たちが、人間の体を乗っ取って、何食わぬ顔で、我々の隣人に成りすましているという設定です。

これは、直接的に宇宙人や怪獣を登場させなくても、自分たちの日常生活の中で、ミステリーとサスペンスを産める「美味しい」シチュエーションとして、過去にも多くの監督によって、手を変え品を変え、映像化されてきました。

 

ただ、立派に娯楽作品には成りえるものの、一般の評価としては、どこか子供だましのB級映画というレッテルを貼られがちでした。

 

とにかく、本作のタイトルからだけの印象は正直そんなところだったんですね。

 

しかし、まず本作の監督の名前を聞いて「ムムッ」と身を乗り出していまいました。

なんと、あの黒沢清監督ではありませんか。

1990年代から2000年代くらいまでは、個人的にはちょっと目を離せない監督でした。

「CURE」「カリスマ」「回路」「降霊」などは、ホラー映画ファンとして、この監督の映像センスに、一目置いていました。

2010年代以降は、ホラー映画から離れた映画も撮っていたりで、正直個人的には彼の新作を追う事は怠けていたのですが、ちゃんとこんな仕事もしていたと気づいたのは、恥ずかしながらつい最近のこと。

しかも出演者を見れば、長澤まさみ、松田龍平、長谷川博巳と単独でも主演を張れる一流どころがズラリ。

このキャスティングで、まさかB級SFパニック映画であるはずがない。

これは、黒澤清ファンとして見ておかなければならない1本を、完全に見逃していたなと反省した次第。

というわけで、ホラーの巨匠から、いまや「第二の世界のクロサワ」と評価されるまでになった日本映画の巨匠の2017年度の作品をいまさらながら鑑賞させていただきました。

 

この映画の元ネタは、前野知大氏が自分の主催する劇団のために書き下ろした舞台劇でした。

そして、上演後は、このオリジナル脚本をもとに前野氏自身がノベライズしています。

 

ある日自分の夫が、姿はそのままでも、まったく違う人物となって帰ってきます。

夫は宇宙人に体を乗っ取られており、地球人のマインドをリサーチするために、人間の心からいろいろな「概念」を盗み学習していきます。

この夫婦を演じるのが、長澤まさみと松田龍平。

送り込まれた宇宙人は合計3体で、残り2体とジャーナリストして接触していくのが長谷川博巳演じる週刊誌記者です。

宇宙人たちが、この3体が集めた「概念」の学習を終了すると、満を持して侵略が始まるという物語。

 

こうやって、ストーリーだけを述べてしまうと、なんだかちょっと陳腐な子供向けSFにも聞こえてしまいますが、それがそうならないのが黒沢演出の凄いところ。

 

この監督の過去作品から、個人的に学習していることは、ここぞというシーンでは、カメラは固定したまま動かさない、クローズアップにはしない、カットは割らないということ。

ですので、カメラの動きが止まって、長回しが始まると、こちらは「なにかが起こる」と身構えるわけです。

そして、この緊張感の後で起こることは、たいていはこちらの想像の上をいくショック。

これが、個人的には黒沢映画最大の魅力になっています。

 

まず映画の冒頭がこれでしたね。

宇宙人に体を乗っ取られた女子高生が、両親を殺し、血まみれになって道の真ん中をフラフラと歩いていると、はるか後ろから近づいてくる大型トラック。

普通ならクラクションを鳴らす運転手のカットでも入れたくなるものですが、「なにかが起こる」までは、カメラはフィックスにしたままの長回し。そして・・・

見事にしょっぱなから度肝を抜かれました。

 

長澤・松田夫婦の家に両親と喧嘩をした妻の妹が遊びに来ます。

記憶の怪しい義理の兄に、自分との関係を説明する妹を演じているのが元AKBの前田敦子でした。

彼女の説明を熱心に聞いている夫。

すると、彼は彼女の前に立ち「それもらうよ」といって、「E.T. 」よろしく人差し指を妹のおでこにチョコン。

すると、妹の瞳には涙があふれて、その場にヘタレこんでしまいます。

これで、彼女の脳内データから「家族」という概念がごっそりイレースされ、地球人学習中の夫の脳にインプットされるわけです。

上手かったのは、この後の前田敦子の演技。

「家族」という概念がごっそり抜け落ちた妹の人格の変化を、前田敦子が説得力抜群の演技で表現していました。

彼女の登場シーンは、これだけでしたが、この演技が、結局はこの映画の最後まで効いてくるんですね。

 

「概念」を抜き取られた人間に、どういう人格の変化が現れるのか。

 

「所有」という概念を抜き取られた青年。

「仕事」という概念を抜き取られた妻の仕事相手。

「迷惑」という概念を抜き取られた役人。

 

それにより彼らには人格障害が発生してしまうのですが、こういうネガティブな概念を抜き取られた彼らはどことなく幸せそうに見えたりもするわけです。

 

しかし、それが「愛情」だったらどうか。

　

異変を察知した国家の秘密チームに追われる夫婦は、教会に逃げ込みます。

教会の告知板には、「愛とはなにか」の説法を知らせるポスター。

中では、少年少女たちによる合唱団が、聖歌の練習をしています。

そこに現れるのが東出昌大演じる神父(牧師?)。

宇宙人は、神父から「愛情」という概念を抜き取ろうとするわけです。

 

これが目茶苦目茶苦茶怖いんですね。

何といっても、「寄生獣」で、顔色一つ変えず人間を捕食する怪物を演じた彼です。

その印象があるだけに、この神父から「愛情」という概念を抜き取ったら、どんなサイコパスが出現するのか。

前田敦子の演技を見ているだけに、見ている方はこれを勝手にリアルに想像してしまうわけです。

何を考えているのかわからない東出の爬虫類的な目が余計に恐怖をあおります。

 

結局教会では何も起こらないのですが、こちらは勝手に、映画の冒頭で見せられたような殺戮シーンが起こると想像してしまうわけです。

これは、キャスティングの妙といえるかもしれません。

 

そして、ここでは未遂に終わった「愛情」という概念のカット&ドロップが、映画のラストの効果的な伏線になってくるという仕掛けです。

 

長谷川浩巳パートは、かなり映画的な演出になっていました。

オリジナルの舞台劇は見ていないのですが、彼と二人の宇宙人とのパートは、最初こそ地味ではありましたが、次第に、アクションあり、銃撃戦あり、飛行機からの爆撃ありと、映画的にエスカレートしてきます。

最初は単なるネタとして彼らと接触していた記者が、次第に彼らにシンパシーを感じだし、やがてバディ感を育んでいくというまでの変化を、長谷川博巳が実に達者に演じていました。

彼が突如人々の前で辻立ちして、今地球は宇宙人に侵略されようとしていると、道行く人に訴えかけるシーンがあります。

もちろん、それに真剣に耳を傾ける人はいません。

今起こっていることに目をそむけ続けていると、世の中一体どういうことになるのか。

彼は危機感をもって、必死に人々に訴えかけます。

 

2017年といえば、安部長期政権の膿が、次第に白日の下にさらけ出されてきた頃です。

社会へのメッセージを仰々しく扱うのは、黒澤清監督の好むところではないとは思います。

しかし、ある程度そうならざるを得ないことは、この映画の性質上、黒澤監督も多少は覚悟していた気がします。

かつての、50年代のアメリカ映画のSF侵略モノが、あの当時吹き荒れていた「赤狩り」に対するカウンター・メッセージになっていたと、後の評論家が指摘していますが、映画はいつの時代にも、社会を映す鏡であることは否めない事実。

彼は警告した後でポツリとこういいます。

 

「OK。言いたいことは言った。後は君たちの判断次第。」

 

この瞬間に彼は、記者であることに決別し、宇宙人と運命を共にする決心をすることになります。

 

さて、地球人のリサーチを終了して、侵略者に攻撃を開始された地球はいったいどうなったのか。

二ヵ月後の世界で、これを説明する医者の役にキャスティングされていたのは、キョンキョン(小泉今日子)でした。

黒沢監督の作品としては、ドラマの「贖罪」で主演を演じていますが、本作のこの役はなかなかのもうけ役。

ワンポイントではありましたが、なかなかの存在感を出していました。

監督の過去の作品を見ると、ラストでビッグ・ゲスト登場という演出はいくつか見られますが、やはりニンマリしてしまいます。

冒頭でも語りましたが、日本では侵略モノ映画というと、やはり怪獣特撮映画の十八番だったという気がします。

一般映画でいえば、思い付くのは、岡本喜八監督の「ブルー・クリスマス」、松竹の「吸血鬼コケミドロ」くらいのもの。

西洋の歴史とは違って、日本の歴史で本格的な侵略が登場するのは、鎌倉時代の元寇と、江戸時代末期の黒船来航くらいですね。

敗戦のペナルティとしてのGHQ進駐はありますが、島国であるというロケーションが幸いしてか、そもそも「侵略モノ」が馴染まないというという事情は、他国に比べて圧倒的に外部からの侵略が少なかったという歴史が影響しているという気はします。

 

しかし、考えてみれば、新型コロナのパンデミックも、見方を考えれば、新型ウイルスという未知の物体からの侵略行為と捉えることもできます。

どんなに深刻な「侵略」があったとしても、基本はギリギリまで動こうとしないのが日本の体質であることは、ハッキリとしてきました。

世界中がどれほど危機感をもった問題に対しても、日本の初動の遅さは往々にして致命的なほどです。

もちろん「下手に動かない方が無難」というリスク管理もあるかもしれませんが、それが動くべき時に動かないというのリスクを上回るという気はしません。

 

侵略者たちが散歩しているうちに、やれることは、いくらでもあるということでしょう。

侵略してくる宇宙人に、お願いしたいことがひとつ。

 

今度この国の総理大臣になる人の頭から、「党利党略。私利私欲。」という概念を是非とも「もらって」くださいませ。

 

 

 

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映画「真夏の方程式」2013年東宝

 

脚本家の三谷幸喜氏が、ホイチョイプロの馬場康夫氏のYouTube動画に出演してこのようなことを言っていました。

 

「ミステリー小説の長編を忠実に再現した脚本を書こうとすると3時間の枠が必要。」

 

さて本作は、東野圭吾氏の長編推理小説を映画化したもので、上映時間は2時間9分。

つまり、映画化に関しては、長編小説のプロットのおよそ1時間分をカットしたということになります。

何をカットして、どう映画として再構築かしたのかは、脚本を担当した福田靖氏の技量に追うところが大きいのですが、福田氏のインタビュー動画によれば、東野圭吾氏は、映画化作品は原作小説とは別物と考えているようで、映像化にする際には、物理学的検証部分だけは忠実に再現してもらえれば、後はどこをどういじってもらっても構わないと言われていたそうです。

ガリレオ・シリーズ映画化は、本作が2度目。

前作の「容疑者Xの献身」が、テレビのガリレオ・シリーズのシーズン1が終了後のタイミングで公開されて好評を博し、犯人役を演じた堤真一は日本アカデミー賞の最優秀助演男優賞を獲得しています。

本作も、それを踏まえて第2シーズンが終了直後の公開。

ガリレオ・シリーズのドラマ版は、スピンオフ企画以外はすべて見てきましたので、その勢いで本作も鑑賞いたしました。

 

本作は、科学と人間ドラマが織りなす感動作、東野圭吾の人気小説「ガリレオ」シリーズ劇場版です。

天才物理学者・湯川学（福山雅治）が、美しい海辺の町で起こる事件の真相に迫る物語です。

本作の魅力は、科学ミステリーとしての面白さはもちろんのことですが、湯川と少年・恭平（山崎光）の心温まる交流を軸に展開する重厚な人間ドラマにあります。

待て待て。湯川教授は、理屈の通用しない子供に接すると蕁麻疹が出るのでは?

