柿沢謙二ブログ

映画「やくざ非情史 刑務所兄弟」1969年日活

 

1960年代に一世を風靡した任侠映画ですが、これはほぼスルーしてきました。

60年代当時は、小学生でしたから、第一次怪獣ブームにのって、映画館で見るのはゴジラやガメラばかり。

大学生になってからも、「仁義なき戦い」などの実録モノは見ましたが、ドスを振り回す任侠映画はちょっとついていけませんでした。

任侠映画といえば、やはり高倉健。高倉健といえば東映。

DVDの時代になって、「昭和残侠伝」シリーズなどは、勉強の意味で何本か見ましたが、展開も役者もほぼ同じで、作品ごとの印象はほぼありません。

 

クラシック映画好きとしては、やくざ映画をあまり邪険にしていてもよくないと思い、Amazon プライムをチェックしたら本作を発見。

最初は、東映任侠映画としては評価の高い「人生劇場　飛車角」を探していたのですが残念ながら有料コンテンツ。

Amazon プライムは、無料コンテンツのみ鑑賞と決めている貧乏老人ですのでこれはやむなくパス。

東映任侠映画は、大量にアップされてはいましたが、ほぼ有料コンテンツでした。

そんな中で、無料コンテンツとして、アップされていたのが本作。

高倉健や鶴田浩二は出演していませんでしたが、それでも、主演は聞いたことのある名前でした。

安藤昇。

なかなか強面の男優で、やくざ映画しか勤まらないような不敵な面構えです。

頬の傷が妙にリアル。

実は、この人の主演映画を、学生時代に映画館で一本だけ見ていました。

タイトルも覚えています。「安藤昇のわが逃亡とSEXの記録」。1976年の作品です。

お察しの通り、この刺激的なタイトルにやられてしまいました。

やくざ映画ではなく、ポルノ映画だと思っていたわけです。

当時御贔屓だったポルノ女優ひろみ麻耶が出演していたので、こちらがお目当てだったことは白状しておきます。

この作品、実録モノと銘打っていましたから、誰がモデルかなと思っていたら、なんとこの安藤昇という俳優自身が元バリバリのヤクザでした。

 

安藤昇は、1952年、「東興業（後の安藤組）」を設立し、用心棒や賭博などを手掛けて組を拡大。

組織は1,000人を超える構成員を持ち、大学生や高校生も多かったといいます。

暴力団にありがちな入れ墨や指詰めを禁止し、背広着用を推奨するなど都会的・ファッショナブルな運営方針で当時の若者から絶大な支持を受けたとのこと。

1958年の横井英樹襲撃事件に関与し逮捕・服役後、1964年に組を解散しています。

その後、1965年、映画『血と掟』で自身の自叙伝をもとに主演デビューし、その後数多くの仁侠映画に主演しています。

 

なるほど、これなら存在感とリアリティがないわけがありません。

原作や自叙伝も手掛ける人ですから、さしずめインテリやくざというところでしょうか。

 

この人は、松竹・日活・東映の各社で主演作を持ち、ヤクザ映画のスターと稀有な俳優。

本作が無料コンテンツだったのは、東映ではなく、日活作品だったからでしょう。

任侠映画というと、東映の専売特許のように思っていましたが、日活もこの時代は製作していたんですね。

あまり記憶にはありませんでしたが、無国籍アクションで名を馳せた石原裕次郎も、この時代には、着流し姿で任侠映画に出ていたようです。高橋英樹なども、この時代の日活任侠映画で活躍していましたが、テレビ台頭の影響は避けがたく、経営不振の会社に見切りをつけて、日活のスターたちは、テレビドラマへとその活路を見出していくことになります。

 

やくざ映画は、なんといっても義理人情が主役のようなもの。

そのステレオタイプを破壊したのが深作欣二監督の「仁義なき戦い」シリーズでした。

しかし、それまでの任侠映画で高倉健や池辺良が体現した形式美は、全共闘時代の若者のハートをガッチリと掴みました。

「仁義なき戦い」以前の、1969年に作られた本作は、まだこの延長線上にあったといっていいでしょう。

 

博徒飯沢組の大幹部・岩本直治（安藤昇）は、昭和33年に暴力団黒川組と私闘になり、5年間の刑務所生活の末に出所します。

しかし直後、何者かにドスで襲われ、怪我を負ってしまいます。

組織同士の抗争は続き、社会復帰を望むも、直治の周囲には新たな抗争や陰謀が待ち受けていました。

飯沢組をはじめとする地元組織連合「旭会」に、大組織・敷島会との合併話が持ち込まれますが、実際は町を支配しようとする裏の策略。直治は過去の「刑務所兄弟」梅谷との絆や、家族や身内をめぐる悲劇の中、組織社会の非情な運命にもがき続けます。

最後には、直治やその兄弟分・松原が次々と抗争の犠牲になり、直治自身もすべてを失いながら、やくざ社会の非情な現実に消えていくことになります。

 

とにかく、我慢に我慢を重ねた主人公が、最後に単身相手のアジトに殴り込みドスを振り回す。

そこに、助っ人が現れて、現場は大乱闘。

東映任侠映画で、高倉健が繰り返し演じた鉄板のフォーマットを、本作の安藤昇もそのまま踏襲。

但し、共演するのは菅原文太や松方弘樹などの東映スターではなく、長門裕之や川地民夫といった日活スターでした。

敵役の安倍徹は、東映と日活をまたにかけていましたね。

 

しかし残念ながら、この路線が大衆に飽きられてきた頃の作品でしたので、やはりカタルシスはいまいち。

ここは、任侠映画全盛時代の高倉健の唐獅子牡丹に軍配が上がります。

安藤昇という人は、精悍な顔立ち自体は、けっしてケンさんに引けを取っていないのですが、なんといっても俳優としては素人の哀しさ。セリフには、顔ほどの迫力はありませんでした。

 

もう一人大物ゲスト・スターの枠で出演していたのが丹波哲郎。

出番は少ないものの、美味しいところをかっさらってゆく役でしたが、ドラマ「キーハンター」や、映画「007は二度死ぬ」のタイガー田中をしっている世代としては、思わずニンマリしてしまいました。

 

安藤昇という人は、実際にやくざをやっていた人ですから、危ないエピソードには事欠きません。

撮影で実際に本物の拳銃を使用して、捕まったこともあります。

ポリコレの今の時代なら、とてもおっかなくて、使えない俳優でしょうが、さすがに元親分、最近世間を賑わしている中居正広、松本人志といったようなタレントのようなチンケな悪さに、手を染めることはなかった模様。

芸能界にも、いまだに彼のシンパはかなりいるようで、人望はそれなりのものだったのでしょう。

 

やくざにシンパシーを感じることはありませんが、やくざに憧れてしまう人たちの気持ちなら理解できるような気がします。

 

映画「山羊座の下に」1949年アメリカ

 

久しぶりのヒッチコック作品です。

中学生時代、「フレンジー」で洗礼を受けて以来、彼の作品の有名どころは、ほぼ大学生時代までに見終えています。

勝手にヒッチコキアンと自称していた都合上、彼の作品は、その評価がどうであれ、見れるものは全部見ておきたいと思っていました。

社会人になると、映画館にはほとんど行かない生活になってしまいましたが、WOWOWなどの衛星放送などではマメにチェック。

彼の作品がオンエアされれば、録画だけは欠かしませんでした。

ヒッチコックは生涯で53本の映画を監督しています。

なんといっても、サイレント時代から映画を作っていた人ですから、イギリス時代の23本の中には、なかなか手に入らない作品もあります。

今はもう見ることの出来ない作品もあるかとは思いますが、ヒッチコキアンとしては、出来る限り鑑賞しておきたいところ。

 

さて、本作もそんな一本でした。

「サイコ」「めまい」「裏窓」は知っているが、こんな作品は聞いたことがないという人も多いかと思います。

作られたのは1949年。彼が、1940年にアメリカへ渡ってから12本目の作品となります。

 

とにかく、この映画の不幸なところは、ヒッチコック本人が「失敗作」と認めてしまっているところにあります。

当時の「ハリウッドナンバー1の彼女（イングリッド・バーグマン）を手に入れて、得意になって思い上がっていたことがまちがいだっいだった。この映画は出発点から虚飾のカタマリだった」とは本人の弁。

1940年代を代表するトップ女優であるバーグマンを起用した上で、製作費さえ回収できないという興行結果だったわけですから、反省の弁も頷けます。

監督として、主演のバーグマンと同等のギャラを受け取っているヒッチコックでしたが、この作品に関してはノーギャラでやってもよかったと述べています。

 

初公開時は興行だけでなく、彼の作品としては評価も最悪。その理由は以下の通りです。

まず、観客が期待した（それまでの作品のような）スリラーの要素が少なかったこと。

(剥製の死人面は出てきますが)

ヒッチコック作品としては珍しくユーモアの要素もなかったこと。

そして、なによりも決定的だったのは、本作公開時に主演のイングリッド・バーグマンと、ロベルト・ロッセリーニとのが不倫関係のスキャンダルが報道されたこと。

バーグマンは、ロッセリーニ作品のネオリアリズモ作品を見て衝撃を受け、彼の作品への出演を熱望。

二人の不倫関係は、1950年の映画『ストロンボリ』の撮影をきっかけに始まりました。当時、バーグマンはスウェーデン人医師ペッテル・リンドストロームと結婚しており、ロッセリーニも既婚者でした。

この関係は、二人がともに既婚だったこと、そしてバーグマンがロッセリーニの子を妊娠・出産したことで、アメリカ社会に大きな衝撃とスキャンダルを巻き起こしました。

特にアメリカでは、教会団体や女性団体、政治家などから非難や上映中止運動が起き、コロラド州選出の上院議員エドウィン・C・ジョンソンが議会でバーグマンを「甚だしい悪影響」と糾弾する演説まで行いました。

このスキャンダルの影響で、バーグマンは数年間ハリウッドから締め出され、アメリカでの映画出演ができなくなったわけです。

「Under Capricorn」という原題は、単にオーストラリアを二分する南回帰線に因むだけでなく、「やぎ座のヤギが『肉欲』の象徴であることにも因んでいる」。

これは、作品のテーマである「三角関係」や人間関係の複雑さを暗示していると考えられ、この時期のバーグマンの不倫問題とも大いにシンクロしてしまいました。

 

『パラダイン夫人の恋』公開後に独立したヒッチコック監督の第一作は「ロープ」でしたが、本作はそれに続く第二作目。プロデューサーとして「興行的にあてたい」という思いはあったようです。

『汚名』『白い恐怖』に続き、イングリッド・バーグマンを主演として獲得したヒッチコックは、彼女を最大限に活かすために、あえてスリラーは封印して、歴史メロドラマを選択。

ヘレン・シンプソンの同名小説を原作に選んだのも、その抒情性が、バーグマンの魅力を引き出すと考えたからでした。

 

しかし、本作の撮影中の二人の関係はかなり険悪だったようです。

この頃のバーグマンは、「傑作以外には出たくない」というほど、自分の演技力に対して絶対的な自信を持っていました。

彼女は、女優として、自分の演技力で、映画を傑作に押し上げたいという向上心に燃えていましたが、ヒッチコックはけっしてそれを望んではいませんでした。

彼は「モンタージュに演技させる」というくらい、編集で映画を見せる達人。

バーグマンのようなオーバーアクトは、編集の素材として必要としていなかったわけです。

ヒッチコックはバーグマンの演技を気に入らず、バーグマンもヒッチコックの撮影技法や演技指導について不満を抱いていたため、撮影現場は「喧嘩が絶えなかった」といいます。

バーグマンはヒッチコック独特の「長回し演出」について、「11分間もカメラはわたしを追い回し、最初から最後まで喋りっぱなしだった。まるで悪夢だった」と述懐しています。

また、バーグマンが演技で納得できない点をヒッチコックと話し合おうとした際、ヒッチコックが彼女に放った一言は、映画の中のセリフよりも有名になりました。

 

「イングリッド、たかが映画じゃないか」

 

本作の舞台となるのは、19世紀のオーストラリア・シドニー。

イギリス総督の甥チャールズが、一攫千金を狙って流刑地シドニーを訪れ、犯罪者上がりの有力者フラスキーの妻、ヘンリエッタと知り合うところから物語が始まります。

チャールズは、元流刑囚でありながら成功したビジネスマンであるサムソン・フラスキー（ジョセフ・コットン）と知り合い、サムの屋敷に招待されます。

そこでチャールズは、サムの妻であるレディ・ヘンリエッタ（イングリッド・バーグマン）と再会します。

(バーグマン登場は、映画開始から22分後)

ヘンリエッタはかつてアイルランドでチャールズの姉の友人だった貴族でしたが、現在はアルコール依存症で社交界から避けられています。

屋敷の家政婦であるミリー（マーガレット・レイトン）は、ヘンリエッタを破滅させようと画策。

このあたりの不穏な感じは、「レベッカ」のダンバース夫人を髣髴させて不気味です。

 

やがて、ヘンリエッタはチャールズに、サムとの過去を打ち明けます。

サムとの過去に隠された、意外な秘密とは・・

 

バーグマンは、のっけから精神不安定状態で登場。いかにも神経がすり減っていて悲壮感漂う演技は、あの名作「ガス燈」を髣髴とさせます。

しかし、その演技に気合が入っていればいるほど、空回りしている感は否めません。

グレース・ケリーも、ティッピ・へドレンも、ヒッチコック作品のヒロインは、クール・ビューティが基本です。

 

さて、ヒッチコック作品のお約束は本人のカメオ出演。

本作では2回確認できました。

一つ目は、本作の冒頭。総督のレセプションを聞く男。もうひとつは、総督官邸の外階段にいる3人のうちの1人。

これは、是非ご確認あれ。

 

正直申して、数々のヒッチコックの名作傑作を知る身としては、いかにもヒッチコックらしくない本作の評価は、やはり低くはなってしまいます。

元罪人の夫を演じたのがジョセフ・コットンではなく、バート・ランカスターだったらどうか?