しかし、そのはずの自分の手にいつもの痒みがありません。どうやら、恭平少年と湯川の間には、なにかしらの物理的な化学反応があるようで。

 

ところが、湯川の宿泊していた民宿で事件が発生してしまいます。

事件は、湯川と同じ民宿の宿泊客が、海岸の堤防から落ちて転落死するというもの。

死んだのは退職した元刑事です。しかも、死因はなんと一酸化炭素中毒。

刑事は事故死か、それとも殺されたのか。

そして、民宿を営む老夫婦(前田吟、風吹ジュン)と、一人娘(杏)には、なにやら秘密が・・

恭平は、この一家の甥っ子で、夏休みの間この一家に預けられています。

ひょんなことから恭平と夏を過ごすことになる湯川教授。ドラマ・シリーズの中では見ることのなかったガリレオの新しい一面が、この映画版では紹介されていくことになります。

 

恭平の純粋な好奇心に触発され、科学の面白さを教える湯川の姿は、ドラマ・シリーズでは見せることのなかった優しさに溢れています。

 

物語の舞台となる玻璃ヶ浦の美しい風景描写も印象的です。

撮影地は、静岡県賀茂郡西伊豆町の浮島（ふとう）地区。

さらに、映画冒頭や終盤で登場する「玻璃ヶ浦駅」として使われた駅は、ぐっと西へ移動して、愛媛県松山市の伊予鉄道高浜線・高浜駅が使用されています。

湯川と恭平がペットボトルロケットを飛ばす本作の象徴的なシーンは、仁和港北沖防波堤灯台周辺で撮影されています。

 

 

どこか昭和の香りが残るノスタルジックな雰囲気が画面の隅々からあふれ出ており、昭和生まれにはたまりません。事件の陰惨さとのコントラストが絶妙。

特に、浮島地区の海底は、映画に深みとリアリティを与えています。

映画の冒頭では、「科学技術と環境保護」という現代的なテーマが盛り込まれており、科学者・湯川が環境保護活動家と対立しながら、事件に巻き込まれていくという展開です。

 

「自分たちも科学技術の恩恵を受けているのにやみくもに反対するのはおろかだ。清濁併せてすべてを知ったうえで、何を選ぶか選択すべきだ。」

 

事件の謎解きとともに描かれるのは、家族の秘密や過去の因縁、そして罪と贖罪といった普遍的なテーマです。

旅館を営む川畑家が抱える複雑な事情や、16年前の未解決事件が絡み合い、物語は予想外の方向へと進んでいきます。

特に、杏演じる川畑成実の抱える苦悩や、彼女の決断は観る者の胸に深く突き刺さります。

しかし、一方で、テレビドラマでこのシリーズを見たファンには、ミステリーとしてのトリックやサスペンス性が足りないと、やや物足りなさを感じるかもしれません。

映画版には、湯川がひらめいた時のあの数式書きなぐりパフォーマンスは、出てきませんし、「実に面白い」の決まり文句も控えめ。(というよりも、あったっけ?)

 

そして、前作「容疑者Xの献身」のような衝撃的な展開や複雑な謎解きを期待すると、やや肩透かし。

本作は、それよりも人間ドラマに焦点が当てられているのは明白です。

ですから、その分、登場人物たちの感情の機微や葛藤が丁寧に描かれており、事件の真相が明らかになった時の切なさややるせなさは、観終わった後も長く心に残ります。

「愛は時に残酷」という重いテーマが、物語全体を覆っていると言えるでしょう。

 

本作のガリレオ担当刑事は、吉高由里子演じる岸谷美砂。

ドラマでのエッジの効いたやりとりも、映画ではやや控えめ。

しかし、シリアスな展開の本作において、彼女の登場は唯一のコメディ・リリーフとして機能していました。

 

原作小説と映画版の主な違いは、明らかに湯川と恭平の関係性の強化です。

この二人のエモーショナルな関係が、映画の軸になっており、それがクライマックスに来るように、プロットは再構築されています。

そのために、 一部のキャラクターの役割や背景が、映画版独自に再アレンジ。

原作にはないオリジナルのクライマックスが描かれ、より感動的な結末となっています。これらの違いにより、映画版「真夏の方程式」は、原作小説やテレビシリーズとは一味違った、映像作品に仕上がっていました。

 

ちなみに、僕も映画の中の恭平少年と同じで、理科は大の苦手科目でした。

ペットボトルが清涼飲料水の容器として認められたのは1982年の食品衛生法改正以降ですから、我が子供時代にペットボトル・ロケットを試した記憶はありません。

小学校の頃に、学内販売していた「科学」という小学生向きの理科系雑誌の付録に、似たような実験道具がついていたような記憶もあるのですが、定かではありません。

 

ペットボトルを水と空気の力で飛ばす方法は、「水ロケット」の原理を利用した実験です。

ペットボトルに水を1/3～1/2程度入れます。水が推進剤の役割を果たします。

コルクやゴム栓にバルブ（空気を注入する弁）を固定し、ペットボトルの口にしっかりと差し込みます。

バルブが外れないよう、テープで補強。

 

発射台にセットします。

ペットボトルを逆さまにし、発射台に固定。ペットボトルの口が下向きになるようにします。

ポンプでバルブを通じて空気を注入し、内部を加圧（目安は3～6気圧）。

十分に加圧したら、バルブを解放するか、コルクを外すことで内部の圧力が一気に解放。

水が勢いよく噴出し、その反作用でペットボトルが上空に飛び上がります。

水が多すぎると重く、少なすぎると反作用が弱くなります。最適な量を実験で探ります。

作用反作用という物理の初歩中の初歩の法則だけで飛ばすロケットなので、どれだけと飛ばそうと玻璃ヶ浦の海は汚れません。

 

そして、何度かのチャレンジで、ペットボトル・ロケットの飛距離が200mを越えます。

その瞬間、中に仕掛けた携帯電話のカメラが作動して、海底の映像が少年の携帯に届きます。

思わず声を上げる恭平。

 

この実験は、ドラマ映画を通じて、湯川教授が行った実験の中で、最も美しい実験だったかもしれません。

映画「ターミネーター:ニュー・フェイト」2019年アメリカ

 

ご存じ「ターミネーター」シリーズの第6作目。

シリーズ4作目までは見ており、5作目に「新起動ジェネシス」もあったのですが、ジェームズ・キャメロン、アーノルド・シュワルツェネッガー、リンダ・ハミルトンが再び集結という宣伝文句を見てしまって、思わずコチラを先に鑑賞してしまいました。

シリーズ生みの親であるジェームズ・キャメロンは、ストーリー原案という名目でクレジット。

本作においては、俳優のビリングは、シュワちゃんではなく、リンダ・ハミルトンがトップになっていましたね。

 

監督はティム・ミラー。

 

本作は、『ターミネーター2』（T2）の直接の続編として位置づけられ、3作目以降（『ターミネーター3』『サルベーション』『ジェニシス』）の出来事を完全に無かったことにしています。

これにより、複雑になり過ぎたシリーズの時間軸をリセットし、T2のラストから25年後の物語として新たな展開を描いています。

過去作では「ジョン・コナーが人類抵抗軍のリーダーとなる未来を守る」ことが主軸でしたが、ニューフェイトでは冒頭でジョン・コナーが殺害され、以降は彼の存在が物語から外されてしまいます。

ちなみにこのシーン、殺されるジョン・コナーは、T2出演当時のエドワード・ファーロングだったのでちょっとビックリ。

製作当時63歳だったはずのリンダ・ハミルトンも、異常に若かったので、この展開を想定して、監督のジェームズ・キャメロンが、T2撮影当時にこのシーンを秘かに撮影していたのだと思ってしまいました。

しかし、これは監督の弁によれば、CG技術を駆使したボディダブル撮影とのこと。

オリジナル俳優（エドワード・ファーロング）の若い頃の映像や写真をもとに、顔の3Dモデルや表情パターンをデジタルで作成。

吹き替え俳優の顔や体の動き、表情をモーションキャプチャーやトラッキング技術で記録し、これをCGで合成したのだそうです。

もちろん、リンダ・ハミルトンもこの技術で当然若返るわけです。

この技術があれば、俳優たちは、映画の中では、永遠に年を取らずに美しいままということも可能なんですね。

昔の顔を貸した俳優にギャラは生じるのかなんてことも、気になってしまいした。

 

今回の「リブート」により、シリーズの複雑化したタイムラインは整理され、物語は新たに動き出します。

 

物語は『ターミネーター2』の25年後、2020年が舞台です。

未来の機械軍（AI「リージョン」）は、メキシコ在住の若い女性ダニー・ラモス（ナタリア・レイエス）を抹殺するため、最新型ターミネーター「Rev-9」（ガブリエル・ルナ）を現代に送り込みます。

これに対抗して人類抵抗軍は、機械ではない強化兵士グレース（マッケンジー・デイヴィス）を送り込み、ダニーを守ろうとします。

さらに、サラ・コナー（リンダ・ハミルトン）とT-800（アーノルド・シュワルツェネッガー）も再び登場し、ダニーを守るために協力します。

旧作からのファンたちは、待ってましたの展開。

シュワちゃんはこの時すでに72歳。リンダ・ハミルトンも還暦越えですから、これはあっぱれ。

ジェームズ・キャメロンは、今回自らの手でリブートをすると決める際には、二人の出演にはこだわったようです。

しかも、リンダ・ハミルトンは、キャメロンの元嫁です。シュワちゃんと共に、三顧の礼で迎えたのかもしれません。

T3以降はやや迷走した感のあるターミネーター・シリーズを、原点に戻そうという狙いはあったようです。

 

本作の新キャラは3人。

身長178cmのマッケンジー・デイビスが演じたのがグレイスです。

彼女は未来から送り込まれた「強化人間」。つまり、彼女は従来のターミネーターではなく、人体の一部を機械化することで超人的な能力を得た戦士です。

ダニ・ラモスを守るために未来からやってきており、短時間であればターミネーターに匹敵するパワーを発揮しますが、体力を消耗すると薬品を投与しないと動けなくなるという「人間的な」弱点も併せ持っています。

 

ダニ・ラモスは、メキシコ系の女優ナタリー・レヴェスが演じました。

彼女は身長148cmで、マッケンジーとの身長差は30cm。

今作の重要なキーパーソンとなる人物です。

メキシコシティで家族と暮らしていた普通の女性ですが、未来からの新型ターミネーター「REV-9」に命を狙われることになります。物語を通じて、彼女は徐々に未来のリーターとして覚醒。彼女の存在が人類の未来にとって極めて重要になることが次第にわかってきます。

 

そしてその、殺人マシーン「REV-9」を演じたのが、ガブリエル・ルナ。女性みたいな名前ですが、れっきとした男性です。どこかオバマ元大統領に似た風貌の彼も、やはりメキシコ系のアメリカ人です。

新キャラのうち二人を、メキシコ系俳優に指名したあたりは、ハリウッドのポリコレ・ルールを意識したのでしょう。

 

ジェームズ・キャメロンは、本作において、過去作で分散した物語を整理し、シリーズの本来の魅力を再提示することを目指しました。

かつての成功作を自らの手で再び形にしたいという強い思いがあったとことは確実。

しかし、製作費1億8,500万ドルに対し、全世界興行収入は2億6,111万ドル。投資回収の目安である「製作費の3倍」には届かず、約1億2,000万ドルの損失が出たとされています。

キャメロンは後に「全てが誤算だった」と強い反省を語っています。

往年のファンに向けた作りに偏り、若い世代や新規ファンを意識した演出が足りなかったことが失敗の要因だったというのが彼の敗戦の弁。

アーノルド・シュワルツェネッガーやリンダ・ハミルトンの復帰に強くこだわったことで、結果的に「昔ながらのターミネーター」になってしまい、時代とのズレが生じたことは潔く認めています。

 

「私たちは正当な続編を作ることができたが、新しい観客のための要素が何一つなかった。」

 

監督のティム・ミラーも「自分が観たい映画を作ればうまくいくはず、という凝り固まったオタク的思考で挑んだが間違いだった」と認めており、シリーズとして“やり尽くされた”感が否めなかったことも影響しています。

 

確かにこういったブロックバスター映画では、興業収入がすべてで、これが芳しくないとすべてが否定されてしまいがちですが、やはりお金をかけるだけかけているだけあって、サラ・コナーズが登場するまでの前半30分と、千両役者シュワちゃんが合流してからの畳みかけるようなクライマックスは圧巻。

僕ら世代が血湧き肉踊らせた、ターミネーター最初の2作の世界を、現代のSFX技術で思い切りスケールアップさせた攻防シーンには、思わず手に汗握ってしまいました。

 

最初の2作品は、追いかけられる恐怖にをとことん突き詰めた内容でしたが、キャメロンはその原点プラス、5人の主人公たちの間の時空を超えた人間ドラマも綿密に描く原案を提供。

シュワちゃんとリンダ・ハミルトンの高齢化以外は、なかなかよく作りこまれた作品であると個人的には評価する次第。

しかし、やっつけてもやっつけても不気味に再生してくるターミネーター REV-9の恐怖は圧倒的でした。

やはりこのシリーズの魅力の原点は、なんだかんだといっても、これなんだなあと改めて再確認した次第。

 