主演が、イングリッド・バーグマンではなく、ジョーン・フォンティーンだったらどうか?

テクニ・カラーではなく、モノクロ撮影だったらどうか?

いろいろと考えてしまいますが、最終的な結論はこういうことになってしまいます。

このテーマで、このキャストで撮るなら、監督はアルフレッド・ヒッチコックでなくてもよかったかも。

 

でも大丈夫。失敗作には、失敗作なりの楽しみ方だってあります。

どんな作品であろうと、愛しのヒッチコックが撮った作品なら、ヒッチコキアンはどこまでもついていけます。

映画「オッペンハイマー」2023年アメリカ

本来ならIMAXシアターで見るべきなのでしょうが、貧乏百姓は、Amazon プライムで鑑賞。

本作は公開からほぼ1年が経ちましたが、2024年を代表する映画としての地位をしっかりと獲得しています。

 

なんといっても世界興行収入は10億ドル（約1400億円）を突破。伝記映画・第二次世界大戦映画として歴代1位の記録を樹立しました。

日本にとってはセンシティブな内容を扱った映画でしたが、2024年3月29日の日本公開から約3か月で興行収入18億円超、観客動員数は116万人を突破。IMAX上映ではノーラン監督作品史上最高の週末記録を達成しています。

第96回アカデミー賞においても、作品賞、監督賞（クリストファー・ノーラン）、主演男優賞（キリアン・マーフィ）、助演男優賞（ロバート・ダウニー・Jr.）、撮影賞、編集賞、作曲賞の最多7部門受賞。

その他、ゴールデングローブ賞をはじめ、様々な映画賞を獲得しています。

「バーベンハイマー」現象（同時期公開の『バービー』との比較・話題化）や、IMAXモノクロ・アナログ撮影など映画技術面でも注目されました。

 

本作は、第二次世界大戦中にアメリカで進められた極秘プロジェクト「マンハッタン計画」を主軸に、理論物理学者J・ロバート・オッペンハイマーの栄光と苦悩、そしてその後の人生を描いた伝記的歴史ドラマです。

本作の原作は、カイ・バードとマーティン・J・シャーウィンによる評伝ノンフィクション『オッペンハイマー 「原爆の父」と呼ばれた男の栄光と悲劇』

原題は、American Prometheus: The Triumph and Tragedy of J. Robert Oppenheimer）です。

2005年にアメリカで出版され、2006年にはピューリッツァー賞（伝記部門）を受賞した名著です。

プロメテウスは天上の火を隠して地上にもたらし、人間に火を与えたギリシャ神話の神様。この行為によって人類は暖をとり、食物を調理し、文明や技術の発展の基礎を得たとされます。

しかし、この行為に怒った主神ゼウスは、プロメテウスをカウカソス山の山頂に鎖で繋ぎ、生きたまま毎日鷲に肝臓をついばまれるという拷問を与えました。

言うまでもなく、プロメテウスを、人類に核爆弾を与えたオッペンハイマーになぞらえているわけです。

ならば、彼に与えられる拷問とは。

 

本作は、25年にわたり、関係者や家族の証言、膨大な史料をもとにオッペンハイマーの生涯を丹念に描いた大作です。

3時間にも及ぶ長編映画ですが、ほぼ会話劇として進行する本作の中に織り込まれた情報は膨大な量になります。

おそらく誰が見ても、一度見ただけで本作を理解することは不可能。

しかし、わからなくても、「見せどころ」と「見せ方」を心得た、ノーラン監督の熟練の語り口で、三時間という長尺は感じさせません。

 

異なる時間軸を自由に操って、時系列をシャッフルするノーラン監督の匠の技は本作でも健在。

本作は、伝記映画ですから、オッペンハイマーをめぐる、様々な実在の人物が実名で登場します。

ニールス・ボーア、アルバート・アインシュタイン、エドワード・テラー、イシドール・ラビ、アーネスト・ローレンスなど、ノーベル賞受賞者を含む多数の著名な科学者たちです。

この綺羅星のようなの登場人物を、ノーラン監督は、二つの時間軸を使って描き分けます。

 

まず一つ目の時間軸は、フィッション（核分裂）と命名されたパート。

このパートは、オッペンハイマーの主観で描かれるカラー・パートです。

このパートで描かれるのは、1954年のオッペンハイマー聴聞会がベースになります。

これは、アメリカ原子力委員会（AEC）によるもの。

この聴聞会は、彼がソ連のスパイである疑惑や共産主義者との関係、水爆開発への反対などを理由に、国家機密への関与資格を剥奪するかどうかを審査するものでした。

この聴聞会により、オッペンハイマーの半生が白日の下に晒されることになります。

証人は39名にのぼり、オッペンハイマーの研究仲間や著名な物理学者も証言しました。

共産主義者との関係、水爆開発への反対と、その確信犯的遅滞行為、ソ連のスパイ疑惑（ただし証拠はなし）、

機密保持義務違反（友人を通じたスパイ疑惑の報告遅延など）などが聴聞の対象となりました。

この聴聞会は密室で行われ、正式な裁判ではなく身辺調査の手続きの一環でしたが、この聴聞の結果、オッペンハイマーは国家機密へのアクセス権を剥奪され、公職から追放されることになります。

 

但し、1963年になってアメリカ政府はオッペンハイマーにフェルミ賞を授与し、名誉回復を図ることになります。

この聴聞会におけるカットバックの形で、彼の生い立ちからマンハッタン計画、そして原爆投下後の時期が描かれていきます。

このパートでは、青年期から壮年期における彼の内面的な葛藤や感情が、愛人問題も含めて、エモーショナルに表現されます。

 

もう一つのパートは、フュージョン（核融合）と命名されたパート。

ルイス・ストローズの主観で描かれるモノクロ・パートです。

ルイス・ストローズは、アメリカの実業家・政治家であり、特にアメリカ原子力委員会（AEC）第3代委員長として知られる人物です。彼は水素爆弾開発推進の中心人物であり、冷戦期のアメリカ核政策に大きな影響を与えました。

ストローズは、オッペンハイマーと激しく対立しました。

オッペンハイマーが水爆開発に慎重だったのに対し、ストローズは即時開発を主張し、水面下で聴聞会を画策し、最終的にオッペンハイマーの機密アクセス資格を剥奪し、政府の仕事から追放することに成功します。

この一連の動きは、アカデミックな素養を持たず、叩き上げでこの地位を得たストローズを、オッペンハイマーに見下されたことによるストローズの個人的な復讐心によるものとされています。

 

ルイス・ストローズ公聴会は、1959年にアメリカ上院で行われた、ストローズの商務長官（日本の経済産業大臣に相当）指名承認をめぐる公的な審問です。

この公聴会は、ストローズの経歴や適性だけでなく、過去の行動、特にオッペンハイマー追放事件や原子力政策に関する姿勢が厳しく問われたことで知られています。

ストローズは「事実の歪曲や隠蔽」「敵対的な態度」など性格面でも問題視され、公聴会後、上院本会議での投票は49対46でストローズの商務長官就任は否決されました。これは1925年以来、初めてとなる大統領による閣僚指名否決という異例の出来事でした。

この公聴会と否決によって、ストローズは「満天下に恥をさらす」ことになり、以後公職に就くことはありませんでした。

映画の中でも、この公聴会がストローズの人生の転機として描かれ、オッペンハイマーとの確執や権力闘争の帰結として、ストローズ自身が追い詰められる場面が重要なドラマとして描かれています。

オッペンハイマーを追放した、ストローズもまた、公職を去ることになったわけです。

ルイス・ストローズ公聴会は、アメリカ現代史における「政争」と「科学と権力の相克」を象徴する事件でした。

 

この二つの時間軸を、ノーラン監督は時系列をシャッフルしながら巧みにブレンドして映画を進行させます。

観客は多角的な視点からオッペンハイマーの人生と、彼を取り巻く複雑な状況を理解することができます。

モノクロパートが「最新」の時系列であるという構成も、また物語に深みを与えています。

 

本作のハイライトとなるのは、マンハッタン計画とトリニティ実験でしょう。

第二次世界大戦中、ナチス・ドイツによる原爆開発を阻止するため、アメリカで極秘に進められたのがマンハッタン計画です。

オッペンハイマーはロスアラモス国立研究所の所長としてこの計画を主導し、人類初の核実験「トリニティ実験」を成功させます。この実験シーンは、映画の最大のハイライトの一つであり、CGを使わないリアルな描写と緊張感が特徴です。

実物嗜好のノーラン監督も、まさかこれだけは、ホンモノを使うわけにはいかなかったでしょうが、それでも可能な限り、実際の火薬に工夫を加えて、リアルな実写映像にこだわったとのこと。

 

ナチス・ドイツの降伏後、原爆開発の当初の目的であった「ナチスを止める」という大義が失われたにもかかわらず、オッペンハイマーはプロジェクトを継続します。

これは、世界に原爆の存在を知らしめることで、次の戦争で核兵器が使われることを防ぐという新たな目的（あるいは自己正当化）が生まれた瞬間として描かれます。

このシーンでのオッペンハイマーの「真っ黒な服装」は、彼の道義的な変化を象徴していると読めます。

 

映画では、広島と長崎への原爆投下シーンは直接的に描かれません。

これは、オッペンハイマーの主観に基づいた描写というコンセプトに沿ったものであり、彼がラジオのニュースでその事実を知ったという史実に忠実な表現です。

一方で、原爆投下を巡る会議の様子や、トルーマン大統領とオッペンハイマーの会話を通じて、アメリカ政府の想像力の欠如や、核兵器がもたらす悲劇への無関心が示唆されます。

 

被爆地の描写がないことについては議論を呼んでいますが、これは正直、日本的な視点だと感じます。

もちろん、日本人がそういう不満を持つことは理解できます。

しかし、これは日本だけではなく、全世界をターゲットにしたエンターテイメントです。

クリストファー・ノーラン監督の演出意図が、徹底的にオッペンハイマーの視線に寄り添っていることは明白。

であれば、彼が実際に目にしていないはずの、広島と長崎の惨状は、彼の脳内ビジュアルで描かれてしかるべきでしょう。

その代わりに、トリニティ実験については、映画的エモーションを最大限に駆使し、詳細に描かれます。

これは、映画を鑑賞する側も、この映像をベースに、原爆投下を、オッペンハイマー同様、それぞれの脳内でイメージしてほしいと言うメッセージが込められている気がします。

被害の映像や具体的な被爆者の姿を見せないことで、観客は「何が起きたのか」「自分ならどう感じるか」を自ら考えざるを得なくなり、傍観者としての自分自身の立場や責任についても意識させられることになります。

ここにノーラン監督の狙いがあると考えれば、広島、長崎の映像がないことは、映画的には大いに納得できます。

ちなみに、オッペンハイマーは1960年年に来日して、東京、大阪、京都を訪問していますが、広島には足を向けていません。

但し、1964年に、アメリカを訪れた原爆被害者の遺族に面会し、涙ながらに謝罪したという記録が残っています。

 

映画の重要なキーワード「連鎖反応」は、核分裂反応だけでなく、核兵器開発競争が核の拡散を呼び、世界を不安定な平和状態に陥れる現状をも示唆しています。

ソ連の原爆実験成功を機に、水爆開発が推進され、冷戦時代の核開発競争が激化していく様子が映画では描かれます。 オッペンハイマーは、水爆開発には断固反対の立場を取りますが、その試みは成功せず、世界は核兵器によって脅し合う「相互核消破壊（MAD）」という脆弱なバランスの上に成り立っている現状へと至ります。

 

映画のラストシーンでは、オッペンハイマーが核兵器による「連鎖反応」が地球規模で止まらず、核で脅し合う脆弱な平和が続いている現状に絶望する姿が描かれます。

そして、エンドロール後もこの「バッドエンドの続き」を生きているのが現代の私たちであると示唆されます。

 