製作費をかけると、やはり作る側はいろいろと欲が出てしまい、エモーショナルなドラマ性も付加して盛り上げたくなるのはわかります。

しかし、シリーズの最高傑作は、いまだに1984年の一作目だと信じて疑わない身としては、余計な感動ドラマは排除してでも、その製作費を全部つぎ込んで、ホラー映画として製作したら、どんなに怖い作品が出来るのかとは、ちょっと想像はしてしまいます。

 

もっとも、いまから10年後に、シュワちゃんとリンダ・ハミルトンを三度招集してこのシリーズの続編を作ることになるとしたら、その作品は黙っていてもホラー映画になるかも・・

 

 

 

 

 

 

 

映画「絶壁の彼方に」1950年イギリス

僕にとっては、クラシック映画の魅力を教わるバイブルであったのが和田誠の「お楽しみはこれからだ」です。

本作の存在を知ったのは、このシリーズの Part 2 でしたね。

 

ですから、大学生の時からそのタイトルだけは、頭の片隅にインプットされていて、映画情報誌ぴあの名画座情報にその名前を見つけたら、関東一円どこでも出かけていくつもりではいました。

しかし、残念ながら本作を上映してくれる映画館はなく、その後知る限り、テレビでの放映もありませんでした。

(もしかしたら、僕が見逃していただけかもしれませんが)

 

ただ、それ以後も、映画雑学系の本では、時折このタイトルは見かけました。

本作は映画評論家や映画ファンの間で高く評価されており、和田誠氏の他にも、川本三郎氏、小林信彦氏ら著名人もその魅力を絶賛。

最近では、ホイチョイプロの馬場康夫氏、三谷幸喜氏も、この映画の魅力をYouTube動画で語っていましたね。

映画のランキングでは、なかなか見かけることのない作品ですが、こういった映画見巧者の目に留まる玄人受けする作品だったようです。

 

その隠れた傑作のタイトルが、Amazon プライムに上がっていてビックリ。

ほぼ忘れかけていましたが、ここであったが100年目です。しっかり鑑賞させていただきました。

あらすじも見所も、先輩諸氏の解説により、すでにわかってしまっている前情報先行での鑑賞でしたが、それでも十分に楽しめました。

なるほど、おっしゃる通り、サスペンス映画の秀作という評価に偽りなし。

 

「絶壁の彼方に」の原題は、"State Secret"。直訳すれば「国家機密」ということになります。

この邦題がつけられたのは、本作のクライマックスにスリリングな山岳アクションが用意されていたからでしょう。

本作は、1950年にイギリスで製作されたサスペンス・スリラー映画。監督・脚本はシドニー・ギリアット。

とにかく、この映画からは、ヒッチコックの香りがプンプンするんですね。

この監督、1930年代には、イギリスでサスペンス映画の脚本を書いていたといいますから、絶対にヒッチコックとの接点があるに違いないと思ったら案の定です。

調べてみたら、ヒッチコックのイギリス時代の傑作「バルカン超特急」の脚本を書いていました。

サスペンス映画としては、キャロル・リード監督の「ミュンヘン行き夜行」の脚本も手掛けていて、この方面ではなかなか知られた人物だったようです。

 

主演はダグラス・フェアバンクス・ジュニア。もちろん、この人の親父さんは、チャップリンらと共にユナイト映画の創立者としてその名を連ねたダグラス・フェアバンクス。

共演にグリニス・ジョンズ。

この方は残念ながら、この映画でしか知りません。

なかなかチャーミングな方ではありましたが、ヒッチコック映画に登場するような絶世の美女というわけではなかったのが、本作がいまいちメジャー作品になり切れなかった理由だったかもしれません。(申し訳ない)

その他、「ベン・ハー」や「アラビアのロレンス」でも顔を見かけたジャック・ホーキンス。

「ピンク・パンサー」シリーズのドレフュス警部役でおなじみのハーバート・ロムらが名を連ねています。

 

物語の舞台は第二次世界大戦後のヨーロッパ。アメリカ人外科医ジョン・マーロウ博士（ダグラス・フェアバンクス・ジュニア）は、イギリス滞在中に東欧の架空国家「ヴォスニア」へ招待されます。

名誉ある「ケプラー金メダル」受賞と新しい外科技術の披露が目的とされていますが、実際はヴォスニアの独裁者の手術を依頼されるためでした。

しかし、手術の患者はヴォスニアの独裁者ニヴァ将軍であり、しかも表向きのニヴァ将軍は替え玉であることを知ってしまいます。

 

手術は一時的に成功したかに見えましたが、独裁者はその後容態が急変して死亡。国家の体制維持のため、独裁者の死は極秘とされます。

事実を知ったマーロウ博士は、口封じのために命を狙われる運命に。

危険を察した博士は、ヴォスニアの秘密警察に追われる身となります。

その後、彼はショーガールのリサ・ロビンソン（グリニス・ジョンズ）の助けを借りて、必死の逃亡劇を繰り広げるという展開。

山岳地帯の断崖絶壁を越えるスリリングな逃避行が展開されますが・・・。

 

異国で事件に巻き込まれた主人公の逃避行を描いたサスペンス映画というと、ヒッチコック監督の「引き裂かれたカーテン」や、ロマン・ポランスキーの「フランティック」が頭に浮かびますが、両作品がこの映画の影響を受けているのは確実でしょう。

本作後半の絶壁を命がけで越える終盤の山岳シークエンスは、後のクリフハンガー（崖っぷちサスペンス）作品の先がけになったのは確実。

満員のロープウェイで、乗務員が広げた新聞に大写しになっているリサの写真を客たちに気づかれないように隠すスリリングなシーンなどは、いかにもヒッチコックがやりそうな演出でしたし、この時代ではかなり珍しいカーチェイスも登場。

リサと二人の逃避行は、サスペンス映画としてなかなかよく出来ていました。

 

しかし、本作には、ヒッチコックもキャロル・リードもやっていない秀逸な演出がひとつあります。

それはなんと、この架空の国ヴォスニアの言語を、この映画のためにまるまる作ってしまったことです。

このために、言語学者たちが集められたといいますから、これは手がかかっています。

そして、映画ではこのヴォスニアン語をもとにして、街の看板なども統一されているという徹底ぶり。

つまり、この映画では、主人公が逃げ込む街の中の人々は、皆この言語を喋っているわけです。

日本人ですから、はじめはこの状況が呑み込めませんでしたが、ヴォスニア語を喋る人たちの字幕が出ないことで、だんだんと主人公の置かれている状況が理解出来ました。

これにより、ヴォスニアの人たちとコミュニケーションの取れない状況で、主人公たちが逃げ回るというサスペンスが際立ってくるという仕組みです。

それほど製作費がかかっているようには見えないのですが、一国の言語を創作して、それを出演者にも特訓して、映画の中でリアリティをもって喋らせるというわけですから、それ相応のコストがかかったことは想像に難くないところ。

聞く人が聞けば、ドイツ訛りのイタリア語に聞こえなくもないそうですが、少なくとも日本人の耳で聞いても、全くの出鱈目を喋っているようには聞こえませんでした。

ヨーロッパを舞台にしたアメリカ映画では、ドイツ人もイタリア人も普通に英語をしゃべると言う暗黙のルールに慣らされてしまったところがありますが、その不自然さに改めて気がつかされたと言う点でも、この映画はなかなか新鮮でした。

 

監督シドニー・ギリアット自身が語るところによれば、ヴォスニア国は、特定の現実の国を直接モデルにしたものではなく、観客の立場や政治的な視点によって「スペイン（左派の観客）」や「当時のユーゴスラビア（右派の観客）」を連想させるよう意図的に曖昧に設定された国なのだそうです。

 

ギリアット監督は、第二次世界大戦直前に読んだ新聞記事から着想を得て「追跡スリラー」を作ろうと考え、当時の東欧やバルカン半島の独裁体制や秘密警察国家の雰囲気を反映させた舞台装置としてヴォスニアを創作したとのこと。

この国は完全な共産主義国家ではなく、独裁体制下のバルカン諸国（特に当時のユーゴスラビアやティトー政権）を思わせる警察国家として描かれています。

おそらくは、ヒットラーのナチス政権も多分に意識されていたはず。

 

このリアリティをあげる上でも、この架空言語は、大いに効果的だったといっていいでしょう。

 

本作は、YouTubeでも、全編99分のフルサイズの動画がアップされていました。

今この映画をリメイクするとしたら、もっとド派手なアクション映画になっていることは間違いのないところ。

しかし何事もその原点を知っておくことは大事なことです。

この映画を見て、その後本作に影響されているであろう映画をどれくらい挙げられるかは、あなたの映画知識のバロメーターになるかもしれません。

温故知新。今から75年前の作品だからと言ってクラシック映画を侮ってはいけません。

クラシック映画には、クラシック映画の楽しみ方があります。

 

文句のある方は、ヴォスニア語で。

 

 

読書「エレファント・ヘッド」白井智之

 

 

「ゾウの巨大な脳を人の頭蓋骨に押し込むようなものだ。」

 

「ただ頭の中がひどくやかましくて、大きなゾウがずっと泣き喚いているような気分なんです。」

 

本文中にある重要登場人物のセリフです。

さて、この人物の頭の中では、いったい何が起きているのか。

 

白井智之氏の作品としては、去年「名探偵のいけにえ」を読んでいます。

この作家のお家芸といえばなんといっても多重解決。「名探偵のいけにえ」では、クライマックスで、何重にも真相が上書きされる展開にシビレましたが、本作でもこの手法が徹底的に追求されています。

どちらもロジカルな謎解きと、読者の予想を裏切る衝撃的な結末が特徴。

特に「最後の真相」に到達したときの読後感や、パズルのピースがはまるような感覚が共通しています。

特殊設定と異様ともいえる世界観は本作ではさらにグレードアップしていました。

 

物語の主人公は精神科医・象山（きさやま）晴太。彼は女優の妻と二人の娘に恵まれ、一見幸せな家庭を築いていますが、「どんな幸せな家族も、たった一つの小さな亀裂で崩壊する」と常に不安を抱えています。

象山は、家庭の平和を脅かす恐れのある人物は、次々と殺していくサイコパスでした。

ある日、象山は謎の薬シスマを手に入れたことをきっかけに、人知を超えた殺人事件に巻き込まれていきます。

 

本作の最大の特徴は、複雑かつ巧妙なトリックと、謎が謎を呼ぶ入れ子構造（マトリョーシカ的展開）にあります。物語の中で使われるトリックは、従来のミステリーで見慣れたものを再構築し、読者の予想を裏切る展開を次々と紡ぎ出して行きます。

本作は、読者の共感にはあえて背を向けて、あくまで論理的な理解を重視して展開していきます。

そして、複雑に絡み合う謎は読者を混乱させます。

登場人物のサイコパス的な倫理観が徹底して描かれており、人間を道具のように扱う描写や、グロテスクなシーンも多分に含まれます。

このため、あえて万人受けする作品は目指さず、倫理観や感情移入を重視する読者に不快感を与えることを意識的に選択しています。

 

.本作は、現実世界から一歩も二歩も踏み出した、SF的ともいえる異次元ワールドへと読者を誘います。

量子論の難解な世界解釈にも果敢に踏み込んだ複数のトリックや仕掛けが物語全体に張り巡らされ、先の展開を読むことはまず不可能。

古典ミステリーを読み漁ってきた者としては、ことごとくミステリーの常識を破る展開にあたふたとしっぱなしでした。

情けない話ですが、物語の後半になると、頭の中は終始パニック。

なるほど、ここまで特殊設定をつきつめないと、これからのミステリーに未来はないのだと納得した次第。

 

白井智之は、東北大学法学部を卒業しています。在学中はSF・推理小説研究会に所属していました。

2014年に『人間の顔は食べづらい』でデビューし、綾辻行人から「鬼畜系特殊設定パズラー」という称号を与えられていますが、なんともこれが言いえて妙。

彼の作品は、特殊な舞台設定や破天荒かつ不道徳な世界観を意図的に取り入れ、げぼ、内臓露出、人体破壊といった露悪的表現で読者を恣意的に挑発。その神経を逆なでさせてきます。

そして、もう一つ忘れてならないのが、グロテスクと対をなす、その緻密な論理構成です。

この両輪が絶妙に絡み合う構成が、本作最大の魅力といえます。

 