クリストファー・ノーラン監督の映画『ダークナイト』で、印象的なシーンがありました。

ゴッサム市民と囚人たちがそれぞれ別々のフェリーに乗せられ、脱出を図ります。

ジョーカーは両方の船に爆弾を仕掛け、さらに「相手の船を爆破できるスイッチ」をそれぞれの船に渡します。

ジョーカーの仕掛けたルールは、午前0時までにどちらかの船が相手の船のスイッチを押せば、その船は助かる。どちらも押さなければ、両方の船が爆発する。

一般市民の船では、多数決でスイッチを押すかどうかを決めることになり、激しい議論が巻き起こります。

囚人の船では、一人の囚人が「自分たちが相手を殺すべきではない」として、スイッチを窓の外に投げ捨てます。

結局、どちらの船もスイッチを押さず、爆発は起こりませんでした。

ジョーカーは「人間は極限状態で自分の命のために他人を犠牲にする」と信じていましたが、最終的にその予想は裏切られることになります。

 

このシーンが、本作のラストにおいては、絶望的に描かれてることに気がつきました。

ゴッサム市民と、囚人たちの船は、核保有国の双璧であるアメリカとソ連へとスケールアップ。

ジョーカーが仕掛けた爆弾は、もちろん核爆弾です。

『オッペンハイマー』のラストは、『ダークナイト』の船のゲームで提示された核心的なテーマ「人類は自らを破滅から守れる倫理性と英知を持っているのか？ それとも恐怖と不信、そして破壊への誘惑に最終的には負けるのか？」を、核兵器という歴史的現実と、冷戦構造というグローバルな文脈に置き換え、かつてない重みと絶望感をもって描き直したものと言えます。

ノーラン監督は本作で、『ダークナイト』でジョーカーが挑発した「人間の本性」への根源的な問いを、より深遠で重い歴史的・哲学的なレベルで再考させているわけです。

ラストの核分裂の連鎖反応のイメージは、『ダークナイト』の爆破装置のボタンが、制御不能に増殖し、世界全体を飲み込みかねない脅威へと変貌した姿を象徴的に表していると言えるかもしれません。

 

2025年1月時点で、地球上に存在する核爆弾（核弾頭）の総数は約12,241発と推定されています。この数は、前年よりも減少していますが、依然として非常に高い水準です。

保有国は9カ国（アメリカ、ロシア、フランス、イギリス、中国、インド、パキスタン、イスラエル、北朝鮮）で、約90％をアメリカとロシアが占めています。

この「総数」には、実戦配備中・予備・退役（解体待ち）すべての核弾頭が含まれます

 

映画ファンとしては、スタンリー・キューブリック監督の「博士の異常な愛情」のラスト・シーンが、実現しないことを祈るのみ。

 

 

 

 

 

 

 

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読書「グリーン家殺人事件」S.S.ヴァン・ダイン

 

小説『グリーン家殺人事件』（原題：The Greene Murder Case）は、S・S・ヴァン・ダインによる1928年発表の長編推理小説。

名探偵ファイロ・ヴァンスが活躍するシリーズの第3作です。

順序は違いますが、ヴァン・ダインの作品で先に読んでいるのは、４作目の「僧正殺人事件」。

本作の探偵役であるフィロ・ヴァンス、マーカム検事、ヒース部長刑事が活躍する作品で、作品内で、本作のことが触れられていたのを思い出します。

ヴァン・ダインの作品の中では、本作は「僧正殺人事件」と並ぶ傑作という評価なので、今回手に取った次第。

 

グリーン家はかつての大富豪トバイアス・グリーンの遺言により、家族全員が25年間同じ屋敷で暮らさなければ財産を相続できないという奇妙な条件のもと、重苦しい雰囲気の中で同居を続けています。

この異様な環境が家族間の不和や緊張を生み、決定的な物語の背景となっています。

夫の全財産を相続したミセス・グリーンが家長。しかし彼女は、器質性麻痺で寝たきり老人です。

この母親が、完全に母性愛を欠落させている人物で、息子や娘たちを嫌味タラタラこき下ろす姿が尋常ではありません。

そして、そんな母親に育てられた子供たちもまた、人間性をかなり欠損しており、そこには兄弟愛も育まれなければ、親子愛もありません。

誰が誰を殺しても、けっして不思議ではないという異様な雰囲気が、グリーン家には漂います。

 

雪が降り積もる初冬のニューヨーク。悲劇が幕を開けます。

物語は、長女ジュリアが射殺され、養女エイダが負傷するという事件から始まります。

当初は強盗の犯行と見なされますが、やがて兄チェスター、弟レックス、さらには母親までもが次々と殺害され、家族は一人また一人と減っていきます。

オーソドックスなミステリー・ファンとしては、読んでいてちょっと心配になってしまいました。

このペースで殺人が続いたら、結局、最後に残った一人が犯人ということになってしまうのでは?

そうなってしまうと、ミステリーとしては、あまりにわかりすぎやしまいか。

こちらとしては、古典クラシックのミステリーは、名探偵が、居並ぶ関係者を前にして、犯人のトリックを暴き「犯人はお前だ!」と名指しして溜飲を下げるのがお約束だろうと思っているわけです。

一家が皆殺しされて、最後に残ったひとりが犯人ということになると、推理小説として成立するのか。

名探偵は、いったい何をしていたのか。

それともまさか、本当に強盗の仕業? それとも屋敷の使用人の中に犯人が?

 

ここで、頭をもたげたのが、本作の作者ヴァン・ダインによる「探偵小説作法二十則」です。

これは、ノックスの十戒と並んで推理小説の基本指針としてつとに有名。

この二十則は、推理小説のフェアプレイ精神を重視し、読者が探偵と同じ条件で謎解きを楽しめることを目的としており、発表されたのも本作と同じ1928年。

ここに上げた作法を、まさか本人自身がミステリー作家として無視するわけにはいかないはず。

二十則の中には、ちゃんとこういう項目があります。

 

〇　探偵自身や探偵役が犯人になることは許されない。

〇　犯人は物語の序盤から登場している重要な人物でなければならない。

〇　使用人などの端役を犯人にしてはならない。

〇　プロの犯罪者（職業的犯罪者）を犯人にしてはならない。

 

つまり、探偵はもちろん犯人ではないし、グリーン家の使用人の中にも犯人はいない。

そして、強盗も犯人ではないと言っているわけですから、当然犯人は、序盤から登場しているグリーン家の中にいることに。

すると、残っている家族は・・

 

犯人は、案の定最後は二者択一になってしまうのですが、それでも作者は、盛んにミスリードを仕掛けたり、カーチェイスの大捕物をかませたり、長編ミステリーのクライマックスを、サプライズも含め、不可なく盛り上げてくれます。

物語の解決編の前で、探偵フィロ・ヴァンスは、そこまでの事件の推移を整理し、未解決の謎を、時系列に沿って98項目をパズルのピースとして書き出します。

これは親切でした。一応、こちらもメモ書きしたり、iPadにマーカーを入れて読んではいるのですが、これにより、そこまでの展開と未解決の謎が頭の中で、かなりクリアになりました。

 

犯人は犯罪者としては素人であるにもかかわらず、プロ並みの犯罪テクニックを駆使して、グリーン家皆殺し作戦を遂行していきます。探偵や警察も、犯人に翻弄され、振り回されっぱなし。

しかし、これを読者に納得させる「仕掛け」を、作者はきちんと用意していました。

この仕掛けは、後のエラリー・クイーンの大傑作「Yの悲劇」に影響を与えたかもしれません。

 

そして、チラチラと脳裏に浮かんだのが、中学高校時代に読み漁った横溝正史作品への影響ですね。

本作では、その根底に流れているのが、一族の暗い過去が現在の惨劇の根源にあるという設定。

これは、おもえば横溝正史の十八番でした。

横溝作品では、このテーマを、日本の封建的な家制度の残滓や戦後の混乱、財産争いの文脈で深化させました。

彼の特徴である「因縁」「宿命」「血の祟り」という重いテーマは、グリーン家の呪われた要素をより濃厚に、より日本的・土着的な怨念や祟りの物語として昇華させていると理解できます。

市川崑監督が、映画化した横溝作品で、名探偵・金田一耕助を演じたのは石坂浩二。

しかし、最終的に事件は解決するものの、殺人を未然に防げなかったという意味では、彼の冴えない風貌も相まって、この金田一を名探偵と呼ぶのはいかがなものかと思ったものでした。

本作におけるフィロ・バンスもまた然り。

探偵役が事件を未然に防ぐ努力をあまり見せず、事件が進行するのを「見守るだけ」になっていること、また犯人も「いくらなんでも殺しすぎ」と感じられるほど動機やリスクに見合わない行動を取ることに、多少の違和感はありました。

 

本作に、あえて苦言を呈せば、多くの登場人物の行動が、物語を面白く見せるために「作者に動かされている」印象が強いという点は否めないかも。

たとえば、第一の事件以降に警戒が強まっているにもかかわらず、次々と事件が起こる点や、犯人が危険を冒してまで殺人を繰り返す点など、「現実的な合理性」よりも「連続殺人劇としての演出効果」が優先されているため、読者から見ると「おいおい、威勢よく殺しすぎだろう」と引いてしまう結果になったかもしれません。

 

しかし、短編ならいざ知らず、長編ミステリーを、たった一人の殺人の謎解きだけで持たせようというのは至難の業かもしれません。

景気よく人を殺した方が、読者ウケをするのは無理もないこと。

登場人物を皆殺しにして、ミステリーとしても成立させたアガサ・クリスティの「そして誰もいなくなった」という

稀有な成功例はありますが、この作品に探偵役はいません。

探偵を主人公にしたミステリーで、あまり派手に人を殺してしまうと、探偵の能力が疑われてしまうのは必至。

長編ミステリーにおいて、探偵のキャラを立てつつ、最後まで読者を飽きさせずに引っ張るためには、何人くらい殺すのが妥当か。それとも、ドラマ性を膨らませて、読者をミステリー以外の興味で引っ張るか。

これは、世界中のミステリー作家が、頭を悩ますところかもしれません。

 

本作は、1920年代当時のミステリーとしては、時代の空気を読んだ作品だったといえるかもしれません。

世界史を紐解けば、本作が発表された翌年10月に、ニューヨークの株式市場で株価が大暴落。

20世紀最大規模の世界恐慌がはじまりました。

一瞬にして、手持ちの株が紙切れ同然になった人たちは、ほとんどお手上げ。

 

「ヴァンダイーン! 」

読書「扉は閉ざされたまま」石持浅海

密室モノとしては、かなりユニークなミステリーでした。

 

著者は石持浅海。初めて読ませていただく作家です。

経歴をリサーチしました。

大学卒業後は食品会社に勤務しながら執筆を続け、1997年に短編「暗い箱のなかで」が公募アンソロジー『本格推理 11』に採用。

その後も短編を発表し、2002年に『アイルランドの薔薇』で本格的に小説家デビューとのこと。

2003年の『月の扉』で注目され、2005年発表の本作は各種ミステリーランキングで上位に選ばれており、WOWOWでドラマ化もされています。

石持浅海の多くの作品は「クローズド・サークル（閉鎖空間）」で事件が進行するのが特徴。

これは、兼業作家として読書量が多くないため、他作家とトリックが重複するのを避けるために、独自の舞台設定やトリックなしの事件、登場人物同士の議論による真相究明を重視しているためだそうです。

この傾向は本作にも顕著に表れていますね。

 

本作においても、トリックそのものよりは、登場人物同士が徹底的に議論し合い、論理的に真相へと迫っていく「議論」そのものが本作の読みどころ。

アクションや派手な展開は控えめですが、密度の高い論理的推理がジワリジワリと効いてくるという展開。

 

事件を犯人側から描く「倒叙もの」が多いのもこの作家の特徴。

なるほど、本作においても、序章において、まずは密室殺人の経緯がそっくり描かれてしまいます。

犯人は、被害者を事故死に見せかけて、バスルームで殺害。

密室に偽装する仕掛けを施して、「密室殺人、完了。」

物語は、ここからスタートするわけです。

まあ、それでも倒叙物は、ミステリー好きとしては「刑事コロンボ」や「古畑任三郎」で相当鍛えられていますので、それほど新鮮というわけではありませんが。

 

また、この方の作風は勧善懲悪にこだわらない結末も特徴とのこと。

犯人の動機や事情に寄り添い、時には犯人が幸せになる結末も描かれたりするとのことですが、本作においても、探偵役の女子大学院生と犯人とのラストの駆け引きは、読む人によっては、賛否が分かれるところかもしれません。

恋愛要素も程よい加減で融合させており、頭脳戦と人間模様が複雑に絡み合うという面では、古典ミステリーにはない新感覚ミステリーと言っていいかもしれません。

 

あらすじです。

 

大学時代の軽音楽部で「アル中分科会」と称して親交を深めた仲間たちが、卒業後初めての同窓会として、成城にあるペンションに集まります。

この同窓会を利用し、メンバーの一人である伏見亮輔は、後輩の新山和宏を客室で事故に見せかけて殺害。

伏見は外部からの侵入が不可能な「完璧な密室」を完成させ、自身の犯行が成功したと考えます。

しかし、その動機はまだ説明されません。

 

同窓生たちは、一旦部屋に戻りますが、食事の時間になっても、新山だけが現れません。

しかし、新山は疲れて眠っているだけだろうと考え、メンバーは当初、誰も気にも留めません。

しかし、ただ一人、参加者の一人で「アル中分科会」メンバーの姉と共に来ていた碓氷優佳だけが、部屋の様子に不審を抱き始めます。

 