本作で作者が、果敢に挑んでいるのは、量子論における多世界解釈と、本格ミステリーの融合です。

恥ずかしながら、わかりもしないのに、量子論の入門編は何冊か読んでいます。

しかし、現代量子論には、まだ解明されていない謎が山積。

世界中の天才物理学者たちが、日夜頭をエレファント状態にして、その真相を解き明かそうとしていますが、いまだその深淵な世界は謎のまま。

つまり量子論そのものが壮大なミステリーなんですね。

 

量子力学では、粒子は観測されるまで複数の状態（重ね合わせ状態）で存在しています。

従来の「コペンハーゲン解釈」では、観測した瞬間に「波動関数が収縮し」、一つの状態だけが現実になると考えます。

しかし多世界解釈では、「波動関数の収縮」は起こらず、観測のたびに宇宙が全ての可能性に分岐し、それぞれの結果ごとに新しい世界（宇宙）が生まれると考えるわけです。

かの有名な「シュレーディンガーの猫」という思考実験があります。

ある特殊状況の箱の中にいる猫は、生きている状態と死んでいる状態が重ね合わさっているというわけです。

観測すると、「猫が生きている世界」と「猫が死んでいる世界」の両方が分岐して存在し、観測者もそれぞれの世界に分かれるというのが量子論の世界。

つまり観測ごとに宇宙は分岐し、全ての可能性が実現される多世界解釈が成り立つというわけです。

それぞれの分岐した世界は互いに干渉せず、他の世界の自分や出来事を知ることはできない。

多世界解釈は、現実や自己のアイデンティティとは何か、という哲学的な問いも投げかけてきます。

現在のところ、分岐した他の世界を直接観測する方法はなく、あくまでも理論的な解釈の一つとされています。

要するに、「量子の世界では、観測のたびに宇宙が全ての可能性ごとに分かれ、無数の並行世界が存在する」というわけです。

 

さあ、この難解ながらも魅力的な量子論の代表的テーゼを、いかにミステリーに落とし込むか。

 

量子論を少々かじったミステリー・ファンとしては、まずはこのトライに拍手を送りたいところです。

はたして、量子論とミステリーの融合は可能か。

これは、本作の読みどころの1つですので、是非とも、本作を手に取ってご確認を。

 

もしも、ミステリー好きな量子物理学者が、多世界解釈をミステリーに落とし込もうとしたら、どんな作品が出来上がるかと考えてみます。

でもこれはおそらく、うまくいかないような気がします。多分専門知識が邪魔をするはず。

これは間違いなく自由闊達で柔軟な解釈と、適度なフィクションを織り交ぜるて話を膨らませることの出来る理系ミステリー作家の領分でしょう。

 

本作には、ストーリー上の重要なマクガフィンとして、シスマという怪しげな薬が出てきます。

これを一錠飲むと、人間の脳のカウフマン野に強烈な刺激を与えて海馬と接続し、数時間程度時間を遡れるという効果が表れるというのが本作のルール。

リサーチしてみましたが、もちろんシスマという薬物はありません。

そして、脳の中にもちろん海馬はありますが、カウフマン野は存在しませんでした。

こういった実在しないものを、ミステリーの素材に登場させることは、ミステリーのルールとしては基本的にNGです。しかし、ここでその是非を述べるつもりはありません。

どれだけ虚実入り混じろうとも、ミステリーはエンタメなのですから、要は面白ければすべてよし。

ミステリー小説自体がフィクションなわけですから、それを言うのは野暮というもの。

 

しかし、野暮ついでに、本作が、1928年にイギリスの推理作家ロナルド・ノックスが発表した「ノックスの10戒」に対してどれくらい抵触しているかチェックしてみましょう。

 

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1.　犯人は物語の始めに登場していなければならない。

 

本作は、複雑な伏線と後半の多重解釈が特徴ですが、犯人は序盤から登場しています。ただし、作中で「登場人物の真の姿」が隠されているので、間接的に違反と解釈される余地があります。

 

2.　探偵方法に超自然能力を用いてはならない。

 

本作は、量子論の理論のみを発展させた超常現象をトリックの核に据えているので、明らかに違反していると考えられます。

 

3.　犯行現場に秘密の抜け穴・通路が二つ以上あってはならない。　

 

微妙。

 

4.　未発見の毒薬や、難解な科学的説明を要する機械を犯行に用いてはならない。

 

シスマが登場するので、これは明らかに違反。

 

5.　主要人物として「中国人」を登場させてはならない。

 

中国人は登場しませんが、タイ人は重要な役で登場。

 

6.　探偵は、偶然や第六感によって事件を解決してはならない。

 

そもそも探偵役が不在。

 

7.　変装して登場人物を騙す場合を除き、探偵自身が犯人であってはならない。

 

同上。

 

8.　探偵は、読者に提示していない手がかりによって解決してはならない。

 

問題なし。

 

9.　サイドキック（ワトスン役）は、自分の判断をすべて読者に知らせなければならない。また、その知能は一般読者よりやや低くなければならない。

 

ワトスン役も不在。

 

1.   双子や変装による一人二役は、あらかじめ読者に知らせなければならない。

 

一人二役どころか、本作では一人の人間が、四役に分裂します。

 

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とまあ、こんなところでしょうか。

この「ノックスの10戒」は、古典ミステリー黄金時代におけるルールです。

本作は「超常現象を推理の対象とする」という点で、明らかにこれに反旗を翻してはいます。

しかし一方で、本作品の魅力は「ルール破りから生まれる新機軸」にあり、ノックスの戒律をあえて無視することで、独自のグロテスク・SFミステリを成立させているとも言えます。

本作は、古典ミステリーの枠組みからあえて逸脱することで、それを超える現代的な実験作に挑んでいると解釈するのが妥当でしょう。

 

『エレファントヘッド』は、従来のミステリーの枠組みを解体・再構築した、極めて挑戦的かつ独創的な作品です。

昭和世代には絶対に書けない、新世代による新感覚ミステリーといっていいでしょう。

僕のようなコテコテの古典ミステリーファンには、なかなかシンドイ作品ではありましたが、読み応えは充分。

倫理観や描写の過激さから、好みが分かれる作品だとは思いますが、映画化されるよりも、ゲーム化される可能性の方が高いという気がします。

 

前期高齢者にとって、グロテスクRPゲームは、なかなかハードルが高そうですが、本作を読んだ以上は、もしこれが iPhone でプレイできるゲーム・アプリになったら、一度はトライしてみるかな。

 

ゾウっとするかも。

 

 

 

読書「われら闇より天を見る」クリス・ウィテカー

 

 

最近の海外ミステリーで、読むべき一冊を決める際には「このミステリーがすごい!」のランキングをよく参考にします。

本作は、その「このミス」で、2023年版海外版ランキングの第一位の作品でした。

2019年から、ずっとこのランキングで、一位を独占してきたアンソニー・ホロヴィッツの5連覇を阻んだのが本作。

イギリスの作家クリス・ウィタカーによる骨太のミステリーで、「このミス」以外にも、2023年本屋大賞翻訳小説部門第1位や英国推理作家協会賞最優秀長篇賞など、国内外で高い評価を受けた話題作です。

 

このところ、手にした海外ミステリーは、少女を主人公にした作品が多いことにハタと気がつきました。

「ザリガニの鳴くところ」のカイア、「自由研究に向かない殺人」のピップ。

どちらも、少女の描き込みに気合が入っていて、こちらとしてはおもわずヒロインの保護者になったような気分で読破。

気がつけばいつのまにか主人公に思い切り感情移入していました。

少女が主人公というと、我が国では青春ライト・ノベルになってしまいがちですが、ここ最近の海外ミステリーの少女ヒロインたちは、ハードな設定をものともせず、大人顔負けの大活躍。

爽やかなジュブナイル小説とは一線を画した本格的なミステリーのヒロインとして、濃密に描かれていました。

 

少女をミステリーの主人公にするメリットについて少々。

 

これには3つあると思います。

(こういうと頭が良さそうに聞こえる! )

 

まず、考えられるのは、読者の共感と感情移入効果。

純粋さと 脆弱性を併せ持つ少女の視点を通して、犯罪を描くことで、読者は事件の不条理さや主人公の葛藤に強く共感し、感情移入しやすくなります。

 

次に、意外性と視点の面白さを無理なく描けるということ。

大人には見過ごされがちな細部に気づいたり、固定観念にとらわれない自由な発想で事件の真相に迫ったりする可能性を増幅させる効果素があり、物語に意外性と新鮮な視点をもたらします。

 

そして、少女を主人公にすることで、成長と変化の物語を描けるメリットがあります。

事件を通して少女が成長し、変化していく過程を描くことで、ミステリーとしての謎解きに加えて、感動や希望といった普遍的なテーマを深めることができるわけです。

 

加えて、日本の場合は、少女趣味が広く男性の嗜好になっているという国民性もあるかもしれません。

変人の名探偵を主人公にするよりは、少女ヒロインは、ミステリーをよりドラマチックに構築するのに適しているのかもしれません。

 

あらすじです。

 

カリフォルニアの小さな町で、30年前に少女殺害事件が起こります。

ヴィンセント・キングはその罪を背負って、15歳で服役します。事件の証言をしたのは、彼の親友であり、現在は地元警察署長のウォーク。ウォークは、自らの信念に従い、友情よりも正義を優先しましたが、そのことに罪悪感を抱えたまま生きています。

物語は、ヴィンセントの出所とともに動き出します。町には事件の影が色濃く残り、ウォークは今度は友人として、ヴィンセントの再出発を助けようと奔走します。

 

一方13歳の少女ダッチェス・ラドリーは、自らを「ならず者」と称して憚らないタフな女の子。

薬物依存の母スターと幼い弟ロビンの面倒を見ながら、厳しい現実と戦っています。

30年前に殺された少女は、スターの妹でした。

このことから、ウォークは、ダッジェスとロビンを放っておくことが出来ません。

仕事の傍ら、なにかと親身に二人の面倒を見ています。

そんな中、スターが射殺されるという事件が起き、その現場にはヴィンセントが。

しかし、凶器の拳銃が発見されないことから、ウォークはヴィンセントの無実を確信し、元恋人のマーサと共に、それを立証することに奔走します。

 

そして、母親を殺されたダッジェスとロビンは、モンタナにいる祖父の元へ。

しかし、そこにも、魔の手が・・・

 

ウォークは過去の贖罪と友情のはざまで苦悩しながらも、ヴィンセントとダッチェスたちを守るために奔走します。

本作の原題は、"We Begin at the End"。

つまり、本作の主要登場人物たちそれぞれが、「終わり」から「新たな始まり」へと向かうために、痛みを乗り越えようとする姿が重層的に描かれていきます。

家族、贖罪、赦し、再生が交錯する展開は、心揺さぶるパッションに満ちています。

 

クリス・ウィタカーは、ロンドン生まれのイギリス人作家。

ファイナンシャル・トレーダーとして働いた後、作家に転身します。現在はイングランドのハートフォードシャーに家族と暮らしています。

高校時代は将来への不安を抱え、大学進学のチャンスも失いました。不動産業者として働いていた19歳の時、暴漢に襲われ重傷を負い、PTSD（心的外傷後ストレス障害）を発症。苦しい日々の中で執筆療法を知り、小説を書き始めたのが、彼の作家としての原点です。

 

最初は自身の苦しみを少女のキャラクター（ダッチェス）に投影して断片的な物語を書いていました。

やがてこの少女を主人公とした物語を本格的に構築し、約20年にわたり断続的に書き続けてきたものを、3年かけて完成させたのが本作です。

当初は「復讐」をテーマにしたシンプルな物語の予定でしたが、主人公ダッチェスを書き進めるうちに、成長や贖罪、家族愛を描く壮大な物語へと自然に発展していきました。

イギリス人であるクリス・ウィタカーは「犯罪小説の舞台としてアメリカは理想的」と語っています。

銃社会や小さな町の保安官制度、カリフォルニアからモンタナに至る広大な土地が、この物語に必要だったと述べています。

作者自身の人生の苦難と再生の経験を土台に、PTSD治療の一環として書き始めた物語を、クリス・ウィタカーは、長い年月をかけて磨き上げ、『われら闇より天を見る』という傑作に昇華させたわけです。

 

本作は、13歳の少女ダッチェスと警察署長ウォークという、年齢も立場も大きく異なる二人の視点が交互に展開されます。多くのミステリーでは、こうした複数視点が最終的な「邂逅」や交錯の瞬間を物語のクライマックスに据えるという構成であることが多いわけですが、本作は序盤で二人が何度も会話した後、むしろその後は道を分かち、読者に「邂逅の興奮」を期待させない構成となっています。この「ピークに使えるイベントをあえて捨てる」大胆さが、このミステリーの大きな特徴といえそうです。

 

物語はスピード感や派手な展開に頼らず、じっくりと登場人物の内面や関係性を描きながら進みます。

その中で、静かながらも強烈な内的緊張感や意外性が積み重なり、読者を引き込みます。

これは、スピードで盛り上げる従来のサスペンスやミステリーとは一線を画す手法です。

 

物語は「無法者」「大空」「清算」「愛情」の4章構成で、カリフォルニアの町からモンタナの農場、さらには里親や施設と、主人公たちの環境が大きく変化していきます。

各章ごとに主人公たちの人生が断絶し、再生を繰り返すような構成は、単線的な謎解き型ミステリーとは異なり、人生の変遷そのものをドラマチックに描いています。

 

単なる謎解きではなく、家族、贖罪、再生といった重厚な人間ドラマが物語の牽引します。

終盤にかけて、丁寧に張り巡らされた伏線が一気に回収され、ラストの衝撃と余韻が際立つ構成も特徴的。

 

本作は、複数視点の使い方、クライマックスの構築法、人生の断絶と再生を描く章立て、そして静かながらも緊張感ある進行といった点で、従来の翻訳ミステリーとは一線を画した独自のプロット構成を持っています。

 

幾度も絶望的な状況に追い込まれながらも、ダッチェスは「幸せな結末」を信じることはできなくなっても、弟のためにだけ、ひたすら前に進み続けます。

弟のための自己犠牲は、彼女の中ではもはや理屈ではありません。弟を守ることがダッジェスの人生そのものになっていきます。13歳の少女はまさに母性の塊です。

ダッチェス・ラドリーの、年齢を超えた責任感と、どんな困難にも屈しない強さ、そして家族への深い愛情を持つキャラクターは、最後の1頁まで、物語の中心で輝き続けます。

 

そして、鮮やかなラスト。

少女を主人公にしたミステリーを書くなら、ヒロインをどれだけ辛い目に合わせようとも、最後はこうならなければ、やはりファンは納得しないでしょう。

 

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読書「方舟」夕木春央

 

これはおもわず最後まで一気読み。

ページをスワイプする指(iPad読者ですので)が最後まで止まりませんでした。

文句なしの傑作ですね。

ミステリーの王道パターンを踏襲しつつ、最後はとんでもないラストで唸らせていただきました。

お見事!

 

『方舟』（ハコブネ）は、夕木春央による現代本格ミステリー小説。

2022年に刊行されるや否や、「週刊文春ミステリーベスト10」や「MRC大賞2022」などの主要ミステリーランキングで高評価を獲得し、話題となっていました。

 

物語は、主人公・越野柊一が大学時代の友人や従兄とともに、山奥にある謎めいた地下建築「方舟」を訪れるところから始まります。

そこで、偶然出会った三人家族と合わせて総勢10人が、この不気味な「方舟」で一夜を過ごすことになります。

 

その翌朝、突如このミステリーの開幕を告げる大地震が発生。

 

全てはこの予期せぬ天災から幕を開けます。

この地震によって、一行が入ってきた地下施設の出入口が巨岩で塞がれてしまいます。

この巨岩はもともと有事の際のバリケードにするために仕掛けられたもので、施設内部には、手動巻き上げ機がセットしてありました。

しかし、この地震により、誰かがこの巻き上げ機を使って岩をどかそうとすると、その人物だけが施設の中に取り残されてしまうことが判明。

10人はお互いの顔を見合わせてしまうことになります。

さらに3階建ての地下施設の地下三階部分は、地下水のために水没していることがわかります。

この地下三階からは、外に出られる非常口が通っていましたが、その地上部分は、土砂で完全にふさがれている絶望的な状況を、まだ生きていた外部監視カメラがとらえます。

そしてさらに、地下水の水位は、徐々に水嵩を増していることも判明。

このままでは「方舟」は水没し、全員が命を落としかねない極限状況に追い込まれていきます。

この施設から脱出するには、誰かが犠牲になって、巻き上げ機を廻し、巨石を動かさなければなりません。

いったい誰が犠牲になるのか。

 

まあこの設定だけでも、そこそこのパニック人間ドラマが展開されそうなものですが、本作ではこの極限状況の中で、なんと殺人事件が起こってしまうからさあ大変。

しかも、その犠牲者は一人にとどまりません。

いったい犯人は、なんのために、この状況下で殺人を繰り返すのか。

 

この地下施設からの唯一の脱出方法は「誰か一人を犠牲にする」ことは全員が理解しています。

ならば、その生贄には犯人がなるべきだという暗黙の了解が残された全員の共通解になります。

はたして、地下水で施設が水没するタイムリミットまでに、犯人を見つけ出すことが出来るのか。

この極限状況化で、犯人捜しの心理戦と推理が始まるわけです。

 

探偵役は、主人公・柊一の従兄である篠田翔太郎。

彼は、人間的な感情を一切排除して、徹底的な理詰めで真犯人に肉薄していきます。

犯人も含め、全員が納得できる真相解明でなければ、犯人に犠牲になることを強いることは出来ません。

そして最後に翔太郎は、タイムリミットぎりぎりで、往年の古典ミステリーよろしく、容疑者を一同を集めて連続殺人の真犯人を指摘します。

とにかくここまでの展開も、なかなかスリリングで、「犯人あてミステリー」として、よく出来ているのですが、事件の導入部を知っている読者は、本作に限っては、犯人がわかっただけでは、このミステリーは終わらないことをよく知っているわけです。

 

ここからがクライマックスのはず。

 

まず、閉鎖空間で「誰か一人を犠牲にしなければ全員が死ぬ」という極限状況に置かれた登場人物たちが、「犯人が犠牲になるべきだ」と考えることは、果たして道義的に正しい判断なのか。

「人を犠牲にする」という行為自体が持つ重さについて、登場人物たちは少なからず葛藤や罪悪感を抱くことになります。

つまり、犯人を犠牲にすることで自分たちが助かるという論理は、極限状況下では合理的に思えても、道徳的・感情的には完全に割り切れるものではなく、必ず後ろめたさやためらいがつきまとうもの。

このモヤモヤを残したままで、はたして小説として物語を終わらせることが出来るのか。

それとも、最後に殺人犯人の犠牲的精神を称えて、美談にしてしまうのか。

残りページ数を確認しながら、このミステリーの締めくくり方をいろいろと想像しながら読んでいたのですが、作者はそんなミステリー・マニアの姑息な想像を軽く凌駕するとんでもないラストを用意してくれていました。

 

さすがにそれを、こんな読書レビューごときで語っていいわけがないのは百も承知。

正直に言えば、「どんでん返し」があるということを語るだけでも、すでに反則なのかもしれません。

この衝撃を完全な形で味わいたい方は、是非とも一切の前情報を完全にシャットアウトしてお読みになることをお勧めします。

 

本作から学べる大切な教訓をひとつ。

 

それは、極限状態に放り込まれたときは、最後まで冷静でいられた者だけが生き残れるということ。

あまり近くにいてほしくはないですが、時にはサイコパスに学ぶこともあるかもしれません。

 

映画「夫婦善哉」1955年東宝

 

「ごくつぶし」という言葉があります。

これは、家族や他人の家に居候し、働かずに養ってもらっている人のこと。

または社会的に何の役にも立っていないと見なされる人を侮蔑的に表現する言葉でもあります。

何人もの住込み店員のいる書店で幼少期を過ごしましたので、小学生の頃はよく母親にこういわれました。

「働かざる者食うべからず」

店の手伝いからいつも逃げ回っていた僕は、こういわれていたわけです。

本作の主人公もまさにそんな人。

森繁久彌演じる柳吉という人物は「優柔不断でお人好し、金と女にだらしないけどどこか憎めないダメ男」。

昭和初期の大阪・法善寺横丁にある大店（おおだな）の放蕩息子です。

森繁久彌はこの人物に圧倒的なリアリティを吹き込みました。

森繁の大阪弁ネイティブとしての資質や、戦前の船場の若旦那らしい雰囲気がこの役柄にどんぴしゃり。

 

『夫婦善哉』は、1955年に公開。織田作之助の同名小説を原作としています。脚本は八住利雄、監督は文芸映画の名匠・豊田四郎。

昭和初期の大阪が舞台です。ぼんぼんの柳吉と、しっかり者で商才もある芸者・蝶子の愛情と波乱に満ちた人生を、なにわ情緒豊かに、時にユーモラスに描いています。

 

森繁は、金縁の伊達眼鏡をかけ、男前でもなく、どこか頼りないが妙な愛嬌を持つ遊び人の老舗のぼん（若旦那）を、絶妙なさじ加減で演じています。

ダメ男のかわいらしさや、依存的な弱さを、笑いとペーソスを交えて嫌味なく表現できたのは、やはり森繁ならでは。

大阪出身の森繁ならではのネイティブな大阪弁や、ユーモラスな語り口も大きな魅力であり、特に「また、頼りにしてまっさかい、あんじょう頼んまっさ」と軽く挨拶する場面などはまさに、森繁節。

柳吉が、屋根瓦に朝日が差し込む中、窓辺で山椒昆布を煮ながら蝶子の帰りを待つ姿は、柳吉というキャラクターを見事に映像で表現していて絶品でした。

そして、二人が何もかも失ったラスト。

「…なぁ、あんた。みなワテが悪いねんなぁ」と蝶子が呟くのに対し、柳吉が「そ、そやがな。みな、お前が悪いのやがな」と返すシーンは、柳吉の優柔不断さと、セリフとは裏腹の本音を隠した優しさがにじみ出ており、森繁の絶妙な演技が光ります。

 

しかし、いかに森繁あっぱれといえども、やはり個人的にはなんといっても淡島千景です。

まあ、本作での彼女のなんと魅力的なことよ。

淡島千景は、当時「戦後の新しい女性像」を体現する女優として注目されていました。

小津作品に登場する彼女は、まさにアプレゲールの香りをプンプンとさせていました。

彼女にとって『夫婦善哉』は初の他社出演作でもあります。ゆえに気合十分。

淡島は、本作の蝶子役を通じて「しっかり者で懐の深い女性」を自然体で演じ、森繁の柳吉を支える存在として作品の完成度に大きく貢献しています。

 

淡島は宝塚歌劇団出身。

僕の知る限り、「リボンの騎士」の主人公サファイア王子（サファイア姫）のモデルとなった女優です。

手塚治虫は宝塚歌劇団の大ファンであり、特に淡島千景のファンだったことから、彼女をモデルにサファイアのキャラクターを創作したと複数の資料で明言しています。

淡島千景がたまたま男役を演じた舞台を手塚治虫が観劇し、その姿が「男装の麗人」として戦うサファイア像のヒントになったとも伝えられています。このため、サファイアの「男装の麗人」としての強さと、娘役としての可憐さが同居するキャラクター性は、淡島千景の舞台での魅力が色濃く反映されていたわけです。

 

森繁久彌は「この作品で男になりたい、協力してほしい」と直筆の手紙で淡島千景に出演を依頼したそうです。

森繁は相手役として蝶子を演じるのは淡島しかいないと確信しており、その強い信頼が淡島に大きな自信と責任感を与えたようです。

 

本作で淡島が演じた蝶子は、今までに、彼女が演じたことのない役柄でした。

駄目男を包み込む母性の塊のような懐の深い女性像であり、彼女の細やかな気遣いや表情、リアリティのある仕草は、映画公開から70年たってからはじめて鑑賞しているこちらのハートも見事に鷲掴み。

この役柄を通じて、淡島は単なる美人女優や娘役の枠を超え、情に厚く、芯の強いダメ男にとってはこれ以上ない“理想の女房像”を体現してくれました。

さらに、本作の成功によって、淡島千景は以降も、「駅前シリーズ」などで、森繁久彌と息の合ったコンビを継続していくことになります。

淡島は森繁との共演のオファーが来る度に、「次はどんな男になって現れるのか楽しみにしていた」と語るなど、毎回新鮮な気持ちで森繁との共演を楽しんでいたといいます

本作で彼女が演じた蝶子は、以降の多彩な役柄や長寿シリーズ出演への道を大きく切り拓く、キャリアの金字塔となったわけです。

 