優佳は、伏見の周到な偽装工作のわずかな粗を見抜き、その鋭い推理と論理的な分析によって、密室の扉が閉ざされたままの状況で伏見を、次第に追い詰めていきます。

 

この作品の主要な読みどころは、犯人の伏見と探偵役の碓氷優佳の間で繰り広げられる、息詰まる心理戦や頭脳戦です 。

読者は、犯行の内容は知っているものの、「なぜ新山が殺害されたのか」という動機と、「なぜ伏見が密室の扉を閉ざしたままにしておきたいのか」という二つの謎を追いながら、物語が進むにつれて明らかになるロジックの展開を楽しむことになります。

碓氷優佳は死体が確認されていない段階で、推測のみで事件の発生を確信し、物的証拠がなにもないまま、殺人であることや犯人を断定するという恐ろしいほどの洞察力を見せます。

 

本作はタイトルが示す通り、「扉は閉ざされたまま」の状況で物語が進行し、すべてが解決してから、最後に密室が開けられる構成となっています。

これが、密室モノとしてはとてもユニークでした。

 

密室殺人は、ミステリーというジャンルにおいて、最も知的で魅力的なテーマの一つです。

外部から誰も侵入できないはずの閉ざされた空間で、なぜか死体が発見される。

この絶対的な不可能状況を、いかに論理的に覆すか。

いずれにしても、過去の多くのミステリーにおいては、密室であった空間が破られ、被害者が全員に確認されてから、この部屋は実は密室であったと理解され、トリック暴きの推理劇は始まりました。

 

しかし本作の面白いところは、死体が確認されない、事件発生の有無も分からないままに推理小説としてロジックが展開されていくところ。この一点につきます。

タイトルの通りに「扉は閉ざされたまま」で物語は進み、犯人と探偵役の攻防に決着がつき、最後に密室が開けられたところで物語が終わるという構成の妙。

とにかく、密室殺人物で、被害者が殺されている部屋のドアが開く前に、探偵と犯人が戦い終わるというミステリーは初めてでした。

ある意味では、ミステリーのお約束を覆す斬新なプロット構成。

そして、扉が開かれるまでの時間経過に、なぜ犯人がこれほどこだわるのか。これがラストへの重要な伏線になっていました。

 

多くの本格ミステリが抱える課題として、「緻密なトリックや論理的整合性を追求するあまり、犯罪動機のリアリティが欠ける」点が挙げられると思います。

本作の犯人の動機が理解できるかどうかは、読者に委ねられるところでしょうが、作者が仕掛けた密室トリックに意味を持たせるために、実に考え抜かれた動機であることは理解できます。

個人的には、作者の苦心を評価したいところ。

 

「平凡な日常生活を送っている人間には、身近に異変が起こっているかもしれないとは、なかなか想像できないものだ。」-本作より引用。

 

気心の知れた仲間同士の同窓会。旧交を温めようと都内の高級ペンションに集まった七人。

誰もがそんな夜に、殺人事件が起ころうなどとは夢にも思っていません。

その仲間の一人が、夕刻に部屋に戻り、内側から鍵をかけたまま出てこないという状況。

ドアをノックして呼んでも、携帯に電話をしても返事はなし。

中の安否を確認するには、ドアを壊すか、窓ガラスを割るしかありません。

普通に考えれば、風呂に浸かったまま事故死している可能性もあるという段階で、有無を言わず窓くらいは割るだろうと思ってしまいますが、やはりその当事者になってみれば、最悪のことは考えたくないというのが人情なのかもしれません。警備会社が飛んでくるのも、警察が通報で駆け付けるのも、この夜だけは見たくなかった。

犯人はこの心理を巧みに操作しました。

しかし、碓氷優佳だけは、犯人の誘導をシャットアウト。起ったことから論理的に事実を導きます。

 

ラスト、犯人と対峙するクールな名探偵の女心の「扉はとざされたまま」。

 

 

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映画「イブの総て」1950年アメリカ

オール・タイム・ベストにランキングされるような名作で、未見の映画はないか。

Amazon Primeで発見しました。

これDVDでも持っているのに、何やってるんだか。

 

人生を66年も過ごしてきてしまったロートル映画ファンとしては、近年世間を賑わしたような話題作よりも、そんなクラシック映画の方がどうしても気になってしまうのはお許しいただきたいところ。

 

映画というエンターテイメントがこの世に生まれてから150年近い歳月が流れています。

その中にどんな傑作が隠れていようと、そもそもがすべての作品を見ることなど不可能。

評判や自分の直観で、見る映画がチョイスされることはやむを得ないわけです。

残りの人生、映画鑑賞に割ける時間も限られてきました。ならば、出来ればハズレは避けたいところ。

もちろん映画には、相性というものもあります。

名だたる映画評論家がどれだけ絶賛しようと、自分の好みには合わないという作品も存在するのは事実。

けれど、映画という娯楽は、どんなお偉いさんがどんな評価をしようと、基本的には自分がどう感じたかがすべて。

そこは、自分の感性に正直でありたいとは思います。

しかしそうはいっても、今現在評判の映画よりは、過去にそれなりにきっちりと評価が確立されている映画の方が、ハズレの確率は少ないだろうと考えるのはあながち間違ってはいないでしょう

温故知新ともいいます。今まで見逃してしまっているクラシック映画でも、案外今の目から見れば新鮮に映るという作品もありますし、なるほどこの映画が、後のあの映画に影響を与えているのだと発見して、嬉しくなってしまうことも。

 

さて前置きが長くなりましたが、本作もそんな一本でした。

 

この作品は、ブロードウェイの大女優マーゴ・チャニング（ベティ・デイヴィス）と、彼女の熱狂的な若いファンであるイヴ・ハリントン（アン・バクスター）の関係を描いています。

イヴは一見控えめで純粋そうに見えますが、実は野心的で冷酷な一面を持ち、マーゴの信頼を得て次第に彼女のキャリアや人間関係を脅かしていきます。

物語は、演劇界の華やかな表舞台と、裏にうごめく嫉妬や野心、裏切りを鋭く描き出していきます。

 

クラシック映画の知識なら、まだまだYouTube動画で、「映画コメンテイター」と称している若者諸氏には負けないと胸を張りたいオールド映画マニアですので、本作が第23回アカデミー賞で作品賞を含む6部門を受賞し、映画史に残る名作とされていることは当然承しています。