撮影現場における森繁久彌と淡島千景の関係は、プロフェッショナルでありながらも、互いの実力と個性を尊重し合う信頼関係に満ちたものだったようです。

森繁久彌は当時からアドリブを多用することで知られていましたが、淡島千景との共演シーンでは一切アドリブを出さなかったといいます。

これは、淡島が大阪弁に苦労していたことを知っていたからに他なりません。

「もし森繁さんがアドリブを言われたら、私は大阪弁でどう答えていいか分からなかったでしょう」と淡島自身が後に語っています。

 

淡島は松竹の看板女優として単身で東宝の現場に参加しており、「あれが松竹の淡島か」と言われたくない一心で強い気負いを持って撮影に臨んでいました。

その姿勢を森繁がしっかりと理解した上でフォローし、現場の雰囲気を良くしていたことが伝えられています。

撮影中、淡島が森繁を桶に突っ込むシーンがあるのですが、このシーンでは、淡島がカメラが回ると手加減を忘れて本気で演じたため、森繁が「水を何度も飲んだ」と語っています。

つまり、互いに全力で役に向き合い、リアルな演技を追求していたということでしょう。

このように、森繁久彌と淡島千景は撮影現場で互いを思いやり、信頼し合いながら、名作を生み出す理想的なパートナーシップを築いていました。

 

お気に入りのシーンをひとつ。

 

柳吉と蝶子が二人連れだって、難波の自由軒という洋食屋でライスカレーを食べるシーンです。

昭和七年という時代設定ですから、カレーライスではなくライスカレー。

柳吉はいまでいうところのB級グルメ派で、安くてうまいものにこだわるわけです。

「どや?　うまいやろ?」といいながら、テーブルの下では蝶子の足を突っついていたりします。

この子供のような無邪気さが、まさにダメ男の天下の宝刀。

これが作り物でない素のキャラだからたまりません。

心ある女なら絶対に、こんな男を憎めないだろうなあと思ってしまいます。

 

あとで、柳吉と喧嘩した蝶子が一人で自由軒にやってきて、ライスカレーを思わず二つ注文してしまうのがなんとも切ない。見事に二人のシーンが伏線になっているわけです。

 

本作より、生活力のないダメ男がしっかり者の女房に捨てられないために必要な条件を3つ考察してみます。

 

まずひとつめ。

相手への深い愛情と感謝の気持ちは忘れないこと。

これは言葉にしなくても、相手にはしっかりと伝わります。

生活力がないわけですから、精神的な支えとなることは重要です。

柳吉の場合、口先だけではなく、時折見せる優しさや気遣いが蝶子の心を繋ぎ止めていました。

 

ふたつめ。

共感力と寄り添う姿勢を忘れないこと。

蝶子の苦労や気持ちを理解し、共感する姿勢は大切です。

自分の弱さを自覚し、彼女の頑張りを認め、常に寄り添うことで、一方的な負担感を軽減できるはずです。

柳吉は自分勝手ではありましたが、時には蝶子の話に耳を傾け、彼女の感情を体で受け止めていました。

感情的になると男はしばしば暴力的になってしまうものですが、本作では暴力的なのはむしろ蝶子です。

叩かれ、どつかれ、水の入った桶に顔を突っ込まれても、柳吉は一切抵抗しません。

ただ逃げ回るだけ。

彼女がそうしたくなる気持ちを、柳吉は「無理もないわな」と、しっかり理解しているわけです。

 

そしてみっつめ。

ささやかでも良いから、自分なりの貢献をアピールすること。

大きなことはできなくても、家事の手伝いや彼女の好きなことをするなど、自分にできる範囲で何かをすることで、夫婦としてのバランスを保つ努力を示すべきです。

柳吉の場合、例えば蝶子の好きな音楽を一緒に楽しむ。彼女の愚痴を聞くなどに心を配っていました。

小さなことでも良いので、彼女にとっての心の支えとなるような貢献方法は絶対に見つけるべき。

 

もしもあなたに、相手ほどの生活力がないのなら、この三つはけっして忘れるべからず。

この三条件を満たすことで、あなたも、しっかり者の女性との良好な関係を長く続けることができるかもしれません。

 

そして、そんな彼女に捨てられないかどうか知る方法が一つあります。

それは本作本作における最後の柳吉のセリフを、相手にささやいてみること。

 

「おばはん。あんじょう頼みまっさ。」

 

これでもしあなたが、年下の相手にひっぱたかれなかったら、あなたは柳吉になれる見込み大です。

読書「僕の家族はみんな誰かを殺している」ベンジャミン・スティーヴンソン

 

まずこの作品には、トラックが通過できるような大きなプロットの穴があります。

そして、セックスシーンは皆無。

本作は黄金時代のミステリーに敬意を表して、1928年にロナルド・ノックスが提唱した「探偵小説十戒」を冒頭に提示し、それを忠実に遵守し、語り手であり探偵役でもある主人公アーネスト・カニンガムは、常に「信頼できる語り手」となります。

当然、真相解明に至るまでに、必要な情報はすべて提示し、その情報の範囲で、その都度アーネストの推理は正直に語られ、それが読者にとってミスリードになっていたとしても、けっして嘘の情報は与えません。

それから、このタイトルが示す通り、本作では、全編にわたって殺人が繰り返されます。

殺人もしくは、誰かが死んだことを匂わせる描写は、以下のページで登場。

 

25, 68, 95, 102, 112, 245.......

 

残虐なシーンだけ読みたいなら、このページだけ読むのも一考かもしれません。

 

さらに、アーネストは32章で叔父のマルセルに殴られ、右手が使えなくなるような怪我をし、316ページではキス・シーンがあり・・・

 

待て待て。

 

そんなことを、読書レビューで晒してしまうのはネタバレだろう。

そう思われる方もいらっしゃるかもしれませんが、実はこれすべて、語り手であるアーネストから、本作冒頭で事前告知されているんですね。

 

そして、その問題のシーンになると、「そう、ここは25ページだ。」「次の死者が出るまであと94ページ」とこう来るわけです。

まずは、この人を食った書きっぷりに、ニンマリさせられるわけです。

リサーチしてみると、作者のベンジャミン・スティーヴンソンという方は、オーストラリアでは名の通ったコメディアンとのこと。

なるほど、これくらいのウィットは当然なのかもしれません。

 

そうこられればこちらも対応します。

まずは、殺人が起こると予告されたページは、すべてメモに書き出し、それをチェックしながら読むわけです。

そうすると、そのページが近づくと、読者なりにその展開を予想することになるので、通常の謎解きミステリーに、自然にサスペンスの要素が加わるんですね。

なるほど、考えたものです。

今までにも、過去のページを指定して、読者に起きたことを思い出させる工夫ならあったような気もしますが、ミステリー小説で、これから起こることを事前に告知してしまうなんて小説は読んだことがありません。

 

主人公のアーネストの職業は作家。ミステリーを書こうと思ってる人のためのハウトゥ本の書き手です。

従って、ミステリーには精通しており、この事件に関しては、当事者兼ライターとして、編集者とやりとりをしながら原稿を書いているという設定。その視線は完全に読者に向いています。

 

とにかく、このミステリーは本であることを徹底的に意識されています。事件を俯瞰するメタ的書きっぷりが独特のユーモアとなり、斬新なテイストを生んでいるのは間違いのないところ。

これだけ人が死ぬ小説なのに、まるで陰惨なところがないという不思議な味わいのミステリーになっています。

 

さて、どんな事件が起こったのか。

 

カニンガム一家は、家族再会のため冬の山岳リゾートに集まります。アーニーの家族は皆「誰かを殺したことがある」というイワクつきの一家。

物語は、アーニーの兄マイケルが刑務所から出所するタイミングで始まります。再会の場で雪嵐に閉じ込められた一家のもとで、最初の殺人事件が発生。

事件の発端は、マイケルが車で死体を運んでくるところから始まります。死体は銃で撃たれており、現場には大金の入ったバッグも発見されます。アーニーは家族への忠誠心と法への義務の間で葛藤しつつ、実兄マイケルを警察に通報します。

 

カニンガム家は、血縁や再婚による複雑な構成で、全員が何らかの形で「殺し」に関与しているというなかなか刺激的な設定。父親は過去に警官を殺害し、母も、叔母も、義妹も・・・

そして、アーニー自身は兄の事件で殺人を証言したことにより、家族から疎外されています。

各キャラクターには個別の秘密や確執があり、物語が進むにつれてそれぞれの「殺し」の真相や動機が明かされていきます。

 

殺人事件が発生すると、ここに集まった家族全員は容疑者となります。

しかも全員が何かを隠しており、誰もが怪しい行動や言動を見せるため、こちらは「誰が犯人なのか」を最後まで予測できません。

巧みなのは、各キャラクターの個性や背景が実に丁寧に描かれていること。どの人物も物語の中で強い存在感を放っていて、どの人物も犯人候補からなかなか落とせない展開が秀逸です。

家族全員が何らかの「殺し」に関与しているため、善悪や正義の基準が曖昧になっていきます。誰もが罪の意識や後ろめたさを抱えつつも、それを隠したり正当化しようとするため、家族内でのコミュニケーションは常に緊張感を孕みます。暴力は家族の「共有遺産」となり、誰がどこまで家族を守るべきか、どこまで許されるのかという問題が絶えず問われ、最後は家族について考えさせられることになります。

 

秀逸な表現がありました。

 

「家族は重力だ。家族とは同じ血が流れている者を意味するのではない。この人のためなら、血を流してもいいと思える相手のことだ。」

 

事件の真相は複雑で、何度も「犯人は誰か」と疑念を持たされる巧妙なプロットが展開されます。

そして、真犯人が明かされる最終対決では、家族の秘密と過去の罪がすべて暴かれるというカタルシスのある展開。

本作においては、ミステリーにおける「ハウダニット」の部分は、意外にあっさりと解明されてしまいます。

そのかわり、作者がこだわったのは、やはり「フーダニット」でしょう。

この部分は、作者が黄金時代のミステリーに傾倒しているのが歴然。容疑者を一堂に集めて、アーニーが謎解きを披露し、最後は全員の前で、ズバリ真犯人を指名するという鉄板の大円団。

最近のミステリーでは、これがあまりにコテコテの黄金パターンのため、馴染まないのか、照れくさいのか、とんと見かけなくなってしまいましたが、僕のような古典ミステリーオタクには、「待ってました」ということになります。

 

作者の筆致は、しばしばブラックユーモアに満ちています。

 

「ぼくはこれから乾燥室で兄マイケルの死体を見つけるわけだが、・・」

「どうだ、編集者、カットできるものならするがいい」

「左の指で押さえているページがまだだいぶ残っていれば、殺人犯が明かされても、それが真犯人ではあり得ない。」

 

これにより、殺人事件という緊張感が、読者にとって親しみやすく、時に滑稽に映るわけです。

このメタ的な語りは、事件の重さを和らげ、読者に“物語を楽しむ余裕”を与えます。

雪山のロッジで連続殺人が起こるという緊迫した状況下でも、アーネストのユーモアや家族の奇妙なやりとりが絶えません。

シリアスな場面でも、登場人物たちは皮肉やブラックジョークを連発。このギャップが物語に独特のテンポと軽快さをもたらし、読者に“笑いながらもハラハラする”という摩訶不思議な体験を与えてくれます。

作者ベンジャミン・スティーブンソンは、アガサ・クリスティやゴールデンエイジの探偵小説への愛情と同時に、ジャンルの“お約束”をパロディとして笑いに昇華。

このあたりはコメディアン出身という作者の面目躍如といえるでしょう。

本作におけるダークユーモアは、カニンガム家の異常な状況や重苦しいテーマを、読者が“楽しめるエンターテインメント”へと昇華させています。アーネストの皮肉や自虐、家族のブラックな会話、メタ的な語り、そして古典ミステリーへのパロディによって、物語はシリアスさとユーモアが絶妙に混ざり合う、唯一無二のミステリーとなっています。

 

読後、どうしても気になってしまったので、この質問をAI にぶつけてみました。

 

「本作には、ページ数に言及する表現が連発しますが、原稿執筆の段階で、製本された本のページ数を指摘することは可能でしょうか」

 

解答は以下の通り。

 

原稿執筆段階で製本された本のページ数を正確に指摘することは、技術的には非常に困難です。

原稿段階では、フォントサイズ・行間・用紙サイズ・レイアウト・装丁など、出版工程で決定される要素が多く、最終的なページ数は確定していません。そのため、著者が「○ページ」と明記したとしても、実際の製本本では異なるページに該当することがほとんどです。

もし著者がどうしてもページ数にこだわる場合、編集・組版担当者と協力して該当箇所の前後に空白や挿絵を入れるなどして調整することは理論上可能ですが、現実的には手間やコストがかかるため一般的ではありません。

(ちなみに、本書には挿絵は一切ありません)

結論をいえば、本作のように「ページ数」を物語の演出として頻繁に言及する場合、原稿執筆段階で製本後のページ数を正確に指摘することはほぼ不可能です。著者や編集者もその点を理解した上で、あえてメタ的なジョークや遊びとして取り入れているのが本作の特徴です。

 

なるほど。

しかし、ページ数をメモして読んでいた読者としては、作者があらかじめ指定したページで確かに、事件が起きていたことを知っています。むむむ。これはいったいどうしたことだ。

 

だとするなら、本作における最大の謎はこれかも。

作者はあとがきで、何度も編集者にその労をねぎらっていましたが、いったいそのトリックとは?

 

真相は〇〇ページで。

 

 

読書「自由研究には向かない殺人」ホリー・ジャクソン

 

なかなか楽しませてもらいました。

17歳の女子高生(日本流にいえば)が、主人公なので、青春ライトノベルのつもりで読んでみましたが、リアルな犯罪小説としても読みごたえは充分。

とにかく、主人公ピップが実に魅力的です。気がつけば、年甲斐もなく、この17歳の名探偵にエールを送りっぱなしでした。

 

物語は架空のイギリスの町リトル・キルトンを舞台に、17歳の高校生ピッパ（通称ピップ）・フィッツ＝アモビが、学校の自由研究プロジェクトを通じて5年前に起きた殺人事件を再調査する様子を描いていきます。

事件では、人気者の高校生アンディ・ベルが殺害され、その恋人サリル（サル）・シンが犯人とされました。

しかしピップは、サルが無実であると信じており、真犯人を突き止めるために、サルの弟ラヴィと協力し合って、調査を進めます。そして、ふたりがたどり着いたい意外な真相とは・・

 

本書は、ホリー・ジャクソン女史による、2019年に発表されたミステリー・デビュー作品です。

彼女は、1992年生まれといいますから、今年で33歳。

本書を執筆していたのは、当然20代後半ということになります。

作者が、主人公のピップに年齢も近いとあって、主人公の描写はリアリティ抜群。

この若きミステリー作家がちょっと気になったので、リサーチしてみました。

 

ホリー・ジャクソン（Holly Jackson）はイギリス出身。彼女はバッキンガムシャーで育ち、15歳の頃に最初の小説を完成させるなど、幼い頃から物語を書くことに情熱を持っていました7。

本作は、シリーズ化されていて『優等生は探偵に向かない』『卒業生には向かない真実』と続きます。

彼女の作品は、若者特有のテンポ感ある会話やSNSを活用した捜査手法など、現代的な要素が多分に盛り込まれています。

また、登場人物の心理描写や謎解きの巧妙さも高く評価。日本でも「このミステリーがすごい！」や「本格ミステリ・ベスト10」などで上位にランクインしています。

 

ホリー・ジャクソンは、本作執筆に際しては、ポッドキャスト『Serial』から大きな影響を受けたと語っています。

本作においても、特にその構造や語り口が作品に反映されているようです。

『Serial』は、ホストが1つの事件を深く掘り下げながら、自身の仮説を絶えず問い直すスタイルで展開される犯罪ポッドキャスト。

この形式が、ミステリー作家を目指していたジャクソンにとって非常に魅力的であり、本作に「アマチュア探偵」というリアルな視点を持ち込むきっかけとなったと語っています。

 

『Serial』は、ポッドキャスト内で提示される情報に加えて、ウェブサイト上で補足的な「証拠」も提供しています。この証拠には、事件関連の写真や文書、インタビューの記録などが含まれ、リスナーがより深く事件を理解できるよう促しています。

この形式は、本作にも多く流用されていて、いってみれば「素人参加」している読者に対して、捜査の進捗と、真犯人の候補がわかりやすく示されていて実に読みやすいわけです。

 

とにかく本作には、17歳の高校生の日常感があふれんばかり。

スマホやパソコンを使うのが当たり前になっている彼女たちの環境が、小説の中にそのまま反映されていて斬新でした。(ちなみにスマホというのは日本だけの呼び方で、本作内ではすべて「携帯」といっています)

僕は古典ミステリーで育ってきた世代ですので、最新デジタル機器がミステリーの中で使われているのはあまりお目にかかっていません。

ですからその分、現代のミステリーを読む場合には、スマホなどのデジタル機器や、インターネットの扱いには、それなりに興味を持っていました。この最新技術を使ったら、ミステリーのトリックはいったいどうなるのというわけです。

しかし、日進月歩のデジタル機器を、小説内に登場させるのは、かなりのリスクがあるようで、意外にそれらを活用しているミステリーには出会っていないというのが正直な感想。

それはそうです。2010年代初期には、みんなが当たり前に使用していたガラケーを今使っている人は、ほとんどいません。今や、後期高齢者の方もスマホを持つ時代です。

小説を執筆していた時代には、最新だったインターネット環境や、モバイル機器が、ほんの数年で時代遅れになってしまうのはあたりまえなわけですから、ミステリー作家の皆様も、その辺りには慎重になるのでしょう。

枝葉末節なところでは、その時代の最新機器を使用することはあっても、ミステリーのメイン・トリックは、従来の本格ミステリーの路線から、それほど外れていないものを使うというのが、ミステリー界の一般常識的になっているような気がします。

 

ミステリーは好きですので、「刑事コロンボ」や三谷幸喜脚本による「古畑任三郎」は、時々撮ってあるDVDで見直すのですが、その放送当時の最新機器であるファックスやワープロなどがトリックに使われていると、逆に古臭く思えてしまったものでした。

俳優が使用している携帯電話のスタイルを見れば、そのあたりは一目瞭然です。

個人的なことを申せば、現役の頃は、会社内のデジタル管理部門を長くやっていました。スマホなどを持つのも比較的早かったので、なおさらなのかもしれません。

さらにいえば、読書は完全にデジタル派。持っていた蔵書は比較的早い段階で、すべて裁断してスキャナーで電子書籍化しています。

定年退職した今でも、図書館から借りてきた本は、すべて一頁ずつスキャンして、電子書籍化。

読む時には、iPhone を横において、わからない単語を検索しながら、iPadをスクロールしています。

そんなわけですから、年齢の割にはバリバリのデジタル嗜好というわけです。

そんな最新機器ミーハーですから、いつかはこんな電子機器をメインに使ったミステリーが、この世界では当たり前になっていくんだろうなあとは朧げに思っていたわけですが、ミステリーのトリックは意外にも保守的。

いわゆる傑作と呼ばれる本格モノは、例えば50年前の人が読んでも通じるような普遍的なトリックが主流だったような気がするわけです。

ところが、本作はその辺りがまったく新しかったなあという印象でしたね。

やはり、若い作家ならでは感性なのだろうなあと感心した次第。

思えば、一世紀以上も前の古典ミステリーでも、その時代の最新器具を、トリックに使っていたわけです。

 

例えば、作者が本作における緻密なプロット構成を、ポッドキャストの音声資料を大いに参考にしたというのも新しいといえば新しい。

通常の参考文献資料は、巻末に参考図書がズラリと並ぶものですが、本書においては、番組に意見を寄せた視聴者の多角的な意見と、その「言い回し」を大いに参考にしたというわけです。

今の日本の高校生がどうかは知りませんが、本作の若き登場人物たちは、ほとんどがパソコンを一人一台所持し、その上で、スマホなどのモバイル機器もフル活用。

ちなみに、日本の場合には、iPhone のユーザーがかなりの割合を占めているようですが、イギリスではAndroid ユーザーの方が圧倒的多数派のとのこと。

僕のような年寄りには、SIMカードなどといわれてもピンときませんが、本作の中の高校生たちは、かなり当たり前に使いこなしていました。

プリンターの印刷履歴をパソコンに保存する設定なども、主人公が当たり前に使いこなしていました。

現役サラリーマンの頃は、個人的にもこの設定を自分のパソコンに仕込んで、デジタル管理をやっていたクチですから、おもわずニンマリです。

 

主人公ピップは、関係者のインタビューを録音して、まめに文字起こしをして作業記録を取っていました。

これなどは、本作発表から5年たった今では、AI の文字起こし機能が、ワンクリックでほぼ一瞬でやってくれますので、教えてあげたかった。そうすれば、ピップも進学試験のための小論文作成に、もう少し時間をさけたはずです。

 

メッセージアプリは、日本ではLine が主流ですが、イギリスでは、WhatsAppが圧倒的に主流とのこと。

これも、そのやりとりが、スクショの状態で本文として使われているので、推理小説の構成としても斬新でした。

その他、スケジュール・アプリのメモも、そのアプリの状態で読む構成になっていて、リアリティがありました。

もちろん僕が読んだのは、服部京子さんによる日本語翻訳バージョンでしたが、それでも、その雰囲気はバッチリ伝わってきました。

もしも手に入るなら、イギリス版原書も一度覗いてみたいところです。

 

ピップが犯人を追跡するシーンには、GPS機能も大活躍。

これは、友人と現在地を確認し合うアプリが使用されていましたが、もちろん今時は、誰のスマホにも、紛失した場合に見つけられるような FIND アプリがあるわけです。

これって、僕らは知らず知らずのうちに当たり前に使っていますが、考えてみれば凄い機能ではあります。

僕の記憶でいうと、映画史上ではじめてGPS機能が登場したシーンは、1965年製作の007シリーズ第3作「ゴールドフィンガー」。

ボンドが乗るアストン・マーチンのレーダーに、敵の車に仕掛けたGPSの信号が映るというもの。

第二次世界大戦のバトル・オブ・ブリテンでは、世界に先駆けたレーダーの威力で、ドイツ空軍を撃退したのがイギリス軍です。映画での登場が早かったのもうなずけます。

犯人のアジトを確認する場面では、お馴染みのストリート・ビューも活躍。

現地に赴くリスクを負わなくても、今や住所だけが分かっていれば、その周辺の様子が3Dで確認出来て、しかもプリントアウトまでできるわけですから、ミステリー小説にはもっと頻繁に登場してもいい機能だと思うのですが、使われているのを確認できたのは、本書が初めて。

 

ミステリーのアイデアも飽和を迎えている感がある中、ジェームズ・ボンドも泣いて喜ぶこれらの秘密兵器をオールインワンで備えているスマホは、もっとミステリー小説の中で活用されても不思議はないとは思っていました。

とまあ、最近読んだ現代ミステリーとしては、そんな点が意外にも新鮮でしたので、デジタル・オタクとしてはおもわずはまり込んでしまった次第。

 

そして、本作はそんな最新デジタル小道具に特化したミステリーというだけではありません。

現代イギリスが内包する社会問題にもグイグイと肉薄していきます。

 

イギリスの社会問題としては、青少年の麻薬問題に対して、本作は切り込んでいます。

イギリスの青少年（16～24歳）の19%が過去1年間に何らかの違法薬物を使用した経験があるというデータがありました。主な薬物: 大麻、コカイン、MDMAなどが多用されており、一部地域では大麻使用が非犯罪化されている地域もあるとのこと。

イギリスでは、日本と比較して薬物が比較的手に入りやすく、パーティードラッグとして定番になっている傾向があります。10代後半から20代前半の若者が中心で、特に都市部で蔓延している状況です。

これは本作のストーリーの中にも確実に反映されていて、麻薬の売人が高校生と接触し、パーティではロヒプノールという睡眠薬系麻薬が、デートレイプドラッグとして悪用されるシーンがあります。

アメリカ同様、麻薬に関しては、日本と比べて段違いに緩いのがイギリス社会というわけです。

 

そして、やはり人種問題です。

イギリスもアメリカと同様、アフリカから黒人奴隷を大量に連れてきた国ですが、アメリカと少々事情が違うのがかつて植民地であったインドからもたくさんの移民を受け入れています。

2021年の国勢調査の結果では、イギリス国内にはおよそ176万人のインド系イギリス人がいるとのこと。

これは、比率でいえば全国民のうちの2.5％の割合になります。

この比率がアメリカの場合が1.3%だそうですから、それのおよそ2倍。

もちろんインド系の人たちは、イギリス社会の中で、差別の問題に直面してきました。

しかし、イギリスにおいてインド系の人たちは、確実にその地位を獲得してきています。

この小説と同じ年に公開されたイギリス映画「イエスタディ」の主人公は、インド系の俳優ヒメーシュ・パテルでしたし、イギリス史上初の非白人、アジア系、そしてヒンドゥー教徒の首相として歴史にその名を刻んだはインド系のリシ・スナク氏でした。