そればかりでなく、監督であるジョセフ・L・マンキーウィッツは、本作において、前年の「三人の女性への手紙」に続いて、監督賞、脚本賞を2年連続で受賞していることも。

これを成し遂げているのは、長いアカデミー賞の歴史の中でも彼だけです。

少なくとも、その評価においては、オールタイム・ベストのランキングでは、ほとんど常連となっていることは、鑑賞前からしっかりと情報としてインプットはされていました。

 

ただ、白状してしまいますと、本作については、長い間大きな勘違いをしていました。

それは、本作に端役で出演していたマリリン・モンローの存在です。

本作での彼女の役は、無名の新人女優の役。

モンローの人気は、1953年の「ナイアガラ」で披露したモンロー・ウォークでブレイクするのですが、この映画撮影当時のマリリンは、映画の役同様に無名でした。

しかし、後になって本作を紹介するスチールで使われていたのが、主演のベティ・デイビスでもなく、アン・バクスターでもなく、ほとんどが、マリリンの登場するシーンばかりだったんですね。

映画の内容が、演劇界でのしあがってゆく女性の物語であることは承知していたので、これが完全にマリリンのイメージとダブってしまいました。

その役を演じているのは、アン・バクスターであることは、文字情報としてはわかっていましたが、それがビジュアル情報としては、マリリン・モンローと完全にすり替わっていました。

もちろん、アン・バクスターも美しい魅力的な女優です。

思えば、ヒッチコックの「私は告白する」にも出演していましたし、その顔を知らないわけではなかったはずですが、やはりマリリン・モンローのビジュアル・イメージは強烈でした。

後のマリリンの活躍を知ってしまえば、たとえ公開当時はそうでなくとも、本作の解説に、まだ初々しい芳紀23歳の彼女の登場シーンを使わない手はありません。なんといっても、本作の出演者の中で、最も知られた顔が彼女でなのですから。

同じように、端役のマリリンがクローズアップされてしまった映画として、本作と同年に作られたジョン・ヒューストン監督の「アスファルト・ジャングル」がありましたが、この作品も、出番の少ないギャングの愛人役のモンローのスチール写真が、後の映画紹介では多用されていました。

 

モンローのせいで、本作では割を食ってしまったアン・バクスターですが、本作ではちゃんとアカデミー賞主演女優賞に、ベティ・デイビスと共にノミネートされています。

調べてみましたが、長いアカデミー賞の歴史の中でも、一つの作品から、主演女優賞二人がダブル・ノミネートというのは本作のみ。

しかし、話題にはなったものの、これが裏目に出て、アカデミー会員による投票では、票が割れてしまい、二人とも受賞はかないませんでした。

ベテラン女優マーゴを演じたベティ・デイビスが受賞していれば、彼女のキャリアの中では、三度目の受賞。

アン・バクスターのプロダクションが、かなりのプッシュをして、ノミネートにねじ込んだ経緯を知ると、ここは素直に、ベティ・デイビスに華を持たせて上げたかったところです。

 

この作品の撮影時、ベティ・デイビスは42歳。

彼女の役者人生を匂わせるような役を逆手にとって、女優にとっては死ぬほど怖いはずの、「老い」にも正面から立ち向かっていました。

月並の美人女優なら、老醜をさらすことに耐えられないのが普通でしょう。

しかし、ドンと肝の据わったこのベテラン演技派女優は、「私は人形じゃない。私の演技を見て。」といわんばかり。

のっけから、普通なら見せたくはない、楽屋での「化粧落とし」顔をさらして、1930年代にはアメリカ中から愛された美人女優であることをいとも簡単に放棄。

完全に、マーゴ・チャニングになり切って、圧倒的な貫禄を見せつけてくれました。

しかし、こちらとしては、後の「何がジェーンに起こったか?」における、まるでホラー映画のような彼女の鬼気迫る醜悪メイクでの狂乱演技を知っているだけに、ここはニンマリ。

あの役に至るまでの通過点として、大いに納得のいく演技でした。

本作は、マーゴの代役を演じたイヴが、それで評判をとり、次第にマーゴの地位を乗っ取っていくというストーリーでしたが、実はマーゴを演じたベティ・デイビスも、本作のキャスティングは、最初にオファーされたクローデット・コルベールの怪我による代役でした。

ベテラン女優たちが尻込みする中、脚本を読んで興味を示したのが彼女だったとのこと。

結果として、彼女の後期のキャリアをさらに広げる作品になったことは、衆目の一致するところでしょう。

 

マンキーウィッツの脚本は、シニカルでウィットに富んだセリフが随所に散りばめられており、どの登場人物にも印象的な台詞が与えられています。

パーティのゲストを知って、マーゴが言うセリフ。

 

「シートベルトを締めて、荒れた夜になるわよ」

 

特筆すべきは、主要キャストの誰もが立体的に描かれていること。

どの人物も共感と反感が同居するキャラクターとして描かれていることが、この人間ドラマをより奥深いものにしています。

主人公マーゴとイヴの関係を軸に、人間のエゴ、野心、老いへの恐怖、嫉妬、裏切りといった普遍的なテーマを、単なる善悪の対立ではなく、多面的かつリアルに描き分ける脚本はやはり秀逸。

単なるバックステージものや女同士の火花散る内幕劇にとどまらず、時代や場所を超えた普遍性を持つ人間ドラマに昇華されています。

物語全体が「栄光の虚しさ」や「人間関係の本質」を浮き彫りにする構造も巧み。

 

業界批判と社会風刺の先進性も、今見るとドキリとさせられます。

本作にはもちろん露骨な性描写はありませんが、1950年当時としては珍しく、女性の野心や業界内の権力構造、ジェンダー問題を辛辣に描写。

日本の芸能界の露悪な事件が後を絶たない昨今、この映画を見ながら、有名タレントたちによる露悪なニュースがフラッシュ・バックしたことは否めません。

どんなことがあっても、さもありなんです。

本作が提示した、現代にも通じるテーマ性は、時代を超えて評価されるべきだと大いに感じ入った次第。

 

ベティ・デイビス、アン・バクスター、マリリン・モンローの他に、もう一人顔を覚えていた女優がいました。

それは、マーゴの古き付き人のバーディを演じたセルマ・リッター。

この人は、ヒッチコックの「裏窓」で、主演のジェームズ・スチュアートの家政婦を演じていた人です。

この映画が好きなこともあり、家政婦役としては、個人的には、「レベッカ」におけるジュディ・アンダーソンと双璧の印象です。

このバディと、マーゴの絡みで面白いセリフがありました。

和田誠氏の「お楽しみはこれからだ!」を意識して、マーゴが舞台でつけたガードルが小さいとバーディに文句をつける場面での二人の会話。

 

「これをはいてあなた、２時間半も芝居をする身にもなってよ！」

 

「わたしなら２時間半かけてもはけないわ」