本作品の中で、アンディ殺害事件の犯人として、自殺したことにされてしまうサル・シンと、弟のラヴィ兄弟は共にインド系の青年です。

兄と造形がそっくりなラヴィンは事件後、街の人たちからの冷たい視線にさらされ、家族と共にひっそりと生きていくことを余儀なくされます。

 

一方、ピップの家の方も、人種的にはかなり複雑です。

白人同士の両親の間に生まれたピップは白人ですが、父親はピップが、1歳にもならないうちに交通事故で亡くなります。そして、母親が再婚したのがナイジェリア人。

本書の中には、「黒人」という表現が使われないので、気になって検索してみたら、ナイジェリアに多いハウサ人、ヨルバ人は共にアフリカ系でした。

ですから、ピッパとは異父姉弟になるジョシュは、白人と黒人のハーフということになります。

しかし、ピップはこの家族たちをこころから愛していて、そこに愛犬のバーニーを加えた家族の間には、いつも笑顔が絶えません。

そんな、ピップの心の中に、人種差別の意識などが育つはずもなく、インド系のラヴィとのパートナー・シップは最後までこの物語を支えていきます。

 

ラヴィが、ピップに聞きます。

「君は何で、この事件を自由研究に選んだの。」

ピップは応えます。

「サルは、父親がナイジェリア人だったことでいじめられていた私を救ってくれたの。サルは私のヒーローだから。」

これには、胸を鷲掴みされましたね。

不覚にも、小説の冒頭からウルッとされられてしまって以降は、哀れ66歳の読者はもう作者の思うつぼ。

やることなすこと無鉄砲ながら、それでもちゃんと地に足はついているこの熱血少女の冒険譚に、最後の1頁まで引きずり込まれてしまいました。

 

不思議なものです。

 

これは、「ザリガニの鳴くところ」を読んだ後でも感じたことですが、ミステリーにおいて主人公に必要以上に感情移入してしまうと、真犯人やどんでん返しが、どうでもよくなってしまうんですね。

もちろん、本作は600ページに及ぶ大長編ですから、サプライズな展開やスリリングな冒険、意外な真犯人、そしてどんでん返しといった仕掛けはすべて用意されているのですが、結局読み終わってみると、印象に残っているのは、最後のピップの晴れがましい笑顔だけ。(たぶん笑っているはず)

もちろん、この小説の中では全員にハッピーエンドが用意されていたわけではないのですが、このピップの笑顔で読者は納得させられてしまうわけです。

 

もし、あなたがミステリー小説に使えそうな、斬新なトリックやどんでん返しのネタをお持ちなら、一言だけアドバイスいたします。

 

その小説の主人公はあまり魅力的に描かないこと。

 

 

 

 

読書「君のクイズ」小川哲

 

なるほど、ミステリーに、こんなアイデアもあるんだなと感心した次第です。

まさに着眼点の勝利。

作者は、小川哲氏。1986年生まれといいますから、今年で38歳。

作家デビューは、2015年といいますから、新進気鋭とはいかないまでも、この世界ならまだ若手でしょう。

本作は、2022年に刊行された小説で、翌年の本屋大賞にもノミネートされ、同年の日本推理作家協会賞も受賞していますので、同業者たちからは、文句なしにミステリーと認められている作品というわけです。

しかし、このミステリーには、血なまぐさい殺人事件はおろか、犯罪そのものが発生しません。

そこにあるのは、純粋な謎だけ。しかも、これがかなり極上の謎です。

名探偵役も、犯人役も最初のページから、すでに素性が知れています。

従って本作には最初からフーダニットは存在せず、展開されるのは、ハウダニットのみ。

これでグイグイとラストまで引きずり込まれてしまいましたから、その筆力はあざやかなもの。

気がつけば一気読みでしたね。

 

『君のクイズ』に描かれるのは、生放送のクイズ番組「Q-1グランプリ」の決勝戦を舞台に、問題が一文字も読まれないうちに正解するという「ゼロ文字正答」をめぐる謎解きです。

 

物語の中心となるのは以下の2人。

三島玲央は、本作の探偵役でもあり、本作の語り手でもあるクイズプレイヤー。

「クイズとは人生そのもの」という生粋のクイズマニアです。

そして、本庄絆。彼は「Q-1グランプリ」の決勝戦における三島の対戦相手であり、「ゼロ文字正答」を成功させた人物。いってしまえば本作における犯人役です。

クイズ・バラエティのブームに乗って、タレント的活躍をする野心家で、クイズを目的ではなく成功のための手段と考える青年。

 

そして、このミステリーのカギを握る人物として描かれるのが同番組プロデューサーの坂田泰彦。

しかし彼は、三島の回想の中だけに現れるのみで、実際に三島とはメールのやりとりしか交わしていません。

 

とにかく、本作において圧倒的に魅力的なのは、この謎の提示です。

はたして、クイズ番組において、問題の文章が、アナウンサーによって読まれる直前に解答が分かるなどということがあり得るのか。

あるとするなら、それは番組側と回答者の間に不正があったからではないのか。

これに対して、この決勝戦で敗者となった三島青年は、決して感情的にはならずに、真摯に真相の究明と向かい合っていきます。

 

そして、彼がラストでたどり着いた真実とは・・

 

知識量を測るだけならテストでいいわけですが、これをクイズにした場合、解答者には、そこにどんな対応力が付加されてくるのか。

このあたりが、本作を読み進めていくうえでの肝になってきます。

 

クイズ問題は、基本的に作問者によって作られるものです。その意図や背景から出題傾向を読むことは、解答者にとって必須の能力ということになります。

単なる知識量ではなく、「相手（作問者）の思考を読む洞察力」や「文脈を理解する力」がクイズへの対応力として重要であること。

大学入試の問題集に「傾向と対策」というのがありますが、まさにクイズにもそれがあるということですね。

 

クイズ番組では、早押しや制限時間内で答える必要があるため、瞬時に判断する力や直感も求められます。

解答がすぐには判らなくとも、とりあえずボタンを押し、解答権を獲得した上で、そこからの短い解答制限時間内で自分の記憶が解答にたどり着けるかを判断するギャンブル性は、まさに競技としてのクイズならでは。

本作でも、三島玲央は知識量には自信があったものの、本庄絆との対決では彼女の直感的な対応力に圧倒されるというシーンが、幾度となく描かれます。

これにより、「知識を引き出すスピード」や「状況に応じて柔軟に対応する力」も、クイズにおいては重要であることが描かれています。

 

本作では、知識量だけではなく、「記憶と経験」「作問者の意図」「直感」「人生観」「他者との関係性」といった多面的な要素がクイズへの対応力として描かれていきます。

この作品では、クイズという競技を通じて「人間とは何か」「知ることとは何か」という深いテーマまで掘り下げているのが圧巻で、クイズというゲームが、いつのまにやら、知的エンターテイメントを越えて、広くファンたちの間に浸透していたんだなあと痛感。

世の中、いつの間にかそんなことになっていたのだなと驚いてしまいました。

個人的には、なぞなぞの本からたくさんのネタを仕入れて、友人たちに出題しては悦に入っていた小学生時代を思い出してしまった次第。

 

そもそも、クイズというものが、いつからエンターテイメントとして、これほどまでに、市民権を得るようになったのか。

ちょっと記憶を遡ってみます。このあたりは、AI に活躍してもらいましょう。

 

昭和時代のクイズ番組の歴史は以下のように展開されました。

黎明期 (1946年〜1950年代)において活躍したのはラジオです。

日本初のクイズ番組は1946年にNHKラジオで放送された「話の泉」で、これはクイズというより、知識を語り合う形式でした。

1953年にはテレビ放送が開始され、NHKで「私の仕事はなんでしょう」が登場し、これがテレビ初のクイズ番組となりました。

1960年代〜1970年代になると、クイズ番組が多様化し、「アップダウンクイズ」（1963年〜1985年）や「クイズタイムショック」（1969年〜）などが人気を集めました。

これは、リアルタイムの記憶があります。

「アップダウンクイズ」は、一問一答形式で、正解すると「アップ」と呼ばれる昇降装置でゴンドラが一段上に上がり、不正解の場合はその場に留まるというのが基本ルール。

10段のステップを登り切ると優勝となり、豪華賞品（海外旅行など）が贈られるというのが番組の売りでした。

3回間違えると失格となるというルールは、クイズルールの定番で、本作にも活かされています。

「クイズタイムショック」の司会は、田宮二郎。

解答者は「タイムショックチェア」と呼ばれる専用の椅子に座り、60秒間で10問のクイズに挑戦。

問題は雑学知識を問う内容で、多岐にわたるジャンルから出題されました。

10問全問正解すると賞金や豪華賞品が贈られ、正解が3問以下(たしかそう)だと、椅子が回るという演出も斬新でした。

解答者として椅子に座ったあるお笑い芸人が、解答そっちのけで、全10問をボケ倒すという愚挙に及んだことがあったのですが、これには「クイズを冒涜する行為」として子供心に怒り狂った記憶があります。

 

また、1977年にはクイズ番組には、大規模な製作費をかけた「アメリカ横断ウルトラクイズ」が始まり、クイズブームを牽引しました。

「アメリカ横断ウルトラクイズ」は、参加者が実際にアメリカを横断しながらクイズに挑戦するというスケールの大きさと、体力・知力・戦略を総動員するサバイバル形式が特徴。現地の風景や参加者の苦闘をドキュメンタリー・タッチで映すことで、クイズを「体験」として伝える手法が定着。

一般公募の参加者が「普通人の英雄」になるストーリーは、視聴者の共感を呼びました。

その影響は、現代のバラエティ番組やリアリティショー、さらにはSNS時代の参加型コンテンツにも継承されています。視聴者に「自分も挑戦したい」と思わせる「夢の装置」としてのテレビの可能性を示した点が、最大の功績と言えるかもしれません。

特に解答者のタレント化は、本作にも色濃く反映されていていますね。

 

1980年代になると、「全国高等学校クイズ選手権（高校生クイズ）」がスタートし、視聴者参加型の形式がさらに強調されてくるようになりました。

高校野球なら甲子園があり、陸上競技なら各種選手権やインターハイがあり、注目を浴びるステージがあったわけですが、肩身の狭い思いをしていた勉強オタクの秀才たちにも、ついにスポットライトを浴びるステージ登場したというわけです。

 

クイズ番組が個人の能力に焦点を当てるようになったきっかけは、1990年代前半の「クイズ王ブーム」にあったとのこと。

この辺りになってくると、個人的にはテレビ離れが著しくなり、この時期の『カルトQ』や『TVチャンピオン』などの有名クイズ番組は、実際には見ておらず、かろうじてその名を知るのみ。

但し、マニアックな知識や専門性を問う番組が登場し、解答者の個人の知識や能力が注目されるようになっているのは肌で感じており、いよいよクイズの世界もオタクたちの進出が始まったと感じておりました。

 

さらに、2000年代後半から2010年代にかけては、『Qさま!!』や『東大王』など、学歴や知力を強調する番組が増加し、有名大学出身者やクイズ研究会のメンバーが出演するようになりました。この流れにより、芸能人だけでなく文化人や一般参加者の知識や能力が評価される傾向が強まってきます。

気がついてみれば、クイズは今や、国民的エンターテイメントのひとつ。

YouTubeにも、「クイズ」というワードで検索してみると、実にバラエティに富んだ動画がヒットします。

本作のようなミステリーがいつ誕生しても、まったく不思議ではない状況になっていたことだけは事実のようです。

着眼点だけを磨いて置けば、まだまだミステリーのネタは尽きないということでしょう。

 

ちなみに、クイズ番組は嫌いではありませんでした。

僕の知識は非常に偏っていましたが、テレビでクイズ番組を見ていると、自分のわかる問題は、解答者よりも先に答えを言って、一人悦に入っていました。

ですから、一緒にテレビを見ているものがいたりすると、嫌がられましたね。

「悪いけど、黙ってて」というわけです。

しかし、心のどこかで思っていたことは、試験前の教科書の勉強ではまるで覚えられなかったことが、クイズ番組の解答としてなら、案外覚えていられたということ。

日本の学校教育にも、もっとクイズのゲーム性や競技性を取り込んだら、生徒たちの平均学力は案外グッと上がるのではないでしょうか。

まさか、全問正解者には豪華プレゼントというわけにはいかないでしょうが、クイズ王の賞状くらいは出してあげてもいいかもしれません。

 

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